Кинетическое искусство

Кинетическое искусство (от гр. kinetikos – приводящий в движение) – направление в современном искусстве, связанное с широким применением движущихся конструкций и других элементов динамики.

Кинетизм как самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х годов, однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском конструктивизме (Владимир Евграфович Татлин, Константин Степанович Мельников, Александр Михайлович Родченко), дадаизме.

Раньше народное искусство также демонстрировало нам образцы движущихся объектов и игрушек, например деревянные птицы счастья из Архангельской области, механические игрушки, имитирующие трудовые процессы, из села Богородское и др.

В кинетическом искусстве движение вводится по-разному некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие – колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или электромагнитными силами.

Бесконечно разнообразие используемых материалов – от традиционных до сверхсовременных технических средств, вплоть до компьютеров и лазеров.

Часто в кинетических композициях применяют зеркала.

Во многих случаях иллюзия движения создается меняющимся освещением – здесь кинетизм смыкается с оп-артом.

Приемы кинетизма широко используются при организации выставок, ярмарок, дискотек, в оформлении площадей, парков, общественных интерьеров.

Кинетизм стремится к синтезу искусств: движение объекта в пространстве может дополняться эффектами освещения, звуком, светомузыкой, кинофильмом и др.

 

ПРИМИТИВИЗМ

В русском языке название этого художественного направления носит слегка отрицательный характер, поэтому более уместно использовать термин «наивное искусство».

Как понятно из названия, это направление отличается чистотой восприятия и упрощенностью изображения, что в большинстве случаев объясняется тем, что многие художники-примитивисты не имели соответствующего образования. Анри Руссо, Нико Пиросмани, Иван Генералич, Анна Мэри Мозес (Бабушка Мозес), Никифор Крыницкий – выдающиеся художники-примитивисты XX века.

 

ГРАФФИТИ

От итальянского graffiare – «царапать» – нацарапанные на любой поверхности символы.

По сути, это уличное искусство.

Витиеватые надписи и изображения на зданиях, транспорте, сделанные с помощью аэрозольных баллончиков с краской, отсюда и второе название граффити – spray-art.

Граффити как художественное направление появилось в 1970-е в Нью-Йорке, когда безработные художники, преимущественно пуэрториканцы, выражали себя, а заодно и протест против своего незавидного положения.

Сейчас образцы «пульверизаторного искусства» можно увидеть не только на зданиях и других городских постройках, но и в галереях современного искусства. Это Жан-Мишель Баския, Стэш, Шепард Фэйри, Кит Харинг и, конечно, Бэнкси.

 

ГИПЕРРЕАЛИЗМ

Направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 1970-х годов.

Мэтью Корнелл

Другое название гиперреализма – фотореализм.

Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте.

Они изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах.

При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др.

Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств.

Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально.

Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку).

Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей.

Это вызывало много путаницы и шокировало людей.

Представители гиперреализма: Диего Фацио, Хосе Вергара, Педро Кампос, Самуэль Сильва, Джереми Геддес, Хуан Франсиско Касса и др.

 

РЕДИ-МЕЙД

Реди-мейд (от англ. ready made – готовый) – один из распространенных приемов современного (авангардистского) искусства, состоящий в том, что предмет промышленного производства вырывается из привычной бытовой обстановки и экспонируется в выставочном зале.

Смысл реди-мейда заключается в следующем: при смене окружения изменяется и восприятие объекта.

Зритель видит в предмете, выставленном на подиуме, не утилитарную вещь, а художественный объект, выразительность формы и цвета.

Название реди-мейд впервые в 1913 – 1917 годы применил Марсель Дюшан по отношению к своим «готовым объектам» (расческе, велосипедному колесу, сушилке для бутылок).

В 1960-х годах реди-мейд получил широкое распространение в различных направлениях авангардистского искусства, особенно в дадаизме.

 

ИНСТАЛЛЯЦИЯ

Инсталляция (от англ. installation – установка) – пространственная композиция, созданная художником из различных элементов – бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, текстовой или визуальной информации.

Основоположниками инсталляции были дадаист Марсель Дюшан и сюрреалисты.

Создавая необычные сочетания обычных вещей, художник придает им новый символический смысл.

Эстетическое содержание инсталляции в игре смысловых значений, которые изменяются в зависимости от того, где находится предмет – в привычном бытовом окружении или в выставочном зале.

Инсталляцию создавали многие художники авангарда Роберт Раушенберг, Джим Дайн, Гюнтер Юккер, Илья Иосифович Кабаков. Инсталляция – форма искусства, широко распространенная в XX в.

