Вторая четверть музыка серьезная и музыка легкая

Школьники, вероятно, много раз слышали и сами употребляли слова «серьезная музыка» и «легкая музыка». Однако вряд ли многие из них смогут достаточно убедительно объяснить смысл и значение этих слов и обосновать свое применение их к той или иной музыке. Ставить это в вину учащимся ни в коем случае не следует. Вопрос действительно не простой и нередко вызывает споры даже в кругах опытных музыкантов. Можно ли удивляться, если подобные споры будут возникать в классе. Учитель должен поощрять такие споры и, тактично направляя их, вести учащихся к пониманию того, что истинная музыкальная культура, овладение которой является целью музыкальных занятий в школе, опирается на большое, великое искусство.

Вопрос о легкой музыке и ее соотношении с музыкой серьезной — острый вопрос, особенно в молодежной среде. Популярная музыка играет не только положительную, но и отрицательную роль, так как наряду с лучшими образцами легкой музыки звучит немало музыки низкопробной, рассчитанной на невзыскательных слушателей с еще недостаточно развитыми нравственными критериями и эстетическими вкусами.

Сложности, таящиеся в вопросе о легкой и серьезной музыке, состоят в следующем. Во-первых, между этими двумя сферами музыки нет четкой границы (хотя существенный признак легкой музыки определить нетрудно — развлекательность); во-вторых, очень большую, часто решающую роль здесь играют разнообразные обработки (от народных песен до музыки великих классиков) и манера их исполнения, при которой от подлинников часто не остается и следа. Это сбивает с толку неопытных слушателей.

Необходимо, чтобы учащиеся поняли различие между двумя значениями термина «легкая музыка»: музыка, легкая для восприятия, и музыка, легкая по содержанию. Это усвоить очень важно, так как многочисленные в высшей степени серьезные и глубокие по содержанию музыкальные произведения вполне доступны, легки для восприятия.

Если на уроке возникнет ситуация, при которой учитель должен будет сделать замечание по поводу того или иного плохого эстрадного сочинения или его исполнения (к сожалению, сейчас это явление не редкое) и тем более «поднять голос» против одностороннего увлечения эстрадно-развлекательной музыкой, он должен сделать это как можно тактичнее, чтобы не вызвать у ребят мысли, что у них хотят отнять легкую музыку. Наоборот, они должны понять и почувствовать, что не обеднить их хотят, а, напротив, обогатить! Обогатить любовью и пониманием великого, серьезного искусства и одновременно умением отличать хорошую легкую музыку от плохой легкой музыки.

Естественно, что вопрос об отношении к серьезной и легкой музыке на уроках музыки в общеобразовательной школе можем быть лишь намечен. Уроки музыки в этой четверти, в опоре на все предшествующие занятия, должны дать учащимся принципиальную установку: с каких позиций подходить к пестрому и невероятно сложному музыкальному миру современности? Если ребята хотя бы задумаются над этим вопросом и смогут взглянуть на проблему поп-музыки, не поддаваясь пассивно ее влиянию, а оценивая ее с духовных, человеческих, социальных позиций, если они поймут необходимость критического подхода к лавине отечественной и зарубежной музыки, захлестнувшей эстраду, если они смогут в суждениях о легкой музыке опираться на запас знании и интонационно-слуховой опыт, накопленный в школе и вне ее, — это будет важным результатом занятий во второй четверти.

В связи с темой этой четверти учащиеся на новом уровне обратятся к песенной и танцевальной музыке, рассмотрят, как один и тот же жанр может лежать в основе и легкой, и серьезной музыки. Это хорошо видно на примерах таких танцевальных жанров, как полька и вальс (польки Штрауса и Рахманинова, «Вальс-фантазия» Глинки и «Вальс о вальсе» Колмановского).

Перед ребятами надо поставить задачу разобраться в двух польках — уже известной им «Польке-пиццикато» И. Штрауса и незнакомой еще «Польке» С. Рахманинова. Можно напомнить ребятам о слышанных ранее вальсе из оперетты И. Штрауса «Летучая мышь» и отдельных частях из фортепианных концертов С. Рахманинова. Это напоминание, вероятно, поможет им прийти к выводу, что полька Штрауса относится к сфере легкой музыки, хотя и исполняется симфоническим оркестром, что не слишком характерно для легкой музыки, а полька Рахманинова, хоть и использованы в ней отдельные композиционные приемы и даже некоторые интонации, типичные для легкой музыки, по тонкости, изяществу и богатству ее развития стоит ближе к серьезной (вот уже первый повод для дискуссии в классе).

«Вальс о вальсе» Э. Колмановского — это нежное признание в любви к вечно юному, всеми любимому танцу. В самом деле, за два столетия, прошедшие с тех пор, как родился вальс, появлялись и умирали многие модные танцы, а вальс продолжал жить, живет и в наши дни, хотя, конечно, облик его менялся и обогащался, особенно в связи с возникновением и развитием национальных музыкальных культур: русский вальс, немецкий вальс, французский вальс, скандинавский вальс — все это разные варианты одного и того же чудесного танца, символа юности, любви, жизни.

При разучивании большое внимание должно быть уделено выработке ясного (но не преувеличенного) различия между двумя указанными темпами (умеренно — оживленно) и связанными с ними динамическими нюансами (пиано — форте). Главное же, чтобы в исполнении ощущались нежность и увлеченность вальсом.

«Вальс-фантазия» М. Глинки — одно из лучших произведений русской музыкальной классики. Музыка этого вальса проникнута национальным характером. Это небывалая до того времени в вальсовой музыке драматическая поэма. Мы слышим здесь не просто вальс, а целую лирическую драму, разворачивающуюся на фоне вальса. Вот на что надо обратить внимание учащихся: слушая эту музыку, они, конечно, почувствуют, что основная мелодия вальса звучит очень взволнованно и очень необычно. Откуда эта взволнованность и необычность? Дело в том, что танцевальная музыка строится обычно из фраз по 2 - 4 - 8 тактов. Это естественно, ведь танцевать под музыку, построенную по 3 - 5 - 7 тактов, очень неудобно — нарушается ощущение естественности, уравновешенности движения. А главная мелодия «Вальса-фантазии» Глинки построена именно из фраз по три такта! И создается впечатление, словно кто-то очень взволнованно хочет рассказать о чем-то, но у него не хватает дыхания... Он слишком взволнован... Он не договаривает слов... Фраза «наступает» на фразу...

Если бы эта мелодия была написана обычными четырехтактными фразами, сразу же исчезла бы вся взволнованность, возбужденность, необычность. Мелодия стала бы какой-то тусклой, будничной, прозаичной...

В «Вальсе-фантазии» все время чередуются главная мелодия, передающая растревоженность взволнованных участников разворачивающейся драмы, и другие вальсовые мелодии, построенные уже привычными четырехтактными фразами, — словно звучание обыкновенного бального вальса, на фоне которого разыгрываются эти драматические события.

Ребята познакомятся с довольно необычным сочинением, в котором связано в единое целое искусство трех народов: французский композитор Дариус Мийо на основе бразильской народной музыки создал остротанцевальное, разнообразное по настроению произведение «Бразилейра», которое исполняет оркестр русских народных инструментов.

Любопытно, как интонации южноамериканского народа сочетаются с изяществом французской музыки и какие огромные возможности содержит оркестр русских народных инструментов, способный великолепно передать красочность и остроту этого бразильско-французского произведения.

Так на примере нескольких разнохарактерных произведении танцевального жанра учащиеся убедятся в том, что танцы могут относиться и к легкой, и к серьезной музыке, что в зависимости от замысла композитора в танцевальных интонациях могут быть воплощены разные оттенки человеческих чувств, что на основе интонаций бытовых танцевальных жанров могут рождаться развернутые музыкальные сочинения, насыщенные симфоническим дыханием и выходящие по своему жизненному назначению далеко за пределы бытовой развлекательной музыки.

Песня, наиболее доступный и «подвижный» жанр, сопровождает человека в самых разных жизненных ситуациях.

Чтобы лучше разобраться в разнообразных течениях современного песенного искусства, в программу включены образцы песенной эстрады, как отечественной, так и зарубежной.

Знакомство с французской эстрадной музыкой можно начать с того, что ребята вспомнят «Вальс» Жака Бреля. Затем они услышат песни (к примеру, «Нет, ни о чем я не жалею» Дюмона) в исполнении знаменитой Эдит Пиаф, которая прославила на весь мир искусство французских шансонье. Она помогла начать свой путь к успеху многим исполнителям — Иву Монтану, Шарлю Азнавуру и др.

Современники Э. Пиаф писали, что певица стала историей своих песен, и наоборот — песни стали историей ее жизни. Никто не мог и не хотел отделять сценический образ Пиаф от реальной женщины. Ее песни оказались «символом одиночества и печали». Она была героиней, испытавшей отчаяние, бесстрашие, безрассудную, бескорыстную, но непременно отвергнутую и потому горькую любовь.

Лирическую песню «История любви» и иронически-оживленную «Чао, бамбино» споет Мирей Матье, исполнительская манера которой также сложилась под влиянием Э. Пиаф.

Необходимо задуматься над вопросом, почему искусство шансонье во Франции по-прежнему популярно, несмотря на нахлынувшую волну рок-музыки. Здесь, по всей вероятности, сказалась давняя национальная традиция, интерес слушателей к содержанию песен, их мелодическое богатство как основное средство выразительности французских шансонье.

Так ребята познакомятся с направлением эстрадной песни, которое, несомненно, относится к легкой, развлекательной музыке и в то же время содержит в себе глубину и содержательность образов, характерных для серьезной музыки.

Дальнейшее развитие темы поможет учителю выявить отношение ребят к проблеме поп-музыки, к некоторым современным вокально-инструментальным ансамблям, рок-группам, которые получили широчайшее распространение во всех концах мира. Рост количества таких ансамблей, к сожалению, сопровождается падением качества их исполнительского искусства и репертуара. Причина этого явления в том, что рост интереса к музыке у молодежи не подкрепляется ростом профессиональной музыкальной подготовки ни сочинителей, ни исполнителей, ни слушателей. Получается заколдованный круг: не предъявляя высоких требований к исполнителям и сочинителям (поэтам и композиторам), слушатели поощряют их невысокий уровень, а те, в свою очередь, не стремясь к совершенствованию, снижают уровень музыкальных вкусов своих слушателей. В результате и те и другие оказываются в сетях модной массовой культуры.

На уроках в классе прозвучат несколько произведений в исполнении зарубежных и отечественных групп, например: «Битлз», «Арсенал», «Машина времени», «Аквариум», «Браво» и др. Это будут примеры, которые помогут ребятам в легкой, развлекательной музыке почувствовать и понять, что в ней «хорошо», а что «плохо», что — лань скоропреходящей моде, а что отвечает требованиям высокого вкуса. Теперь, прослушав за годы школьных занятий много первоклассной музыки и поразмышляв над ней, ребята легче (хотя, конечно, не всегда легко) смогут дать ответы на эти непростые вопросы.

На уроке можно послушать несколько песен («Вчера», «Потому, что...» и др.) в исполнении ансамбля «Битлз» — своеобразного родоначальника современных вокально-инструментальных ансамблей и рок-групп. В ансамбль «Битлз» входили четверо юношей из Ливерпуля: Дж. Харрисон, Р. Стар, Дж. Леннон и П. Маккартни. Триумфальные гастроли квартета в США назвали «британским вторжением». «Битлз» впервые обратил внимание молодых американцев на огромные музыкальные богатства их страны, которые они использовали в своих песнях, — элементы блюза, форму старинных английских баллад. Музыканты изучили принципы индийской классической музыки и ввели в свой инструментарий своеобразный по тембру и очень сложный для исполнителей индийский инструмент — ситар.

Интересно будет узнать, что ребята сами могут рассказать об этом ансамбле и какие его песни знают.

В лирической песне «Потому, что...» передается чувство единения с природой, близкое каждому человеку. «Потому, что земля круглая, потому, что мир молод — сердце наполняется радостью. Потому, что небо надо мной наполняет душу светом, который несет с собой любовь. Потому, что небо голубое, оно делает меня добрей», — поется в этой песне. Ее отличает задушевность лирического высказывания, выразительность распевной мелодии, внутреннее благородство.

Однако ошибается тот, кто думает, что все произведения «Битлз» одинаково хороши.

Поп-музыка может выражать разное содержание и служить разным социальным силам: крайними полюсами здесь выступают коммерческая поп-музыка, разжигающая животные инстинкты аудитории, и политические песни борьбы и протеста из репертуара Джоан Баэз, Пита Сигера, Дина Рида и др. В способности этой музыки сплачивать людей, властно заражать их эмоциями таится большая взрывная сила (ее можно почувствовать, слушая, например, запись песни Сигера из Карнеги-холла).

