Роль и средства художественной выразительности сценического костюма

1 2

МБУДО ЦДО «Реальная школа» город Воронеж

СП Циолковского 121а

Группа

Лекционное занятие № 97 № 98 по вокалу.

Для учащихся 1 года обучения.

Педагог ДО

Ольховик Т.Н.

Тема: «Работа над образом в песням»;

«Сценическая хореография - Сценический костюм».

Успех обязательно приходит к тому, кто к успеху готовится…

Н. Широкова

В настоящее время музыкальная эстрадная культура требует от исполнителей динамики, с детьми-вокалистами заключается в том, что обучение танцам и сценическим движениям носит чаще всего эпизодический характер.

Как результат: замысел песни-номера интересен, дети прочувствовали содержание и идею песни, а между тем зритель не откликается, остается равнодушным. Многие певцы жалуются, что им некуда деть руки, что всю песню они стоят на одном месте. Согласитесь, все это выглядит на сцене не самым лучшим образом и не добавляет исполнителю шансов на успех, даже если у него великолепные вокальные данные.

Причина – вокалист не владеет техникой разнообразных сценических двигательных умений и навыков. Поэтому важно направить учебный процесс на выработку необходимых средств внешней выразительности.

Ритмика, танец, основы сценического движения – все это должно входить в программу обучения. Естественно, что движенческая подготовка будущего вокалиста может быть направлена правильно только в том случае, если педагогу понятна природа движения, которая делает обоснованным физическое поведение вокалиста на сцене.

Смысл обучения – в создании своеобразного «мостика» от техники движений к умению самостоятельно пользоваться этой техникой при исполнении вокального произведения, совмещение физических действий и звукоизвлечения.

Подобные занятия могут проводить педагоги по танцам, если методика преподавания этой важной дисциплины правильна. Внешняя техника приходит с годами, в процессе занятий.

Цель таких занятий: привить необходимые навыки хореографического мастерства и культуры сценического поведения для органичного целесообразного, продуктивного сценического выступления.

Задачи:

1.Развитие танцевальности и пластичности, чувства ритма и такта, координации движений и техники владения телом.

2.Умение ориентироваться в различных стилях, направлениях и техниках танца.

3.Умение использовать танец в концертных номерах; иметь практические навыки постановки танцев и танцевальных движений.

Для успешного освоения необходим класс, оборудованный зеркалами, звуковоспроизводящая аппаратура.

Все движения на сцене можно разделить на локомоторные, рабочие, семантические, пантомимические.

Локомоторные – простые бытовые движения. Выполняются они полуавтоматически, а иногда и совершенно механически. Ходьба, бег, прыжки, бросание, ловля и т.д. Эти движения находят применение в передвижениях по сцене и выражаются в осанке, походке. С первых шагов следует

обращать внимание на пластическую выразительность в статике (позу). Часто поза сама по себе является зримым символом происходящего.

Рабочие движения делятся в свою очередь на «главные» и «вспомогательные». Выполнением главных рабочих движений вокалист практически осуществляет логику и последовательность физического поведения своего образа. Вспомогательные движения служат для того, чтобы можно

было удобно выполнять главные. Любое, самое незначительное физическое действие, такое, как взять чашку чая, выполняемое как будто только рукой, на самом деле требует вспомогательных

движений туловища, шеи и даже ног. Но иногда у певца на сцене исчезают вспомогательные движения. Происходит это от волнения и страха, мускулатура зажимается, и зритель видит на сцене вместо живого человека механически передвигающуюся куклу. В театральном быту говорят: «Он не может пройти по сцене.» Психологический зажим вызывает физический зажим, ив результате пропадает естественность движений. Именно эту значимость вспомогательных движений на сцене понял В.Э. Мейерхольд. Он создал упражнения-этюды, которые заставляли бы актеров двигаться всем телом.

Семантические движения заменяют людям слова: «остановись», «уйди», «да», «нет», «прошу вас», «тише» и т.п. Это жесты руки, выразительные движения всего тела.

