После войны

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»). Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе; увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия. Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Некоторые из них («Коза», 1950; «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся[13]. Это было для художника началом тяжёлого морального кризиса, который эхом отдаётся в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года; в них Пикассо по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»[14][15]. В этом же году Пикассо встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию статуарных портретов. В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо». Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и не равны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968). Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин «Девушки на берегу Сены. По Курбе» (1950); «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955); «Менины. По Веласкесу» (1957); «Завтрак на траве. По Мане» (1960). Никто из критиков не смог дать удовлетворительного объяснения этим странным, дерзким композициям, даже если они находили своё завершение в действительно превосходных картинах. Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене (Франция) на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви. Похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарт.

Билет №13 Группа «Салон отверженных». Группа «Бато-Лавуар».

Салон отверженных (фр. Salon des Refusés) — выставка, параллельная официальной французской, на которой были представлены полотна и скульптуры, отвергнутые в 1860-х — 1870-х годах жюри Парижского салона. Самая значительная выставка состоялась в 1863 году по инициативе императора Наполеона III после того, как методы отбора работ на Парижский салон были подвергнуты всеобщей критике. Парижский салон был самой значительной французской художественной выставкой. Жюри, отбиравшее для неё картины, было ориентировано на традиционные вкусы художественных академий, т.е. привержено художественным стилям преподававшимся в то время в школах изящных искусств. Во второй половине XIX века жюри подвергалось все больше и больше критике. Внутри жюри разыгрывались бесконечные интриги, из-за принятия полотен определенных художников. Презентация своих работ на Парижском салоне и получение положительных откликов в прессе, и тем более быть отмеченным премией, были для художников важным шагом к финансовому успеху и благополучию. Отвергнутые работы редко находили покупателя. Иоган Йонкинд писал, что ему пришлось отдать назад деньги, заплаченные за его картину, поскольку она была не принята жюри. Одно время на рамы отвергнутых картин ставили печать «R» (фр. Refusé) - отказано. У таких художников, как Моне, Мане, Ренуар, Базиль или Сислей с их представлением о живописи, было немного шансов участвовать в салоне. Жюри постоянно отклоняло даже полотна Курбе, бывшего в ту пору уже известным живописцем. Мотивы создания первого салона отверженных. В 1863 году число полотен, которые один художник мог подать на салон, было ограничено тремя. Это решение вызвало резкую критику со стороны художественных кругов Франции. Заседания жюри по отбору полотен на салон начались 2 апреля 1863 года. А уже 5 апреля распространился слух, что в этот раз жюри строго, как никогда. 12 апреля жюри объявило о своём решении. Из 5 тысяч полотен представленных на суд жюри 3 тысячами живописцев жюри отклонило шестьдесят процентов. В общем, разразился скандал. 20 апреля выставку посетил Наполеон III, в сопровождении своего адъютанта генерала Лебёфа. Ему показали некоторые из отвергнутых работ. Он нашел, что они мало чем отличаются от тех, что были приняты жюри. Император выступил с заявлением, напечатанным в газете "Le Moniteur Universel": "Император получил многочисленные жалобы в отношении произведений искусства, отвергнутых жюри Салона. Его Величество, желая дать возможность общественности прийти к собственному заключению о правомерности этих жалоб, решил, что отвергнутые произведения будут выставлены напоказ в другой части Дворца Индустрии. Выставка эта будет добровольной, и тем, кто не пожелает принять в ней участие, нужно будет лишь уведомить администрацию, которая незамедлительно возвратит им их работы". К 7 мая - крайнему сроку, к которому художники должны были принять решение о востребовании своих работ, - около 600 картин из представленных на суд жюри были возвращены их создателям. Как писал в "L'Artiste" Жюль Кастаньяри (1830-1888), великий поборник новаторства в искусстве, дело обстояло не так однозначно, как это могло показаться: "Известие привело парижские мастерские в состояние замешательства. Ликовали и обнимали друг друга. Но затем на смену восторгам пришло отрезвление. Что же теперь делать? Воспользоваться предложением и выставить свои работы? Это значит - решиться (и не без ущерба для себя) дать ответ на вопрос, подразумеваемый в самом решении, - отдать себя на суд публики, в случае, если работа признана явно плохой. И это значит поставить под сомнение объективность Комиссии и перейти на сторону Института не только в настоящее время, но и на будущее. А если не выставлять? Это значит - отдаться на суд жюри и таким образом, признав свою бездарность, способствовать росту его авторитета". Искусство размещения полотен Выставка представляла собой странную смесь картин. Чтобы избежать разногласий насчет места развески, работы располагались строго в алфавитном порядке - мера эта, хоть и рациональная, в визуальном отношении вызвала разнобой. В одном ряду с батальными сценами и обнаженными девами висели работы еще малоизвестных новаторов: три полотна и три гравюры Мане, три полотна Писсарро, три - Йонкинда и не числившиеся в каталоге работы Сезанна, Гийомена, Баркмона и Фантен-Латура. Также приняли участие Феликс Бракмонд, Анри Фантен-Латур, Арман Готье и Альфонс Легро. Полотна последних трёх живописцев были также приняты на официальный салон. В каталоге Салона Отверженных были указаны не все художники. Он остался незавершённым, поскольку был составлен без помощи организаторов, и для его завершения просто не оставалось времени. Реакция публики Салон отверженных начал свою работу 15 мая, в то время как официальный салон открылся 1 мая. С самого начала экспозиция притягивала большое число посетителей. По воскресеньям число посетителей достигало четырёх тысяч. Выставка оказалась бо́льшим магнитом, чем официальный салон. Пресса посвящала живописцам, выставленным в "Салоне Отверженных", всё более обширные статьи, так что в прессе курсировала шутка о том, что художники, выставленные в официальном салоне, надеются в следующем году быть отвергнутыми жюри и привлечь тем самым к себе особое внимание. Однако большинство статей в прессе носили негативный характер, и реакция публики была отрицательной. Полотна салона подвергались насмешкам со стороны посетителей.

Бато́-Лавуа́р «корабль-прачечная» «плавучая прачечная» — знаменитое парижское общежитие на Монмартре в котором в начале XX века проживали многие знаменитые художники включая Пикассо и Модильяни.

История и особенности здания В 1890-х годах Тьонвиль начал сдавать здание бывшей фабрики пианино на тогдашней площади Равиньян (ныне площадь Эмиля-Гудо place Emile Goudeau) бедным художникам для мастерских. Здание располагалось на крутом склоне холма Монмартр и со стороны улицы Гаро (rue Garreau) было пятиэтажным в то время как со стороны входа казалось одноэтажным. Ветхий барак представлял собой небольшие комнатушки и мастерские художников со скрипящими полами расположенные вдоль узких коридоров. Электричества и газа не было на все пять этажей был только один водопроводный кран а комнаты отапливались про помощи печей-буржуек. «Более того на тридцать-сорок жильцов имелся всего один туалет двери которого не закрывались из-за отсутствия щеколды и постоянно хлопали от сквозняков»[1]. Своё название Бато-Лавуар получило за внешнюю схожесть со старыми баржами на которых прачки стирали бельё. Кроме того в возникновении этого названия сыграло свою роль и развешенное прямо на окнах (больше было негде) постиранное бельё.

Первые постояльцы Первым из художников в Бато-Лавуаре поселился уроженец Нанта Максим Мофра (в 1892). В 1900 г. он принимал здесь вернувшегося из своего первого путешествия на Таити Поля Гогена. Между 1900 и 1904 годами в здании обосновались две группы художников: итальянцы (самый известный из них — Арденго Соффичи) и испанцы (во главы их группы стоял Пако Дуррио).

Пикассо в Бато-Лавуаре Весной 1904 года «плавучая прачечная» стала первым парижским пристанищем молодого Пабло Пикассо который прожил тут со своей собакой Фрикой до 1909 года. Осенью 1905 года к Пикассо переселилась его возлюбленная Фернанда Оливье. В своей небольшой комнате он при свете керосиновой лампы (а когда не было денег на керосин — при свечах) писал свои картины в том числе «Авиньонских девиц» с которых начался кубизм. По вечерам Пикассо кутил по всему Монмартру вместе со своими друзьями возвращаясь в Бато-Лавуар лишь под утро и извещая жителей соседних домов о своём возвращении выстрелами из револьвера. В 1908 году Пикассо организовал в своей студии банкет в честь Анри Руссо а осенью следующего года вместе с Фернандой перебрался в гораздо более комфортабельную квартиру на бульваре Клиши.

Другие постояльцы и гости Помимо Пикассо в Бато-Лавуар проживали многие художники поэты и прочие представители парижской богемы: Макс Жакоб и Андре Сальмон (один из них в 1904 году окрестил здание «плавучей прачечной») Пьер Реверди Амедео Модильяни Пабло Гаргальо а также Хуан Грис которому жизнь в Бато-Лавуаре стоила здоровья. Румын Константин Брынкуши и голландец Кеес ван Донген также обитали в Бато-Лавуаре. Кроме того в общежитии постоянно бывали Гийом Апполинер Жорж Брак Анри Матисс Жан Кокто Гертруда Стайн и многие другие. Молодые художники были настолько бедны что у них часто не было денег чтобы купить угля для отопления комнаты и еды. Поэтому у ворот кабаре «Проворный кролик» для них часто выставляли котёл с супом.

Дальнейшая судьба здания После 1914 года многие обитатели Бато-Лавуара переехали в другие районы Парижа в частности в квартал Монпарнас который перенял у Монмартра роль богемного квартала после Первой мировой войны. В 1965 году здание было признано памятником но в 1970 сгорело дотла сохранился лишь фасад на площади Эмиля-Гудо. Через несколько лет Бато-Лавуар был заново отстроен (из бетона) и заселён художниками которые однако не могут похвастать ни славой ни талантом Пикассо.

Билет №14 Экспрессионизм. Группа «Мост». Творчество экспрессионистов – Мунк, Кихнер, Геккель, Нольде.

Вот уж никогда бы не подумала, что появлению фильмов ужасов как жанра мы обязаны именно художественному стилю экспрессионизм. При достаточно безобидном названии этот стиль содержит в себе такие эмоции как боль, разочарование и страх. Экспресионизм породило само время в начале двадцатого века, как ответную реакцию на болезненные проявления тогдашней действительности. С помощью кисти художники совмещали свой протест с выражением мистического ужаса перед хаосом бытия. Отсюда и тяготение к иррациональности, обостренной эмоциональности и фантастическому гротеску, характерным для этого стиля.

Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») – течение в европейском искусстве, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия двадцатого века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к отображению окружающего мира, сколько к выражению художественными способами эмоционального состояния автора. Экспрессионизм ставит перед собой задачу не столько воспроизведения действительности, сколько выражения порождаемых этой действительностью эмоциональных переживаний. Среди распространенных приемов – различные смещения, преувеличения, упрощения, использование пронзительных, воспаленных красок и напряженных, острых контуров. Полагают, что сам термин «экспрессионизм» был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину импрессионизм. Экспрессионист желает, превыше всего, выразить себя, мгновенное впечатление и строит более сложные психические структуры. Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу, как через фильтр, который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую сущность. Также к основным представителям экспрессионизма можно отнести следующих художников – Эдвард Мунк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Франц Марк, Рихард Герстль, Зинаида Серебрякова, Франк Ауэрбах, Альберт Блох, Пауль Клее, Макс Курцвайль, Ян Слейтерс, Николае Тоница, Мильтон Эвери. Гротескные искажения пространства, стилизованные декорации, психологизация событий, акцент на жестах и мимике – отличительные черты экспрессионистского кинематографа, который расцвел на студиях Берлина с 1920 по 1925 годы. После прихода власти нацистов в 1933 году многие кинематографисты экспрессионистского направления, перебрались в Голливуд, где внесли весомый вклад в формирование американских жанров фильма ужасов и фильма-нуар.

Мост (1905—1913) Течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. Он представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, архитектуру, музыку, танец и первое художественное течение, в полной мере проявившее себя в кинематографе.В 1905 году немецкий экспрессионизм оформился в группу "Мост", которая бунтовала против поверхностного правдоподобия импрессионистов, стремясь вернуть немецкому искусству утраченные духовное измерение и разнообразие смыслов. В программе "Моста" было много общего с французским фовизмом. Группа "Мост" - объединение немецких художников, созданное студентами архитектурного отделения Высшего технического училища и Школы искусств в Дрездене. 7 июня 1905 года считается днём основания одной из самых известных художественных групп Германии. В этот день четыре молодых студента, уже давно знавшие друг друга, решили объединить свои усилия по созданию новой живописи. Это были Фриц Блейль, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуф. Название объединения они нашли в сочинениях своего кумира философа Ф. Ницше "Так говорил Заратустра". Они не принимали современной живописи, их отталкивал и академический натурализм, и поверхностный югендштиль. Художники увлекались наивным искусством примитивов, народных мастеров, детскими рисунками и произведениями душевнобольных, находя там искренность и непосредственность выражения. Более того, они пытались достигнуть своего идеала не только в искусстве, но и в жизни. "Молодые художники открыли на лесных озерах Морицбурга саксонскую Аркадию. Они поселились в прибрежных камышах со своими натурщицами, ходили обнаженными под летним солнцем, купались, отдавали дань Эроту, живя in unio mystica с природой. Они изображали себя и своих натурщиц в самых дерзких ракурсах, добиваясь острых ритмов, деформировали тела с поразительной самоуверенностью. Манифест, выпущенный ими в 1905 г., гласил: "С верой в развитие, в новое поколение творцов и ценителей искусства мы взываем ко всей молодежи. И как молодежь, несущая в себе будущее, мы хотим добиться свободы жить и творить вопреки закоснелым старым силам. Каждый, кто свободно и искренне выражает то, что его вынуждает к творчеству, должен быть с нами"! Молодые немецкие художники не задумывались над способом, стилем и техническими приемами изображения, но в их манифесте уже прозвучало ключевое слово "выражение" (нем. Ausdruck — экспрессионизм).Однако если французские импрессионисты ради "выражения" обращались к природе, то немецкие экспрессионисты, напротив, замкнулись в себе и стали искать, пользуясь определением Ницше, "религиозную чувственность искусства". Картины, рисунки и гравюры художников группы "Мост" подчеркнуто грубы, архаичны, они демонстрируют пренебрежение красотой формы ради непосредственности выражения. В творчестве "мостовцев" радикально изменялось отношение к пространству, лишенному отныне границ. Предметный мир теперь воплощали предельно обобщенные и почти зашифрованные предметы - "знаки", окружающие человека. Полностью потеряли свое значение свет и светотень, так как их функцию перенял цвет, ставший духовным компонентом изображения - светящиеся, "сытые" краски, нанесённые широкой кистью плоскими мазками и часто обведённые жёсткой линией контура. Художники группы "Мост" не находили признания у зрителей. В 1910 г. М. Пехштайн, Э. Л. Кирхнер, Э. Хеккель и К. Шмидт-Роттлуфф вошли в "Новый Сецессион". Всего же к моменту распада группы в ней официально насчитывалось 75 членов, подавляющее большинство из которых принимали в работе группы лишь финансовое участие. В 1913 году Л. Кирхнер пишет "Хронику ГХ Мост", которая приводит к разрыву между художниками. М. Пехштейн со скандалом выходит из группы, а Хеккель, Шмидт-Ротлуф и Мюллер публично обвинили Кирхнера в самовосхвалении, одностороннем выпячивании своей значительности в деятельности группы. 27 мая 1913 года группа "Мост" разослала своим "пассивным" членам извещение о том, что группа прекращает своё существование.Когда в Веймарской республике после 1924 года установилась относительная стабильность, невнятность идеалов экспрессионистов, их усложнённый язык, индивидуализм художественных манер, неспособность к конструктивной социальной критике привели к закату этого течения. С приходом к власти Гитлера в 1933 году экспрессионизм был объявлен «дегенеративным искусством», а его представители потеряли возможность выставлять свои работы или публиковаться. Тем не менее отдельные художники продолжали работать в рамках экспрессионизма на протяжении многих десятилетий. Пастозные, резкие, нервные мазки и дисгармоничные, изломанные линии отличают работы крупнейших экспрессионистов Австрии — О. Кокошки и Э. Шиле. В поисках наивысшей эмоциональной выразительности французские художники Жорж Руо и Хаим Сутин резко деформируют фигуры изображаемых. Макс Бекман преподносит сцены богемной жизни в сатирическом ключе с налётом цинизма. Из числа крупных представителей течения только Кокошка (1886—1980) застал возрождение всеобщего интереса к экспрессионизму в конце 1970-х гг.