Музыкальные выразительные средства в музыке — Студопедия
Студопедия
МОТОСАФАРИ и МОТОТУРЫ АФРИКА !!!

Авиадвигателестроения Административное право Административное право Беларусии Алгебра Архитектура Безопасность жизнедеятельности Введение в профессию «психолог» Введение в экономику культуры Высшая математика Геология Геоморфология Гидрология и гидрометрии Гидросистемы и гидромашины История Украины Культурология Культурология Логика Маркетинг Машиностроение Медицинская психология Менеджмент Металлы и сварка Методы и средства измерений электрических величин Мировая экономика Начертательная геометрия Основы экономической теории Охрана труда Пожарная тактика Процессы и структуры мышления Профессиональная психология Психология Психология менеджмента Современные фундаментальные и прикладные исследования в приборостроении Социальная психология Социально-философская проблематика Социология Статистика Теоретические основы информатики Теория автоматического регулирования Теория вероятности Транспортное право Туроператор Уголовное право Уголовный процесс Управление современным производством Физика Физические явления Философия Холодильные установки Экология Экономика История экономики Основы экономики Экономика предприятия Экономическая история Экономическая теория Экономический анализ Развитие экономики ЕС Чрезвычайные ситуации ВКонтакте Одноклассники Мой Мир Фейсбук LiveJournal Instagram

Музыкальные выразительные средства в музыке




Контрольные вопросы по теме

Контрольные вопросы по теме

II.3. Общие выводы

Кратко рассмотрев историю становления музыкально­й индустрии в России, зададимся вопросом: все ли в прошлом так плохо было в организации концертной деятельности и в творческой работе коллективов ис­кусства, в том числе и музыкального. Ведь до 1985 года в стране существовала отлаженная система функцио­нирования музыкального и концертного мира. Новые экономические условия, в которых оказалось искусст­во, практически полностью всю ее «вырубили».

Теория доводов и возражений в этом вопросе может основываться только на весомой вескости ар­гументов и фактов:

Ø До начала перестройки государство вплотную и с предельным вниманием занималось культурой и искусством, в том числе музыкальным. Все было регламентировано законами, положениями, инструкциями.

Ø В стране была создана отлаженная си­стема концертно-гастрольной деятельности. Основу системы составляли: «Госконцерт», зани­мающийся гастролями зарубежных артистов в нашей стра­не и наших — за рубежом, «Союзконцерт», занимав­шийся концертной деятельностью внутри страны. Последний объединял республиканские концертные организации, которые, в свою очередь, работали с краевыми и областными филармониями. Последние осуществляли свою деятельность через городские уп­равления культуры и районные отделы культуры. Эта система организовывала ежегодно более сорока пяти тысяч концертов и дохо­дила в обслуживании населения до самых отдаленных точек страны.

Ø Существовала определенная репертуарная политика. Положительным было то, что она требовала постоянного обновления репертуара художественных коллективов и исполнителей, исключала дублирования друг друга.

Ø Требования к исполнительскому мастерству были достаточно высоки. Велась борьба против неоправданного исполнения под фонограм­мы. По этому вопросу было даже специальное поста­новление союзного министерства культуры.

Ø Существовал государственный план концертно-гастрольной деятельности в стране, преду­сматривающий выступления артистов в самых отда­ленных населенных пунктах. Этот план финансиро­вался государством. На его реализацию ежегодно выделялось 3400 тыс. рублей. По тем временам это бы­ла весьма значительная сумма. По сегодняшним ценам за эти деньги можно было бы направить на Дальний Восток примерно двадцать крупнейших симфоничес­ких оркестров. А ведь в настоящее время стоимость по­ездки одного такого оркестра равна половине всего бюджета Министерства культуры России. План способствовал обмену культурным насле­дием народов многонационального Советского Союза.




Ø Регулярно проводились конкурсы ар­тистов по трем номинациям: исполнители эстрадной песни, речевого и оригинального жанров, фестивали и конкурсы, дни национальных культур в Москве и другие.

Ø Программы центрального телевиде­ния и всесоюзного радио не были коррумпированы, как это происходит сейчас. Пошлые, низкопробные программы проходили крайне редко. Однако и не все талантливые исполнители были удостоены чести выступить в ведущих программах те­левидения и радио.

Ø В мире грамзаписи абсолютным монополистом была фирма «Мелодия».

Таким образом, к положительным явлениям следует отметить: наличие воли государ­ства в области развития культуры и искусства, воз­можность для широких масс населения бывать на представлениях и концертах отечественных и зару­бежных артистов, взаимообмен культурами народов, проведение конкурсов артистов и организация раз­личного рода фестивалей, декад культуры и искусст­ва, отлаженная система организации концертно-гаст­рольной деятельности и ряд других положительных моментов.

В 1989 г. началось крушение старой структуры, когда Министерство культуры России упразднило «Росконцерт». В 1991 году прак­тически все структуры в области культуры и искусст­ва были закрыты. С 1993 года перестал существовать всероссийский государственный концертно-гастрольный план.

Новый концертный мир начал строиться сов­сем на других основаниях: все сво­диться к чисто экономическим отношениям. Проблемы усугублялись и тем, что упала роль государства в развитии культуры и ис­кусства.

Сегодня нет законов, регулирующих проблемы музыкального шоу-бизнеса, борьбы с пиратством. Территория России считается одним из самых крупных пиратских рынков. Нет закона, освобожда­ющего средства спонсоров от налогов. Деньги, выде­ляемые на культуру и искусство, остаются мизерны­ми. Концертно-гастрольная деятельность не контролируется. Однотипные группы в одно и то же время приезжают в одни и те же города. Большинство групп и солисты годами не обновляют свой репертуар, абсолютно не думая об интересах зрителей. Однако эти и другие проблемы не волнуют руководителей су­ществующих массовых шоу-центров и гастрольных бюро, как впрочем, и судьба самих исполнителей.



Еще одна острейшая проблема заключается в том, что с началом перестройки многие группы и солисты не нашли себя на ро­дине. За рубежом их прекрасно понимали и платили по справедливости, предоставив хорошие концерт­ные залы и качественные музыкальные инструменты. Весьма стихийно осуществляется и зарубежная гастрольная практика. За границу устреми­лись все — и талантливые, и бездарные коллективы и исполнители, готовые работать за гроши, не думаю­щие о престиже государства.

“Музыкальная культура европейского классицизма”

1. Какой стиль предшествовал классицизму?

2. Что такое “эпоха Просвещения”?

3. Кто такие “энциклопедисты”?

4. В каком виде искусства классицизм проявился раньше всего?

5. Кто такой Глюк? Благодаря чему он вошел в историю музыки?

6. Какой художественный стиль возник в музыке и литературе как антипод классицизма?

7. Что такое мелодрама?

8. Как иначе называют сентиментализм?

Йозеф Гайдн (1732-1809)

Й. Гайдна справедливо считают основоположником классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра.

С творчеством Гайдна связано формирование жанров симфонии (их у него 104), струнного квартета, фортепианной сонаты. Гайдн сочинял также оперы, духовную музыку, кантаты, оратории, но именно инструментальная музыка обессмертила его имя.


Йозеф Гайдн родился в местечке Рорау близ Вены. Его отец, каретный мастер, был любителем музыки, часто пел, аккомпанируя себе на арфе. Любовь к песне передалась маленькому Йозефу. В раннем детстве Гайдн обращает на себя внимание прекрасным слухом, памятью, чувством ритма. Звонкий голос позволяет будущему композитору устроиться певчим в провинциальном церковном хоре. Вскоре Гайдн получает место в капелле при кафедральном соборе св. Стефана в Вене. Начинается серьезное обучение музыке. Упорство и огромное желание учиться позволяют выдерживать суровый режим репетиций и выступлений и выкраивать время для обучения игре на скрипке и клавикордах. Гайдн пробует писать музыку, однако пока без особого успеха.

Как только у Йозефа начинает ломаться голос, его буквально выбрасывают на улицу. На этом и заканчивается, строго говоря, музыкальное образование Гайдна. Он берется за любую работу, лишь бы добыть немного денег: дает уроки музыки, переписывает ноты, играет на скрипке в гостиницах, а то и просто на перекрестках. По вечерам, сидя у себя в каморке на чердаке, он изучает произведения великих предшественников. Иногда удавалось получить заказы. Появляются несколько первых его симфоний, квартетов, музыкальная комедия “Новый хромой бес”.

Вскоре судьба сводит Гайдна с известным педагогом, композитором и певцом, итальянцем Никколо Порпора. Денег, чтобы платить за обучение, у Гайдна не было, и он становится концертмейстером и одновременно слугой маэстро. За это тот учит Гайдна искусству композиции.

Свое будущее Гайдн видел в качестве придворного музыканта. В 1761 году венгерский князь Миклош Эстергази (1714-1790) приглашает Гайдна руководить своей капеллой). Отныне жизнь молодого композитора протекает в маленьком городке Эйзенштадте, неподалеку от Вены, и в летнем замке князя. Так продолжалось 30 лет.

За год до получения должности Гайдн женится на дочери венского парикмахера Марии Келлер. Ему было 28 лет, ей - 32. Брак был заключен, и Гайдн стал несчастным мужем на долгие десятилетия.


Его жена вскорости проявила себя как женщина ограниченная, сварливая, но при этом расточительная и очень требовательная. Она абсолютно не понимала великого дарования своего мужа. “Ей было все равно, - выразился Гайдн однажды в старости, - кто ее муж - сапожник или артист”.

Официально должность Гайдна именовалась “слуга” - но обходились с ним весьма учтиво. У Гайдна были собственные горничная и лакей, плюс высокое жалование. Тем не менее каждое утро вместе с другими слугами Гайдн являлся в переднюю князя и ожидал приказаний. Иногда князь требовал сочинить новое крупное произведение за одну ночь.

Руководство капеллой имело и свои неоспоримые преимущества. Гайдн мог еще в репетиционный период прослушивать в живом исполнении все создаваемые им произведения, сразу же исправлять то, что недостаточно хорошо звучало, и запоминать особенно удачные приему композиции и оркестровки.

Работа давала Гайдну удачную возможность экспериментировать с различными музыкальными формами. За 30 лет, проведенных на службе у Эстергази, Гайдн практически без посторонней помощи нашел структуру классической симфонии и струнного квартета, сформировал основу современного симфонического оркестра.

За годы службы у князя Эстергази Гайдн написал большинство своих квартетов и симфоний. Всего Гайдн создал 104 симфонии. Мастерство Гайдна приводит в восхищение многочисленных слушателей. Его сочинения становятся известными во многих странах. Первое издание сочинений Гайдна появилось, когда автору был 31 год. Всего же при жизни Гайдна его сочинения печатались в 125 издательствах по всей Европе - факт, свидетельствующий о всеобщем признании и популярности творчества композитора.

Несмотря на неудачный брак, Гайдну все же удалось испытать радость любви. В 1779 году (Гайдну в это время было 47 лет) в капеллу были приняты супруги Польцелли. Антонио, скрипач, был уже не молод. Его жене, певице Луидже было всего 19 лет. Она была очень привлекательна. Измученный обществом своей сварливой жены, Гайдн влюбляется в Луиджу. На первых порах она отвечала Гайдну взаимностью, но со временем с ее стороны стало проявляться больше корысти, чем искренности. Во всяком случае, она неуклонно и настойчиво выманивала у Гайдна деньги (молва приписывала Гайдну даже отцовство в отношении одного из сыновей певицы). Эта связь продолжалась долгие годы.

Несмотря на унизительную зависимость Гайдн не решался оставить службу. Положение меняется кардинальным образом в 1792 году. Старый князь Эстергази умирает, а его наследник распускает капеллу. Капельмейстеру, ставшему европейской знаменитостью, была назначена пенсия в 400 гульденов с условием, чтобы Гайдн больше никуда не поступал на службу и все свои издаваемые сочинения подписывал бы “Сочинение Й. Гайдна, капельмейстера князей Эстергази”. Условия были более чем благоприятными, и в 60 лет композитор наконец-то обретает желанную свободу. Композитор решил повидать мир. Известный импресарио Иоганн Соломон предлагает ему концертную поездку в Англию. Гайдн соглашается, однако Моцарт, бывший в дружеских отношениях с Гайдном, отговаривал его: “Папа (так шутливо называл он старшего друга), у Вас ведь нет воспитания для большого света, и Вы плохо знаете языки!” Но Гайдн добродушно возражал: “Мой язык понимают во всем мире”.

Специально для этой поездки Гайдн сочиняет 6 симфоний. Публика встречает его с восторгом, каждый концерт превращается в триумф, залы переполнены. Гайдну присуждают степень почетного доктора Оксфордского университета, что свидетельствовало о всеобщем признании его музыки.

В Англии Гайдн знакомится с грандиозными ораториями Генделя, которые произвели на него неизгладимое впечатление.

В конце 1792 года Гайдн возвращается на родину. По пути он останавливается в Бонне, где знакомится с молодым Бетховеном. Гайдн с похвалой отзывается о сочинениях молодого композитора, и тот решает ехать в Вену, чтобы стать учеником великого маэстро.

Через два года Гайдн вновь отправляется в Англию. Для этой поездки он сочиняет 6 симфоний, которые вместе с шестью предыдущими составили цикл “Двенадцать Лондонских симфоний”. Во время второй поездки английский король Георг III предложил ему остаться в Англии, но композитор не согласился.

По возвращении в Вену Гайдн сочиняет две монументальные оратории: “Сотворение мира” и “Времена года”, навеянные музыкой Генделя. Эти две оратории и завершили творческий путь композитора.

Последние годы своей жизни Гайдн провел в Вене, в собственном доме. Он уже ничего не сочинял, а все время проводил в общении с друзьями и в воспоминаниях о прошлом.

Когда Вена была оккупирована французскими войсками, сам Наполеон Бонапарт в знак глубокого уважения к Гайдну повелел выставить у дверей его дома почетный караул.

При жизни Гайдн был удостоен почетных званий доктора Оксфордского университета, академика Шведской академии, французской академии музыки, Парижской консерватории и члена филармонического общества в Петербурге.

* * *

Творчество Гайдна явилось целой эпохой в развитии мировой музыкальной культуры. В его сочинениях стали классическими жанры симфонии, струнного квартета и фортепианной сонаты. Лучшие его симфонии явились для последующих поколений композиторов образцами привычного нам сейчас четырехчастного цикла с определенной последовательностью частей.

Основной состав симфонического оркестра также окончательно утвердился в сочинениях Гайдна. Он широко использовал в своем творчестве народные мотивы, что придавало его музыке легкость и прозрачность звучания.


Симфония - большое произведение для оркестра в четырех частях, контрастных между собой, но в то же время образующих единое целое. Симфония создавалась по законам, выработанным в процессе длительного развития композиторского творчества, трудом и неустанными поисками нескольких поколений. Эти законы действуют как в пределах одной части, так и всего целого.

Главное отличие симфонии от других больших сочинений для оркестра состоит в высоком идейно-художественном единстве всех ее частей. Сквозное музыкально-драматическое развитие в симфонии начинается с первой ноты и заканчивается последней. Это сквозное развитие называют симфонизмом.

В классической симфонии 4 части. При исполнении между частями делаются небольшие остановки. Аплодировать принято лишь по окончании всей симфонии (раньше аплодировали после каждой части).

Музыка первой части определяет характер всей симфонии. Он может быть различным - жизнерадостным, шутливым, драматическим, героическим, но всегда активным и действенным.

Первая часть симфонии пишется в сонатной форме. В ней три основных раздела. Первый раздел - экспозиция. Он основан на показе двух контрастных тем, называемых главной и побочной партиями.

Второй раздел сонатной формы - разработка. Он необходим для “выяснения отношений” между основными темами, которые могут видоизменяться, тонально трансформироваться, переплетаться, распадаться на отдельные фразы и мотивы - словом, активно взаимодействовать.

Разработка может включать в себя новую музыку, которую называют эпизодом.

Третий раздел сонатной формы называется репризой. Он подводит как бы временный итог развитию. Темы экспозиции появляются вновь, но уже в ином тональном соотношении.

В сумме три основных раздела сонатной формы образуют трехчастную композицию типа А - Б - А.

Вторая часть симфонии - медленная, выражающая состояние покоя, созерцания, неторопливого размышления.


Третья часть симфонического цикла переключает внимание слушателей на образы внешнего мира, быта, танца. В симфониях Гайдна, Моцарта - это менуэт, а в симфониях Бетховена - скерцо. Так называется быстрая, энергично-подвижная пьеса шутливо-гротескового, драматического или сказочно-фантастического характера. Форма этой части симфонии - сложная трехчастная с трио или эпизодом.

Четвертая часть - финал, подводящий итог всей симфонии. Для финала типично настроение радостной подвижности, создание звуковой иллюзии массового действия. Финал может быть написан в форме рондо, сонатной или вариационной.

Иногда в симфонию композиторы вводят хор или отдельные вокальные голоса.

Симфонию можно уподобить роману, трагедии, драме, лирической поэме или героической эпопее. Симфония занимает в музыке то же место, что драма или роман в литературе. Как высший тип инструментальной музыки, симфония превосходит все другие ее типы возможностью воплощать значительные идеи и все многообразие эмоциональных состояний человека

“Жизнь и творчество И. Гайдна”

1. Назовите годы жизни Гайдна.

2. У кого Гайдн руководил капеллой в течение 30 лет?

3. Был ли Гайдн счастлив в личной жизни?

4. Как называется гайдновская симфония со свечами?

5. Куда после выхода на пенсию Гайдн дважды ездил с гастролями?

6. С кем из будущих знаменитых композиторов встретился Гайдн по возвращении из второй поездки в Англию?

7. Как называются две оратории Гайдна?

8. Кого считают отцом современного симфонического оркестра?

9. Что такое симфония? С чем ее можно сравнить в литературе?

10. Как называются разделы сонатной формы?

11. Сколько частей в классической симфонии? Каково их соотношение?


Инструменты симфонического оркестра

Тембр наряду с высотой и ритмом, является важнейшим средством музыкальной выразительности. Характерная для какого-либо инструмента окраска звучания зависит от многих факторов. Это и материал, из которого изготовлен инструмент, и его размеры, и способ звукоизвлечения.

Характерный для европейской музыкальной культуры инструментарий в основном сформировался к концу средневековья. Набор инструментов соответствовал художественным задачам, которые решала европейская музыка того времени. Различные группы инструментов имели свое специфическое применение: в быту, в придворных церемониях, в военных походах - и призваны были своим звучанием вызывать у слушателей необходимые в данной ситуации эмоции.

К ХVIII веку, когда в европейской музыкальной культуре на первый план выдвинулась ее эстетическая функция, стали появляться первые инструментальные ансамбли. Такие инструментальные ансамбли сопровождали музыкально-театральные произведения или выступали самостоятельно.

Само слово оркестр или “орхестра” появилось еще в Древней Греции. Им называлось то место в театре, где располагался хор во время исполнения трагедии. Позднее это название закрепилось за большими инструментальными ансамблями.

Вплоть до ХVIII века композиторы искали наилучшие сочетания и соотношения музыкальных инструментов. Во времена Баха и Генделя подбор инструментов в оркестре не был точно установлен

В эпоху музыкального барокко появились оркестры струнных смычковых инструментов. Для них была создана огромная музыкальная литература. Для этого состава сочинял свои “Большие концерты” знаменитый итальянский композитор Антонио Вивальди. Эти сочинения живут и сейчас, и исполняются тем струнным составом, для которого и были созданы.

Законодателями классического состава симфонического оркестра стали венские композиторы Гайдн и Моцарт. Именно в их творчестве, пройдя долгий путь проб и ошибок, оркестр окончательно сформировался как объединение четырех групп инструментов: струнной смычковой, деревянной духовой, медной духовой и ударной.

Современный оркестр имеет все те же четыре основные группы, что и 200 лет назад. Число исполнителей в каждой группе неодинаково. Примерно половину всего оркестра составляют исполнители на струнных смычковых инструментах. Это объясняется тем, что струнно-смычковая группа является основной и ведущей группой оркестра. Струнные с их мягким и негромким звуком выступают большой плотной массой, чтобы уравновесить звонкие и сильные голоса духовых инструментов.

В струнную смычковую группувходят скрипки, которые в оркестре разделены на первые и вторые, альты, виолончели и контрабасы. Все инструменты струнной группы похожи друг на друга, но отличаются размерами. У всех струнных смычковых инструментов четыре струны, настроенные по квинтам.

Если проводить аналогию струнной смычковой группы с хором, то скрипки играют роль сопрано. У скрипки, как и у всякого современного инструмента, есть свои исторические предки. Ими были виолы - смычковые инструменты эпохи Возрождения. Семейство виол было многочисленным: в него входили большие виолы, на которых играли сидя, держа виолу на коленях, и малые, на которых играли держа инструмент левой рукой у подбородка.

Первые упоминания о скрипке относятся к ХVI веку. Искусство изготовления этих инструментов передавалось из поколения в поколение и к настоящему времени оказалось в значительной мере утраченным. Тайн изготовления инструмента было очень много. Чтобы инструмент хорошо звучал, различные его части должны быть сделаны из определенного материала. Для верхней деки корпуса скрипки нужна была резонансная ель, которая росла в горах Швейцарии. Для нижней деки - клен, для грифа - черное дерево. Но этого мало. Лишь в определенных местах ствола можно было найти нужную по качеству древесину. Один из мастеров пишет: “Дерево должно быть распилено не в длину, а по направлению от коры к древесине, как дольки апельсина, и только центральная часть ствола (не слишком близко к корням, так как тогда дерево будет влажным, и не слишком близко к вершине, потому что солнце его слишком высушит) может считаться пригодной. Наконец, предпочтительно брать часть ствола, обращенную к югу”.

Чтобы предотвратить атмосферные воздействия на корпус скрипки, ее покрывают лаком. Секрет его изготовления к настоящему времени утерян. Струны тогда были произведением искусства. Они производились в Неаполе и делались из кишок семи- или восьмимесячных ягнят. Кишки в течение длительного времени вымачивались в щелочной воде, после чего высушивались и скручивались. Считалось, что расположение пастбищ, время убоя ягнят, свойства воды влияют на качество струн, в особенности на их прочность.

Свой современный вид скрипка получила у итальянских мастеров из Кремоны: Амати, Гварнери и Страдивари. Именно они создали непревзойденные по красоте звучания инструменты. Величайший из великих Антонио Страдивари прожил 93 года и создал более 1000 инструментов. Современная цена на один инструмент этого мастера более 100 тыс. долларов. Несколько его инструментов есть в российской государственной коллекции, на них играют наиболее выдающиеся российские исполнители. Если на инструменте долго не играть, то качество его звучания существенно ухудшается.


Фактура –(от лат. «обработка») способ изложения (склад) музыкального произведения (может быть одноголосная, полифоническая, гомофонная, смешанная)

Мелодия –(от греч. – «напев», «пение») - одноголосное последование звуков одинаковой или различной высоты, организованное при помощи ладовых тяготений.

Регистр (от лат. «список», «перечень») часть диапазона инструмента или певческого голоса, характеризующаяся единым тембром.

Темп –(от лат., ит.–«время») скорость движения в музыке, определяемая числом метрических долей в единице времени.

Метр –чередование легких и тяжелых долей в музыке («пульс» музыки).

Ритм –(от греч. – «стройность», «соразмерность») – последование звуков одинаковой или различной длительности, организованное при помощи метра.

Размер музыкальный –дробь, где числитель – это количество долей в такте, а знаменатель – счетная единица, её длительность.





Дата добавления: 2014-02-01; просмотров: 1588; Опубликованный материал нарушает авторские права? | Защита персональных данных


Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском:

Лучшие изречения: На стипендию можно купить что-нибудь, но не больше... 9492 - | 7524 - или читать все...

Читайте также:

  1. Выразительные средства скульптуры
  2. Выразительные средства скульптуры. При анализе скульптуры применяется тот же понятийный аппарат, что и в отношении других ви­дов изобразительного искусства
  3. Концепция музыкального воспитания и программа по музыке Д.Б. Кабалевского: прошлое и настоящее
  4. МЕТОДЫ И ПРИЕМЫ ФОРМИРОВАНИЯ ЗНАНИИ О МУЗЫКЕ
  5. Музыкально-танцевальные жанры. Музыкальные стили и направления
  6. Музыкальные формы в балете
  7. Мультяшный пейзаж. Музыкальные жанры. Классификация музыкальных жанров
  8. Портрет. Изобразительно-выразительные структурные элементы текста
  9. Развитие дифференцированного музыкального восприятия и творческого подхода к музыке
  10. Тема 6. Изобразительно-выразительные и образные средства языка
  11. Ты — знаток и искусный исполнитель par, так услади мой слух одной из них. Ты знаешь о музыке всё, и голос твой сладостен. Должно быть, ты — один из небесных музыкантов


 

3.235.66.217 © studopedia.ru Не является автором материалов, которые размещены. Но предоставляет возможность бесплатного использования. Есть нарушение авторского права? Напишите нам | Обратная связь.


Генерация страницы за: 0.01 сек.