Искусство 15 века – кватроченто

15 в. – сложение в архитектуре, скульптуре, живописи, основ принципиально новой художественной системы: возрождение античных традиций, противопоставление их готике. Образец совершенства – природа. Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников ознаменовали победу ренессансного реализма, существенно отличающегося от «реализма деталей» Проторенессанса. Сущность культуры 15 в. – жизнерадостный мирской дух, гуманизм. Итальянское искусство 15 в. антропоцентрично, но бытие ренессансного героя не имеет ничего общего с реальной жизнью. Главный центр искусства – Флоренция. Время решительного перелома в искусстве Италии - первые десятилетия 15 в.,   после которого уже невозможен был возврат ни к старым формам, ни к средневековому спиритуализму. Искусство приобретает ту реалистическую направленность и жизнеутверждающий светский характер, которые составляют важнейшую черту Возрождения.

В центре внимания художников – яркость характеров, глубина и сила чувств. На смену тщательной детализации приходят обобщенность и монументальность форм. Подражание природе не только как достижение внешнего сходства, но и постижение ее законов: залог совершенства произведения искусства – следование законам, которыми «природа пользуется при создании вещей» (Альберти). В этом отличие ренессансного понимания мира от позднеготического эмпиризма.

Развивается теория. В начале 15 в. разрабатывается теория линейной перспективы (Филиппе Брунеллеско и Леон Баттиста Альберти), начинается систематическое изучение строения человеческого тела, создается теория пропорций. Эпоха трактатов: Л. Б. Альберти - «Трактат о живописи», «Трактат об архитектуре», Филарете «Трактат об архитектуре», Франческо ди Джорджо «Трактат об архитектуре», Лука Пачоли «Трактат о пропорциях», «Комментарии» Лоренцо Гиберти. Основной закон, «абсолютное и первичное начало природы» - красота, трактуемая как начало, присущее реальности в целом, как гармоническая связь всех частей целого. «Красота есть соразмерная гармония всех частей» (Альберти). Для художников 15 в. нет деления на прекрасное и безобразное. Главный критерий эстетической оценки – соразмерность, поэтому важное место в теории искусства занимают законы числовых отношений, совершенных пропорций. С учением о пропорциях тесно связано учение о перспективе. Перспектива в искусстве 15 в. – общий принцип организации пространства и композиции. Основа профессионального мастерства – изучение натуры.   

Искусство кватроченто неоднородно. Изобразительный язык 15 в. многое связывает с готикой – хрупкость фигур, ломкость складок, угловатая экспрессия движений, стилизованность гибких линий. Но существенная черта раннего Возрождения – преодоление позднеготических традиций. В искусстве 15 в. нет гармонической связи физического и духовного, нет цельности. Это восполняется орнаментацией, яркостью красок, разнообразием форм и мотивов.

Скульптура. Новые веяния в изобразительном искусстве раньше всего проявились в скульптуре.       Лоренцо Гиберти тесно связан с традицией треченто, сочетает унаследованные от готики черты с поразительным реализмом выхваченных из жизни мотивов. Главное произведение Гиберти – бронзовые двери флорентийского баптистерия.

Исполненные в 1403-1424гг. северные двери баптистерия повторяют композиционное построение дверей, сделанных в 14в. Андреа Пизано – 28 маленьких композиций заключены в обрамления готической формы. 20 из них посвящены изображению евангельских сцен. В композициях еще мало пространства, а фигуры сохраняют присущие поздней готике манерную изогнутость поз, удлиненность пропорций, текучую плавность складок одежд, под которыми не чувствуется тело. Высшим творческим достижением Гиберти являются восточные двери, которые современники назвали «райскими вратами». Художник отказался от связывавшей его старой формы панно и сделал десять больших прямоугольных рельефов на сюжеты из Ветхого Завета. От более ранних их отличает пространственный характер композиций – Гиберти использует средства линейной перспективы. Мягкая воздушность рельефов Гиберти, богатая игра светотени напоминают эффекты живописной картины.       

Донателло (Донато ди Никколо ди Бетти Барди), ученик Нанни ди Банко и Лоренцо Гиберти. Великий флорентийский скульптор, новатор. Созданные Донателло образы являются первым воплощением гуманистического идеала. Основываясь на тщательном изучении натуры и умело используя античное наследие, Донателло первым из мастеров Возрождения сумел разрешить проблему устойчивой постановки фигуры, передать органическую цельность тела, его тяжесть, массу. Творчество его поражает разнообразием новых начинаний. Он возродил изображение наготы в статуарной пластике, положил начало скульптурному портрету, отлил первый бронзовый памятник, решал задачи свободно стоящей группы, разрабатывал теорию линейной перспективы и использовал ее в своих произведениях. Мраморная статуя Давида (1408-1409) - Донателло представил Давида юношей в момент торжества над поверженным Голиафом. При создании этой скульптуры Донателло опирался на античные традиции, но в неустойчивой постановке фигуры, изогнутости торса, манерном движении рук, а также в трактовке складок одежды дает себя знать влияние готики. Более свободна от готических черт исполненная для украшения фасада собора статуя сидящего Иоанна Евангелиста (1408-1415). Могучие формы тела Иоанна ясно обозначены под одеждой, ниспадающей тяжелыми складками.

Статуя св. Марка (1411-1412) для наружной ниши церкви Ор Сан Микеле. Образ св. Марка лишен всякой религиозной окраски, фигура весома и материальна. Впервые в истории итальянского Возрождения была решена проблема устойчивой постановки фигуры. Донателло воскресил античный прием хиазма.          

Статуя св. Георгия (1416) для наружной ниши церкви Ор Сан Микеле — одна из вершин творчества Донателло. Он создал глубоко индивидуальный и, вместе с тем, воплощенный идеал сильной личности. В статуе св. Георгия Донателло достиг предельной обобщенности форм. Простой и четкий силуэт, спокойная плавная поверхность, позволяющая четко обозначиться светлым и затененным частям, высокое чувство пластичности и полный отказ от живописных эффектов роднят это произведение со статуями классического периода античной скульптуры.

Статуи ветхозаветных пророков и царей для наружных ниш башни флорентийского собора (1420-1430).  В выполненных статуях Иеремии и Аввакума напряженность движений, изломанность контуров и изрезанность поверхности, порождающие сложную игру светотени, создают впечатление повышенной экспрессии. Образы поражают необычайной силой индивидуализации. Донателло вплотную подошел к созданию портретной скульптуры. 

Статуя Давида (бронза, нач. 1430-х гг.).Давид изображен в виде стройного мальчика с гибким телом и длинными волосами, на которые надета увитая лавровым венком пастушеская шапочка. Смелое новшество – изображение Давида нагим, свидетельствует о близости Донателло к духу античности.  

Конная статуя кондотьера Эразмо ди Нарни, по прозвищу Гаттамелатта («Пестрая кошка») – первый конный памятник в искусстве Возрождения. Отправной точкой при ее создании могла послужить статуя императора Марка Аврелия, которую Донателло видел в Риме. Но это гораздо более индивидуализированный образ типично ренессансного героя, мужественного и уверенного в себе. Это портрет, выполненный с несомненным сходством, отмечен чертами сурового величия, обобщенностью и лаконичностью лепки, сдержанностью позы. Наиболее значительная работа позднего периода – бронзовая группа «Юдифь и Олоферн» для двора палаццо Медичи (ок. 1455). Донателло создал свободно стоящую скульптуру, не связанную с нишей или стеной.

Лука делла Роббиа. Первое датированное произведение – кафедра певчих во флорентийском соборе. В этом произведении сказывается влияние Донателло. Лука делла Роббиа вводит технику майолики.

Андреа Вероккио. Созданная в 1476г. бронзовая скульптура «Давид» раскрывает излюбленную тему итальянского Возрождения – тему героя-победителя. В отличие от юного и скромного мальчика-Давида Донателло, Вероккио придал ему победоносный и торжествующий вид и черты изящества и аристократизма. Другое крупнейшее произведение Вероккио – конная статуя кондотьера Бартоломео Коллеони в Венеции (1479-1496) снова вступает в соревнование с Донателло. В отличие от сурового величия Гаттамелатты, Вероккио воплощает в своем Коллеони образ неистового, охваченного пылом сражения военачальника. Статуя отличается прекрасным знанием анатомии и тщательностью отделки деталей. В религиозных композициях Вероккио выбирает драматичные сюжеты, придавая им оттенок натурализма – «Уверение Фомы», «Страсти Христовы». Вероккио прославился и как скульптор-портретист, оставив целую галерею своих современников – портреты членов семейства Медичи (Лоренцо Великолепного, Джулиано и Пьеро ди Лоренцо Медичи), портреты прекрасных дам. 

Живопись. Реформатор живописи Мазаччо (1401-1428), который создал цикл фресок, служивших образцом для нескольких поколений итальянских художников. Фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, где изображены эпизоды из легенд о святом Петре и два библейских сюжета – «Грехопадение» и «Изгнание из рая» (1425-1427). «Изгнание из рая» – Мазаччо сосредоточил внимание на драматическом содержании сюжета, постановке и пластической лепке фигур. Впервые в истории живописи Возрождения он сумел убедительно вылепить нагое тело, придать ему правильные пропорции, твердо и устойчиво поставить на землю. Смело и обобщенно написана голова плачущей Евы. Фрески Мазаччо в капелле Бранкаччи проникнуты трезвым рационализмом, лица апостолов индивидуализированы, возможно, портретны и отмечены печатью человеческих чувств. Композиции отличает ясное развитие действия. «Чудо со статиром» - Мазаччо пользуется средствами линейной и воздушной перспективы. На фресках капеллы Бранкаччи учились многие художники Возрождения. известно лишь несколько достоверных его произведений. Среди них – «Распятие с предстоящими» и  «Троица». Манера Мазаччо была уникальной. Многие живописцы еще долго оставались связанными с готической традицией.   

 

Джентиле да Фабриано - представитель умбрийской школы, его произведения отмечены чертами утонченной декоративности. «Поклонение волхвов» плоскостность, расположение фигур вверх, а не в глубину, обилие деталей, пышная пестрота костюмов, яркость локальных красок напоминают по стилю готическую миниатюру. Вместе с тем прекрасно передан пейзаж, живо и разнообразно изображена толпа.

 

 

Пизанелло (Антонио Пизано). Представитель веронской школы. Творчество его тесно связано с традицией позднего треченто, испытывал сильное влияние готики. Фрески - «Благовещенье» (церковь Сан Фермо) и «Св. Георгий» (церковь Санта-Анастасия) - проникнуты характерным для искусства Северной Италии духом рыцарской куртуазности, но и острым реализмом. Превосходный портретист, он оставил несколько живописных профильных портретов и большое количество рисунков.

Фра Беато Анджелико. Ранние работы Фра Беато близки по манере к позднеготической миниатюре. «Страшный суд» – отсутствует единство пространства, общее построение подчинено старой иконографической схеме. Цикл фресок в монастыре Сан Марко во Флоренции, росписи капеллы св. Николая в Ватикане. 

Паоло Уччелло - исследователь теории линейной перспективы и проблем изображения фигуры в сложных ракурсах. Учелло – автор первых в истории западноевропейского искусства монументальных батальных сцен («Битва при Сан Романо»). В них проявляется увлечение художника перспективой и ракурсами. Интерес к изображению пространства и смелое решение ракурсов - фрески в церкви Санта Мария Новелла, «Чудо с остией».

Фра Филиппо Липпи. Один из самых жизнелюбивых художников своего времени. Радостью жизни и острым чувством современности проникнуто все его искусство. Он превращает религиозную картину в собрание портретов своих сограждан. («Поклонение младенцу», «Рождество Христово», «Благовещенье», «Коронование Марии»). «Мадонна» -картина походит на портрет, чем на изображение мадонны.

Беноццо Гоццоли. Беноццо Гоццоли стремится передать все пестрое многообразие окружающего мира - фреска «Шествие волхвов» в капелле дворца Медичи (1459):  плоскостность и чрезмерная насыщенность композиции сочетаются с богатством и разнообразием пейзажных мотивов, изображений животных, костюмов, лиц.           

Доменико Гирландайо. продолжает традиции светской живописи середины 15 в. Работая преимущественно для Медичи и их ближайшего окружения, Гирландайо стал портретистом и бытописателем этого круга. Фрески его изобилуют портретами представителей фамилий Медичи, Торнабуони, Сассетти, близких к ним поэтов и гуманистов. Он превращает изображение далеких религиозных сюжетов в воспроизведение жизни и быта своего времени. Так, например, в росписи «Рождение Иоанна Крестителя» действие перенесено в обстановку богатого флорентийского дома. Одна из самых известных картин Гирландайо «Старик и внук», в которой разрабатывается тема смены поколений и течения жизни.        

Антонио Поллайоло – ювелир, скульптор и живописец, знаток анатомии, аналитически изучавший строение человеческого тела и научившийся передавать разнообразнейшие ракурсы и движения. Работам его присуща изощренность, сказывающаяся в линейной трактовке формы, причудливости контуров, иногда преувеличенной аффектации («Мучение св. Себастиана», «Геракл и гидра» и «Геракл и Антей»)          

Андреа Вероккио. Из живописных работ наиболее известна картина «Крещение» (ок. 1476, Флоренция, Уффици), в которой фигурка одного из ангелов написана Леонардо да Винчи.       

Пьеро делла Франческа, представитель умбрийской школы, решительный порывает с готикой. Во всех его произведениях царит строгая, почти геометрическая закономерность, все подчинено законам разума и гармонии. Живопись его отличается не только богатством цвета и тонкостью нюансировки, но и прекрасным чувством световой среды, объединяющей все цвета в гармоничное целое.Важнейшее произведение – цикл фресок в хоре церкви Сан Франческо в Ареццо на сюжеты легенды о святом кресте - «Сон императора Константина», «Встреча Соломона с царицей Савской». Могучей силы исполнены две батальные композиции «Битва Ираклия с Хосровом» и «Битва Константина с Максенцием», расположенные друг против друга на боковых стенах. В 1469 г. Пьеро делла Франческа написал два парных портрета – «Портрет герцога Федериго да Монтефельтро», и портрет его жены. Это традиционные погрудные профильные портреты, но Пьеро делла Франческа сумел придать им особую величавость.

