double arrow

Характерные особенности европейского искусства 17 века


Микеланджело Меризи да Караваджо – выдающийся живописец Италии XVII века, художник-новатор. В итальянской живописи эпохи барокко ярко прослеживается влияние академизма, представленного творчеством братьев Караччи, а также влияние сугубо барочной эстетики в творчестве мастеров монументально-декоративной живописи. Творчество Караваджо является наиболее ярким воплощением реалистических тенденций, так как он впервые в итальянской живописи стал необычайно реалистично трактовать библейские и евангельские сюжеты и изображать фигуры и предметы, что шокировало публику (изображение босоногих апостолов, фруктов с гнильцой). Крупнейшим завоеванием его творчества явилось так называемое «погребное» или «подвальное» освещение - эффект освещения, идущего часто от неясного источника света в тёмном помещении. Разработка и решение задач светотеневой моделировки интересовала вслед за Караваджо многих европейских художников XVII века. В ранних работах Караваджо – «Лютнист», «Вакх», «Корзина с фруктами» – мало разработано пространство, все предметы и фигуры максимально приближены к переднему краю изобразительной плоскости. В произведения зрелого периода творчества максимально проявляются искания Караваджо в области светотени и разработки фигуры в сложном ракурсе. Наиболее известные работы: «Апостол Матфей и ангел», «Гадалка», «Призвание апостола Матфея», «Положение во гроб».В них показаны резкие контрасты света и тени, а также реалистично, как не было принято в ту пору, переданы фигуры главных действующих лиц (апостол Матфей с ангелом написан босым, лысоватым пожилым мужчиной). Влияние Караваджо на последующее развитие европейской живописи огромно. Живописные находки Караваджо, подхваченные и разработанные в эту пору в других странах, и само влияние стиля Караваджо получили название «караваджизм».

Для Голландии XVII век является веком блистательного расцвета живописи, подготовленного её предыдущим развитием в XV-XVI веках. В силу многолетних художественных традиций именно живопись к XVII веку накопила самый значительный художественный опыт. Среди живописцев Голландии этой поры существовала строгая дифференциация по жанрам: одни разрабатывали тематику сельского пейзажа, другие занимались показом бытовых сцен из жизни высшего сословия, третьих волновал быт среднего сословия, четвёртых исключительно натюрморт, пятых только портрет. Творчество Рембрандта в этом смысле является исключением, во-первых, потому что у него представлены разные жанры, во-вторых, потому что он мыслил, рисовал и писал в абсолютно иной по сравнению с другими художниками его страны манере.

Рембранд Харменс ван Рейн (1606-1669) – великий голландский живописец и график XVII века. Значение этого мастера не ограничивается рамками одной страны. Рембрандт является одним из крупнейших художников прошлого. Он умел придать обыденным явлениям обобщающий смысл, выразить сложнейшие религиозно-философские идеи, проблемы морали и нравственности в простых и ясных образах. Он единственный из голландцев, которого в силу особой значимости стали называть не по фамилии, как остальных, а просто по имени – Рембрандт. Он – автор картин на библейские и евангельские сюжеты, портретов современников, среди которых по преимуществу автопортреты и портреты его близких. Родился в Лейдене в семье зажиточного владельца мельницы. Всю остальную жизнь провёл в Амстердаме, где в первоначальный период жизни стал очень модным художником. Одна из лучших работ ранней поры творчества – «Флора».В образе богини цветов Флоры выступила молодая и горячо любимая жена Рембрандта Саския ван Эйлербюрх. В этом портрете, так же как и в многочисленных автопортретах, Рембрандт прибегает к излюбленным мотивам маскарада, костюмирования, но достигает глубокой поэтичности образа. Один из шедевров этого периода – картина «Даная», традиционный сюжет которой приобретает у Рембрандта необычное, жизнеутверждающее и реалистическое звучание. Уже в этих работах Рембрандт выступает как истинный реалист, но его реализм, который претерпевает изменения на протяжении всей его жизни – это не реализм XIX века, а свой, особенный, не похожий общий стиль голландской живописи этого времени. Неспроста, вскоре после популярности, в связи с изменением манеры письма, Рембрандт оказывается в творческой и личностной изоляции, будучи не понятым современниками, которые не сумели оценить по достоинству всю оригинальность и самобытность творческого мышления Рембрандта. По-настоящего его искусство было открыто лишь в начале XIX века, в эпоху романтизма. Многие работы на библейскую тему, как, например, «Артаксеркс, Аман и Эсфирь» поражали современников неординарной трактовкой сюжетов, тем, что герои изображены в обстановке и одеяниях, противоречащих не только исторической правде, но и всякому здравому смыслу. Самой неприемлемой для обывателей оказалась техника Рембрандта, глубоко отличная от лессировочной живописи той поры. Его упрекали в неправильности мазка, в пастозности, за то, что он «рисует почти без контуров, пишет без колорита». Действительно, своими «неправильными» живописными приёмами Рембрандт передаёт не форму, а впечатление от неё и своё собственное, подчас субъективное переживание. Рембрандт - великий портретист своего времени, достигший максимального психологизма в изображении характеров. К числу лучших портретов относятся многочисленные автопортреты, «Портрет старика в красном», «Портрет старушки», «Читающий Титус», «Портрет Яна Сикса». О портретах работы Рембрандта пишут, что в них изображены «не глаза, а взгляд, не лоб, а мысль». Наиболее притягательными для Рембрандта являлись модели старого возраста, так как именно морщины на лице, жилистые натруженные руки, печальный, умудрённый жизненным опытом взгляд, представляли для этого художника интерес. Одним из важнейших завоеваний живописи Рембрандта стало так называемое «рембрандтовское свечение». Рембрандт «высвечивал» необходимые ему детали и фигуры не ночным и не дневным, а особенным, неестественным, внутренним светом композиционного смысла, достигая при этом удивительного богатства оттенков в рамках строго отобранного, но по преимуществу горячего колорита. Шедевр последнего года жизни Рембрандта – картина «Возвращение блудного сына» явилась отражением глубоко личных переживаний и трансформацией библейской идеи о всепрощении.