 

ЭНВАЙРОНМЕНТ

Энвайронмент (от англ. environment – окружение, среда) – обширная пространственная композиция, охватывающая зрителя наподобие реального окружения, одна из форм, характерная для авангардистского искусства 1960-1970-х годов. Энвайронмент натуралистического типа, имитирующий интерьер с фигурами людей, создавали скульптуры Джордж Сегал, Эдвард Кинхольц, Клас Ольденбург, Дуэйн Хэнсон. Подобные повторения реальности могли включать элементы бредовой фантастики. Другой тип энвайронмента представляет собой игровое пространство, предполагающее определенные действия зрителей.

 

ХЭППЕНИНГ

Хэппенинг (от англ. happening – случающееся, происходящее) – разновидность акционизма, наиболее распространенного в авангардистском искусстве 1960-1970-х годов. Хэппенинг развивается как событие, скорее спровоцированное, чем организованное, однако инициаторы действия обязательно вовлекают в него и зрителей. Хэппенинг возник в конце 50-х годов как форма театра. В дальнейшем организацией хэппенинга чаще всего непосредственно в городской среде или на природе занимаются художники. Они рассматривают эту форму как род движущегося произведения, в котором окружающая среда, предметы играют не меньшую роль, чем живые участники акции. Действие хэппенинга провоцирует свободу каждого участника и манипуляцию предметами. Все действия развиваются по предварительно намеченной программе, в которой, однако, большое значение отводится импровизации, дающей выход различным бессознательным побуждениям. Хэппенинг может включать элементы юмора и фольклора. В хэппенинге ярко выразилось стремление авангардизма к слиянию искусства с течением самой жизни.

 

СУПЕРПЛОСКОСТЬ

Superflat – термин, придуманный современным японским художником Такаси Мураками (Takashi Murakami).

Термин Superflat создан для того, чтобы объяснить новый визуальный язык, активно применяемый поколением молодых японских художников, таких как Такаси Мураками: «Я думал о реалиях японского рисунка и живописи и о том, как они отличаются от западного искусства. Для Японии важно ощущение плоскости. Наша культура не обладает 3D-формами. 2D-формы, утвержденные в исторической японской живописи, сродни простому, плоскому визуальному языку современной анимации, комиксов и графического дизайна».

 

МИНИМАЛИЗМ

Простые геометрические формы, лаконичность, единообразие и монохромность – главные черты минимализма. Как замечают сами художники, работы минималистов идеально вписываются в современный интерьер. Направление берет свое начало в 1960-х, когда американский художник Фрэнк Стелла создал серию «Черных картин», на которых были изображены черные линии.

Мэл Бочнер, Роберт Риман, Сол Левитт, Дэн Флавин помогли минимализму стать самостоятельным направлением в искусстве.

ПЕРФОРМАНС

Перформанс (performance – англ.: исполнение) – публичное создание артефакта по принципу синтеза искусства и не-искусства, не требующее специальных профессиональных навыков и не претендующее на долговечность.

Эпатаж, провокационность – органические свойства перформанса.

Его эстетической спецификой является акцент на первичности и самодостаточности творческого акта как такового (по аналогии с «искусством для искусства» за перформансом закрепилась характеристика «акт ради искусства»).

Художественная сверхзадача перформанса – утверждение идентичности творца.

Перформанс как один из ключевых феноменов искусства постмодернизма возник в 1970-е гг.

К его художественно-эстетическим предшественникам принадлежат русский и итальянский футуризм (особую роль сыграла выдвинутая Маринетти в манифесте «Мюзик-холл», 1913, концепция «театра неожиданности», профанирующего классическое искусство своей эфемерной мюзик-холльностью), дадаизм, хэппенинг, боди-арт, концептуальное искусство, фонетическая поэзия К. Швиттерса, театр жестокости А. Арто, а также творческий опыт движения «Флюксус» и японской группы Гутай.

Если в США перформанс достаточно профессионализирован и близок к исполнительскому искусству (танец, музыка, пение и т.д.), то в Европе и Канаде он сохранил свой радикальный характер, раскованность, яркое личностное начало.

Свидетельства тому – «концептуальное шаманство» И. Бейса, «живая скульптура» Гилберта и Джорджа.

Перформанс – искусство мгновения, балансирующее на грани бытия и небытия. И если культура постмодернизма – своеобразный «театр памяти», то перформанс входит в ее состав как символ забвения.