Лука Синьорелли. ученик Пьеро делла Франческа. Вместо спокойного величия произведений его учителя, работы его проникнуты бурной динамикой, нередко переполнены фигурами в необычайно сложных движениях. Вершина его творческих достижений — роспись в соборе в Орвието, где он изобразил сцены Страшного суда.

Пьетро Перуджино - также ученик Пьеро делла Франческа. По своему складу Перуджино представляет разительный контраст Синьорелли. Он пишет пейзажи с мягкими очертаниями холмов, блестящей гладью реки и тоненькими, просвечивающими на фоне неба деревцами. Лучшие его произведения созданы до 1500г. Среди них фреска «Передача ключей апостолу Петру» в Сикстинской капелле, отличающаяся стройностью композиционного замысла. Роль Перуджино в искусстве позднего Кватроченто значительна еще и тем, что он был одним из учителей титана Высокого Возрождения Рафаэля Санти. Юный Рафаэль по традиции стремился соперничать со своим учителем – композиционная схема его раннего произведения «Обручение Марии» сходна с работой Перуджино, завершенной в том же1504 году.  

Пинтуриккио. Искусство его чуждо всякого драматизма, в нем преобладают черты повествовательности, стремление к занимательности и разнообразию. Самое известное его произведение – «Портрет мальчика», первый в итальянском искусстве портрет ребенка.

В изобразительном искусстве Северной Италии периода кватроченто выдающаяся роль принадлежит Падуе. Крупнейший художник - Андреа Мантенья, с одной стороны, связан с готической традицией, с другой – страстно увлечен античностью.Черты повышенной экспрессии, типичной для поздней готики, сочетаются в его произведениях с античным пафосом страдания. «Оплакивание Христа», Алтарь церкви Сан Дзено в Вероне. Росписи мантуанского дворца - сцены из жизни герцога и его семьи: первый пример группового портрета в западноевропейском искусстве.

Сложность и противоречивость флорентийской культуры конца 15 в. нашли выражение в творчестве самого яркого художника этого времени Сандро Боттичелли (1444—1510). Ученик Фра Филиппе Липпи и Андреа Вероккио. Картины его оставляют двойственное впечатление – красочные и нарядные, они полны всегда внутреннего болезненного горения. Его Мадонны, Венера, Весна овеяны грустью, взгляд их выдает затаенную боль. Именно на этом внутреннем состоянии и настроении и концентрирует свое внимание Боттичелли. («Весна» и «Рождение Венеры», «Мадонна Магнификат», «Мадонна с гранатом», «Клевета»). Зрелые произведения Боттичелли отмечены чертами утонченного декоративизма.  Последний период творчества отмечен настроением мрачного отчаяния («Оплакивание Христа», «Покинутая»).

Искусство Венеции. Связанная с Византией многовековым экономическим и культурным общением, Венеция долго оставалась верна византийским традициям в искусстве. В конце 14 в. здесь получает распространение готика. Ведущая роль в формировании собственно ренессансного искусства в Венеции принадлежит художникам семьи Беллини. Джентиле и Джованни Беллини испытали значительное влияние Мантеньи и Антонелло да Мессина (1430-1479).

Произведения Антонелло да Мессина, сформировавшегося под влиянием нидерландского искусства и хорошо знакомого с искусством Средней и Северной Италии, отличает прекрасная передача фактуры и материальности предметов, высокое чувство пластичности, теплый, золотистый колорит («Портрет кондотьера», «Портрет молодого человека»). Пользуясь средствами линейной и воздушной перспективы, Антонелло да Мессина создает впечатление пространства и воздушной среды («Св. Себастиан»).

   

Джентиле Беллини (1429-1507) художник повествовательных композиций, действие которых развертывается на фоне пейзажа и городских видов. («Процессия тела Христова»).

Джованни Беллини (1430-1516) В ранних работах художника чувствуется склонность к мелочной детализации, скованность в изображении человеческой фигуры, жесткость рисунка и моделировки. Поздние работы характеризуют простота и уравновешенность композиции, свобода и естественность движений фигур, обобщенность и полновесность форм, прекрасное чувство пространства. Он прекрасно создает настроение, передает единство человека с окружающим его миром (Мадонна луговая). Природа Беллини — это прекрасный и полный гармонии мир, в котором живет человек (портрет венецианского дожа Леонардо Лоредано - пользуясь техникой масляной живописи, он добился глубокого звучания красок и создал основу для выдающихся колористических достижений венецианской живописи 16в.) Поздние картины Беллини оказали большое влияние на формирование искусства Высокого Возрождения в Венеции, в котором ведущая роль принадлежала его великим ученикам Джорджоне и Тициану.