Искусство и культура Киевской Руси

В Австрии самыми выдающимися мастерами являются архитектор Óтто Вáгнер и Йóзеф Óльбрих.Вместе с художником Густавом Климтом они основали Венский Сецессион – группу и выставочную организацию молодых австрийских художников. Стиль Вагнера довольно конструктивен, но при этом является ярким проявлением эстетики модерна, с его декоративностью.Яркой особенностью стиля Вагнера является любовь к использованию позолоты в качестве главного элемента декора фасада. Дом Линке Винцайле в Вене. Йозеф Ольбрих –последователь Вагнера, архитектор и дизайнер, спроектировал оригинальное здание для выставок современного искусства – Сецессион в Вене.

Новые направления в европейский архитектуре первой половины 20 века

Огюст Ренуар – также является выдающимся французским художником-импрессионистом. Его творчество буквально пронизано жизнелюбием и оптимизмом и объединено улыбкой и парижским шармом. Темы его работ – те же, что и у всех импрессионистов (пейзажи, портреты, отдых, ню). И он сам, и многие критики считали творчество Ренуара продолжением французского искусства XVIII века, а его женщины казались «дочерьми фрагонаровских маркиз, галантных дам Ватто и Буше». Ренуара интересует изображение отдыхающей, выпивающей, беседующей публики, мимолётности движений и мимики, и в этом он истинный импрессионист. В один из периодов своего творчества Ренуара заинтересовали различные оттенки чёрного цвета («Зонтики»). С самой юности Ренуар долгое время работал живописцем по фарфору, расписывал веера и шармы. Очевидно, это в некоторой степени повлияло на его художественные пристрастия, любовь к несколько сентиментальным, но подкупающим своей непосредственностью изображениям женщин и детей, голубым, розовым, но всегда необычайно свежим тонам («Девушка с веером», «Ребёнок с кнутиком»,это не девочка, это мальчик!). Ренуар нечасто обращается к портрету. Но несколько раз пишет актрису Жанну Самари, внешность которой наиболее полно отвечает его идеалу женской красоты (светящиеся солнцем портреты: «Жанна Самари в платье с глубоким вырезом»).

Модерн – название стиля нового искусства, сложившегося на рубеже XIX и XX веков (с конца 1880-ых по 1910-ые годы). Во Франции он назывался Ар Нуво (искусство новое); в Австрии – «Сецессион» (от латинского – secessio – отделение, уход); Испании «модерн» (современный). В архитектуре этот стиль возник как протест против многолетнего увлечения эклектикой, историзмом. Региональным течениям этого стиля в каждой стране свойственны свои специфические особенности, но можно обозначить общие черты стиля, характерные для всей Европы. В архитектуре – это: асимметричные планы и фасады сооружений; концепция «перетекающего пространства», объединяющего функцию, конструкцию и форму; использование различных материалов в облицовке и декоре фасадов, ранее не применявшихся в таком качестве и в таком количестве (глазурованный кирпич, керамическая и смальтовая мозаика, цветные витражи из стекла, бетон, чугунное литьё, скульптурные рельефы из камня или стука); как следствие – смелая полихромия фасадов; господство текучих, извивающихся линий и форм (например, растительный орнамент или арки расплывчатых очертаний, как бы приплюснутые). Одна из особенностей искусства Модерна в том, что новое в нём формировалось, прежде всего, в области архитектуры, декоративного и прикладного искусства, но не столько самими архитекторами, сколько живописцами и графиками.

Самыми яркими представителями национальных школ модерна во Франции были:

Гектóр Гимáр, выдающийся архитектор, создавший неповторимый стиль станций парижского метро (станция «Порт Дофин»). Одно время в Париже этот стиль так и назывался «стиль Гимар» или «стиль метро».

Самый талантливый, оригинальный архитектор Испании, работавший в период модерна в Барселоне – Антонио Гауди, является и самым самобытным мастером своего времени. Создатель «скульптурной» архитектуры, он впитал в себя и родную каталонскую готику, и стиль платереск, и чурригереск, и многое другое. Гауди работал без инженеров-проектировщиков, интуитивно, как средневековый мастер-ремесленник, часто импровизируя на месте. Его здания «вырастали» органически, как природные формы, они не строились, а «возникали». Его архитектура населена причудливыми существами, фигурами людей и животных, усеяна цветами и деревьями из камня, со стенами, извивающимися как змеи и крышами с гребнями, похожими на драконов. Постройки Гауди всегда необычны. У него своя геометрия формообразования: мир парабол, геперболоидов и форм, не поддающихся точному определению. Дом Баттло, Парк Гуэля, Дом Мила, собор Саграда Фамилиа.

