double arrow

Русская живопись второй четверти 20 века


Борисов-МусатовВиктор Эльпидифорович – русский художник конца XIX-начала XX века, живописец элегического стиля, символист. Родился в Саратове. Учился в МУЖВЗ, затем в АХ. По своим творческим устремлениям оказался близок французским символистам периода модерна, поэтому предпринял поездку в Париж для продолжения обучения там. Борисов–Мусатов входил в художественное объединение «Голубая роза», в котором кроме него были: Кузнецов, Сапунов, Сарьян, Судейкин и др. Эта группа являлась оппозицией Санкт-петербургским мирискусникам, хотя их символизм органичен времени и максимально близок эстетике модерна. Художники «Голубой розы» по своей природе декораторы, мистики, театралы. Выставки их произведений всегда проходили по строгому сценарию, в котором были задействованы поэты-символисты, читающие свои стихи, звучала музыка Скрябина, залы поражали изысканным убранством с живыми цветами, да и сами картины напоминали панно-гобелены, производящие впечатление неких сакральных молитвенных знаков. В творчестве Борисова-Мусатова ретроспективные настроения этого объединения выразились наиболее полно. Его настроения и образы – это трогательная нежность и щемящая грусть, ностальгия по уходящему дворянскому быту, по романтике старинных русских усадеб с мезонинами и деревянными колоннами, с заброшенными парками и заросшими прудами, это женщины в пышных платьях, как таинственные призраки, невысказанные любовные признания, угасающие надежды. Неповторимость мироощущения Борисова-Мусатова, своеобразие эмоционально-эстетического восприятия реальности, постоянное ощущение одиночества и печали, идущее от его работ, во многом связаны с его болезнью, развившейся с детства в результате травмы позвоночника, что привело к появлению горба и полностью подорвало его здоровье. Прожил Борисов-Мусатов тридцать пять лет. Стиль Борисова-Мусатова очень индивидуален и оригинален, поэтому его произведения всегда легко узнаются. Глубоко личные настроения этот удивительный художник воплотил в своеобразную живописную форму, стилизованную под старинный гобелен. Как истинный живописец, мыслил красочными пятнами, ритмами живописной фактуры, ощущал гибкую пластику линии. Его палитра тяготеет к изысканным сочетаниям приглушённого зелёного, голубого, сиреневого. «Автопортрет с сестрой», «Водоём», «Изумрудное ожерелье», «Весна», «Осенний мотив», «Призраки», «Дама в голубом».




СомовКонстантин Андреевич был в объединении профессиональным художником, так как учился в АХ, затем в Париже. Это художник элегического мироощущения с пристрастием к пасторальным мотивам. Одновременно с этим он очень ироничен, порой саркастичен и насмешлив. Его мир – это маркизы, кокетки, Арлекины и Пьеро, очаровательные любовные сценки, смесь игры и ретроспективности («Арлекин и дама»). Сомов силён в портретах, в которых он в полной мере проявил свою прекрасную подготовленность и чувство современности («Дама в голубом», «Портрет А. А. Блока»).

Новые направления в русской живописи начала 20 века

«Мир искусства» - объединение художников, созданное в Петербурге в конце XIX века, заявившее о себе журналом и выставками, от имени которых получило своё название. В «Мир искусства» входили в разное время чуть ли не все передовые русские художники. Мирискусники «первого эшелона» - это Бенуа, Сомов, Лансере, Бакст, Добужинский –яркие индивидуальности, но каждый шёл своим путём, поэтому это объединение не представляло какого-либо художественного течения, направления или школы, просто это было творческое содружество по общим интересам. Лозунгом этого объединения было «искусство для искусства» в том смысле, что художественное творчество само в себе несёт высшую ценность и не нуждается в идейных предписаниях со стороны. Этими установками они противопоставляли себя передвижникам. В начале XX века в Петербурге мирискусниками был организован постоянный салон «Современное искусство», где экспонировались произведения декоративного и прикладного искусства и оформление интерьеров, отражающие новые веяния Модерна. В 1904-1914 гг. под лозунгом «Мира искусства» Сергей Дягилев в Париже устраивал художественные выставки и балетные спектакли. Художники объединения были по преимуществу графиками, иллюстрировали художественный журнал «Мир искусства», выполняли театральные афиши, эскизы театральных декораций, станковые картины небольших размеров в графических техниках. Все они были против дидактики, назидательности искусства, литературности сюжетов, что было характерно для передвижничества. Для всех мирискусников была характерна ретроспективность художественного мышления и «пиетет к культурности», к художественным стилям прошлого. Интересы их творчества в выборе сюжетов фокусировались в области французской и русской истории XVII, XVIII веков. Время Петра I, Людовика XIV и Людовика XV с галантными сценами, красивыми регулярными парками, в которых на фоне партеров и боскетов прогуливается или флиртует придворная публика, лёгкий налёт эротизма, ирония по поводу происходящего, ощущение игры – вот круг образов названных мирискусников.



Организатором домашнего кружка, из которого образовалось общество мирискусников, был Александр НиколаевичБенуа –живописец, график, историк искусства, художественный критик, очень эрудированный человек из семьи художников и архитекторов. Учился у частных мастеров. Фактически именно он был направляющей силой в этом объединении. В работах Бенуа как художника ярко проявился его дар стилиста, он прекрасно чувствовал стиль и атмосферу выбранного им времени. Известны его большие графические серии «Версаль» (листы «Прогулка короля», «Фантазия на версальскую тему»),в которых тонкая ирония перемежается с тайным восхищением изображённым временем, его бытом, традициями. Драматичная серия работ создана Бенуа в качестве иллюстраций к «Медному всаднику» Пушкина. Передать дух времени, проникнуться переживаниями главного героя – те задачи Бенуа, с которыми он блестяще справляется.

БакстЛев Самойлович известен прежде всего как художник театральных костюмов, в чём он достиг подлинного артистизма в трактовке образов, в передаче сценического характера. Вызывающе яркие, динамичные, созданные с великолепным стилизаторским чувством, эскизы его костюмов, приобретшие самостоятельную художественную ценность, всегда современны (работы к балету Римского-Корсакова «Шехерезада», балету Стравинского «Жар-птица»). Его «Ужин» - само воплощение эстетики модерна.

Большая заслуга всех мирискусников в том, что они обогатили русское искусство своего времени новым художественным видением, новыми сюжетами и оригинальными композициями своих работ. Они подняли значение журнальной и книжной графики на небывалую высоту и пропагандировали элитарность искусства вообще, показывая пример широкой эрудированности и высокого уровня внутренней культуры.

СарьянМартирос Сергеевич– армянский живописец XX века. Учился в МУЖВЗ у Серова и Коровина. В короткий период существования объединения «Голубая роза» (с 1907 по 1910) был его членом, разделяя с голуборозовцами увлечение декоративизмом Востока. Сарьян много путешествовал по Турции, Египту, Ирану, находя в культуре и обычаях этих стран то, что его привлекало, что манило жаркой красочностью, солнцем, светом. Все эти качества станут основными характеристиками яркого национального стиля Сарьяна, отличавшегося обобщённостью формы и декоративностью. Он жил в Ереване, красота армянских нагорий, пастбищ, речных долин неизменно притягивала художника, давая ему возможность реализации своих творческих импульсов. Он писал пейзажи, натюрморты, портреты. В своей палитре Сарьян тяготел к ярким сочетаниям чистого открытого синего с жёлтым, достигая при этом удивительной гармонии колорита. Его пейзажам свойственна какая-то замедленность действия, в чём видится особая мудрость отношения к природе («Улица. Полдень. Константинополь», «Финиковая пальма», «Долина Арарата», «Гора Абул и проходящие верблюды»).Очень много у Сарьяна поразительно красивых, декоративных по своей сути натюрмортов с неизменным участием полевых цветов, с частым включением в композицию изображения масок, какие он видел в странах Востока. В натюрмортах он иногда очень лаконичен, просто минимален, но, тем не менее, достаточно убедителен, но чаще очень щедр на краски и формы («Цветы с Чамлыча»). Модели портретов Сарьяна – это представители творческой интеллигенции, его земляки или люди, близкие ему по духу. В портретах он прибегает к тем же декоративным приёмам, что и в натюрмортах («Автопортрет «Три возраста», «Портрет поэта Егише Чаренца»).

В первые два десятилетия после Великой Отечественной войны страна переживала трудные годы восстановления, осознания победы, происходило формирование новых взглядов на свою историю. Большие надежды всего народа и творческой интеллигенции возлагались на время, получившее название «оттепель», после вышедшего романа Ильи Эренбурга «Оттепель». Это было время хрущёвских реформ и развенчания культа личности Сталина. Но пафос преобразования и нетерпение ожидания перемен обернулись вскоре тяжёлыми разочарованиями. Именно горечью разочарований и крушения надежд пронизано искусство этой поры. Но эти переживания, касающиеся всего народа, и в большей степени, самой восприимчивой части народа – творческой интеллигенции – не позволили упасть духом, поддаться этим настроениям. Образный строй многих произведений искусства как раз говорил об обратном, о готовности строить новую жизнь, прийти к новым открытиям, новым идеалам. Но чувствовалось, что для этого нового понимания людям, пережившим коллективизацию, индустриализацию, культ личности, войну необходимо вновь найти в себе силы, даже героизм, что бы пережить новые трудности. Все эти умонастроения отразились в поэзии, прозе, изобразительном искусстве того времени. Возникает интерес к будням, к скудной жизни большей части населения страны, потребность романтизации характеров современников и их повседневного труда, потребность выразить оставшуюся в тени тему народного горя, разрушенных судеб. Появляются произведения искусства, широко использующие форму рассказа о людях и событиях, но новые по тематическому репертуару и по подходу к пластической выразительности. Направление было названо «суровым стилем» - термин, являющийся в большей мере крылатым выражением, метафорой, нежели научным определением.

В творчестве Гелия МихайловичаКоржева суровый стиль проявился ярче и значительнее, чем у других его современников. Он окончил институт им. В.И.Сурикова в Москве, по направленности творчества был и остаётся убеждённым реалистом. Триптих «Коммунисты» - его первое значительное произведение, поднимающее тему войны, революции. Центральная часть триптиха – «Поднимающий знамя» - символ решимости, воли к победе человека, встающего на врага со знаменем в руках. Правая часть – «Интернационал» - посвящён также героизму красноармейцев. «Гомер» - решимость другого порядка, желание трудом и настойчивостью познать тайны творчества и стать художником. Вместе с ощущением героизма, трудности победы зрителю передаётся тот внутренний романтизм, который всегда наполнял волю и сердца людей, стремящихся к победе. Живопись Коржева, пластически мощная, убедительная и эмоционально насыщенная, отличается рваной фактурой, некоторой общей грубостью письма, но эти качества отвечают требованию героизации народных характеров. Тема войны в творчестве Коржева – самая сильная и представлена очень широко. В работах серии «Опалённые огнём войны» Коржев обращается к общим ценностям человеческой жизни. Без лишних эффектов, просто, сурово, лаконично Коржев говорит о войне, о чувствах и переживаниях людей («Заслон», «Прощание»). «Мать»- одно из самых психологически глубоких произведений Коржева. Всегда в произведениях Коржева зритель угадывает тот внутренний пласт, глубокий смысл, который заставляет размышлять и который никого не оставляет равнодушным.тЭто правда о войне, не о полководцах, а о солдатах и выбитых из норм мирной жизни людях, не о фанфарах победы, а о её цене.

Заказать ✍️ написание учебной работы
Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой

Сейчас читают про: