Творчество Леонардо да Винчи (1452 – 1519)

Темы буду высылать постепенно – по мере того, как будут развиваться события.

Будьте здоровы! Любите искусство!

С уважением,
Анастасия Владимировна

                                                                                        

Учебный период	Тема для изучения
6 – 12 апреля	Высокое Возрождение. Творчество Леонардо да Винчи
	Высокое Возрождение. Творчество Рафаэля Санти
13 – 19 апреля	Высокое Возрождение. Творчество Микеланджело Буонаротти
20 – 26 апреля	Венецианская школа живописи. Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторетто

 

Будем изучать дистанционно, если потребуется

Учебный период	Тема для изучения
27 апреля – 3 мая	История искусства Нидерландов эпохи Возрождения. Братья Губерт и Ян ван Эйки
4 – 10 мая	Творчество Иеронима Босха и Питера Брейгеля Старшего
11 – 17 мая	История искусства Германии эпохи Возрождения. Альбрехт Дюрер Ганс Гольбейн Младший
18 – 24 мая	Эпоха Возрождения: Искусство Испании и Франции
25 – 31 мая	Консультации. Обобщение и проверка знаний

 

Если будет свободное время, обязательно причтите книги, которые в прикреплённых файлах!

Удачи и будьте здоровы!

Творчество Леонардо да Винчи (1452 – 1519)

 

Леонардо да Винчи, самый известный до сего дня гений европейской культуры, родился в 1452 году в небольшом городке Винчи недалеко от Флоренции. Он был внебрачным сыном нотариуса Пьеро да Винчи. Леонардо был принят в отцовский дом и получил хорошее образование. В возрасте 14 лет он был отдан на обучение в мастерскую Андреа Вероккио. Хотя сам Вероккио был скульптором, мастерская выполняла самые разнообразные заказы. Рука юного Леонардо впервые видна в композиции «Крещение».

 

«Крещение Христа» (итал. Battesimo di Cristo) — картина, написанная Андреа Вероккьо совместно с его учеником Леонардо да Винчи. Она была закончена приблизительно к 1475 году. На данный момент находится в галерее Уффици во Флоренции. Картина была заказана бенедиктинским монастырём валломброзианов Сан-Сальви, где и находилась до 1530 года. Часть картины (некоторые элементы пейзажа и светловолосый ангел слева) написаны Леонардо. Некоторые критики считают, что второго ангела написал Сандро Ботичелли. С ангелом Леонардо связана знаменитая легенда о «побеждённом учителе». Согласно ей, Вероккьо был настолько потрясён мастерством ученика, что забросил кисть.

 

Самостоятельное творчество Леонардо началось с привычных для искусства того времени образов Мадонны с младенцем-Христом. Художником были написаны Мадонна Бенуа и Мадонна Литта (названы по фамилиям владельцев картин), совершенно различные по настроению.

 

Мадонна Бенуа» или «Мадонна с цветком» (ок. 1478—1480) — ранняя картина Леонардо да Винчи, предположительно оставшаяся незавершённой. В 1914 году она была приобретена Императорским Эрмитажем у Марии Александровны, жены придворного архитектора Леонтия Николаевича Бенуа. Вполне вероятно, что картина была одной из первых работ Леонардо как самостоятельного живописца. На тот момент ему было всего 26 лет и уже шесть лет, как он покинул мастерскую своего учителя Андреа Верроккьо. У него уже был собственный стиль, но, разумеется, он в большой степени опирался на опыт флорентийцев XV века. Также не подлежит сомнению тот факт, что Леонардо знал о картине «Мадонна с младенцем», исполненной его учителем в 1466-1470 годах. Как следствие, для обеих картин общими чертами являются как трёхчетвертной поворот тел, так схожесть образов: юность обеих Мадонн и крупные головы Младенцев. Крестоцвет в руке Мадонны Да Винчи помещает Мадонну с Младенцем в полутёмной комнате, где единственным источником света является расположенное в глубине двойное окно. Его зеленоватый свет не может рассеять полумрак, но в то же самое время является достаточным, чтобы высветить фигуру Мадонны и юного Христа. Основную «работу» совершает свет, льющийся слева сверху. Благодаря ему мастеру удаётся оживить картину игрой светотени и вылепить объём двух фигур. В работе над «Мадонной Бенуа» Леонардо использовал технику масляной живописи, которую до того во Флоренции практически никто не знал. И хотя краски за пять столетий неизбежно изменились, став менее яркими, всё же отчётливо заметно, что молодой Леонардо отказался от традиционной для Флоренции пестроты красок. Вместо этого он широко использует возможности масляных красок, чтобы точнее передать фактуру материалов и нюансы светотени. Голубовато-зелёная гамма вытеснила с картины красный свет, в который обычно облачали Мадонну. В то же время для рукавов и плаща был выбран охристый цвет, гармонизирующий соотношение холодных и тёплых оттенков.

