Вопрос 3. Искусство Возрождения в Германии. А. Дюрер. Г. Гольбейн

Немецкое искусство ХV века можно охарактеризовать не как раннее Возрождение, а как переходный период.

Это время величайшего творческого напряжения, пробуждения страстного интереса к индивидуальности человека, поисков новых средств постижения действительности. Богатый опыт итальянского и нидерландского искусства помог немецкой художественной культуре в ее движении вперед. Но немецких художников привлекали иные стороны жизни, чем итальянцев. Как и нидерландцы, они обращались к сокровенной духовной жизни человека, его переживаниям, психологическим конфликтам. Образ человека здесь отмечен то мечтательностью и глубокой задушевностью, то суровостью и мятежными порывами, драматизмом страстей.

Верное жизненной правде, немецкое искусство было менее рационально, оно уступало итальянскому в разработке научных основ, в нем не было тех последовательно рационалистических философских воззрений, которые у итальянцев привели к безоговорочной вере в человеческий разум. Стремление к научному познанию мира не умаляло роли воображения. В немецком искусстве неизменно проступало взволнованно личное отношение его создателей к миру, умение видеть жизнь в ее сложности и изменчивости. Тяготение к гармоничному идеалу и завершенным классическим формам сочеталось с острым чувством индивидуально неповторимого. Не случайно наиболее значительные достижения здесь связаны с портретом.

Искусство немецкого Возрождения во многом близко нидерландскому; в нем то же развитое чувство индивидуального, то же восприятие явлений жизни в тесной взаимосвязи с окружающей средой. Это определяет особое значение пейзажа и интерьера в решении эмоционального строя образов. Пластическое понимание форм сочетается с эмоциональным живописным решением проблем света и тональности, имеющее важное значение для раскрытия взаимосвязи явлений, было важнейшим завоеванием немецкой школы 16 века, предвосхитившим искания мастеров 17 столетия.

2 сл. На рубеже ХV - ХVI веков работают выдающиеся мастера немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер и Ганс Гольбейн

 

· По разносторонности, по масштабу дарования, по широте восприятия действительности Дюрер — типичный художник Высокого Возрождения. Он был и живописцем, и гравером, и математиком, и анатомом, и перспективистом, и инженером. Он ездил два раза в Италию. Глубоко национальные образы Дюрера полны силы, но и сомнений, иногда тяжких разду­мий, в них отсутствует ясная гармония Рафаэля или Леонардо. Художественный язык усложнен, аллегоричен.

Дюрер становится одним из самых крупных масте­ров гравюры в Европе. Тема смерти — частая тема его графи­ческих листов.

 

· Ганс Гольбейн Младший — известный немецкий портретист и график. Обучался искусству рисования в мастерской у своего отца, Гольбейна Старшего, который занимался алтарной живописью. Талант юного Ганса принес ему известность в 21 год и подарил возможность стать членом базельской гильдии художников. Придворный живописец Генриха VIII.

3сл. Первым в истории германской (а по большому счету — и всей европейской) живописи Альбрехт Дюрер начал писать автопортреты. Рассмотренные в хронологической последовательности, они составляют уникальную историю человеческого познания себя, природы и Бога.

Однажды, взяв привычный для ученика ювелира серебряный карандаш, не допускающий никаких исправлений, 13-летний Альбрехт, сверяясь с отражением в зеркале, изобразил себя. Это оказалось непросто — всё время переводя взгляд с отражения на бумагу и обратно, удерживать неизменными позу и выражение лица. В правом верхнем углу сделана надпись: «Я сам нарисовал себя в зеркале в 1484 году, когда я был еще ребенком. Альбрехт Дюрер». В Германии конца XV века не приняты были автопортреты. 13-летний Дюрер не мог видеть никаких образцов, как не мог предполагать, что когда-то именно благодаря ему в европейском искусстве утвердится такой жанр — автопортрет. С интересом естествоиспытателя, столь характерным для эпохи Ренессанса, Альбрехт просто фиксировал заинтересовавший его объект — собственное лицо — и не пытался себя украсить, героизировать или принарядить (как станет поступать, повзрослев).

Биографы твердят, что мастер Альбрехт Дюрер был крайне привлекательным молодым человеком, и любовь к автопортретам была отчасти связана с тщеславным желанием понравиться людям. Однако не в этом заключалось истинное их назначение. Автопортреты Дюрера – это отражение его внутреннего мира и взглядов на искусство, история эволюции интеллекта и развития художественного вкуса. По ним можно проследить всю жизнь художника. Каждый её этап – новая работа, разительно отличающаяся от предыдущей. Дюрер сделал автопортрет отдельным жанром в изобразительном искусстве, а его работы в целом стали живой биографией художника. Они иногда могут рассказать больше, чем любая книга.

За жизнь Альбрехт Дюрер создал не менее 50 таких работ, но дошли до нашего времени немногие.

4 сл. «Поклонение волхвов» напоминает незаконченное полотно Леонардо да Винчи на аналогичный сюжет, также хранящееся в Уффици. Однако персонажи Дюрера написаны с той степенью психологизма, которая была особенно ему присуща.

Художник ввел в сцену поклонения трогательные моменты: Младенец Христос открывает ларец, где лежит принесенное Ему одним из волхвов золото, с тем любопытством, с каким тянутся к неизвестному все дети, а старый волхв смотрит на этого ребенка серьезным и вдохновенным взглядом, чуть склонив голову набок. Подобно многим художникам Северного Возрождения Дюрер не отступает от той подробности, что волхвы пришли к Христу из разных концов света, значит, среди них мог быть и чернокожий.

Несмотря на обилие деталей, картина полна возвышенного духа, мягкого и в то же время торжественного настроения, которое было свойственно живописи этого немецкого мастера.

5 сл. «Четыре апостола» 1526

Святой Иоанн-Общительный сангвиник,

Святой Пётр – Невозмутимый флегматик,

Святой Павел – меланхоликС печальным взглядом,

Святой Марк – холерик

Для живописца это не просто библейские герои – Дюрер стремился изобразить четырёх людей, демонстрирующих совершенство ума, характера и духа. Здесь каждый индивидуализирован и неповторим. Принято считать, что мастер через апостолов точно передал четыре типа темперамента

Также в искусствоведческой литературе можно встретить сравнение апостолов с разными временами года или же 4 разными возрастами.

 

Здесь зритель видит не только те значимые новшества, которым характеризуется творчество Дюрера в целом – персонализация библейских героев, динамичность образов, внимание к деталям, но и философские идеи мастера, своеобразную иллюстрацию его человеческого идеала. Художник считал, что совершенный человек тот, кто богат духовно, обладает волей, готов к действию. Все эти высокие этические нормы он постарался изобразить в апостолах. Действительно, в их образах читается благородное спокойствие, вкупе с живым характером и острым умом.

 

Разделённое на разные створки, произведение между тем смотрится неделимым и в композиционном, и в духовном плане. Известно, что после завершения диптиха Дюрер преподнёс его в дар своему родному городу Нюрнбергу, но оценив мастерство живописца, городской Совет постановил всё же выплатить автору деньги за столь совершенный подарок.

 

6 сл.

Как и другие мыслители его родины, немецкий художник нередко облекал свои мысли в аллегорическую форму; часто порождения его творческой фантазии бывали угловатыми, напряженными, противоречивыми и идеи его находили для себя воплощение в усложненном художественном языке. После поездки в Венецию художник Альбрехт Дюрер создал картины, близкие по своим изобразительным приемам к классическим итальянским образцам. Особенно характерны в этом смысле мадридские «Адам и Ева». Из этих образов исчезла всякая угловатость и нервность обычных дюреровских фигур. Нет в них и ничего индивидуального, неповторимого.

 

Это идеальные изображения прекрасных человеческих созданий, построенные по принципам классического канона, говорящие о высшей человеческой красоте, основанной на гармонии телесного и духовного начала. Жесты их отличаются сдержанностью и изяществом, выражение лиц – мечтательностью. Все лишнее удалено из этих картин, в них нет даже намека на былую дробность и перегруженность деталями. Те же качества отличают и берлинский «Портрет венецианки». Изменяются и живописные приемы художника; сглаживаются переходы между границами красочных оттенков, тени мягко скользят по округлым формам, линейные контуры стушевываются, отступая на второй план.

 

7 сл. «Апокалипсис» – всемирно известный цикл деревянных гравюр Альбрехта Дюрера на религиозную тему. Серия, выполненная немецким художником в трехлетний период с 1496 года, состоит из 15 работ, изображающих библейское Откровение о последнем суде. Публиковались гравюры дважды. И самой знаменитой является «Четыре всадника Апокалипсиса».

 

Труд гравера иллюстрирует слова, записанные в шестой Главе Откровения Иоанна, о четырех разноцветных конях и их всадниках. Справа налево выгравированы эти наездники. Первый – с коронованной головой, опустил поводья белой лошади, натянул до упора тетиву лука и жалостливо глядит вперед – Победитель. Второй – взмахнул огромным мечом, ослепленный яростью, он стремительно мчит коня – Война. Третий – без головного убора, богато одетый, с весами в правой руке, равнодушным взглядом смотрит куда-то вдаль – Голод. Четвертый – исхудавший старец с трезубцем, костлявой ногой почти касается земной поверхности, лошадь его такая же истощенная, с витой веревкой вместо поводьев, без подков на копытах – это сама Смерть.

 

За конными, согласно Библии, следует ад, который Дюрер изобразил в виде страшного зверя с открытой зубастой пастью. Вся шеренга несется, не замечая под копытами кучки людей: здесь и правитель в царской короне, и горожанин с крестьянином, даже монах. Над стремительным угрожающим движением фигур парит одинокий крылатый ангел. Никто не избежит наказания за совершенные при жизни злые деяния – вот что желает нам показать мастер на этой гравюре.

 

Персонажи показаны близко к зрителю, так что создается иллюзия слияния пространства реального и нарисованного. «Четыре всадника» вот-вот выскочат за пределы рамки и настигнут каждого, расплата неизбежна. Художник поделился с нами своими апокалиптическими предчувствиями.

 

«Меланхолия» — резцовая гравюра на меди немецкого художника Альбрехта Дюрера, законченная в 1514 году. «Меланхолия» — одна из наиболее таинственных работ Дюрера, выделяющаяся сложностью и неочевидностью идеи, яркостью символов и аллегорий.

 

Детали изображения и символика

На переднем плане гравюры — крылатый Гений с пристальным взглядом сидит, подперев левой рукой голову, украшенную венком. На коленях застёгнутая книга, в правой руке циркуль. На поясе связка ключей и два кошелька.

На мельничном жёрнове сидит путто. Мальчик с крыльями в искусстве барокко и Ренессанса символизирует предвестника земного или ангельского духа. Задумчиво пишет стилем на восковой дощечке.

Вокруг центральной фигуры хаотично разбросаны: молоток, щипцы, гвозди, пила, рубанок, линейка и другие инструменты. В жаровне с пылающим огнём стоит плавильный тигель.

У ног крылатой фигуры, свернувшись клубком, спит борзая собака.

На стенах сооружения весы, часы (песочные и солнечные), колокол и высечен магический квадрат. К невидимой стене приставлена лестница, ведущая на верхний этаж.

В небе радуга, а низко над горизонтом — яркое солнце, освещающее портовый город. Оскаленное крылатое существо несёт баннер с названием гравюры.

Сфера и многогранник (усечённый с двух углов параллелепипед — см. основную статью: Многогранник Дюрера). Боковыми гранями являются два правильных треугольника и шесть нерегулярных пятиугольников; двенадцать вершин принадлежат к двум разным типам.

Дюрер составил первый в европейском искусстве магический квадрат, 4х4. Сумма чисел в любой строке, столбце, диагонали, а также в каждой четверти (в том числе в центральном квадрате) и сумма угловых чисел равна 34. Два средних числа в нижнем ряду указывают дату создания картины (1514). Два крайних числа в нижнем ряду соответствуют инициалам художника. В средних квадратах первого столбика внесены исправления — цифры деформированы.

 

8 сл. Гольбейн Ганс Младший один из самых известных художников Германии, наиболее известный представитель семейства с такой фамилией.

 

 

Вместе со своим братом Амброзиусом Гольбейн поселился в Швейцарии, в Базеле. Там он был окружен передовыми учеными и мыслителями той эпохи, включая Эразма Роттердамского. В это время художник много работал в жанре иллюстрации, выполняя работы для Библии, других книг. В числе других направлений его деятельности были витражи, настенная живопись внутри и снаружи зданий, портреты.

 

Творческий стиль художника легко узнаваем. Кто видел портрет короля Генриха, с легкостью опознает кисть мастера. Его портреты отличаются удивительно точной и скрупулезной проработкой деталей, мастерской работой с цветом и светом, отличной передачей объемов, форм и фактур.

 

При том что он реалистично и точно передает все подробности своей натуры, готовые полотна поражают декоративностью и впечатляют мастерством живописи. Гольбейн считается художником, который сумел «привить» идеи итальянского возрождения на немецкую почву, не утратив при этом специфического национального стиля. Его живопись родственна работам Дюрера, хотя подает действительность в совершенно ином ключе.

 

Перед началом живописной проработки мастер всегда делал много набросков, в которых много внимания уделял лицу и мелким деталям. Возможно, поэтому его готовые работы производят настолько цельное впечатление, а лица персонажей запоминаются с первого взгляда.

 

Мастер настолько часто использовал в своих работах пестрые драпировки, ковры и восточные ткани, что его именем был назван один из видов вышивки и даже вариант ковров с характерным рисунком.

 

9 сл. Сохранилось около дюжины, религиозных полотен Гольбейна. Большая их часть относится к раннему периоду его творчества (то есть созданы до переезда в Базель) и несут явный отпечаток учебы у отца художника, Ганса Гольбейна Старшего, — до такой степени, что по поводу авторства отдельных работ исследователи до сих пор не пришли к единому мнению.

Николай Михайлович Карамзин первым из русских писателей написал о Гольбейне и его картине под названием «Мертвый Христос в гробе»: «…В Христе, снятом с креста, нет ничего божественного, но как умерший человек изображен весьма естественно».

Подчеркиваю, вперед забегая…

В ХРИСТЕ, СНЯТОМ С КРЕСТА, НЕТ НИЧЕГО БОЖЕСТВЕННОГО.

КАК УМЕРШИЙ ОН ИЗОБРАЖЕН ВЕСЬМА ЕСТЕСТВЕННО.

«МЕРТВЫЙ ХРИСТОС» ГОЛЬБЕЙНА — ПОЛНОЕ НАРУШЕНИЕ

ВСЕХ ИКОНОПИСНЫХ ТРАДИЦИЙ.

 

Это, действительно, была страшная картина. Спаситель - и на кресте, и снятый с креста - по обычаю всегда изображался в покое и величии телесной красоты, как бы не тронутой смертными мучениями, не подверженной разрушительным законам разложения. Гольбейновский Христос перенес неимоверные страдания: израненный, иссеченный ударами стражников, в синяках и кровоподтеках - следах побиения камнями, в ссадинах от падения под тяжестью креста. Глаза его полуоткрыты, но - и это, может быть, самое ужасное - в них мертвая остекленелость; губы судорожно застыли, словно в оборвавшемся на полуфразе стоне: "Господи! Отец мой, зачем ты оставил меня...".

 

10 сл. Стоит отметить, что Гольбейн – выдающийся портретист с уникальной способностью не только передавать мельчайшие детали, но и отлично фиксировать выразительные черты лица портретируемых. Ярким примером его выдающегося творчества служит портрет гениального мыслителя и политического деятеля Томаса Мора.

 

Человек огромного ума, обладатель мощной харизмы, Мор стал жертвой политических интриг и был казнен. Позже его причислили к лику святых католической церкви, а этой чести крайне редко удостаиваются мыслители гуманистического направления.

 

Портрет Томаса Мора – великолепное произведение как с точки зрения художественного мастерства Гольбейна Младшего, так и со стороны выразительности и производимого на зрителя впечатления. Простое, даже грубоватое лицо Мора выражает непреклонность и огромную силу воли, в глазах светится пытливый ум, губы сурово сжаты, словно он предчувствует свою нелегкую судьбу. В его руках документ – своеобразное завещание своим потомкам помнить и изучать его труды.

 

За свою жизнь художник создал несколько портретов великого ученого, прозванного «князем гуманистов». Первый портрет Эразма Роттердамского он создал в возрасте 25 лет. Это изображение выполнено в очень сдержанной манере, которую современный человек обозначил бы как минималистскую. Мыслитель изображен в профиль, на фоне зеленовато-оливковой стены без каких бы то ни было деталей. Он в темном головном уборе, характерном для его эпохи, в свободном серовато-коричневом одеянии с пышным объемным черным воротником. Благодаря сдержанной цветовой гамме и минимальному количеству деталей все внимание зрителей сфокусировано на профиле Эразма и на его руках, украшенных несколькими драгоценными перстнями. Он занят – пишет один из своих философских трактатов, и кажется глубоко погруженным в свои мысли.