Четвертая четверть великие наши «современники»

Завершающая цикл школьных музыкальных занятий последняя четверть построена на образцах народно-песенного творчества и на музыке выдающихся представителей великого музыкального искусства: западноевропейского классика XIX в. Л. Бетховена, русского классика XIX в. М. Мусоргского и русского классика XX в. С. Прокофьева.

Первые уроки четверти можно посвятить Л. Бетховену, чтобы обобщить в сознании школьников многогранное творчество любимого ими композитора и подчеркнуть актуальность жизненного содержания его музыки в наши дни.

С музыкой великого немецкого классика Бетховена ребята начали знакомиться еще в I классе. Год от года знакомство это расширялось, и Бетховен представал перед ними все новыми гранями своей личности, своего творчества. Вспомним произведения Бетховена: «Сурок», «Весело. Грустно», «Эгмонт», «Кориолан», Симфония № 5, Соната № 14 («Лунная») (Учитель по своему усмотрению может напомнить хотя бы основные интонации некоторых из этих произведений.). Так постепенно становится ясно, что основу бетховенского творчества составляют героизм, борьба, устремленность к свету, к радости, но этим оно не исчерпывается. В творчестве Бетховена есть произведения, полные и ласковой доброты, и безграничной любви, и глубокого драматизма.

Но и этими качествами не исчерпывается личность и творчество великого музыканта. Судьба обрушивает на Бетховена одну беду за другой, одно страдание за другим, вплоть до трагедии глухоты, но она не смогла сломить его могучий дух, его несгибаемую волю, его безграничное жизнелюбие. И никакие беды не лишили Бетховена чувства юмора, которое он сохранил до конца жизни. Подшучивая над одним из своих друзей — скрипачом. чрезвычайно тучным для своего возраста, Бетховен сочинил канон для четырехголосного хора и назвал его «Похвала тучности». Посмеиваясь над близорукостью первых исполнителей своего дуэта для альта и виолончели, одним из которых, кстати, был он сам, сделал на нотах надпись: «Дуэт для двух пар очков».

А в последние годы своей жизни Бетховен закончил начатое с юности фортепианное рондо под названием «Ярость по поводу утерянного гроша». В музыке этого богато развитого рондо мажор все время чередуется с минором, главная тема и эпизоды подвергаются непрерывному развитию, словно это не рондо, а вариации или даже сонатная разработка. Сколько остроумия и фантазии в этой музыке, рисующей переживания человека, неистово разыскивающего утерянную монету! Здесь и паническая суматоха, и отчаяние, и слезы, и злость... Чего-чего здесь только нет, пока два радостных мажорных аккорда не возвестят о том, что грош наконец-то найден!..

В музыке Бетховена часто встречается танцевальность, даже самые обыкновенные танцы — вальсы, менуэты, похожие на вальсы «немецкие танцы»... Лучшими из бетховенских танцев, пожалуй, надо признать его «Экосезы» для фортепиано. Экосез — танец, распространенный в начале XIX в. (наряду с вальсом экосезы звучат в русских операх, действие которых происходит в ту пору, — «Евгений Онегин» Чайковского и «Война и мир» Прокофьева).

«Экосезы» Бетховена представляют собой шесть небольших танцев, каждый из которых завершается таким же небольшим дополнением (как припев в песне). Дополнения эти абсолютно одинаковы, сами же танцы различны по музыке. Получается нечто среднее между рондо и перенесенной в инструментальную музыку песенно-куплетной формой. Главное, на что следует обратить внимание учащихся, — это как по-бетховенски мужественно звучит этот игривый, даже изящный по своей природе танец.

Помимо знакомства с рондо и «Экосезами» Бетховена, учащиеся познакомятся и разучат шотландскую песню Бетховена «Верный Джонни». В творчестве Бетховена был ярко выражен интерес к народной песенности, Он сделал ряд обработок австрийских, английских, венгерских, ирландских, испанских, итальянских песен и песен других народов. Встречаются в его музыке и русские народные песни (вспомним хотя бы «Вариации на тему «Камаринской», которые звучали в III классе). К лучшим его обработкам относятся обработки шотландских народных песен, в частности той, которая будет разучена. Незатейливая народная песенка привлекает нас своей трогательной, наивной чистотой и прямодушием. Бетховен сделал эту свою обработку для голоса в сопровождении фортепиано, скрипки и виолончели.

