Графика О. В. Бердслея

Обри Винсент Бердслей, (Бердсли, Beardsley) (24.8.1872, Брайтон, — 16.3.1898, Ментона), – известный английский художник-график, иллюстратор, крупнейший мастер стиля модерн, декоратор, музыкант, поэт, "гений миниатюры".

Факты биографии Бердслея

Отец Бердслея был из семьи лондонских ювелиров, а мать происходила из семьи респектабельных врачей. Отец художника, Винсент Пол Бёрдслей, болел туберкулёзом. Болезнь была наследственной, поэтому он не мог заниматься постоянной работой. Бердслей очень рано осознал исключительность своего положения. Когда ему было семь лет, он уже знал, что болезнь отца передалась и сыну. В XIX веке ещё не умели бороться с этим ужасным заболеванием, поэтому Бёрдслей с раннего детства слишком хорошо понимал, что может умереть непредсказуемо рано и быстро. Ощущение смерти, неотступно стоявшей за его спиной, заставляло жить так, словно каждый день мог стать последним.

Обри Бердслей не получил систематического художественного образования, ограничившись тремя месяцами занятий в Вестминстерской художественной школе под руководством профессора Ф. Брауна в 1891. Изучал европейское искусство в музеях Англии и Франции, проявив особый интерес к наследию Мантеньи, Боттичелли, Дюрера. Кроме того, в его стиле угадывается знакомство с греческой вазописью, помпеянской живописью, китайским фарфором, японской гравюрой, средневековой миниатюрой, европейским искусством XVIII в., в частности, Ватто и Хогартом.

Особенности творчества

Большинство работ Бердслея были книжными иллюстрациями или рисунками. В многочисленных иллюстрациях к журналам (Жёлтая книга (The Yellow Book), 1894—95; Савой (The Savoy), 1896) и книгам ("Саломея" О. Уайльда,1894) художник развивал декадентские и символистские тенденции искусства поздних прерафаэлитов, сочетая их с влияниями японской гравюры. Утончённое, причудливое, искусство Бердслея, с виртуозной игрой силуэтов и контурных линий, определило многие характерные черты графики стиля модерн.

Творчество Бердслея было интеллектуального в своей основе, важнейшим источником творчества мастера была литература (он и сам был автором утонченной прозы и поэзии). Книги стали стержнем и смыслом его творческой жизни. Он вдохновлялся исключительно литературными персонажами, его огромное наследие — это, главным образом, иллюстрации, обложки, бордюры, заставки, концовки, вензельные ключи, экслибрисы. Бердслей так же, как и прерафаэлиты, был увлечен искусством средневековой книги с ее целостным подходом к оформлению страницы, соотношению шрифтов, полосных иллюстраций, изображений на полях. Мастер умело сочетает декоративные рамки с заключенными в них сценами. Его работы — это работы действительно образованного человека. Фантастические реминисценции на классические темы поражают своей глубиной и остротой. Гротеск и парадокс — спутники графики Бердслея.

Как художник, Бердслей первоначально испытывалл влияние У. Морриса и Берн-Джонса. Важным стало изучение японских гравюр, с их гармонией линии и пятна. Глубокое проникновение в традиции японского искусства позволило ему создать удивительный синтез Запада и Востока в собственных рисунках. Мастерски виртуозная линия Бердслея, играющая с черными и белыми пятнами силуэтов, буквально в год-два сделала его всемирно известным художником.

К 1895 стиль Бердслея уже можно считать сформировавшимся; для него характерна волнообразная твердая линия рисунка, разграничивающая пятна черного и белого цветов; полутона и фактура предметов передаются с помощью перекрестной штриховки и гравировки пунктиром. Этот манерно-изысканный стиль, идеально соответствовавший литературным пристрастиям Бердслея, сделал его ведущей фигурой искусства стиля модерн.

Мастерски виртуозная линия Бёрдслея, играющая с чёрными и белыми пятнами силуэтов, буквально в год-два сделала его всемирно известным

художником. Бёрдслей повлиял на формирование изобразительного языка стиля модерн — движение английских декадентов и «ар нуво» ориентировалось на его творчество.