Фрэнк Ллойд Райт - выдающийся американский архитектор первой половины XX века, создатель так называемой «органической архитектуры». Развитие зарубежной архитектуры первой половины XX века ознаменовано интенсивным поиском новых принципов формообразования, новых планировочных решений и строительных материалов. В этом смысле Райт является новатором и реформатором традиций зодчества. Стиль Райта сродни «новому экспрессионизму» Ле Корбюзье. Начинал Райт в мастерской Луи Салливана в Чикаго, но не стал следовать традициям чикагской школы, поскольку новые для того времени однотипные дома-коробки из стекла и бетона на стальном каркасе, предложенные чикагцами, не отвечали его представлениям. Райт выработал свой собственный уникальный стиль. Он проектировал небольшие частные виллы, расположенные в пустынях Америки, в прериях, по принципу «изнутри наружу», собственно поэтому все его виллы имеют асимметричную структуру. Архитектура, которую предложил Райт, получила название «органической» поскольку в ней использовались природные материалы (натуральное дерево, камень, в том числе в интерьере), и достигалась максимальная связь с окружающим ландшафтом (эффектно обыгрывались перепады рельефа, пейзаж, как бы вклинивался в композицию виллы). Особенностью стиля Райта в интерьере стало расположение камина в центре дома, но камины Райта каждый раз разные. Не менее новаторской чертой стали большие плоскости открытых застеклённых окон, через которые окружающий пейзаж органично «входил» в интерьер. Интерьеры Райта чаще всего минималистичны по количеству элементов убранства. Примеры – вилла «Штокроза», «Вилла над водопадом», собственная вилла с мастерской и залами для занятий Талиезин Вест. Райт, глубокий знаток архитектуры Востока (Древнего и Дальнего) использовал характерные черты японского интерьера в своих виллах (минимализм – одна из таких черт). В композиции Музея Гуггенхейма в Нью-Йорке угадывается структура месопотамского зиккурата, но расширяющегося кверху. В 1930-ых годах Райта критиковали за то, что он противопоставил себя обществу, но к концу жизни вдруг провозгласили «гением американской национальной архитектуры». Влияние Райта на последующее развитие зарубежной архитектуры было огромным.

Оскар Нимейер (род. в 1907 г.) – один из основателей современной школы бразильской архитектуры, гениальный архитектор XX века. В своём творчестве сумел соединить принципы архитектуры Ле Корбюзье и особенности культурного менталитета Бразилии. За свою долгую жизнь создал огромное количество сооружений, относящихся к разным направлениям архитектуры XX века, но в большей степени к экспрессионизму. Все они объединены главными творческими принципами Нимейера – пластическая свобода и полёт фантазии. Проекты Нимейера всегда отличаются необычайной пластичностью, выразительностью, и при этом предельно точной разработанностью, функциональной и конструктивной обоснованностью. Он одним из первых оценил и реализовал художественные возможности монолитного железобетона. Нимейер постоянно стремится к обогащению архитектурной формы — к пластике и контрастным сопоставлениям объёмов, к динамичности членений, к разработке фактуры поверхностей, к введению цвета, а также к включению в архитектурную композицию произведений смежных искусств и к её слиянию с природным ландшафтом. Неожиданные сочетания прямых и изогнутых линий, завораживающий магический пластицизм, абстрактность и символизм формы, и при этом успешное совмещение формальных элементов и функциональных принципов – всё это отличает сооружения Нимейера. Он является автором большинства зданий правительственного центра в г. Бразилиа, столице Бразилии (Президентский дворец Рассвета (Алворада) в Бразилиа, кафедральный собор в Бразилиа, дворец Национального конгресса в Бразилиа, Музей современного искусства в Нитрое). Им построено большое количество жилых домов. Он также проектировал и для других стран. В марте 2011 года в г. Авилесе (Испания) был открыт Культурный центр О. Нимейера, объединивший архитектуру, пластические искусства, театр, музыку.

Развитие художественной культуры древней Руси в период с X по XIV век непосредственно связано с влиянием византийской культуры, поскольку, приняв в 988 христианство от Византии, Русь переняла от неё формы и принципы в искусстве. До конца X века строительство на Руси было исключительно деревянным. После принятия христианства начинает развиваться каменная архитектура. Главным типом строительства были храмы. Они украшались мозаиками (очень короткий период), а затем исключительно фресками на библейские и евангельские сюжеты. От Византии Русь приняла систему центрально-купольного храма, имеющего в плане квадрат (или чаще прямоугольник, близкий к квадрату) и перекрытого куполом (или куполами). Но, восприняв на первоначальном этапе от Византии эту систему, русские зодчие разработали и обогатили эту форму в соответствии с национальными особенностями архитектурного мышления и создали новый тип храма. Первой каменной церковью на Руси была так называемая Десятинная церковь в Киеве (не сохранилась). Самый известный храм на Руси, построенный в XI веке, - это собор Св. Софии в Киеве, который сооружался и декорировался приглашёнными византийскими мастерами (впоследствии собор сильно видоизменили, исказив его первоначальный облик). («София» – это не имя женщины, а символ премудрости Божьей, то есть собор был посвящён Христу). Храм был квадратным в плане, разделённым на пять нефов, с пятью апсидами и перекрыт 13-ю куполами. Имелась такая важная конструктивная деталь, как галерея-гульбище. Вскоре происходит отказ от идеи многокупольности, и собор Св. Софии в Новгороде (XI век) уже имеет только 5 куполов. Впоследствии, в XII веке, в новгородском и владимирском зодчестве утверждается тип четырёхстолпного одноглавого храма с позакомарным членением фасадов, с перспективным порталом, лопатками и аркатурно-колончатым поясом (сразу сморщились, запереживали, лучше улыбнитесь, действительно, помогает). Одна из известных новгородских церквей XII века, имеющая такую структуру, это церковь Св. Георгия в Старой Ладоге. Во владимирском зодчестве XII века – церковь Покрова на Нерли, Успенский собор (главный, большой, поэтому здесь 5 куполов), Дмитриевский собор. В XIII и XIV веках при сохранении той же объёмно-пространственной структуры в плане закомары меняются на трёхлопастное завершение фасада. Примеры такого композиционного подхода даёт новгородское зодчество: церковь Фёдора Стратилата на ручье, церковь Петра и Павла в Кожевниках (Новгород).