Еще один пример творчества гениального композитора прошлого, которого мы воспринимаем как нашего современника, — творчество М. Мусоргского.

С музыкой великого русского композитора Модеста Петровича Мусоргского учащиеся пока еще знакомы сравнительно мало. Они слушали песню Варлаама из оперы «Борис Годунов» (вспомним образ беглого монаха, оказавшийся очень близким к картине И. Репина «Протодьякон»; увидев этого «протодьякона», Мусоргский воскликнул: «Так ведь это же мой Варлаамише!..»); вступление к опере Мусоргского «Хованщина». (Возможно, кто-нибудь запомнил, что этому вступлению Мусоргский дал название «Рассвет на Москве-реке». В этой музыке не только «нарисована» картина пробуждения русской столицы — с перекличкой утренних петухов, с тихим колокольным звоном, зовущим к утреннему богослужению, но и воплощена главная идея всей оперы: рассвет над Русью, которая ждала воцарения Петра I (Великого) и его обновляющие жизнь реформы.)

Судьба русского народа — вот что больше всего волновало и увлекало Мусоргского. В одном из писем к своему другу и единомышленнику Репину он писал: «...народ хочется сделать; сплю и вижу его, ем и помышляю о нем, пью — мерещится мне он, он один, цельный, большой, неподкрашенный и без сусальности». Русский народ, угнетенный, страдающий, униженный беззаконием и тяготами жизни в крепостной России, еще не созревший к сопротивлению, только порой помышляющий о нем, — вот содержание большей части созданных Мусоргским произведений. Вот почему на его музыке лежит печать трагедийности.

На этих же уроках можно разучить одну из очень известных русских народных песен «Исходила младешенька». Широкую известность эта песня приобрела в большой мере благодаря тому, что Мусоргский включил ее в свою оперу «Хованщина» в партию одного из главных действующих лиц этой оперы — Марфы-раскольницы. Разучивать «Песню Марфы», эту сравнительно простую, но очень поэтичную и одновременно очень строгую по характеру песню, следует в обработке, которая обычно рекомендуется для школьного исполнения. Однако после того как она будет разучена, можно дать ее послушать в том виде, как она звучит в опере: мелодия песни остается так же неизменной, как в исполнении учащихся, а оркестровое сопровождение изменяется с каждым куплетом. Так возникает характерная для русской музыки вариационная форма

Теперь шире и глубже учащиеся познакомятся с оперой «Борис Годунов» — одним из высочайших достижений мирового искусства. Вновь встает перед нами вопрос, всегда встававший, когда мы обращались к операм. Как быть? В условиях классных занятий невозможно услышать и тем более увидеть всю оперу целиком. Но мы сосредоточивали внимание на важнейших драматургических моментах, дававших возможность хоть в самых общих чертах представить себе идейно-художественный замысел оперы. В «Иване Сусанине» Глинки это были два важнейших момента оперы — предсмертная ария Сусанина и хор «Славься!». В «Войне и мире» Прокофьева тоже два момента: ария Кутузова и лирический вальс. В «Риголетто» Верди был лишь один эпизод — финал оперы, в котором в один узел сплелись судьбы главных действующих лиц: Риголетто, Джильды и Герцога.

В «Борисе Годунове» мы возьмем два эпизода из двух заключительных картин оперы. В первой из этих картин завершается развитие образа Бориса Годунова, во второй — собирательного образа народа. Царствование Бориса, занявшего престол после смерти Ивана Грозного, омрачено молвой о его причастности к насильственной смерти законного наследника — юного царевича Дмитрия. Трагедия Бориса Годунова — это трагедия царя, окруженного ненавистью и народа, и бояр, и трагедия человека, замученного угрызениями совести («О, совесть лютая, как тяжко ты караешь...»).

Сцена смерти Бориса начинается с разговора его с сыном Федором («Не спрашивай, каким путем я царство приобрел... Тебе не нужно знать. Ты царствовать по праву будешь...»). За сценой погребальный звон... Приближаются голоса церковного хора... Умирающего царя постригают в монахи...