В апреле 1894 года Бёрдслей стал художественным редактором журнала «The Yellow Book». Здесь в большом количестве появлялись его рисунки, эссе, стихи. Но через год из-за скандала, связанного с арестом Оскара Уайльда журнал был закрыт и Бёрдслей на какое-то время остался без средств к существованию. Одно время он работал художественным редактором журнала «Савой», перебивался случайными заработками, пока новый знакомый Леонард Смитерс не убедил Бёрдслея проиллюстрировать Ювенала и Аристофана.

С 1894 по 1896 год (в это время к нему приходит невиданный успех после публикации 16 иллюстраций к уайльдовской «Саломее») его самочувствие резко ухудшается — и тогда создаются мрачные рисунки к «Падению Дома Ашеров» Эдгара По (1895). Сначала Обри думает о том, как бы выздороветь, потом — как почувствовать себя немного лучше, и, наконец, — прожить ещё хоть один месяц.

"Я знаю, болезнь моя неизлечима, но я уверен, что можно принять меры к тому, чтобы ход её был менее скор. Не считайте меня глупым, что я так торгуюсь из-за нескольких месяцев, но вы поймёте, что они могут быть для меня ценны по многим причинам. Я с наслаждением начинаю думать о том, что выпущу две или три иллюстрированные вещицы…"

31 марта 1897 года Бёрдсли был принят в лоно католической церкви. За последний год жизни он создал цикл иллюстраций к комедии нравов «Вольпоне» Бена Джонсона, которые ознаменовали собой начало нового стиля.

Влияние на искусство

Открытие стиля Бердслея очень сильно повлияло на современное ему искусство в целом, из корешков и вензелей «выросли» множественные направления модерна и авангарда, образовались школы, не утихали и не утихают споры. Его творчество оказало огромное влияние на дальнейшее развитие европейского искусства вплоть до плаката, рекламы и модных журналов. Не остались равнодушными к нему и русские художники рубежа XIX—XX вв. Наиболее крупные из них — Константин Сомов и Лев Бакст. Именно Обри Бердслею отдают должное за появление таких удивительных произведений в области архитектуры, как поздние работы Федора Шехтеля и Антонио Гауди, именно Бердслей привлек интерес всего мира к графике стиля модерн.

 

 

 4. Стилистика модерна в плакатах А. Тулуз-Лотрека.

Именно Анри де Тулуз-Лотрек продемонстрировал общественности, что афиша – это особая часть изобразительного искусства, которая рождается на стыке с рекламой. По сей день созданные им плакаты считаются эталонами в своей области.

Особенности творчества художника Анри де Тулуз-Лотрека: художественный мир работ Тулуз-Лотрека, замкнутый, тесный, многолюдный, шумный, циничный, печальный и страстный, узнается безошибочно. Монмартрские звезды, певцы уличных песенок, танцовщицы кабаре, клоунессы, артисты цирка, проститутки, швеи, прачки, рыжие и белокожие. Тулуз-Лотрек, под влиянием японской гравюры, увлекается литографией – и создает рекламные плакаты для увеселительных заведений, впервые в западной истории доводя этот жанр до уровня произведения искусства. Артисты, для которых Лотрек рисовал и печатал плакаты, просыпались знаменитыми после ночной расклейки афиш в Париже.

Героями афиш мастера становятся представители парижской богемы конца XIX века – актеры, танцовщицы, музыканты, завсегдатаи развлекательных заведений. На первой афише Лотрека, созданной по заказу «Мулен Руж» в 1891 году, изображены известная танцовщица Ла Гулю и ее партнер Валентин по прозвищу «бескостный». Контрастность главных образов дополняется фоновой составляющей – черная толпа зрителей, из которой вырисовывается своеобразный орнамент.

Эта работа вызвала положительные отзывы общественности, последовали многочисленные заказы. Имея отличительную внешность, лишенный возможности вести активную богемную жизнь – танцевать и развлекаться на полную катушку, как ему хотелось, Тулуз-Лотрек заглядывал глубоко во внутренние лабиринты окружающих, наблюдал за особенностями этой категории людей. Современники называли его мастером психологического портрета. Для художника имели значения все детали, которые подчеркивали индивидуальность героев его работ. Он повсюду искал личность и успешно находил ее, усиливая характерные черты и выделяя самое главное. Неизменной в каждой его работе остается тема одиночества человека в толпе.