Для Фландрии, которая являлась другой частью Нидерландов, XVII век – это также как для Голландии, золотой век живописи. Но в отличие от голландской живописи этой поры, фламандская (страна Фландрия, а искусство Фландрии называется фламандским!) живопись в бóльшей степени отвечала интересам высшей аристократии, которая в этой части Нидерландов после поражения в ней буржуазной революции имела очень большой вес. Вкусами дворян определяется во многом и сюжетная сторона фламандской живописи, и особенности рисунка и колорита: здесь любят большие размеры картин, мифологические сюжеты, сложный и виртуозный рисунок, яркий колорит.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640) – выдающийся фламандский живописец XVII века, самый яркий художник стиля барокко. Получив гуманитарное образование в латинской школе в Антверпене, зная много иностранных языков, он был ещё и дипломатом, которого принимали при всех дворах Европы. Он работал в Италии, Фландрии, Франции. Творчество Рубенса – это само воплощение стиля барокко, яркого, мощного, патетичного и чувственного. Рубенс писал картины на мифологические сюжеты, библейские, портреты. И во всём достигал предельного выражения страстности, патетики, невероятного богатства колорита. Яркость колорита и великолепие форм – это главные особенности живописи Рубенса, именно цветом и формами поражавшего зрителей. Во многих его работах на мифологическую тему множество женских героинь показаны с лицами и фигурами его второй, горячо любимой жены Елены Фоурмен, на которой Рубенс женился в 52 года, когда ей было 16. С Еленой Фоурмен связан последний и самый плодотворный период в творчестве Рубенса, стеновский (по названию его поместья и замка Стен). «Союз Земли и Воды», «Персей и Андромеда», «Вирсавия», «Три грации», «Камеристка инфанты Изабеллы», «Елена Фоурмен с детьми», «Шубка». У Рубенса было много учеников. Из его школы вышли Антонис ван Дейк, Йорданс, Снейдерс.