Эта сила воздействия достигается разными средствами: и броскостью внешнего оформления, и гипнотическим воздействием остинатного ритма, и небывалой громкостью, создающей своеобразную «звуковую завесу», которая отгораживает молодежную аудиторию от внешнего мира и сплачивает всех присутствующих в единую массу.

Желательно затронуть с ребятами вопросы, которые могут стать темой для обсуждения, дискуссий, самостоятельных письменных работ. Например, проблема «фононаркомании»: как ребята понимают это явление? Могут ли привести примеры из жизни, когда музыка используется не в ее подлинном духовном назначении, а как возбуждающее средство, оказывающее едва ли не физиологическое воздействие на слушателей? Какое средство выразительности играет в этом случае определяющую роль — мелодия или ритм? Первое больше связано с чувством, мыслью, интонацией человеческой речи. Ритмическая же остинатность еще с древнейших времен использовалась для эмоционального воздействия в разного рода ритуалах. Можно сравнить «злую» автоматичность ритмической поступи в маршевых темах из Симфоний № 7 и № 5 Д. Шостаковича с аналогичным, властно подчиняющим себе ритмом произведений современной танцевальной музыки.

Нельзя отнести к легкой музыке и так называемую авторскую песню, характерную для направления самодеятельного творчества молодежи и студентов, которое получило свое развитие в начало 60-х годов XX века и первоначально было связано с туристическими походами и студенческими агитбригадами. Постепенно в этой сфере появились свои художественные находки, такие, как песни Б. Окуджавы, Н. Матвеевой, С. Никитина, Ю. Михайлова и др.

Ребята могут вспомнить уже знакомые примеры авторской песни, например, популярные песни Сергея Никитина: «Резиновый ежик», «Когда мы были молодые» (на слова Ю. Мориц), «Диалог у новогодней елки» (на слова Ю. Левитанского), «Александра» (на слова Ю. Визбора), «Переведи меня через майдан» (на слова В. Коротича в переводе Ю. Мориц), «Бричмума» (на слова Д. Сухарева) и др. Можно напомнить, что фильм Э. Рязанова «Ирония судьбы, или С легким паром» (1975) своей популярностью во многом обязан проникновенному исполнению С. Никитиным песен М. Таривердиева. Помимо этого, С. Никитин написал музыку ко многим художественным и мультипликационным фильмам, театральным постановкам. Наиболее известные из них: «Большой секрет для маленькой компании» (1979), «Москва слезам не верит» (1980), «Я хочу сниматься в кино» (1989), «А чой-то ты во фраке?» (1991).

Сильное влияние на творчество многих авторов-исполнителей, в том числе на российского эстрадного певца и исполнителя собственных песен Александра Розенбаума, оказал Владимир Высоцкий. А. Розенбаум стремится выйти за круг чистой развлекательности, затронуть серьезные, болезненные для общества, порой трагические темы. Особое место в его творчестве занимает военная тема. Песни из «Афганского цикла» снискали Розенбауму широкую и прочную популярность. Его творчество очень разнообразно: от фолк-оперы и рок-н-ролла до лирических песен и песен о родном Петербурге.

Что же отличает авторскую песню от множества эстрадных шлягеров? Это прежде всего отсутствие внешней «красивости», внимание к стихотворному тексту, простая и задушевная интонация.

Можно предложить учащимся послушать обработку белорусской народной песни «Перепеленка» в исполнении вокально-инструментального ансамбля «Песняры». В связи с этой песней необходимо поставить перед ребятами вопрос о том, что значит обработка песни и как к различным обработкам следует относиться. Всякая обработка народной песни — это встреча народной музыки с ее композиторским пониманием и изложением. Кажется, нет и не было на свете композитора, который не сделал бы в своей жизни ни одной обработки народной песни. В массе этих обработок можно услышать два типа. Первый — обработка настолько скромна, что ее можно уподобить простенькой рамочке, в которую песня вставлена в нетронутом виде, как вставляются в простенькие рамочки незатейливые народные рисунки, орнаменты и т. п. Второй тип обработки сложнее: тут композитор уже как бы сочиняет свою собственную музыку, взяв за ее основу подлинную народную мелодию. Естественно, что результат зависит здесь не только от красоты и содержательности этой мелодии, но и от таланта, мастерства и бережности, с которой композитор подходит к народной музыке. Стоит ли говорить, что если композитор не проявляет этих качеств, то даже самые прекрасные произведения народного творчества могут оказаться изуродованными до неузнаваемости.

Если обратиться к обработкам лучших композиторов любой страны, то можно увидеть, как различно подходили они к этому виду творческой работы. Помимо простых обработок, когда песня остается песней независимо от того, сохранена ли она как вокальное сочинение или изложена для какого-либо инструмента или оркестра, ребята постоянно слышали и более сложные типы обработок. Иногда это были вариации, например Моцарта — на французскую народную тему, Бетховена — на русскую, Даргомыжского — тоже на русскую, Кабалевского — на японскую народную песню. Иногда народные мелодии выступали как важнейшее интонационное зерно в симфониях: «Журавель» и «Во поле береза стояла» — в Симфониях № 2 и № 4 П. Чайковского, песни Французской революции — в Симфонии № 6 Н. Мясковского Песни очень часто проникали в оперу: «Зеленая рощица» звучит в опере С. Прокофьева «Повесть о настоящем человеке». Подобных примеров в музыке можно привести много.

В исполнении белорусского ансамбля «Песняры» прозвучит и песня «Хатынь» И. Лученка, напоминающая об одной из трагических страниц Великой Отечественной войны — о трагедии белорусской деревни Хатынь, которая вместе со всеми жителями, включая детей, была сожжена фашистами. Сейчас на месте домов стоят столбы, и на каждом — свободно подвешенный металлическим брус. От малейшего дуновения ветра раздается мягкий, словно далекий траурный звон.

Дальше беседа пойдет о джазовой музыке, корни которой уходят в народную музыку африканских негров, насильственно вывезенных в Америку и обращенных в рабство. Невероятно тяжела была их жизнь, и это глубоко отразилось на их музыке.

Джаз сложился в начале XX в. Его истоками являются спиричуэл и блюз — жанры афро-американского фольклора. Спиричуэл (в переводе с английского — духовный, возвышенный) — это духовный хоровой гимн, религиозное общинное песнопение. Блюз (в переводе с английского — меланхолия, уныние) — светская лирическая песня негров, имеющая специфическую музыкальную форму — повторенный «вопрос» и однократный «ответ», а также блюзовую интонацию, блюзовую гармонию, исполнялся в сопровождении банджо или гитары.

Естественно, что значительное число спиричуэл было своеобразными молитвами, в которых рабы жаловались на свою судьбу и молили о лучшей жизни. На уроках прозвучит одна из таких песен, она так и называется — «Молитва», которую с редкой выразительностью, благородством и одухотворенностью поет Михелия Джексон, одна из классических исполнительниц спиричуэл.

Красота, поэтичность и богатство мелодии сразу же дают представление о музыкальной одаренности негров, чья музыка впоследствии заинтересовала и оказала влияние на многих крупнейших композиторов не только в Америке.

На этом же уроке прозвучит еще один образец негритянской музыки. Это уже не только мелодия, которую поет человеческий голос, но и инструментальная музыка, исполняемая своеобразным оркестром, в составе которого большую роль играют медные духовые инструменты (прежде всего труба) и различные ударные. Музыке джаза свойственны, с одной стороны, большая свобода импровизации (здесь каждый участник джаза может проявить свою творческую фантазию и мастерство), а с другой — острота и неизменность ритма.

Учащимся предлагается послушать «Блюз Западной окраины» в исполнении джаз-оркестра под руководством талантливейшего трубача и певца Луи Армстронга. В этом произведении вначале Армстронг солирует на трубе, а затем следуют импровизации других солистов (тромбон, фортепиано, голос — поет тоже Армстронг, ударные, снова труба и т. д.). Здесь ребята услышат и своеобразие чисто негритянской джазовой манеры исполнения. Пусть они обратят внимание, как сочетается блестящее звучание трубы в самых высоких регистрах с низким, хрипловатым голосом Армстронга.

В конце урока интересно будет узнать, какие из прослушанных произведений ребята отнесли бы к сфере легкой музыки, а какие — к серьезной.

Обобщение темы четверти. На уроках этой четверти учащиеся знакомились с двумя типами (жанрами, областями) музыки — так называемой серьезной и так называемой легкой музыкой. Два основных вывода следует сделать из этих уроков. Во-первых, легкая музыка должна отвечать таким же требованиям высокого художественного вкуса, как и музыка серьезная. Во-вторых, между серьезной и легкой музыкой зачастую нет четкой разграничительной линии.