 

Мадонна Литта  (1490—1491) — картина из собрания Государственного Эрмитажа, традиционно приписываемая итальянскому художнику Леонардо да Винчи. Название картины происходит от миланского семейства Литта, в собрании которого она находилась большую часть XIX века. Мнения искусствоведов относительно авторства картины расходятся. Часть их полагает, что картина принадлежит кисти ученика Леонардо Джованни Больтраффио или Марко д’Оджоно. Эрмитаж, однако, настаивает на собственноручном авторстве Леонардо да Винчи. На картине изображена женщина, держащая на руках младенца, которого она кормит грудью. Фон картины: стена с двумя арочными окнами, свет из которых падает на зрителя и делает стену более тёмной. В окнах просматривается пейзаж в голубых тонах. Сама же фигура Мадонны словно озарена светом, идущим откуда-то спереди. Женщина смотрит на ребёнка нежно и задумчиво. Лицо Мадонны изображено в профиль, на губах нет улыбки, лишь в уголках притаился некий её образ. Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В левой руке ребёнок держит щегла. Яркая образность произведения раскрывается в мелких деталях, которые много рассказывают нам о матери и ребёнке. Мы видим ребёнка и мать в драматический момент отлучения от груди. На женщине красная сорочка с широкой горловиной. В ней сделаны специальные разрезы, через которые удобно, не снимая платье, кормить младенца грудью. Оба разреза были аккуратно зашиты (то есть было принято решение отлучить ребёнка от груди). Но правый разрез был торопливо разорван — верхние стежки и обрывок нити отчетливо виден. Мать по настоянию ребёнка изменила своё решение и отложила этот нелёгкий момент.

Молодость Леонардо проходила во Флоренции времён правления Лоренцо Медичи. Лоренцо многих художников приближал к своему двору, обеспечивал заказами, создавал благоприятную обстановку для развития таланта. Однако на Леонардо его покровительство не распространялось. Леонардо не получал от Медичи никакого, даже самого небольшого заказа. Почему? Возможно потому, что художника сопровождала слава мастера, склонного бросить работы незаконченными. А может быть, Лоренцо почувствовал в Леонардо соперника, который мог затмить его самого.

 

Одним из крупных заказов, который получил Леонардо да Винчи, была композиция «Поклонение волхвов» для одного из флорентийских монастырей.

 

«Поклонение волхвов» (итал. Adorazione dei Magi) — неоконченная картина кисти великого итальянского художника Леонардо да Винчи, хранящаяся в галерее Уффици. Заказанная монахами-августинцами из монастыря Сан Донато в Скопето в 1481 году, она так и осталась незавершенной, поскольку через год художник отбыл в Милан, и заказчики, озабоченные тем, что его отсутствие затягивается, обратились к Филиппино Липпи, чьё «Поклонение волхвов» также находится в музее Уффици. Композиция «Поклонения волхвов» Леонардо необычна и, по всей видимости, почти не имеет аналогов в итальянской живописи. На заднем плане виднеются развалины какого-то дворца (по некоторым версиям — языческого храма), всадники на конях, едва намеченные скалы вдалеке; в центре картины изображена Мария с новорождённым Иисусом, окружённая пришедшими поклониться Сыну Божию паломниками. Свободное место на переднем плане «предназначается» зрителю. Молодой человек справа, предположительно — сам Леонардо в возрасте 29 лет.

 

Леонардо с энтузиазмом работал над картиной и ставил перед собой невиданные задачи. Главных персонажей – Деву Марию с младенцем и волхвов – он задумал как единое пластическое целое и вписал фигуры в форму пирамиды, а затем окружил тёмной аркой второстепенных фигур. Объединить фигуры в единое целое удобнее всего было при помощи светотени или, по-итальянски, кьяроскуро. Удачно выстроив композицию при помощи светотеневой моделировки, Леонардо почувствовал свою задачу выполненной и утратил интерес к работе. Работа осталась незаконченной. Та же участь постигла чуть позже «Кающегося Иеронима».

 

 

Святой Иероним. 1480-82. Дерево, масло. 103х75 см

Ватиканская пинакотека, Ватикан

 

Почувствовав, что во Флоренции у него нет будущего, Леонардо покинул её и перебрался в Милан, ко двору герцога Лодовико Сфорца, где стал придворным инженером, архитектором и художником. Герцог Сфорца постоянно вёл войны, и Леонардо изобретал для него новые виды оружия, осадных орудий и защитных сооружений.

Леонардо да Винчи никогда не был художником-ремесленником. Он был учёным, естествоиспытателем, анатомом, физиономистом. Не было такой области в изучении природы, которая бы его не интересовала. Особенно много размышлял он о различных стихиях – воздуха, воды, огня, об их движениях и соприкосновениях. Он полагал, что воздух есть океан частиц, в который погружены все предметы. Он решил этот океан изобразить. Так появилась знаменитая сфумато – воздушная дымка в его картинах. Согласно принципу сфумато, воздух смягчает контуры предметов, и чем дальше находится предмет, тем больше он «размыт».

 

В Милане Леонардо написал картину «Мадонна в гроте».

 

Композиция и стиль На картине изображена стоящая на коленях Дева Мария, покровительственно кладущая руку на голову Иоанна Крестителя. Справа ангел придерживает младенца Иисуса, который поднял руку в жесте благословения. Вся сцена исполнена нежности и покоя, что очень контрастирует с пейзажным фоном, состоящим из отвесных скал. Этот фон и дал название всей картине «Мадонна в скалах». Композиция произведения построена в виде пирамиды. Леонардо передаёт глубину пространства не только с помощью геометрии, но и посредством разработанного им приёма сфумато, когда очертания предметов смягчаются для акцентирования их обволакивающей воздушной дымки.

 

Ещё один заказ Леонардо получил от монахов миланского монастыря Санта-Мария делла Грацие – написать композицию «Тайная вечеря» на стене монастырской трапезной.

 

Санта-Мария-делле-Грацие

Общие сведения   Размеры изображения — примерно 460×880 см, оно находится в трапезной монастыря, на задней стене. Тема является традиционной для такого рода помещений. Противоположная стена трапезной покрыта фреской другого мастера; к ней приложил свою руку и Леонардо. Роспись была заказана Леонардо его патроном, герцогом Лодовико Сфорца и его супругой Беатриче д’Эсте. Гербом Сфорца расписаны люнеты над росписью, образованные потолком с тремя арками. Роспись была начата в 1495 году и завершена в 1498 году; работа шла с перерывами. Дата начала работы не является точной, поскольку «архивы монастыря были уничтожены, и ничтожная часть документов, которыми мы располагаем, датируется 1497 годом, когда роспись была почти закончена». Известно о существовании трёх ранних копий росписи, предположительно авторства помощника Леонардо. Роспись стала вехой в истории Ренессанса: правильно воспроизведённая глубина перспективы изменила направление развития живописи Запада. Техника Леонардо писал «Тайную вечерю» на сухой стене, а не на влажной штукатурке, поэтому роспись не является фреской в истинном значении слова. Фреску нельзя изменять во время работы, и Леонардо решил покрыть каменную стену слоем смолы, гипса и мастики, а затем писать по этому слою темперой. Однако монастырь расположен в низменной, сырой местности, каждую весну его окрестности заливала вода. Благодаря слою мастики сцепление красочного слоя со штукатуркой оказалось непрочным, и под воздействием влаги фреска начала разрушаться уже через несколько лет после окончания работ. Её пытались восстановить, отреставрировать, но в то время реставрацию понимали просто как переписывание заново. И только в XX веке все позднейшие красочные слои были сняты, а то, что принадлежало самому Леонардо, максимально собрано и укреплено на стене. Изображённые фигуры Апостолы изображены группами по три человека, расположенными вокруг сидящей в центре фигуры Христа. Группы апостолов, слева направо (согласно тому, как сидят): · Варфоломей, Иаков Алфеев и Андрей; · Иуда Искариот (в одежде зелёного и голубого цветов), Петр и Иоанн; · Иаков Зеведеев, Фома и Филипп · Матфей, Иуда Фаддей и Симон. Анализ картины Считается, что на работе изображён момент, когда Иисус произносит слова о том, что один из апостолов предаст его («и когда они ели, сказал: истинно говорю вам, что один из вас предаст Меня»), и реакция каждого из них. Как и на других изображениях тайной вечери того времени, Леонардо располагает сидящих за столом на одной его стороне, чтобы зритель видел их лица. Большинство предыдущих произведений на эту тему исключали Иуду, помещая его одного за часть стола, противоположную той, за которой сидели остальные одиннадцать апостолов и Иисус, или изображая с нимбом всех апостолов, кроме Иуды. Иуда сжимает в руке небольшой мешочек, возможно, обозначающий серебро, полученное им за предательство Иисуса, или являющийся намёком на его роль среди двенадцати апостолов в качестве казначея. Он единственный поставил локоть на стол. Нож в руке Петра, указывающий в сторону от Христа, возможно, отсылает зрителя к сцене в Гефсиманском саду во время задержания Христа. Жест Иисуса может интерпретироваться двояко. Согласно Библии, Иисус предсказывает, что его предатель протянет руку к еде одновременно с ним. Иуда тянется к блюду, не замечая, что Иисус тоже протягивает к нему правую руку. В то же время Иисус указывает на хлеб и вино, что символизирует безгрешное тело и пролитую кровь соответственно. Фигура Иисуса расположена и освещена так, что внимание зрителя обращено, прежде всего, на него. Голова Иисуса находится в исчезающей точке для всех линий перспективы. Роспись содержит неоднократные отсылки к числу три: · апостолы сидят группами по три человека; · позади Иисуса — три окна; · контуры фигуры Христа напоминают треугольник. Свет, освещающий всю сцену, исходит не из нарисованных сзади окон, а идёт слева, как и настоящий свет из окна на левой стене. Во многих местах картины проходит золотое сечение; например, там, где Иисус и находящийся справа от него Иоанн положили руки, полотно разделяется в этом соотношении.

 

В Милане Леонардо прожил 19 лет. После этого он служил ещё нескольким государям и городским властям и получал заказы в разных городах. Одним из них была композиция «Битва при Ангиари».

 

Копия работы Рубенса Леонардо да Винчи Битва при Ангиари. 1503—1506 Battaglia di Anghiari чёрный мел, чернила, водяные краски на бумаге. 45,2 × 63,7 см Лувр, Париж

 

Фреска предназначалась для украшения одной из стен зала Большого совета (Салона пятисот) дворца Синьории во Флоренции.

Сохранились копии с картона для этой фрески. Один из лучших рисунков — авторства Рубенса — находится в собрании Лувра.

История создания

Фреска была заказана Леонардо да Винчи гонфалоньером Содерини в честь восстановления Флорентийской республики после изгнания Пьеро Медичи.

Одновременно с Леонардо противоположную стену зала Содерини поручил расписать Микеланджело.

Для батальной сцены да Винчи выбрал сражение при Ангьяри, произошедшее 29 июня 1440 года между флорентийцами и миланскими войсками под командованием кондотьера Никколо Пиччинино. Несмотря на численное превосходство, миланцы были разгромлены небольшим отрядом Итальянской лиги, возглавлявшейся Флорентийской республикой.

По замыслу художника, фреска должна была стать самой масштабной его работой. По размерам (6,6 на 17,4 метра) она в три раза превышала «Тайную вечерю». Леонардо тщательно подготовился к созданию росписи, изучил описание битвы и изложил свой замысел в записке, представленной Синьории. Для работы над картоном, происходившей в Папском зале при церкви Санта-Мария-Новелла, Леонардо сконструировал особые леса, которые складывались и раскладывались, поднимая и опуская художника на требуемую высоту. Центральную часть фрески занимал один из ключевых моментов битвы — сражение группы всадников за знамя.

По словам Вазари подготовительный рисунок был признан вещью выдающейся и выполненной с большим мастерством из-за удивительнейших наблюдений, применённых им в изображении этой свалки, ибо в этом изображении люди проявляют такую же ярость, ненависть и мстительность, как и лошади, из которых две переплелись передними ногами и сражаются зубами с не меньшим ожесточением, чем их всадники, борющиеся за знамя…

Эскиз к «Битве при Ангиари»

По воле Синьории два великих мастера того времени работали над украшением зала. Это был единственный раз, когда Леонардо и Микеланджело встретились в одном проекте. Каждый блеснул сильной стороной своего дарования. В отличие от да Винчи Микеланджело выбрал более «приземлённый» сюжет. Его роспись «Битва при Кашине» должна была показать флорентийских воинов в тот момент, когда во время купания они подверглись внезапному нападению противника. Оба картона в течение нескольких месяцев были представлены на обозрение публики. Позднее Бенвенуто Челлини, видевший картоны, когда они ещё были целы, назвал работы Леонардо и Микеланджело «школой для всего света».
По мнению многих исследователей несмотря на то, что работы по украшению Палаццо Веккьо так и не были осуществлены (Микеланджело даже не приступал к росписи), два гения совершили переворот в развитии западноевропейской живописи, приведший к развитию новых стилей — классицизма и барокко. Одна из первых копий (набросок чернилами) с оригинального картона да Винчи принадлежит Рафаэлю и хранится в Оксфорде, в Университетской галерее. В Уффици имеется незаконченная копия, возможно принадлежащая художнику-любителю. По предположению Миланези она могла быть использована Лоренцо Заччиа да Лука при создании гравюры в 1558 году с надписью: «ех tabella propria Leonard! Vincii manu picta opus sumptum a Laurentio Zaccia Lucensi ob eodemque nunc excussum, 1558 ^]. Предполагается что именно с гравюры Заччиа около 1605 года сделал свой рисунок Рубенс.

Леонардо продолжал начатые при создании «Тайной вечери» эксперименты с составами краски и грунтом. Существуют различные предположения о причинах разрушения фрески, начавшегося уже в процессе работы. По словам Вазари Леонардо писал по стене масляными красками, и роспись стала отсыревать уже в процессе работы. Анонимный биограф да Винчи говорит, что тот использовал рецепт смеси Плиния (живопись восковыми красками в технике энкаустики), но неверно истолковал его. Тот же аноним утверждает, что стена была просушена неравномерно: вверху она была сырая, тогда как внизу высохла под воздействием угольных жаровен. Леонардо обратился к восковым краскам, но некоторые пигменты вскоре просто испарились. Леонардо, пытаясь исправить положение, продолжил работу масляными красками. Паоло Джовио рассказывает, что штукатурка не принимала состав на основе орехового масла. Из-за технических трудностей работа над самой фреской продвигалась медленно. Возникли проблемы материального характера: Совет требовал либо предоставить готовую работу либо вернуть выплаченные деньги. Работу да Винчи прервало его приглашение в 1506 году в Милан французским наместником Шарлем д’Амбуазом. Фреска осталась незавершённой.

В 1555—1572 годах семья Медичи решила реконструировать зал. Осуществлял перестройку Вазари с помощниками. В результате произведение Леонардо было утрачено — его место заняла фреска Вазари «Битва при Марчиано».

 

Ещё одним заказом, полученным Леонардо во Флоренции, был портрет супруги богатого флорентийца Бартоломео дельи Джоконде.

 

Леонардо да Винчи Портрет госпожи Лизы дель Джокондо. 1503—1519 Ritratto di Monna Lisa del Giocondo Доска (тополь), масло. 76,8 × 53 см Лувр, Париж

 «Мо́на Ли́за», или «Джоко́нда» (итал. Mona Lisa, La Gioconda, полное название — «Портре́т госпожи́ Ли́зы дель Джоко́ндо», итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) — картина Леонардо да Винчи, одно из самых известных произведений живописи. Точная дата написания неизвестна (по некоторым сведениям, написана между 1503 и 1505 годами). Ныне хранится в Лувре. Считается, что на картине изображена Лиза Герардини, супруга флорентийского торговца шёлком Франческо дель Джокондо.

Полное название картины итал. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo — «Портрет госпожи Лизы Джокондо». По-итальянски ma donna значит «моя госпожа», в сокращённом варианте это выражение преобразовалось в monna или mona. Вторая часть имени модели, считающаяся фамилией её мужа — del Giocondo, по-итальянски также имеет прямое значение и переводится как «весёлый, играющий» и соответственно la Gioconda — «весёлая, играющая».

Впервые название «La Joconda» упоминается в 1525 году в списке наследства художника Салаи, наследника и ученика да Винчи, который оставил картину своим сёстрам в Милане. Надпись описывает её как портрет дамы по имени Ла Джоконда.

История создания картины

Ещё первые итальянские биографы Леонардо да Винчи писали о месте, которое занимала эта картина в творчестве художника. От работы над «Моной Лизой» Леонардо не уклонялся — как это было со многими другими заказами, а, наоборот, отдавался ей с какой-то страстью. Ей было посвящено всё время, остававшееся у него от работы над «Битвой при Ангиари». Он потратил на него значительное время и, покидая Италию в зрелом возрасте, увёз с собой во Францию в числе некоторых других избранных картин. Да Винчи испытывал особенную привязанность к этому портрету, а также много размышлял во время процесса его создания, в «Трактате о живописи» и в тех заметках о технике живописи, которые не вошли в него, можно найти множество указаний, с несомненностью относящихся к «Джоконде».

Сообщение Вазари

«Студия Леонардо да Винчи»: Джоконду развлекают музыканты

В 1550 году, 31 год спустя после смерти Леонардо да Винчи, Джорджо Вазари (1511—1574), автор биографий итальянских художников, писал, что Мона была женой флорентийца по имени Франческо дель Джокондо. Леонардо, потратив на её портрет 4 года, всё же оставил его неоконченным.

«Взялся Леонардо выполнить для Франческо дель Джокондо портрет моны Лизы, жены его, и, потрудившись над ним четыре года, оставил его недовершенным. Это произведение находится ныне у французского короля в Фонтенбло.
Это изображение всякому, кто хотел бы видеть, до какой степени искусство может подражать природе, даёт возможность постичь это наилегчайшим образом, ибо в нём воспроизведены все мельчайшие подробности, какие только может передать тонкость живописи. Поэтому глаза имеют тот блеск и ту влажность, какие обычно видны у живого человека, а вокруг них переданы все те красноватые отсветы и волоски, которые поддаются изображению лишь при величайшей тонкости мастерства. Ресницы, сделанные наподобие того как действительно растут на теле волосы, где гуще, а где реже, и расположенные соответственно порам кожи, не могли бы быть изображены с большей естественностью. Нос со своими прелестными отверстиями, розоватыми и нежными, кажется живым. Рот, слегка приоткрытый, с краями, соединёнными алостью губ, с телесностью своего вида, кажется не красками, а настоящей плотью. В углублении шеи при внимательном взгляде можно видеть биение пульса. И поистине можно сказать, что это произведение было написано так, что повергает в смятение и страх любого самонадеянного художника, кто бы он ни был.
Между прочим, Леонардо прибег к следующему приёму: так как мона Лиза была очень красива, то во время писания портрета он держал людей, которые играли на лире или пели, и тут постоянно были шуты, поддерживавшие в ней веселость и удалявшие меланхолию, которую обычно сообщает живопись выполняемым портретам. У Леонардо же в этом произведении улыбка дана столь приятной, что кажется, будто бы созерцаешь скорее божественное, нежели человеческое существо; самый же портрет почитается произведением необычайным, ибо и сама жизнь не могла бы быть иной».

На картине прямоугольного формата изображена женщина в тёмной одежде, обернувшаяся вполоборота. Она сидит в кресле, сложив руки вместе, оперев одну руку на его подлокотник, а другую положив сверху, повернувшись в кресле почти лицом к зрителю. Разделённые пробором, гладко и плоско лежащие волосы, видные сквозь накинутую на них прозрачную вуаль (по некоторым предположениям — атрибут вдовства), падают на плечи двумя негустыми, слегка волнистыми прядями. Зелёное платье в тонких сборках, с жёлтыми рукавами в складках, вырезано на белой невысокой груди. Голова слегка повёрнута.

Искусствовед Борис Виппер, описывая картину, указывает, что в лице Моны Лизы заметны следы моды кватроченто: у неё выбриты брови и волосы на верхушке лба.

Нижний край картины обрезает вторую половину её тела, таким образом, портрет является практически поясным. Кресло, в котором сидит модель, стоит на балконе либо на лоджии, линия парапета которой видна позади её локтей. Как считается, раньше картина могла быть шире и вмещать две боковые колонны лоджии, от которых в данный момент остались две базы колонн, чьи фрагменты видны по краям парапета.

Лоджия выходит на пустынную дикую местность с извилистыми потоками и озером, окружённым снежными горами, которая простирается к высоко поднятой линии горизонта позади фигуры. «Мона Лиза представлена сидящей в кресле на фоне пейзажа, и уже само сопоставление её сильно приближённой к зрителю фигуры с видимым издалека, как бы огромной горы, ландшафтом сообщает образу необыкновенное величие. Этому же впечатлению содействует контраст повышенной пластической осязательности фигуры и её плавного, обобщённого силуэта с уходящим в туманную даль, похожим на видение пейзажем с причудливыми скалами и вьющимися среди них водными протоками»].

Современное состояние

Макросъёмка позволяет увидеть большое количество кракелюр (трещин) на поверхности картины

«Мона Лиза» очень потемнела, что считается результатом свойственного её автору тяготения к экспериментам с красками, из-за которого фреска «Тайная вечеря» вообще практически погибла. Современники художника, тем не менее, успели выразить свои восторги не только по поводу композиции, рисунка и игры светотени — но и относительно колорита произведения. Предполагается, например, что изначально рукава её платья могли быть красными — как это видно из копии картины из Прадо.

Современное состояние картины достаточно плохое, из-за чего сотрудники Лувра объявили, что больше не будут отдавать её на выставки: «На картине образовались трещины, а одна из них останавливается в считанных миллиметрах над головой Моны Лизы».

Улыбка Джоконды

Улыбка Моны Лизы является одной из самых знаменитых загадок картины. Эта лёгкая блуждающая улыбка встречается во многих произведениях как самого мастера, так и у леонардесков, но именно в «Моне Лизе» она достигла своего совершенства.

На знаменитом автопортрете Леонардо да Винчи изобразил себя глубоким старцем, с чертами мудреца и страдальца. И хотя художнику в тот момент было всего шестьдесят с небольшим, груз мудрости, знаний и одиночества так изменили его облик.

Леонардо да Винчи

Автопортрет. после 1512 Autoritratto

Бумага, сангина. 33,3 × 21,6 см

Королевская библиотека, Турин

Леонардо оставил огромную коллекцию рисунков. Немногие мастера могут сравниться с ним в умении создавать эффект объёма простым утолщением линии. Художник использовал все известные в его дни технические приёмы графики и изобретал новые. Он делал рисунки сангиной, серебряным штифтом, но любимым его материалом были перо и чернила, которые позволяли от рисования прямо переходить к написанию комментариев. Все свои научные записи Леонардо сопровождал иллюстрациями.

 

Последние годы жизни Леонардо да Винчи прошли за пределами Италии, во Франции, при дворе молодого французского короля Франциска I. Клороль относился к мастеру с большим уважением и преклонением, предложил ему звание придворного художника и щедрое денежное вознаграждение. Леонардо был волен заниматься тем, что нравилось ему самому. В эти годы художник в нём отступил перед учёным и исследователем. Он занимался геометрией, математикой, перспективой, системой пропорций, анатомией, физикой. Во Франции, при дворе Франциска I, Леонардо и умер.

 

Вопросы и задания:

1. Рассмотри ранние работы Леонардо да Винчи. Почему он вынужден был уехать из Флоренции?

2. Что такое кьяроскуро и с фумато?

3. Как выстроил Леонардо композицию «Тайной вечери» в трапезной монастыря Санта-Мария делла Грацие? Почему она так плохо сохранилась?

4. Какое природное явление Леонардо взял за основу композиции «Битвы при Ангиари»?

5. Почему «Джоконда» считается самой известной картиной в мире?

6. Как ты думаешь, почему в старости Леонардо да Винчи почти не занимался живописью?