Французская архитектура XVII века – это архитектура времени абсолютной монархии. В это время во Франции главными типами построек являются дворцы знати и церкви. Зодчество Франции XVII века имеет ряд характерных признаков, определивших его стиль. В начале века создаются ещё традиционные для предыдущего столетия особняки знати со специфическими чисто французскими чертами архитектуры. Это двухризалитные дворцы с обязательным двором-курдонёром для парадных приёмов, с ярко выраженной центральной частью, подчёркнутой кубообразным куполом и ордерными элементами. Яркой особенностью этих особняков являются «французские крыши с переломом» и большое количество высоких дымовых и вентиляционных стояков на крышах (Люксембургский дворец в Париже, спроектированный Саломоном де Бросом).Главное, что создано французским зодчеством XVII века было связано с заказами двора. Это строительство Лувра – столичной резиденции французских королей и Версаля – загородной резиденции. Западный фасад Лувра с Павильоном часов построил Жак Лемерсье. В этой работе ещё очень сильны вышеназванные особенности, характерные для французской архитектуры начала века. Обращает на себя внимание обилие деталей скульптурного декора, разномасштабность и некоторая измельчённость форм и элементов композиции фасада. Позже, начиная с середины и во второй половине XVII века, эти тенденции сменятся иным пониманием организации фасадов дворцовых сооружений. Стиль французской архитектуры середины и второй половины XVII века можно определить как классицизирующее барокко или же классицизм XVII века (в противоположность классицизму XVIII века). Это связано с чрезвычайной лаконичностью, строгостью, репрезентативностью в решении фасадов Версальского дворца, в которых активно используются элементы ордера и барочной роскошью внутреннего убранства интерьеров, блещущих различными оттенками мрамора, позолотой, бронзой, зеркалами, зрительно раздвигающими границы пространства (Зеркальная галерея Версальского дворца, Зал войны). Строгости и торжественности фасадов дворца соответствовала упорядоченность, симметрия партеров и боскетов регулярного парка. Версаль – это долговременная постройка, создававшаяся на протяжении более ста пятидесяти лет многими зодчими. Но основной вклад в строительство Версаля внесли Луи Лево, Жюль-Ардуэн Мансар как архитекторы, Андрэ Ленотр как архитектор-паркостроитель, Шарль Лебрен как художник-декоратор. Эти мастера работали при короле Людовике XIV. Кроме здания Большого дворца Жюль-Ардуэн Мансар создал удивительный по строгости и красоте пропорций Большой Трианон, в композиции фасада которого обращают на себя внимание сдвоенные колонны ионического ордера и мотив французского окна-двери с мелкой расстекловкой переплёта рамы, которое называется порфенэтр. В самом Париже Жюль-Ардуэн Мансар построил Собор Инвалидов, который по своему решению является компромиссом между барокко и классицизмом. Ярчайшее выражение стиля французской архитектуры XVII века - восточный фасад Лувра, построенный по проекту Клода Перро.Стройная коринфская колоннада из двойных колонн, идущая по всему фасаду, чеканный ритм её движения создают впечатление классицистической строгости, что так отличает французскую архитектуру этого времени от итальянской.

Для Франции XVII век был веком больших достижений в разных сферах художественной культуры. В это время строятся известные сооружения такие как (Версальский дворец, восточный фасад Лувра), разбиваются регулярные парки (Версальский парк); интерьеры дворцов и территории парков украшаются скульптурой; дворцовые залы и галереи декорируются монументальной живописью на мифологические темы. Большая часть XVII века во французском искусстве прошла под знаком традиций версальского двора при короле Людовике XIV, который поощрял развитие всех этих видов искусства. В живописи Франции этого времени параллельно развивается несколько направлений: академический классицизм, реализм, караваджизм.

Крупнейшим представителем академического классицизма является Никола Пуссен.Основополагающий принцип в искусстве для Пуссена – следование блестящим образцам античности и классицизма периода итальянского Возрождения, в особенности Рафаэля. Поэтому второй родиной для Пуссена становится Рим, где он живёт практически всю жизнь. Он пишет в основном картины на библейские и мифологические сюжеты. Преклоняясь перед античностью, он бесконечно копирует греческие и римские статуи, поэтому герои его живописных полотен уподоблены богам или античным статуям, живущим в строго продуманном, композиционно выверенном пространстве. Композиционному построению своих работ Пуссен придавал первостепенное значение. Они неизменно строятся на ритмическом равновесии чётких пластических групп, по своим очертаниям приближающихся к простым геометрическим формам – пирамиде или прямоугольнику. В трактовке форм преобладает линеарно-пластическое начало, рисунок имеет главенствующее значение, а решению колористических задач отводится второе место, система колорита превращается во взаимодействие пятен локального цвета. Живописная манера Пуссена отличается тщательностью, гладкостью, сухостью. Некоторые работы: «Селена и Эндимион», «Вдохновение поэта», «Аркадские пастухи», «Царство Флоры». Творчество Пуссена повлияло на сложение основ живописи периода классицизма в XVIII века и явилось эталоном для таких мастеров, как Давид и Энгр.

Представителями реализма во французской живописи XVII века были братья Ленен, из которых больше известен Луи Ленен. Выходец из бедного сословия, этот художник обращался к темам из жизни крестьянства. Такая тематика встречается в европейском искусстве едва ли не впервые, и в этом большая заслуга Луи Ленена. Но образы крестьян в его работах сильно идеализированы, в них подчёркнуто высокое морально-этическое начало, и в этом смысле реализм Ленена может быть назван реализмом с большой долей условности («Семейство молочницы», «Кузница»).

Последовательным караваджистом во французской живописи XVII века был Жорж де Латур. Он изучал творчество Караваджо, часто использовал такие же сюжеты, умел библейскую сцену трактовать как обыденную, а бытовую сцену трактовать как полную глубокого смысла притчу. Характерные черты: моделировка большими плоскостями, сочетание красного и чёрного, контрасты света и тени, частый мотив – свет от свечи («Карточный шулер», «Новородённый», «Явление ангела Иосифу»).


Сейчас читают про: