Содержание сборника

§ Невский проспект

§ Нос

§ Портрет

§ Шинель

§ Записки сумасшедшего

Драматические опыты Гоголя представляют собою какое-то исключительное явление в русской литературе. Если не принимать в соображение комедии Фонвизина, бывшие в свое время исключительным явлением, и "Горе от ума", тоже бывшее исключительным явлением в свое время, - драматические опыты Гоголя среди драматической русской поэзии с 1835 года до настоящей минуты - это Чимборазо среди низменных, болотистых мест, зеленый и роскошный оазис среди песчаных степей Африки. После повестей Гоголя с удовольствием читаются повести и некоторых других писателей; но после драматических пьес Гоголя ничего нельзя ни читать, ни смотреть на театре. И между тем только один "Ревизор" имел огромный успех, а "Женитьба" и "Игроки" были приняты или холодно, или даже с неприязнию. Нетрудно угадать причину этого явления: литература наша хотя и медленно, но все же идет вперед, а театр давно уже остановился на одном месте. Публика читающая и публика театральная - это две совершенно различные публики, ибо театр посещают и такие люди, которые ничего не читают и лишены всякого образования. У Александрийского театра своя публика, с собственною физиономиею, с особенными понятиями, требованиями, взглядом на вещи. Успех пьесы состоит в вызове автора, и в этом отношении не успевают только или уж чересчур бессмысленные и скучные пьесы, или уж слишком высокие создания искусства. Следовательно, ничего нет легче, как быть вызванным в Александрийском театре, - и действительно, там вызовы и громки и многократны: почти каждое представление вызывают автора, а иного по два, по три, по пяти и по десяти раз. Из этого видно, какие патриархальные нравы царствуют в большей части публики Александрийского театра! За границею вызов бывает наградою подвига и признаком неожиданно великого успеха, - то же, что триумф для римского полководца. В Александрийском театре вызов означает страсть пошуметь и покричать на свои деньги - чтоб не даром они пропадали; к этому надо еще прибавить способность восхищаться всяким вздором и простодушное неумение сортировать по степени достоинства однородные вещи. Отсюда происходит и страсть вызывать актеров. Иного вызовут десять раз, и уж редкого не вызовут ни разу. Вызывают актеров не по одному разу и в Михайловском театре, но очень редко, как и следует, - именно в тех только случаях, когда артист, как говорится, превзойдет самого себя. В Михайловском театре тоже аплодируют, кричат "браво" и в остроумных пьесах выражают свой восторг смехом; но все бывает там кстати, именно тогда только, когда нужно, и во всем присутствует благородная умеренность - признак образованности и уважения к собственному достоинству человека. Кого легко рассмешить, тому непонятна истинная острота, истинный комизм. Пьесы, восхищающие большую часть публики Александрийского театра, разделяются на поэтические и комические. Первые из них - или переводы чудовищных немецких драм, составленных из сентиментальности, пошлых эффектов и ложных положений, или самородные произведения, в которых надутою фразеологиею и бездушными возгласами унижаются почтенные исторические имена; песни и пляски, кстати и некстати доставляющие случай любимой актрисе пропеть или проплясать, и сцены сумасшествия составляют необходимое условие драм этого рода, возбуждают крики восторга, бешенство рукоплесканий. Пьесы комические всегда - или переводы, или переделки французских водевилей. Эти пьесы совершенно убили на русском театре и сценическое искусство и драматический вкус. Водевиль есть легкое, грациозное дитя общественной жизни во Франции: там он имеет смысл и достоинство; там он видит для себя богатые материалы в ежедневной жизни, в домашнем быту. К нашей русской жизни, к нашему русскому быту водевиль идет, как санная езда и овчинные шубы к жителям Неаполя. И потому переводный водевиль еще имеет смысл на русской сцене, как любопытное зрелище домашней жизни чужого народа; но переделанный, переложенный на русские нравы, или, лучше сказать, на русские имена, водевиль есть чудовище бессмыслицы и нелепости. Содержание его, завязка и развязка, словом - баснь (fable), взяты из чуждой нам жизни, а между тем большая часть публики Александрийского театра уверена, что действие происходит в России, потому что действующие лица называются Иванами Кузьмичами и Степанидами Ильинишнами. Грубый каламбур, плоская острота, плохой куплет - дополняют очарование. Какое же тут может быть драматическое искусство? Оно может развиваться только на почве родного быта, служа зеркалом действительности своего народа. Но эти незаконные водевили не требуют ни естественности, ни характеров, ни истины; а между тем они служат прототипом и нормою драматической литературы для публики Александрийского театра. Артисты его (между которыми есть люди с яркими дарованиями и замечательными способностями), не имея ролей, выражающих взятые из действительности и творчески обработанные характеры, не имеют нужды изучать ни окружающей их действительности, которую они призваны воспроизводить, ни своего искусства, которому они призваны служить. Не играя пьес, проникнутых внутренним единством, они не могут сделать привычки к единству и целостности (ensemble) хода представления, и каждый из них старается фигюрировать перед толпою от своего лица, не думая о пьесе и о своих товарищах. Мы несправедливы были бы но крайней мере к некоторым из них, если б стали отрицать в них всякий порыв к истинному искусству; но против течения плыть нельзя, и, видя холодность и скуку толпы, они поневоле принимаются за ложную манеру ради рукоплесканий и вызовов. И вот, когда им случится играть пьесу, созданную высоким талантом из элементов чисто русской жизни, - они делаются похожими на иностранцев, которые хорошо изучили нравы и язык чуждого им народа, но которые все-таки не в своей сфере и не могут скрыть подделки. Такова участь пьес Гоголя. Чтоб наслаждаться ими, надо сперва понимать их, а чтоб понимать их, нужны вкус, образованность, эстетический такт, верный и тонкий слух, который уловит всякое характеристическое слово, поймает на лету всякий намек автора. Одно уже то, что лица в пьесах Гоголя - люди, а не марионетки, характеры, выхваченные из тайника русской жизни, - одно уже это делает их скучными для большей части публики Александрийского театра. Сверх того, в пьесах Гоголя нет этого пошлого, избитого содержания, которое начинается пряничного любовью, а оканчивается законным браком; но вместо этого в них развиваются такие события, которые могут быть, а не такие, каких не бывает и какие не могут быть. Простота и естественность недоступны для толпы. "Игроки" Гоголя давно уже напечатаны; следовательно, нет никакой нужды рассказывать их содержание. Скажем только, что это произведение, по своей глубокой истине, по творческой концепции, художественной отделке характеров, по выдержанности в целом и в подробностях, не могло иметь никакого смысла и интереса для большей части публики Александрийского театра, которая, к довершению всего, - по тому случаю, что в тот же вечер Рубини играл па Большом театре, - была и очень немногочисленна и уж слишком неразборчиво составлена. Из ролей особенно хорошо были выполнены роль Швохнева (г, Самойловым) и Замухрышкина (г. Каратыгиным

