2017-12-14
6706
Искусство 17 века развивалось в тесной связи с идеями и традициями эпохи Возрождения. Художники вновь обратились к античности. Однако, если мастера Возрождения ощущали себя прямыми преемниками и продолжателями античных традиций, то в 17 веке древняя культура превратилась в недосягаемый идеал, приобщение к которому только сильнее показывало несовершенство современной жизни. Итальянское искусство в 17 веке уже не было единственным и безоговорочным авторитетом. В ряде европейских стран возникли самобытные национальные художественные школы, нисколько не уступавшие итальянской. Но все же некоторые важные принципы были общими для всех. Один из них — синтез искусств, т. е. создание единого произведения выразительными средствами разных видов искусств.
В 17 столетии в Европе сложились два новых стиля — барокко и классицизм, которые охватили все виды художественного творчества: литературу, музыку, театр, архитектуру и изобразительное искусство.
Главным оружием Контрреформации (движения против Реформации) стала инквизиция. Не подчинившиеся светским властям церковные суды боролись с инакомыслием. Эти религиозные идеи легли в основу стиля барокко, сложившегося в Италии в 80-х годах 16 века, и определили основные его черты. Эмоциональная выразительность, масштабность и насыщенность движением, сложность композиционных решений—всё это призвано было создать у зрителя особый духовный настрой. Само название стиля (итал. Barokko — «странный», «причудливый») появилось значительно позже и совершенно не отражает его глубинного смысла.
Наиболее характерные черты итальянской архитектуры 17 века воплотились в памятниках Рима. Именно здесь ярче всего проявилась главная особенность барокко—стремление к созданию ансамбля. Этот стиль соединил постройки разных эпох в архитектурное целое. Первым образцом стиля барокко можно считать церковь Иль-Джезу, возведенную к 1575 году архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола и Джакомо дела Порта для монашеского ордена иезуитов. Интересна композиция фасада здания. Мастер разделил огромную плоскость стены на два горизонтальных яруса, оформив каждый из них ордером. Более узкий верхний ярус, обрамленный по краям спиралевидными деталями — волютами (итал. Voluta — «завиток»), словно перетекает вниз. Это придает фасаду сложный и выразительный облик. Впоследствии такое оформление стало типичным для многих соборов и церквей в стиле барокко (позднее появился даже термин «иезуитский стиль», относящийся к этим постройкам).
Лоренцо Бернини выполнял работы для Святого Петра с 1624 г. до конца жизни. Он создал монументальные статуи, возвел кафедру. Но самое значительное творение мастера — площадь перед собором.
Площадь нередко становилась местом папских богослужений. Именно здесь, огромное число паломников, говорящих на разных языках, должны были почувствовать своё духовное единство.
Для воплощения этих идей Бернини нашёл замечательное решение. Пространство перед храмом превратилось в ансамбль из двух площадей: первая в форме трапеции, обрамлена галереями, отходящими от собора; вторая имеет форму овала, обращенного к городу, и оформлена двумя колоннадами. В симметричных точках этого овала расположены фонтаны, а между ними — обелиск. Общие очертания ансамбля имеют скрытое сходство с ключом, напоминая об известных словах Христа, обращенных к апостолу Петру: «И дам тебе ключи Царства Небесного». Характерный для барокко эффект «затягивания» в глубину архитектурного пространства чувствуется здесь с особенной силой. Колоннады, как огромные руки, охватывают человека и увлекают к собору.
В Португалии стиль барокко окончательно оформился в архитектуре дворца-монастыря Марфа, который олицетворял власть молодого короля Жуана V. Изящество, присущее дворцу в Вила-Реал, характерная черта светской португальской архитектуры.
В развитии барочного стиля в Центральной Европе ведущую роль играла Австрия, ставшая наиболее влиятельной европейской державой после разгрома турок под Веной в 1683г. В архитектуре Вены прослеживаются тенденции итальянского барокко. Направление, разработанное Бернини, нашло своего последователя в лице австрийского архитектора Иоганна Бернхарда, создателя величественной церкви Карла Борромея в Вене. Это поистине образец «театральной» архитектуры, наполненной богатым символическим содержанием. Австрия играла ведущую роль в развитии и распространении барокко в Центральной Европе.
В эпоху барокко своеобразный взгляд на человека и пристрастие ко всему театральному рождают всепроникающий образ: весь мир—театр. Этот образ можно найти во всех крупных произведениях европейской не только литературы, но и интерьерах, музыке (орган Вейнгартенского монастыря в Швабии). Эпоху барокко называли «золотым веком искусства часовщиков». Традиции монументальной живописи барокко сложились к 30-м годам 17 столетия. Росписи в куполах и на сводах храмов и дворцов должны были стать образом тех мистических видений, которые даются человеку в момент Божественного озарения. Сюжеты плафонов разрабатывали в разных вариантах две темы: торжество Божественной справедливости и прославление на небесах Христа, Богоматери и святых. Характерный приём живописи барокко — «прорыв» в заоблачную даль — часто использовали художники в росписи плафонов. Картину небесного торжества святых обрамляли изображением архитектурных деталей, которые продолжают реальную архитектуру храма.
Скульптура — искусство противоречивое и символическое. Скульптура находится в постоянном противоборстве с архитектурой, создающей для нее оформление и опору, и должна все время утверждать свою самостоятельность по отношению к окружающей среде, что само по себе предает ей динамизм и значительность. Итальянский скульптор Джованни Бернини был величайшим представителем барочной культуры. Первой зрелой скульптурной работой его стал «Давид». Согласно Библии, юноша-пастух Давид (будущий царь Иудеи) победил в поединке великана Голиафа, сильнейшего воина армии филистимлян — народа, воевавшего с иудеями. У Бернини Давид резко разворачивается, чтобы метнуть камень из пращи в голову противника. Ноги широко расставлены, лицо отражает мрачный азарт битвы: брови сдвинуты, нервно закушена нижняя губа, на лбу пролегли глубокие складки. Не менее знаменита алтарная композиция Бернини «Экстаз св.Терезы». Бернини удалось «остановить» полёт золотой стрелы за какую-то долю секунды до того, как она пронзит сердце святой, и передать выражение экстаза, озарившего в этот момент ее черты. Святая Тереза погружена в состояние духовного озарения, внешне похожее на смерть: голова запрокинута, глаза закрыты. На рисунке представлена композиция «Аполлон и Дафна», изображающая превращение нимфы в лавровое дерево (сюжет взят из классической мифологии). Бернини вошел в искусство со своей темой—темой духовного преображения человека.
Микеланджело Меризи (1571—1610 г.), известный под псевдонимом Караваджо, — несомненно, один из наиболее великих новаторов в истории живописи. Этот гениальный реформатор отвергает традиционную иерархию жанров и канон красоты, который был признан гуманистами Ренессанса, идеализирующими человеческое тело. Для того, чтобы подчеркнуть реализм своих картин, Караваджо использует резкие светотеневые контрасты. Библейские мотивы он представляет как жанровые сцены из повседневной жизни, выделяя, прежде всего, человеческий, «земной» аспект. У героев Караваджо часто грубоватый внешний облик, порой они неприятны и даже уродливы. Но натурализм живописного языка — это лишь способ передать духовную слабость человека перед лицом Бога. («Игроки в карты»). Молодой Караваджо заявил о себе как о непревзойденном мастере жанровой живописи. («Гадалка»,«Амур победитель»,«Лютнист»,«Ужин в Эммаусе»).
«Мадонна ди Лоретто» («Мадонна пилигримов»), написана Караваджо в 1603—1605гг. Современники художника раскритиковали картину из-за несоответствия образов торжественности темы. На полотне изображен контраст между почти танцующей грацией Мадонны и двумя крестьянами, распростершимися у ее ног. Мадонна представляет Мать Христа, «укорененную» в мир людей, за которых она заступается перед Богом.
Эль Греко (1541—1614гг.). «Эль Греко —это взрыв, Эль Греко —это молитва, Эль Греко —это крик, Эль Греко —это взгляд узника на солнце сквозь решетку, Эль Греко —это ныряльщик, нашедший жемчужину», — так сказал о художнике Жан Кокто в 1943 году. Одни исследователи объясняют оригинальность его стиля врожденным астигматизмом, другие — искусственным освещением, при котором он предпочитал работать. Его творчество невозможно заключить в рамки общих представлений о живописи, поэтому оно до сих пор вызывает споры. («СвятаяТроица»,«Изгнание торговцев из храма»,«Слезыапостола Петра»,«Сошествие Святого Духа»).