Эта сцена, как и почти вся опера, основана на исторической хронике А. Пушкина «Борис Годунов». Есть, однако, одно очень существенное отличие. «Историческая хроника» Пушкина завершается ремаркой: «Народ безмолвствует». Мусоргский завершает свою оперу сценой под Кромами, вовсе отсутствующей у Пушкина. Эта сиена — прообраз крестьянских восстаний, постепенно расшатывавших царскую власть и приведших к отмене крепостного права. Народ — главное действующее лицо тех эпизодов из сцены под Кромами, которые предлагаются для слушания. В центре — эпизод издевательского «славления» боярина, схваченного крестьянами. Могучая стихийная сила народа — вот основная тема сцены под Кромами.

На примере творчества С. Прокофьева учащиеся могут убедиться в крепкой связи времен, жизненности высоких идеалов искусства прошлого в современной музыке.

Музыка современного русского классика С. Прокофьева звучала на занятиях с I класса. На первые уроки ребята входили под марш Прокофьева; слушали и обстоятельно разбирались в симфонической сказке «Петя и волк»; веселую сатирическую песню на слова А. Барто «Болтунья», 1-ю часть из сюиты «Зимний костер» («Отъезд»); знакомились со сценами из балета «Золушка», из опер «Война и мир» и «Повесть о настоящем человеке», с хоровыми эпизодами из кантаты «Александр Невский» («Вставайте, люди русские!»).

Теперь учащимся предстоит познакомиться с Симфонией №1 Прокофьева, которую он назвал «Классическая». Именно так ее и называют во всем мире. Не правда ли, странно? Ведь термины «классический», «классика» мы применяем либо к определенному стилю и периоду развития музыки (к которому относятся и Моцарт, и Бетховен), либо к искусству любой поры, хотя бы и наших дней, но достигшему высшего совершенства. Что же имел в виду Прокофьев, назвав свою Симфонию № 1 «Классической»? Позже он писал, что сделал это потому, что, во-первых, в известной мере опирался на традиции добетховенской музыкальной классики, а во-вторых, хотел поддразнить критиков, которые и без того основательно «пощипывали» молодого, смелого в своих новаторских устремлениях композитора, а в-третьих, — кто знает, — может быть, и в самом деле эту симфонию назовут классической. Прокофьев не ошибся: уже более полувека весь мир называет его композитором-классиком.

В «Классической» симфонии четыре части. 1-я и 4-я — светлые, радостные, безостановочно устремленные вперед. Две средние связаны с танцевальными традициями раннеклассической музыки. В основе 2-й части — медленный менуэт, сочетающийся с нежной песенностью. 3-я часть — красочный, острый гавот.

Надо обратить внимание на то, что все четыре части симфонии написаны в мажоре, а в последней части нет даже ни одного минорного аккорда. Это, разумеется, способствует созданию яркого, солнечного колорита симфонии.

И несмотря на то что в симфонии можно обнаружить связи с классической музыкой XVIII— XIX вв., связи эти внешние. Внутренне вся музыка здесь ярко прокофьевская (острые сдвиги разных тональностей, необычные сочетания аккордов, главное же — острота и чеканность ритма) и, безусловно, русская (в 1-й части можно уловить следы влияния увертюры к «Руслану и Людмиле» Глинки, а в финале отчетливо слышна мелодия, интонационно очень близкая к одной из основных мелодий «Снегурочки» Римского- Корсакова).

На одном уроке лучше дать ребятам послушать две средние части симфонии, а на другом — всю симфонию целиком.

Большим контрастом к солнечной, радостной, стремительной музыке «Классической» симфонии станет прекрасная русская народная песня в обработке С. Прокофьева «Зеленая рощица», С этой песней ученики уже встречались в VI классе, пели ее и слушали, как она звучит в опере «Повесть о настоящем человеке» (медсестра Клавдия успокаивала, убаюкивала этой нежной песней летчика Алексея, страдавшего не только от мучительной боли, но и от мысли, что больше он не сможет летать). Прокофьев объединил «Зеленую рощицу» с другой русской народной песней — «Мне ничего не тешит взгляда», ставшей средней частью, обрамленной «Зеленой рощицей». В VI классе ребята пели только «Зеленую рощицу». Сейчас, повторив ее, можно выучить и вторую песню, исполнив всю трехчастную песенную композицию. Возможен такой вариант исполнения: крайние части поет весь класс, а среднюю — один-два, или группа солистов, или учитель.