Пантомимические движения придают физическим действиям эмоциональный характер. В театральной практике и педагогике эти категории движений принято называть жестами. Жест – это стрела, выпущенная из души, он оказывает немедленное действие и попадает прямо в цель, если только правдив.

Огромную роль в пластической культуре эстрадного вокалиста играет артистизм. Особенно это касается пауз, то есть таких моментов, когда вокалист творит образ, не прибегая к помощи слов. В момент импровизации полезно изменять положения головы или корпуса, кисти руки, стопы, мимики, для создания новых движений возможно варьирование ракурса (различные повороты к зрителю).

Яркими примерами импровизации служат пластические решения песен в исполнении Клавдии Шульженко, Аллы Пугачевой.

Существуют упражнения, которые способствуют совершенствованию вокально-двигательной координации, которые обязан знать каждый руководитель вокального коллектива. Эти упражнения описаны в книге И.Э. Коха «Основы сценического движения».

Вот некоторые из них:

1.Сделать четыре пары приставных шагов с правой ноги, затем без команды то же – левой.

2.Теперь можно дать затруднение: в момент, когда нога делает приставляющее движение, на счет «четыре» надо слегка ударить стопой в пол, а затем вынести ее вперед, чтобы начать

следующее движение.

3.Вслед за этим можно дать другое задание: когда нога приставляется с ударом, слегка присесть на опорной ноге.

4.Начиная новое движение, выставлять вперед соответствующее плечо, а другое отодвигать слегка назад. В результате получится простейший ход русского танца.

Сценическое движение при постановке вокальных номеров в массовых мероприятиях несколько отличается от сольного выступления. Расположение вокалистов на сцене должно быть точно построено. Исполнители должны так разместиться на сцене, чтобы каждый из них хорошо видел зрительный зал – при этом условии его обязательно будут видеть зрители. Трудность заключается в большом рассредоточении внимания, поскольку приходится петь и одновременно действовать в пространстве сцены. И если вокалисты знакомы с правилами поведения на сцене, если они хорошо усвоили уроки сценического движения, то для них не составит труда влиться в общий коллектив.

В результате решения поставленных задач обучающиеся должны знать общность и различие творческой деятельности танцора и вокалиста, уметь применять полученные знания, навыки и умения в постановочном процессе создания концертного номера, работать совместно с хореографом для

реализации художественного замысла постановки, владеть основами хореографической подготовки, принципами творческой связи танца и песни. Учащиеся в процессе обучения должны иметь опыт сценической деятельности (участие в концертных программах).

Как двигаться на сцене? Рекомендации для учащихся:

- Даже если у тебя есть опыт выступлений, перед каждым выходом на сцену ты составляешь у себя в голове некий план того, что ты будешь делать перед аудиторией. Неумение двигаться – это не проблема, а вполне решаемая задача, но для того, чтобы на тебя было приятно смотреть, нужно поработать над собой. Перед тем, как выступить, прорепетируй перед большим зеркалом или запиши себя на камеру. Будь своим самым строгим цензором. Оценивай свои движения и мимику, чтобы не повторять нелепых телодвижений на сцене.

- Если ты – участник ансамбля, помни, что группа – это одно целое, и для того, чтобы выступление успешным, нужно двигаться как одно существо. Переглядывайтесь, улыбайтесь друг другу.

- Если ты один на сцене – движения нужно продумать, поставить, но так, чтобы это были «твои «движения, иначе все будет выглядеть наигранно. Иногда достаточно просто покачиваться из стороны в сторону, особенно если песня вокально сложная. Пусть тебя слушают, а не смотрят. Бегая туда-сюда, ты рискуешь сбить дыхание, поэтому двигаться нужно в меру.

- Мимика тоже играет не последнюю роль. Она может заменить движения рук и ног, если ты достаточно выразительно можешь передавать эмоции. Есть люди, у которых все, что они чувствуют, написано на лице. Как бы ни было тяжело с этим жить, на сцене – это огромный плюс.