Уже в первой реплике городничегосодержится ключ ко всей комедии: «К нам едет ревизор!» Известие о приезде ревизора является для собравшихся чиновников «пренеприятным». Почему? Недаром это известие их тревожит, и это заметно по первым их восклицаниям. Но мало того, что едет ревизор, он едет «инкогнито» (т. е. тайно), да еще и «с секретным предписанием» (каким?). Это осложняет дело и усиливает беспокойство собравшихся. Почему так встревожились чиновники, явствует из письма Чмыхова, дающего великолепную характеристику городничему как типичному представителю чиновничьего мира, а от городничего недалеко ушли и его соратники по службе. «За тобою, как за всяким, водятся грешки… не любишь пропускать того, что плывет в руки» (действие 1, явл. 1)- вот ключ к раскрытию деятельности этих персонажей.

Эти слова требуют разъяснения. Доискиваясь причины приезда ревизора, чиновники затрагивают и деятельность высшего начальства: «Подбирались к другим городам» (городничий), «оно себе мотает на ус» (судья). Так, вчитываясь в содержание комедии и вдумываясь в попутный комментарий, все получают представление о жизни николаевской России, отраженной в произведении, и о персонажах комедии.

Гоголь, отрицательно оценивая все господствовавшие тогда драматургические жанры, которые либо били по нервам, либо воспитывали в ложнопатриотическом духе, либо смешили дешевыми внешними эффектами, сам смотрел на театр серьезно и требовательно и, как подлинный художник-реалист, осуждал оторванность театра от общественной жизни, его антихудожественный репертуар.

Широта обобщения жизненных характеров выражается не только в тонкой отделке тех персонажей, которые действуют в комедии; галерея действующих лиц расширяется введением ряда внесценических образов (с внесценическими образами все знакомы по комедии Грибоедова), представляющих собой яркие жизненные характеры и способствующих углублению характеристик выведенных на сцене лиц.

Таковы, например, петербургский приятель Хлестакова Тряпичкин, отец Хлестакова, ключница Авдотья, жена и сын Добчинского, дочь Земляники, трактирщик Влас, пехотный капитан, обыгравший Хлестакова в Пензе, квартальный Прохоров, приехавший ревизор и др.

В комедии упоминаются разнообразные жизненные явления, типичные для николаевской России тех лет, что создает широкую панораму общественной жизни: купец строит мост и наживается па этом, а помогает ему в этом городничий; судья пятнадцать лет сидит на судейском стуле и не умеет разобраться в докладной записке; городничий хватает за бороду купца со словами: «Ах, ты, татарин», справляет дважды в год свои именины и ожидает к ним подарки от купцов; уездный лекарь не умеет объясняться по-русски; почтмейстер интересуется содержанием чужих писем; попечитель богоугодных заведений занимается кляузами своих собратьев-чиновников и др.

В комедии говорится о многочисленных злоупотреблениях чиновников, характеризующих эпоху жестокого произвола: незаконно забрили лоб женатому слесарю; высекли унтёр-офицерскую жену; арестантам не выдают провизии; сумму, ассигнованную на построение церкви при богоугодном заведении, тратят по своему усмотрению, а рапорт представляют о том, что церковь сгорела; купца городничий запирает в комнату и заставляет есть селедку; квартальные дают волю своим кулакам и ставят фонари и правому, и виноватому; больные носят грязные колпаки, которые делают их похожими на кузнецов.

Следует заметить, что о преступных действиях чиновников читатели узнают из слов самих чиновников, а не из действий, которые на сцене не показаны.

Подтверждением противозаконных поступков чиновничьего мира служат и жалобы людей, притесняемых чиновниками, особенно городничим. стержень и перенеся центр тяжести на социально-политические явления жизни. Гоголь отказался от введения в комедию положительного героя как иосигеля добродетельных начал и резонера, как рупора авторских мыслей. Положительным героем комедии автор вывел смех, разящий общественные пороки и бичующий самые устои самодержавного режима, Реалистическое мастерство Гоголя сказалось и в умении вложить в уста каждого, даже эпизодического персонажа типичную для него, индивидуализирующую его речевую характеристику.

Основной конфликт «Ревизора» - между чиновным миром города, воплощающим весь самодержавный режим той эпохи, и народом, угнетенным этим режимом. Уже с первых строк комедии ощущается враждебность чиновничьего аппарата к бесправной народной массе, притеснения и насилия над ней, хотя этот конфликт не показан прямо в комедии, а развивается подспудно. Этот конфликт в комедии осложняется другим конфликтом - между чиновничьим аппаратом города и «ревизором».

Раскрытие этого конфликта позволило автору выпукло нарисовать и остро разоблачить как представителей уездной власти, так и заехавшего в город мелкого столичного чиновника и одновременно показать их антинародную сущность.

Смысл комедии и в критике роли ревизоров, которые не могли внести каких-либо изменений в существующий порядок вещей. Очень проницательно роль ревизора раскрыта Гоголем в сне городничего: ему приснились крысы, которые «пришли, понюхали - и пошли прочь», по сути дела не проявив никакой активности.

1.Н.В.Гоголь.

"В "Ревизоре" я решился собрать в одну кучу всё дурное в России, какое я тогда знал, все несправедливости, какие делаются в тех местах и и тех случаях, где больше всего требуется от человека справедливости, и за одним разом посмеяться над всем. Но это, как известно, произвело потрясающее действие. Сквозь смех, который никогда ещё во мне не проявлялся в такой силе, читатель услышал грусть."

2. Д.Н.Овсянико-Куликовский

"Уже в "Ревизоре" он (Гоголь) ставил себе задачей - показать не только уродство бытовых типов, но также "искривление" национальной физиономии. Хлестаков вышел у него типом национальным. И вообще всякие уродства легко объяснимы строем жизни, состоянием нравов, отсутствием просвещения и т. д., он склонен был изображать как национальные. Он сам (Гоголь) категорически заявлял, что главною его задачей как художника является познание и изображение психологии русского человека."

«Мертвые души» Н. В. Г — это не только сатира на Россию Чичиковых и Собакевичей, но это также и лирическая поэма о России — родине великого народа. Г писал «М д» не как спокойный созерцатель жизни, а как горячий патриот, уверенный в великом будущем России, понимавший свой народ и ненавидевший все то, что мешало развитию народных сил. В помещичьей и чиновничьей среде Гоголь не обнаружил ни одного порядочного человека. Она населена мерзавцами, мошенниками и пошляками. Полным контрастом предстает в изображении писателя Россия народная, в которой он, по слову Белинского, увидел «плодовитое зерно русской жизни». Чем дальше движется сюжет «Мертвых душ», тем больше расширяется поэтический диапазон поэмы, ярче вырисовывается поэтический облик народа и России. Гоголь чувствует душу русского народа. В поэме с подъемом и восхищением говорится о его удали, смелости, о любви к свободной жизни. Рассуждения Чичикова о крепостных и беглых крестьянах имеют глубокое значение. Крестьяне, несмотря на крепостное право, не стали рабами по натуре. Они бегут из помещичьих усадьб на окраины России. Абакум Фыров подался на Волгу, работает и гуляет с ватагой бурлаков. Писатель не верит в покорность и смирение мужика. «Бог ведает, трудно знать, что думает дворовой крепостной человек в то время, когда барин ему дает наставления», — многозначительно замечает писатель. Непокорные мужики селений Вшивая Спесь и Боровки снесли с лица земли земскую полицию. Гоголь далек от революционных настроений, но в данном случае он восхищается своим народом. Интересен рассказ Собакевича о достоинствах умерших крестьян, «словно бы они все живы и здоровы». Давно уже нет на свете непревзойденного умельца — печника Милушкина, или искуснейшего каретника Михеева, или чудо-сапожника Максима Телятникова, или Пробки Степана, могучей силищи мужика, или бойкого Еремея Сорокоплехина, приносившего оброку до пятисот рублей, а память о них жива. Чичиков, возвратившись в город, с необычным для него искренним волнением и юмором размышляет о горестной судьбе мужиков. Конечно, понимаешь, что это рассуждения не Чичикова, это лирический голос самого автора, который восхищается русским народом. Человек из народа овеян у Гоголя поэзией, часто вызывает ассоциации с песней. Песня, в которую народ вкладывал свое сердце, свою печаль и свою мечту о свободной, счастливой жизни, проходит лирическим лейтмотивом через все эпизоды, где предстает перед нами образ Руси и ее народа. Любовь писателя к своей родине и к своему народу наиболее полно выразилась в пророческом уподоблении России со стремительно несущейся тройкой: «Чудным звоном заливается колокольчик; гремит и становится ветром разорванный в куски воздух; летит мимо все что ни есть на земле, и косясь, постораниваются и дают ей дорогу другие народы и государства». Герцен высоко ценил патриотизм Гоголя, он писал, что «Мертвые души» — «удивительная книга, горький упрек современной Руси, но не безнадежный». Интересно, что Гоголь сам дал эскиз обложки для своей книги. Слово «поэма» он выделил самыми крупными буквами на фоне голов двух богатырей. Это был как бы подзаголовок. А весь рисунок представлял бричку Чичикова, бутылки, бокалы, танцующую пару и вьющиеся вокруг завитки со зловещими черепами — весь этот рисунок сделан черным по светло-желтому. И лишь слово «поэма» нарисовано светлым по черному. Обложка точно передавала основную идею произведения. Черной силе «мертвых душ» противостояло светлое, жизнеутверждающее начало — мечта о счастливой России и свободном русском народе. «Широкие черты человека величаво носятся и слышатся по всей русской земле», — писал Гоголь. Все главные события, составляющие основу сюжета "М д",протекают при непосредственном участии Павла Ивановича Чичикова. Завязка сюжета - приезд Чичикова в губернский город.
Павел Иванович знакомится с городом, с видными чиновниками и с некоторыми помещиками. Через несколько дней он отправляется в путешествие: посещает усадьбы Манилова, Коробочки, Ноздрева, Собакевича, Плюшкина и приобретает у них "м д". Казна проводила перепись крепостного населения один раз в 10-15 лет. Между переписями ("ревизскими сказками") за помещиками числилось установленное количество ревизских душ (в переписи указывались только мужчины). Естественно, что крестьяне умирали, но по документам, официально, они считались живыми до следующей переписи. "Я полагаю приобресть мертвых, которые, впрочем, значились бы по ревизии как живые", — говорит Чичиков ошеломленному Манилову. За крепостных крестьян помещики ежегодно платили налог, в том числе и за умерших. "Послушайте, матушка, — разъясняет Чичиков Коробочке, — да вы рассудите только хорошенько: ведь вы разоряетесь. Платите за него (умершего) подать как за живого". Чичиков приобретает умерших крестьян, чтобы заложить их, как живых, в Опекунском совете и получить изрядную сумму денег.
Возвращение Чичикова в город и оформление купчей крепости — кульминация сюжета. Все поздравляют нового "херсонского помещика" с приобретением крепостных. Но торжество и всеобщее веселье уступают место растерянности, когда Ноздрев и Коробочка раскрывают проделки "почтеннейшего Павла Ивановича". Наступает развязка: Чичиков поспешно покидает город.
Хотя Чичиков активно участвует во всех происходящих событиях, сюжет произведения выходит за рамки истории его жизни, его личной судьбы. "Мертвые души" — это книга о России, а не о Чичикове. Так понимал автор свой великий замысел. Выбранный сюжет давал Гоголю "полную свободу изъездить вместе с героем всю Россию и вывести множество самых разнообразных характеров". В "Мертвых душах" огромное количество действующих лиц. Наглый приобретатель Чичиков, чиновники губернского города и столицы, помещики и крепостные крестьяне — все социальные слои крепостной России представлены в поэме. Да и сам автор выступает в лирических отступлениях: он восторгается родиной, ее просторами, народом, его метким словом.
Можно сказать, что собирательный образ родины — это и есть главное в "Мертвых душах". Поэтому-то автор определяет произведение как поэму, восходящую к ее классическим образцам. В Древней Греции поэмами назывались народные эпические произведения, в которых изображалась жизнь и борьба всего народа. Такой литературный жанр, как лиро-эпическая поэма, давал возможность Гоголю "озирать всю громадно-несущуюся жизнь", родину "во всей своей громаде".
Соотношение частей в "Мертвых душах" строго продумано и подчинено творческому замыслу.
Первая глава поэмы является своеобразным вступлением. Автор знакомит нас с главными действующими лицами: с Чичиковым и его постоянными спутниками — Петрушкой и Селифаном, с помещиками Маниловым, Ноздревым, Собакевичем. Здесь же дана зарисовка общества губернских чиновников. Главы со второй по шестую посвящены помещикам, олицетворяющим собой "благородное" сословие России, "хозяев жизни". В седьмой — десятой главах мастерски нарисовано губернское общество. Городские верхи, мелкие чиновники, дамы "просто приятные" и "приятные во всех отношениях" пестрой толпой проходят перед нашим мысленным взором. В одиннадцатой главе дана биография Чичикова, нечистоплотного дельца буржуазного склада, приобретателя мертвых душ. Заключительные строки "М душ" посвящены горячо любимой родине: Гоголь-патриот воспевает величие и силу России.

Как поэт и гражданин Михаил Юрьевич Л формировался в эпоху после разгрома декабристского восстания, которое произошло в декабре 1825 года. Прогрессивная часть дворянской молодежи не могла принять жесткого николаевского режима, последовавшего за восстанием на Сенатской площади, но она не вступала в открытую борьбу с самодержавием, не верила в победу над ним. И все же реакция не могла остановить развития общественной мысли в России. Изредка печатались произведения поэтов-декабристов — Кюхельбекера, Одоевского и других, начали свою литературную деятельность Н. В. Гоголь, критик В. Г. Белинский.
В тридцатые годы XIX века продолжал развиваться критический реализм, но одновременно с ним существовал и романтизм. Ярким примером романтизма в творчестве Лермонтова является стихотворение “Парус”, написанное восемнадцатилетним поэтом.
В интимной лирике Л мало светлого, радостного, что было характерно и для Пушк. В одном из стихотворений он признавался:
Пусть я когда-нибудь люблю:
Любовь не красит жизнь мою.
Любовное чувство лирического героя у Л наполнено тоской, ему сопутствуют трагические обстоятельства, тяжелые предчувствия. Чаще всего Л пишет о неразделенной любви, об измене женщины, не сумевшей оценить возвышенные чувства.
Трагизм любовной лирики был обусловлен обстоятельствами личной жизни поэта. Цикл стихов посвящен Наталье Федоровне Ивановой, дочери известного драматурга. Вначале Иванова отвечала взаимностью Лермонтову, была его близким другом, но любовное увлечение поэта окончилось несчастливо. Измена любимой женщины послужила поводом для создания стихотворения “Я не унижусь пред тобою...”
С резкой критикой современного ему поколения выступил Лермонтов в стихотворении “Дума” (1838 г.). Это стихотворение — горькая поэтическая исповедь поколения, которое живет без активного действия и не верит в его пользу. Оно “старится в бездействии”. У этого поколения нет ни глубоких чувств, ни прочных убеждений:
И ненавидим мы, и любим мы случайно,
Ничем не жертвуя ни злобе, ни любви,
И царствует в душе какой-то холод тайный,
Когда огонь кипит в крови.
Это поколение не способно сказать новое слово в истории России. Стихотворение заканчивается пессимистически:
Толпой угрюмою и скоро позабытой
Над миром мы пройдет без шума и следа,
Не бросивши векам ни мысли плодовитой,
Ни гением начатого труда.
И прах наш, с строгостью судьи и гражданина,
Потомок оскорбит презрительным стихом,
Насмешкой горькою обманутого сына
Над промотавшимся отцом.
“Дума” — это и лирическое стихотворение, проникнутое грустью, мечтательностью, и одновременно сатира.
По идейному содержанию с “Думой” связано стихотворение “И скучно и грустно...”, написанное в форме лирического монолога. Критик В. Г. Белинский восторгается этим произведением. Он сравнивает его с “потоком слез, давно накипевших”, со струей горячей крови из раны, с которой вдруг сорвали повязку. В стихотворении наиболее полно отразились особенности лирики Лермонтова. Стихи Лермонтова — это почти всегда напряженный внутренний монолог. Взгляд поэта сосредоточен не столько на внешнем мире, сколько на внутреннем душевном состоянии человека. Поэт раскрывает борьбу противоречивых мыслей своего лирического героя. И скучно и грустно, и некому руку подать
В минуту душевной невзгоды... Желанья!.,
что пользы напрасно и вечно желать?..
А годы проходят — все лучшие годы!
Любить... но кого же?., на время — не стоит труда,
А вечно любить невозможно…
Состояние души, которое, казалось бы, трудно выразить словами, занимает главное место и в стихотворении “Выхожу один я на дорогу...” Философское содержание этого произведения выявляется из сопоставления спокойной и величественной природы и страдающего человека, задающегося извечными вопросами. Лирический герой Лермонтова устал от невозможности понять самого себя, от неосуществимости желаний. Поэтому в нем нет той гармонии, которую он чувствует в природе. Но у него осталась жажда прекрасного, которое он связывает с любовью, с единением с природой.
Выхожу один я на дорогу;
Сквозь туман кремнистый путь блестит;
Ночь тиха. Пустыня внемлет Богу,
И звезда с звездою говорит.
В небесах торжественно и чудно!
Спит земля в сиянье голубом... Лирика этого замечательного русского поэта близка каждому человеку. Поэзия — это вечные поиски смысла жизни, истины и счастья, неразделимые с разочарованием и страданием. На мой взгляд, основной ее мотив — это мотив одиночества, который пронизывает все его творчество. Одиноки герои его произведений, одинок и сам поэт. Многообразные оттенки этого чувства мы находим в его стихотворениях. Это одиночество на лоне природы (“Выхожу один я на дорогу...”), одиночество человека в толпе (“Как часто пестрою толпою окружен...”). Это неприятие всего, что составляет эмоциональную жизнь людей: любви, желаний, страстей (“И скучно и грустно...”), бесплодность поисков счастья и борьбы (“Парус”), одиночество в заточении (“Узник”).

Романтизм-как литературное направление сформировался в конце XVIII — начале XIX века в Западной Европе. Предметом изображения романтиков стал внутренний мир человека, мир его чувств и страстей. Героем романтических произведений является глубоко чувствующая личность. Мир, в котором находится такой герой, не соответствует его идеалу, его представлениям о жизни. Поэтому основными в романтических произведениях являются темы одиночества, бегства от действительности, поиск идеала, внутренней и внешней свободы. Существует два типа романтизма: немецкий — созерцательный, философский и английский — активный, мятежный, богоборческий.
В нашей стране романтизм как литературное направление сложился к 20-м годам XIX века. У его истоков стояли Батюшков, Жуковский, последователи немецкой традиции романтизма. В России это направление развивалось в произведениях Пушкина и Лермонтова, идеалом для которых стал Байрон и его мятежный романтический герой.
В творчестве Лермонтова проявляется общая закономерность развития русской литературы 20—30-х годов: от романтизма к реализму. Однако овладение методом реализма не привело Лермонтова к отказу от романтизма. Оба художественных метода в творчестве Лермонтова выступают в сложном своеобразном синтезе. И пример этому поэмы: “Мцыри” и “Песня про царя Ивана Васильевича...”
“Мцыри” — это последняя чисто романтическая поэма Лермонтова. В ней мы можем выделить все мотивы, характерные для лермонтовского романтизма: это тема свободы и воли, тема одиночества и изгнания, проблема человека и природы, тема бунта и борьбы.
“Мцыри” продолжает традицию пушкинских кавказских поэм, однако в основе сюжета “Мцыри” лежит не ситуация бегства от цивилизации на лоно природы, как это было у Пушкина, а ситуация бегства к людям, на родину. Вообще тема бегства из монастыря-тюрьмы часто звучит в произведениях Лермонтова. Но у Лермонтова монастырь не связан с верой, религией. Для Мцыри бегство из монашеской кельи вовсе не означает безверие. Скорее, в духе романтизма монастырь символизирует темницу земного бытия, из которой стремится вырваться Мцыри. Он — сильная личность, бросившая вызов окружающему миру. В Мцыри воплощен порыв к свободной, полноценной, подлинно человеческой жизни. Главная черта этого героя, определяющая весь его образ,— это духовная связь с родиной, жажда хоть недолго побыть на родной земле, на Кавказе. Кавказ становится для Мцыри романтическим идеалом, к которому он стремится, ради которого он жертвует жизнью:

Увы! — за несколько минут
Между крутых и темных скал,
Где я в ребячестве играл,
Я б рай и вечность променял...

Действие поэмы разворачивается среди вольной южной природы, родственной душе героя, которая у Лермонтова, как и у Пушкина, является символом романтической свободы. Мцыри превыше всего ценит свободу; время, проведенное в монастыре, было лишь существованием для него, три дня на воле стали для героя поэмы истинной жизнью:

Ты хочешь знать, что делал я
На воле? Жил — и жизнь моя
Без этих трех блаженных дней
Была б печальней и мрачней
Бессильной старости твоей.

В композиции “Мцыри” также проявляются романтические черты. Лермонтов подробно не рассказывает нам о жизни Мцыри в монастыре. Он описывает только самые важные, напряженные моменты в судьбе своего героя.
Но жизнь в монастыре наложила отпечаток на Мцыри, он уже не способен жить на воле. Он погибает. Смерть оказывается для него блаженным забвением на лоне природы, так как именно после смерти герой соединяется и с природой, и с Кавказом.
“Песня про царя Ивана Васильевича, молодого опричника и удалого купца Калашникова” является поэмой, написанной в народном духе. Лермонтов воссоздает стиль русской народной поэзии, наделяет купца Калашникова чертами героя русского народного эпоса. Поэт вводит в свою поэму традиционные фольклорные образы гусляров.
“Песня...” — не целиком романтическое произведение, но в поэме имеется много романтических черт. Само обращение к средневековому прошлому Родины характерно для творчества романтиков. Такие черты, как стремление к свободе, идеалу жизни, сильная воля, самоотвержение на пути к цели, возвышались и поэтизировались. Калашников — это мятежный, борющийся романтический герой.
В “Песне...”, как и в “Мцыри”, вершинная композиция: перед читателями кульминация судьбы героя, кульминация его развития.
Готовясь отомстить обидчику, Калашников вступает в открытый бой с государем, потому что он борется против вседозволенности, дарованной царем своей дружине. Автор любуется Степаном Парамоновичем, готовым насмерть стоять за святую правду, но эта идея Калашникова не тождественна идее всего произведения. Смысл поэмы не исчерпывается протестом, бунтом Калашникова, смысл “Песни...” заложен в ее народности.
Таким образом, в творчестве Лермонтова романтизм является основным направлением. Он не связан с каким-либо хронологическим этапом в жизни поэта. Романтические черты мы можем выделить в каждом произведении Лермонтова, причем романтизм не мешал поэту обращаться и к другим художественным методам, например реализму. Во многих произведениях Лермонтова мы видим синтез этих двух направлений. В “Песне...”, написанной в 1837 году, романтические черты переплетаются с чертами фольклорной поэтики. А в “Мцыри” нет ни одной реалистической черты. Эту поэму можно считать классическим образцом романтической поэмы.

Анализ поэмы "Беглец" Лермонтова

Родина и свобода – вот, что дороже собственной жизни, утверждает Лермонтов своей поэмой «Беглец», написанной на основе горской легенды, слышанной им на Кавказе. Но любовь к родине и свободе должна сочетаться с мужеством. Мцыри совершал бы на родине подвиги. Гарун – изменник и трус: он убежал с поля битвы. Его отец и братья «за честь и вольность так легки», а Гарун забыл свой долг: Он растерял в пылу сраженья Винтовку, шашку – и бежит! Где-то в глубине происходит сраженье, которое Лермонтов не описывает, но до нас как бы долетает шум битвы, там борются и умирают за свободу сородичи Гаруна. На этом героическом фоне ещё резче выделяется, как темная тень, фигура беглеца. Мы слышим песню, которую поёт девушка, любимая Гаруном. Эта песня звучит для него приговором: Своим изменивший Изменой кровавой, Врага не сразивши, Погибнет без славы… Мы видим его умирающего друга. В час смерти в нём не угасает дух бойца, и он отвергает труса. Но с особенной силой запечатлен в поэме образ матери. Узнав, что Гарун вернулся один и не отомстил за смерть отца и братьев, павших в битве за родину, мать отказывается от сына: Твоим стыдом, беглец свободы, Не омрачу я стары годы, Ты раб и трус – и мне не сын!.. Убежав с поля битвы, Гарун погиб в родном ауле, где никто не захотел его принять. Он погиб от удара кинжалом. Убил ли он сам себя, не вынеся позора, или кто другой пресёк его жизнь, остается тайной. Поэт не раскрыл нам её. И как хранит народ память о славе героев, так сохранил он и память о позоре изменника: В преданьях вольности остались Позор и гибель беглеца. В этой небольшой поэме Лермонтов с такой же страстностью и силой заклеймил малодушие, с какой в «Песне про купца Калашникова» и в поэме «Мцыри» воспел героизм. Беглец Гарун – полная противоположность Мцыри. Мцыри человек «могучего духа», у себя на родине совершал бы подвиги. Гарун ничтожество и трус. Он убежал с поля сраженья, где его близкие пали «за честь и вольность». И сколько гневного презрения заключено в словах поэта: Он растерял в пылу сраженья Винтовку, шашку – и бежит! Где-то в глубине, на втором плане, происходит сраженье, которое Лермонтов не описывает, но до нас как бы долетает шум битвы, и мы можем представить себе, как борются и умирают за свободу отец, братья и сородичи Гаруна. На этом героическом фоне ещё резче выделяется, как темная тень, фигура беглеца. Мы видим его умирающего друга. В час смерти в нём не угасает дух бойца, и он отвергает труса. Мысль о бессмертии, о жизни в памяти грядущих поколений пронизывает всё творчество Лермонтова. Тема народного придания звучит в «Измаил-Бее» и в «Песне про удалого купца Калашникова», а любимый герой Лермонтова Мцыри больше всего скорбит о том, что воспоминание о нём не сохранится в родном народе: И повесть горьких мук моих Не призовёт меж стен глухих Вниманье скорбное ничье На имя тёмное моё. Сохранился автограф поэмы, по которому она обычно и печатается, но даты на нём нет. Поэтому «Беглец» Лермонтов написал, вернее всего, в 1840 или 1841 году. Поэма создана не только на основании горских легенд и песен, которые он слышал на Кавказе, но и на основе виденного и пережитого им в 1840 году, во время походов в Чечню. Лермонтов воспел в ней героизм народов Кавказа, свидетелем которого он был. Поэма «Беглец» говорит также о впечатлении, произведенном на Лермонтова неоконченной поэмой Пушкина о Тазисе, опубликованной уже после смерти великого поэта, в томе VII журнала «Современник» за 1837 год. В «Беглеце» есть строки, непосредственно навеянные Пушкиным. Но замысел Лермонтова совершенно иной. Его Гарун – герой отрицательный. Тазит Пушкина – положительный. В поэме о Тазите нашёл выражение гуманизм Пушкина. Её герой по своему моральному облику выше окружающей среды горцев. Это человек более высокой и гуманной культуры. Им руководят высокие моральные принципы, и он не может грабить и убивать беззащитных. В конфликте Тазита с окружающей средой симпатии автора и читателей на стороне Тазита. Гарун у Лермонтова «изменник вольности», он действительно трус и осужден не только своими сородичами, но автором и читателями. Эта «горская легенда» давала возможность Лермонтову, произведения которого всегда насыщены современностью, бросить обвинение тем, кто в трудные годы реакции убегал из прогрессивного, передового стана, сделать упрёк современникам в отсутствии гражданского мужества. «И под пятой у супостата лежат их головы в пыли». Согласно обычаю горцев, оставшиеся в живых обязаны были уносить с поля сражения тела убитых сородичей, а не оставлять их на поругание врагам.

В поэме Л «Демон» идет размышление над философскими вопросами. Главный конфликт в поэме – это противопоставление добра и зла, где Демон – «дух исканья», индивидуум, который «сеял зло без наслажденья», а Тамара – это «ангел земной», «святыня добра, любви и красоты». Это две противоположные личности. Увидев Тамару, Демон захотел «получить» ее, Ангел-хранитель пытается защитить девушку, но сердце злого духа наполнено «старинной ненависти ядом», и Ангел беспомощен против злого Демона…
Демон пытается обмануть Тамару, и у него это получается, она верит ему и его словам. Он дает клятву, что «отрекся от старой мести» и «отрекся от гордых дум», он «осыпает» девушку обещаниями: «Я дам тебе все, все земное – люби меня!..» Он соблазнил ее, повлек за собой, и она, не в силах сопротивляться Демону, отдалась ему. Тамара умерла… Ее «грешная душа» к «груди хранителя прижалась», в ней она искала спокойствия, и вдруг перед ней предстал Демон, но уже в другом обличье, когда он пытался соблазнить Тамару, он «одел маску», которая скрывала всю правду. И вот перед душой Тамары уже кто-то другой, незнакомое ей существо со взглядом, полным вражды и не знающей конца злобы. Божий суд свершился, Д побежден, ему никогда не достигнуть света, как бы он не пытался. И ему опять придется скитаться над землей и сеять зло без наслажденья. А ведь когда-то он был «счастливым первенцем творенья», он не знал ни зла, ни ненависти, ни скуки, а сейчас он стал скитальцем, который нигде не сможет обрести покой и счастье, душу которого не могут тронуть ни красота природы, ни сила прекрасных чувств, он только с презрением может на все это смотреть и ненавидеть все. А когда Д увидел очаровательную Т, он почувствовал, что его немую душу наполнили другие чувства, они создали у него желание возродиться, стать другим, «попробовать» новые чувства. И опять провал.
Демон в одноименном произведении М.Ю.Лермонтова является героем, который умеет в себе черты характера злого и ненавистного существа, но после встречи с Тамарой в нем просыпаются новые чувства и качества, которые не могут долго существовать в грешной душе.

Поэма М.Ю.Лермонтова «Демон» по праву считается вершиной русской романтической поэзии. Замысел ее воз­ник еще в 1829 году. Поэт работал над ним почти всю свою творческую жизнь, создав восемь вариантов поэмы. Лер­монтов нарисовал яркий образ — портрет Кавказа — из совокупности экзотических пейзажей, зарисовок патриар­хального быта и оригинальных персонажей, на фоне кото­рых предстал главный герой. Но более всего оригинальный авторский подход виден в понимании конфликта и в рас­крытии образа Демона: здесь сказались отзвуки новейших для того времени воззрений на проблему личности. Демон Лермонтова — образ человечный и возвышен­ный, вызывает не ужас и отвращение, а сочувствие и сожаление. Он воплощение абсолютного одиночества. Демон одинок поневоле, он страдает от своего тяжкого одиночества и преисполнен тоски по духовной близости. Демон существует как бы на грани разных миров, и пото­му-то Тамара представила его следующим образом: В поэме Лермонтова предстает не дерзкий претендент на власть небесного владыки, не возмутитель спокойствия и порядка во вселенной, не враг человечества. Лермонтов создал образ жертвы несправедливого мироустройства. Демон тоскует по гармонии. Он страдает от противо­речий, раздирающих все вокруг него. Демон тоскует по справедливости, но и она недоступна для него, потому что не может быть справедливым мир, основанный на борьбе противоположностей. Демон не только сам страдает, но и обязан мучить людей. И он искал примирения с извечным противником, жаждал возрождения к новой участи, искал общения с чистой душой, пытался полюбить с «неземной страстью» — бескорыстно и самозабвенно. В этом смысле его встреча с Тамарой не случайна, а подготовлена всеми предыдущими нравственными исканиями. Демон не намеревался иску­шать ее: он искренне полюбил, а такая любовь предпола­гает готовность приносить добро. И столь же искренним он был, когда явился на необычное свидание: Демон готов отказаться от свободы в одиночестве, чтобы обрести расцвет души в общении. Однако его наме­рениям не дано сбыться. Примирение с небесами не состо­ялось: Демона оттолкнули. Чистая любовь не осуществи­лась- его опять заставили сыграть роль искусителя. В келье Тамары его уже поджидает Ангел: «И вместо сладкого привета Раздался тягостный укор». Посланец небесного владыки назвал его духом беспокойным и порочным, а в посещении Тамары увидел злой умысел. Не стерпев уни­жения, Демон вступает в борьбу за душу Тамары, но теперь не ради ее любви, а чтобы доказать свое могущество и превосходство над Ангелом. Так на пути нравственных исканий Демон совершил поворот вспять. «И вновь в душе его проснулся Старинной ненависти яд» — эта психологи­ческая мотивировка объясняет срыв намечавшегося пере­рождения Демона. У современников Л постоянно возникали вопросы о том, почему в основе мироустройства лежит трагичная дисгармония. У реалистов и романтиков ответы были разными по выражению, но почти одинаковыми по существу. Так, например, и у Пушкина в поэме «Медный всад­ник» возникал вопрос: кто виноват в трагедии «бедного Евгения», чье счастье разбито наводнением? И Пушкин помогал читателю понять: не император-преобразователь, не «разъяренная Нева», не случай и слепые стихии вино­ваты, а историческая необходимость всему причиной. Лермонтов же обратился к древнему мифу, чтобы в духе романтических воззрений представить извечно траге­дийную основу мира.

В поэме Лермонтова «Демон» особенным образом преломились настроения и духовные искания 1830-х годов. Однако ее значение шире тех исторических рамок: поэма увлекла своим содержанием и эстетическими достоинства­ми многие поколения русских читателей.

«Песня про царя Ивана Васильевича...» — историчес­кая поэма, написанная М.Ю.Лермонтовым в 1837 году. Белинский писал: Лермонтов в «Песне...» «как будто совре­менник этой эпохи, принял условия ее грубой и дикой общественности, со всеми ее оттенками, как будто бы никогда и не знавал о других...»

В этом произведении нет идеализации прошлого. В «Песне...» торжествует правда, правда истории удивительно подобранных лиц, из которых каждое — тип и вместе с тем неповторимая человеческая индивидуальность. Но не толь­ко это. История в «Песне...» проходит перед нами в богат­стве и роскоши щедро разбросанных подробностей жизни и быта, которые в сочетании с героями образуют целостную историческую картину.

В каждом герое поэмы поражает прежде всего сила и цельность характера. Грозный, Калашников, Кирибеевич — это люди, представленные поэтом крупным планом. Но их цельность и полнота не однолинейны: в каждом бушует, затухает и возгорается с новой силой пожар страс­тей. Горе, печаль, подозрение, радость, надежда и отчая­ние, уверенность, бахвальство и страх — все это может пройти в герое целым циклом за минуту.

Образ лермонтовского Грозного отличается от обра­зов, созданных другими писателями русской литературы. Его Грозный суров, остроумен, грозен, величествен, гневен, весел, спокоен, радостен, доверчив и подозрителен, наконец, жесток, но в своей жестокости справедлив, а в справедливости опять-таки жесток. До и после Лермонтова никто так Грозного не писал. Великий художник вводит нас в самую «механику» чувств Грозного, не только изо­бражает «диалектику» его души, но и показывает обстоя­тельства, которые сделали его Грозным. С каким художе­ственным тактом поэт описывает пир Грозного, рассказывая, кто где сидит за столом!

Сидит грозный царь Иван Васильевич.

Позади его стоят стольники,

Супротив его все бояре да князья,

По бокам его все опричники...

Так искусно ввел нас автор в самую суть политической борьбы времен Грозного, которая много объясняет в его характере и поведении. И слово «грозный» теряет свою самодовлеющую психологическую окраску, становясь чер­той характера, исторически значимой и обусловленной и поэтому введенной в определенные исторические границы. Это и дает художнику право, не греша против истины, развернуть другие возможности характера Грозного, про­тивоборствующие первой. Он отстаивает свободу чувства любви, он не хочет и не может порабощать любовь чело­века, любовь женшины. Это и продиктовало его знамени­тые слова:

Как полюбишься — празднуй свадебку,

Не полюбишься — не прогневайся.

Таков Грозный Лермонтова. Это сложная, богатая, противоречивая и объясненная в своей сложности лич­ность. Здесь нет ничего наперед заданного, предвзятого, здесь все в естественном развитии действия объясняет самое себя. Здесь все дышит историей, все живет историей. Лермонтовский историзм и его художественный гений торжествуют здесь полную победу. В обрисовке Грозного и в объяснении его эпохи Лермонтов как автор «Песни...» выше всех своих современников — историков и писателей.

Говоря о героях «Песни...», нужно заметить, что они отличаются не только богатством содержания, но и тем, что каждый из них несет в себе себя другого, свое продол­жение как некое свое отрицание. Поэтому каждый лермонтовский образ есть противоречие, борение: развитие есть не одна, а ряд возможностей дальнейшего формирования личности в сфере определенных обстоятельств. У Лермон­това в «Песне...» герои не делятся на положительных и отрицательных. Кирибеевич нагл, преступен, дерзок, но он ласков, нежен, готов на самоотверженность и самопожер­твование. Грозный — неисчерпаем.

Алена Дмитриевна послушна, покорна, верна обрядам и обычаям старины.

Сочувствие автора отдано Степану Калашникову, за­щитнику законов патриархальной эпохи, по которым жил в то время народ. В поединке с Кирибеевичем купец отстаивает не только свое достоинство, свою честь, свои личные права, но и общенародные моральные нормы. Своеволие Кирибеевича вступило в противоречие с народ­ными представлениями о чести, а воля Калашникова («Я убил его вольной волею...») с ними совпала.

«Песня про царя Ивана Васильевича...» и в наши дни остается непревзойденным образцом проникновения поэта в тайны и народной психологии, и поэтического склада народной речи. Белинский так писал о поэме: «Здесь поэт от настоящего мира не удовлетворяющей его русской жизни перенесся в ее историческое прошедшее, подслушал биение ее пульса, проник в сокровеннейшие и глубочай­шие тайники ее духа, сроднился и слился с ним всем существом своим, обвеялся его звуками, освоил себе его старинную речь, простодушную суровость его нравов, бо­гатырскую силу и широкий размет его чувства... — и вынес из нее вымышленную быль, которая достовернее всякой действительности, несомненнее всякой истории».

Реалистические поэмы. В середине 30-х годов Лермонтов создал несколько поэм реалистического плана. «Тамбовская казначейша» (1837 — 1838) прямо связана с пушкинскими традициями: не случайно она написана онегинской строфой. В ней Лермонтов иронически изображает военный и чиновничий быт провинциального города. Вслед за Пушкиным Лермонтов обращался к реалистическому принципу изображения повседневной действительности без кровавых эпизодов и страстей.

Поэмы «Сашка» (1835—1839) и «Сказка для детей» (1839—1840) остались незаконченными. Возможно, это фрагменты единого произведения, в котором поэт задумал раскрыть судьбу своего поколения на фоне обыденной русской жизни. Однако это новое направление, наметившееся в творчестве Лермонтова, не получило дальнейшего развития. При всем интересе, который вызывают реалистические поэмы (точные даты их создания неизвестны), магистральная линия развития жанра была связана у Лермонтова с романтическим направлением. Две его последние поэмы — «Демон» и «Мцыри», подводящие итог предшествующему творчеству поэта, являются вершинами его романтизма.

Реалистические поэмы. В середине 30-х годов Лермонтов создал несколько поэм реалистического плана. «Тамбовская казначейша» (1837 — 1838) прямо связана с пушкинскими традициями: не случайно она написана онегинской строфой. В ней Лермонтов иронически изображает военный и чиновничий быт провинциального города. Вслед за Пушкиным Лермонтов обращался к реалистическому принципу изображения повседневной действительности без кровавых эпизодов и страстей.
Поэмы «Сашка» (1835—1839) и «Сказка для детей» (1839—1840) остались незаконченными. Возможно, это фрагменты единого произведения, в котором поэт задумал раскрыть судьбу своего поколения на фоне обыденной русской жизни. Однако это новое направление, наметившееся в творчестве Лермонтова, не получило дальнейшего развития. При всем интересе, который вызывают реалистические поэмы (точные даты их создания неизвестны), магистральная линия развития жанра была связана у Лермонтова с романтическим направлением. Две его последние поэмы — «Демон» и «Мцыри», подводящие итог предшествующему творчеству поэта, являются вершинами его романтизма.

Первое из них, поэма «Сашка», было отчасти подготовлено циклом юнкерских поэм Лермонтова, написанных в фривольном стиле. Но манера этих поэм не имела для «Сашки» решающего значения. Стихотворная повесть Лермонтова значительно ближе к пушкинской и байроновской шутливой поэме, к «Сашке» Полежаева и в особенности к «Евгению Онегину». «Сашка» объективно представляет собой попытку показать одну из начальных стадий в процессе снижения лермонтовского человека под влиянием окружающей его «низменной действительности». Существенной особенностью этой поэмы является изображение героя на широком фоне современной России — с дополняющими этот фон, очень весомыми в общей композиции экскурсами в историю Европы и философскими лирическими отступлениями. Главный герой поэмы связан с романтическими персонажами Лермонтова и его лирикой. В поэме говорится, что он рожден «под гибельной звездой», что в нем живет «жадное сомненье», что он мечтатель, что желанья его «безбрежны», «как вечность», и что он умеет презирать светскую толпу.

Но к этим чертам, характерным для высоких героев, не сводится вся личность Сашки, они не являются для нее единственными. Сашка не только романтик, но и «добрый малый», милый юноша с повадками «золотой молодежи». Изображенная в поэме грязная и грубая действительность — крепостническая усадьба и московские «развлечения» — наложила на Сашку свою печать. Сашка снижен даже по сравнению со своим предшественником — Евгением Онегиным, который был подвергнут Пушкиным критике и все же оставлен в качестве героя своего времени, серьезного и передового человека. Прозаичность поведения Сашки (особенно эпизод с Маврушей), его повесничество, которому ничто в его внешней жизни не противопоставлено, не могут не восприниматься как характеристика, в какой-то мере проникающая в глубину его личности, в его душевный мир. Снижение романтического героя — явление невозможное в творчестве Лермонтова первого периода: возвышенные персонажи его автобиографических драм окружались неказистой и грубой обстановкой, как и Сашка, но не снижались.

Стилистическое своеобразие поэмы о Сашке было обусловлено соотношением в ней поэзии и прозы, связанной прежде всего с обильными бытовыми описаниями. В романтических поэмах Лермонтова их возвышенный лиризм, идущий от автора, соответствовал изображаемому в них поэтическому миру — условие, которым объясняется монолитность их стиля и тона. Авторский лиризм в «Сашке», сталкиваясь с образами антипоэтической действительности, превращался в иронию, направленную против этой действительности и даже против самого себя, поскольку возвышенный лиризм на прозаическом фоне выглядел выспренным и странным. Кроме того, ирония, по-видимому, была нужна в поэме, чтобы мотивировать недостаточную определенность авторского отношения к изображаемому. Все это и приводило к преобладанию в «Сашке» иронического стиля, контрастирующего со строгим и серьезным тоном романтических поэм Лермонтова. Создавался непринужденный скользящий разговор с неожиданными тематическими сдвигами и внезапными переходами. Ирония, нередко являвшаяся в литературе спутником романтизма, не убивала в произведении высокой романтики авторских отступлений, но предохраняла их от чрезмерной восторженности и выспренности (пример: известное сравнение такого романтического предмета, как луна, с голландским сыром, — гл. I, строфа 10).53

Поэма «Сашка», несмотря на ее блестящие стихи и ряд замечательных описаний и лирических пассажей, как целое не вполне удалась Лермонтову. Вероятно, поэтому она осталась незаконченной или была закончена искусственно, резко остановлена на полдороге.54 Живого и типического образа героя, — а к созданию этого образа Лермонтов, очевидно, стремился, — не получилось. Противоречия, лежащие в основании личности Сашки (действительно характерные для многих людей той эпохи), не были художественно осознаны поэтом и приведены к единству. В некоторых эпизодах «Сашки» отсутствует то органическое совпадение темы и тона, которое Лермонтов умел безошибочно находить в других своих произведениях. Поэтому в подходе к образам Тирзы и особенно Мавруши, имеющим в поэме большое значение, наряду с серьезной и даже горькой интонацией, присутствует расходящийся с ней и уводящий к юнкерским поэмам вольный и шутливый оттенок.

Значение поэмы «Сашка» — не столько в ней самой, сколько в том творческом пути, который был в ней намечен. На этом пути Лермонтов открыл новый, сниженный аспект романтической личности и по-новому ввел ее в большой мир русской действительности. На этом пути Лермонтов испробовал опыт иронии, облегчившей борьбу с банальностями и крайностями романтической поэтики. Этот путь, наряду с другими, соотнесенными с ним, в конечном счете подводил Лермонтова к «Герою нашего времени».

Но и для развития лермонтовской стихотворной повести на современном материале поэма «Сашка» не прошла бесследно. Опираясь на нее и как бы раздваивая и преобразуя соединенное в ней бытовое и психологическое содержание, Лермонтов написал «Тамбовскую казначейшу» и начал работу над «Сказкой для детей».

В «Тамбовской казначейше» Лермонтов, предваряя манеру «физиологических очерков», воссоздает мир провинциальной прозы, в котором события заменяются картежным анекдотом, а любовь измеряется пошлым волокитством предшественника Грушницкого — ротмистра Гарина. Но поэма не останавливается на методе «физиологического» описательства. Лермонтов углубляет и преодолевает этот метод, показав в страшной, прикрывающей простоте весело рассказанного анекдота трагические поползновения быта — превращение живого человека в вещь, которую можно проиграть в карты.