В 1893 году появляется афиша с изображением Джейн Авриль. Здесь художник обратился к игре цвета. Желто-оранжевое платье танцующей на сцене Авриль, черные чулки, рыжие волосы. Все это подчеркивается серыми, почти прозрачными оттенками изображенного на первом плане музыканта-контрабасиста. В последствии эта хрупкая и изящная танцовщица неоднократно становится героиней его работа и предстает перед зрителем в разных ситуациях, что демонстрирует ее отличительность и утонченность от остальных сотрудниц кабаре.

На плакате 1894 года Тулуз-Лотрек изображает певца Аристида Брюана. Гордый, самодостаточный и немного надменный он устремляется ярким пятном в верхнюю часть плаката, оставляя на заднем фоне силуэт простого рабочего. Красный шарф, напряженное выражение лица – все эти детали были знакомы каждому парижанину того периода.

До Лотрека плакат воспринимался как часть книги или журнала, выдранная из общей канвы иллюстрация. Он же сумел доказать отличие этой формы от печатных изданий. Он справедливо отмечал, что плакат не представляет собой книгу, поэтому вчитываться в бесконечное количество деталей будут единицы прохожих. Задача плаката в том, чтобы зацепить проходящего мимо, полноценно завладеть его вниманием. Как этого добиться? Тулуз-Лотрек был уверен, что главным инструментом в этом деле становятся яркие краски.

Критик Франц Журден так описывал работы художника: «Лотрек превосходно владеет линией, справляясь с ней с необычайной уверенностью. Он легко изгибает ее по повелению момента - эти изгибы остроумны, элегантны, печальны. И они всегда декоративны».

 В середине 1890-х Лотрек знакомится с основателями журнала «Ревю бланш», где публиковались его работы, братьями Натансон. Жена одного из них – Мизия – периодически позировала художнику. В том числе для заказанной журналом афиши. На ней девушка предстает на белом фоне, в белом болеро и муфтой. На голове – украшенная перьями шляпа.

    Искаженные черты внешности вызвали недоумение со стороны Мизии, которая обратилась к художнику с вопросом: «Лотрек, почему вы всех женщин изображаете уродливыми?». Ответ был категоричным и характерным для откровенного человека: «Потому что они на самом деле уродливы». Наверное, мастер имел в виду внутреннее наполнение героев его работ, на сердце каждого из которых неизбежно присутствуют морщины и шрамы. Тенденция к искаженному изобразительному языку приводит к неприятию некоторых работ художника.

Как бы там ни было, Тулуз-Лотрек оставил потомкам огромное художественное наследие: 600 живописных работ, несколько сот литографий, 31 плакат, 9 гравюр сухой иглой, 3 монотипии, тысячи рисунков и набросков.

 5. Творчество Г. Климта

Густав Климт — один из самых оригинальных художников Aвстрии конца XIX — начала XX века. Главными героями его картин, в основном, являются женщины, а в самих работах затрагиваются такие универсальные темы, как смерть, старость и любовь, переданные яркими цветами и гаммами золотого с плавными переходами, что придает индивидуальность его творчеству.

10 картин Густава Климта, которые нужно знать

1. Юдифь и голова Олоферна, 1901

Картина написана по библейскому мифу о прекрасной Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Убившая их полководца, Юдифь стала символом борьбы иудеев с завоевателями. В полотне использовано большое количество золота, что фокусирует внимание на центральной персоне. Голова полководца Олоферна, которую держит Юдифь минимально выделена цветом, что-бы не отвлекать внимание зрителя. Как и на большинстве картин Климта, женская фигура обнажена и эротична - роковая женщина, с довольным выражением на лице. Картина находится в Галерее Бельведер в Вене.

2. Бетховенский фриз, 1901-1902

"Бетховенский фриз" был написан в 1901-1902 году и планировался как временная экспозиция, но так и остался в доме где был создан. Картина основана на переложении "9-й симфонии Бетховена" Рихардом Вагнером. Произведение Климта занимает 3 стены, суммарной длиной 34 метра. Картина показывает борьбу со страстями, с которыми сталкивается человек в течение своей жизни. За свою историю картина была вывезена из здания и продана дважды. В конце концов, произведение выкуплено Австрией, отреставрировано и возвращено в Дом Сецессиона в Вене.

3. Портрет Эмилии Флёге, 1902

Эмилия Флёге - австрийский модельер и возлюбленная Густава Климта. Климт известен своим интересом к женственности, а Эмилия была единственной женщиной во всем поддерживавшей художника. Она даже создавала платья на основе картин Климта. В 1902 году художник написал портрет Эмилии, на котором она изображена в полный рост и одета в платье синего, пурпурного, черного и золотого цветов. Картина, как и многие работы художника, оказалась радикальной для своего времени.

4. Три возраста женщины, 1905

"Три возраста женщины" картина-аллегория, на которой мы видим три разных периода в жизни женщины от детского возраста до пожилого. Мать ласково держит на руках дочь, а рядом женщина в возрасте стоит опустив голову и закрыв лицо рукой. Все фигуры на картине обнажены. Эту работу можно посмотреть в Риме в Национальной галерее современного искусства.

5. Даная, 1907

В большинстве картин Климта эротичность играет ведущую роль, но в "Данае" эротизм выведен на новый уровень. Картина была завершена в 1907 году и изображает Данаю из греческой мифологии, которую отец запер в башне, что-бы оградить ее от внимания мужчин, т.к. боялся быть убитым собственным внуком. Зевс в виде золотого дождя проник к Данае. Этот момент мы и видим на картине.

6. Портрет Адели Блох-Бауэр I, 1907

"Портрет Адели Блох-Бауэр I" одна из самых известных и дорогих картин художника, находится в Новой галерее в Нью-Йорке. На картине написанной в 1907 году, окруженная золотом изображена светская дама Адель Блох-Бауэр. Работа была захвачена нацистами и оказалась в Австрийском музее. Впоследствии законная наследница художника через суд доказала свое право на обладание картиной.

7. Надежда II, 1907-1908

Беременность не часто изображалась в искусстве, однако в картине "Надежда II" изображена именно беременная женщина, одетая в яркое платье. Лицо обращено в низ, глаза женщины закрыты. Также мы видим череп и лица трех женщин обращенных к низу картины. Хотя картина называется "Надежда II", сюжет как раз не ее не внушает. Произведение можно увидеть в Нью-Йоркском музее современного искусства.

8. Поцелуй, 1907-1908

Начатая в 1907 году картина является самой известной работой художника и венцом золотого периода художника, в котором он использовал сусальное золото в своих работах. На полотне изображена влюбленная пара: среди цветочного поля, мужчина склонился к женщине и целует ее в щеку. Одежда мужчины раскрашена контрастными геометрическими фигурами, платье женщины украшено цветами, которые подчеркивают ее женственность. Эту великолепную, символичную картину можно найти в Галерее Бельведер в Вене.

9. Дорога в парке замка Каммер, 1912

Густав Климт известен не только портретами, время от времени он рисовал и пейзажи. Многие годы он провел на курорте Аттерзе на севере Австрии. И множество его пейзажей вдохновлены природой этого места. Эта картина буквально зовет зрителя шагнуть внутрь и прогуляться по парку с большими деревьями, образующими аллею.

10. Девы, 1913

Картина находится в Национальной галерее в Праге. "Девы" полны символизма, как и многие работы художника. На первый взгляд вы видите на картине фигуру спящей женщины в окружении других, их одежды раскрашены яркими цветами. Каждая женщина представляет определенный жизненный этап. Картина затрагивает различные темы человеческой жизни, такие как любовь, сексуальность и возрождение, которые изображены в циклической форме. Настроение, эмоциональное состояние, словом, то, над чем трудились все символисты начала 20-го века, Климт передал в «Девах». Зритель втягивается в картину, задаваясь вопросом, о чем мечтает дева.