Обобщению главной темы, как обычно, надо посвятить последние уроки четверти. Однако сейчас этим уроком завершается не только данная четверть и данный учебный год, но и весь курс школьных занятий музыкой... Это дает право, а в каких-то случаях, возможно, даже обязывает учителя сосредоточить внимание учащихся на любой теме любого года занятий, которая, с его точки зрения, была усвоена недостаточно полно и устойчиво.

Форма, в которой будет проведена эта часть уроков, ни в коем случае не должна походить на «краткое повторение пройденного». Так же как и всегда в подобных случаях, любой вопрос, ранее уже затрагивавшийся, при каждом новом обращении к нему должен быть показан с новых позиций, в иных связях и обязательно на более высоком уровне. В данном случае напоминание о тех или иных темах или отдельных вопросах можно представить в виде тщательно продуманных и подготовленных «акцентов», активизирующих «музыкальное сознание» учащихся. Каждый такой «акцент» обязательно должен опираться на живую звучащую музыку (хотя бы в самых коротких фрагментах, вплоть до отдельных интонаций). Без этого любые слова учителя — и самые развернутые, и самые краткие — в лучшем случае будут воздействовать на разум учащихся, не вызывая эмоций. Второй задачей этих уроков неизбежно станет укрепление наиболее сложных моментов певческой программы заключительного урока-концерта...

В основу организации музыкального материала по теме «Великие наши современники» учитель может положить творчество и других композиторов, получивших мировое признание. Универсальность тематизма позволяет привлекать музыкальные произведения всех пластов музыкальной культуры (фольклор, музыка религиозной традиции, золотой фонд классики, академическая и популярная музыка), устанавливая связи между ними на основе общих закономерностей. Важно, чтобы ребята почувствовали своеобразие мастера, неповторимость его почерка, проявляющегося в разных жанрах, формах музыкального искусства.

Такой подход к организации музыкального материала позволит реализовать и творческую индивидуальность учителя. Эмоционально-содержательный образ музыкального искусства, формируемый в сознании учащихся, изменится, если его основанием станет, например, музыка Бетховена — Чайковского — Прокофьева или Баха — Мусоргского — Шостаковича, Моцарта — Глинки — Прокофьева или Шопена — Рахманинова. Что-то особенное высветится в творчестве конкретного композитора в зависимости от того, с кем из великих предшественников, современников или последователей вступит в диалог его музыка.

Главное — формирование способности учащихся схватывать связи и отношения отдельных явлений музыкального искусства. Процесс познания ребенком выдающихся произведений при глубоком знакомстве с художественным миром его автора становится более личностным. Введение национального, регионального компонента в содержание музыкальных занятий способствует сохранению и развитию художественных традиций каждой конкретной школы, активно формируя музыкальную культуру ребенка.

Необходимое напутственное слово учителя, обращенное к учащимся в связи с завершением школьного курса музыкальных занятий, естественнее всего перенести на заключительный урок-концерт, чтобы оно было обращено также и к родителям школьников, и к другим их учителям.

В этом слове важно подвести итоги достигнутых в данном классе успехов, хотя бы кратко охарактеризовать накопленный учащимися опыт эмоционального и осмысленного восприятия музыки. На конкретных примерах показать достигнутый ими уровень музыкальной культуры и эстетического вкуса, понимания жизненных связей музыки. Все это желательно провести в форме беседы учителя с учащимися.

В заключение можно выразить уверенность в том, что интерес и любовь к музыке будут развиваться у ребят и дальше, что они будут стремиться к расширению своего музыкального кругозора, будут слушать хорошую музыку и читать о ней, что не запутаются в проблемах серьезной и легкой музыки. Никогда не усомнятся в том, что серьезная музыка рождает в нас глубокие чувства и мысли, музыка легкая, призванная украсить отдых человека, развлечь его, отвлекает от глубоких чувств и мыслей. Можно не сомневаться и в том, что сегодняшние школьники не раз ощутят на собственном опыте, сколь велико влияние музыки на человека, как нужна она ему и в радостные, и в тяжелые минуты жизни, поймут, что, если прожить свою жизнь, не познав всей красоты и богатства музыки Баха и Моцарта, Чайковского и Мусоргского, Бетховена и Шопена, не станут от этого меньше ни Бах, ни Моцарт, ни Чайковский, ни Мусоргский, ни Бетховен, ни Шопен. Они останутся такими же великими и могучими. А вот тот, кто пройдет мимо них и не прикоснется к их искусству, потеряет очень много...