- Твои ноги – это ритм. Главное, чтобы твой танец не состоял из одной нервно дергающейся в колене ноги. Распределяй нагрузку на обе конечности. И не наедайся перед выступлением! Чем легче ты будешь, тем энергичнее сможешь двигаться.

- Самое главное, не выглядеть круто, а передать настроение и смысл той песни, с которой ты выходишь на сцену. Поставив на первое место себя, а не музыку, ты не добьешься успеха. Когда нет настоящих эмоций, зритель это чувствует. Каждую песню нужно «прожить», передать, и сделать это и звуком, и жестами, и каждым своим движением. Иными словами, на сцену выходишь выступать не ты, а песня.

«Взаимодействие различных искусств – вещь великая! Музыка, вокал, танец, дополняя друг друга, должны в идеале сливаться в единое целое, создавая единый художественный образ» - М. Габович.

Сценическим костюмом называют любую одежду артистов – актеров, певцов, музыкантов, танцоров, которая используется ими для выступлений на сцене. Строго говоря, понятие «костюм» более яркое и емкое, чем понятие «одежда». Костюм всегда является одеждой, но не любая одежда годится для выступления на сцене. Основная функция современного сценического костюма – знаковая. Этот термин обычно используется только для той одежды, которая специально изготавливается для конкретного конкурсанта/коллектива и концертного номера и является важным элементом для создания целостного и выразительного сценического художественного образа произведения.

Роль и средства художественной выразительности сценического костюма

Эстрадный сценический костюм – это вовсе не та нарядная одежда, цель которой приукрасить человека, не дань моде с ее разновкусием, а конкурсант – не демонстратор моделей, какими бы эффектными они ни были. Неудачный сценический костюм вокалиста может «убить» его номер, а правильно подобранный, то есть соответствующий художественному образу исполняемого произведения, наоборот, «поднять». Хорошие сценические костюмы для музыкальных и вокальных ансамблей, хоровых коллективов выполненные в едином стиле (иначе их состав не будет восприниматься целостно), помогают исполнителям держать требуемый эмоциональный настрой, а зрителям – ощущать его еще до того, как они начинают петь и играть.

Роль сценического костюма в хореографии более значима по сравнению с костюмами других видов исполнительского искусства. Танец не несет словесную информацию, эту функцию берет на себя зрелищность. Члены жюри на конкурсах и зрители в зале при оценке мастерства танцоров невольно отмечают, насколько их костюмы соответствуют хореографии, замыслу композиции, индивидуальным особенностям исполнителей. «Неосторожное» отношение к сценическому костюму для танцев снижает зрелищность и художественное качество хореографической постановки.

Эмоциональное восприятие номера и реакцию зрителей на костюм могут нарушать зрительное несоответствие в нем таких «вещей», как:

· форма;

· силуэт;

· соотношение объемов;

· линий;

· фактура материалов;

· цвет;

· декор и т.д.

Именно эти средства обычно используются при создании сценического костюма. И здесь важно «сочинить» его таким образом, чтобы облачение конкурсанта не выглядело стандартно, или, наоборот, слишком перегружено. Несмотря на то, что единого эталона для создания художественно-выразительного образа костюма быть не может – это процесс творческий, незыблемые правила все же есть:

· сценический костюм должен соответствовать манере и харизме исполнителя;

· помогать раскрытию художественного образа произведения;

· быть активным элементом оригинального творческого действа на сцене;

· визуально не вступать в острый диссонанс с этическими нормами;

· соответствовать возрасту исполнителя или участников коллектива.

Сильным эмоциональным раздражителем на подсознательном уровне является цвет костюма. Например, зеленый воспринимается как что-то мягкое, спокойное, красный ассоциируется с силой, динамичностью, страстью и даже агрессией, белый связывают с чистотой.

Цвет напрямую связан и с другим средством художественной выразительности костюма – со стилем. Стиль отвечает за выбор цветовой гаммы одежды, за фасон и особенности кроя, за ткань и детали декора. Поэтому именно он несет основную информацию о художественном образе костюма и о художественном образе исполнителя, объединяя их в единое и неразрывное целое.