Отчет о практике

Мультимедиа Арт Музей

Московский дом фотографии / Мультимедиа Арт Музей (МДФ) — музейно-выставочный комплекс и первый российский музей, специализирующийся в области фотографии. Основан в 1996 году Ольгой Свибловой, которая является директором МДФ.

В 2003 году музей «Московский Дом фотографии», существующий с 1996 года, был преобразован в Мультимедиа Арт Музей, Москва (МАММ)

Комплекс включает в себя три структурных подразделения:

1. Музей "Московский Дом фотографии", фонды которого составляют более 80 000 единиц хранения фотографических отпечатков и негативов, охватывающих историю развития российской фотографии от 1850 гг. до наших дней

2. Школа фотографии и мультимедиа имени Александра Родченко, открывшаяся в 2006 г.

3. Мультимедиа Арт Музей, Москва, в коллекцию которого входят видеоинсталляции и произведения,

В здании разместились фондохранилища, реставрационная мастерская, публичная библиотека по фотографии и современному искусству, фотолаборатория, учебная фотостудия для детей и подростков. Площадь выставочных залов музея составляет около 2 500 кв.м. Посетив музей, нам удалось попасть на несколько выставок.

Первой из них была «Натюрморт – современная голландская фотография» Фотомузея Амстердама. Она представляет работы голландских фотографов, относящиеся к классическому жанру — натюрморту.

Натюрморт продолжает вдохновлять значительную группу современных (независимых) фотографов, хотя сама концепция жанра была значительно модернизирована и актуализирована. Вдохновленные темами цветов, плодов и суеты сует, художники создают в своих студиях новые миры, в которых лишь изредка попадаются узнаваемые предметы. Независимо от того, чем является конечное произведение — картиной, видео или инсталляцией, содержащей фотографию, — его композиция всегда уравновешивается формой, цветом и светотенью.

«Натюрморт» — это не просто особый обзор работ молодых голландских фотографов, целью выставки также является обозначение важности для Фотомузея Амстердама появления новых талантов в фотоискусстве в течение последнего десятилетия.

На протяжении последних десяти лет Фотомузей Амстердама внимательно следил за развитием голландской фотографии и пришел к выводу, что наиболее поразительные и новаторские достижения в данном виде искусства встречаются в основном в мире независимой фотографии. Несколько ведущих фотографов, обучавшихся в Нидерландах и работающих независимо, завоевали международную репутацию влиятельных художников-новаторов. Их работы оказали огромное влияние на развитие голландской фотографии и в плане формы, и в плане визуального языка. Характерной особенностью творчества этих художников является то, что вместо снимков, представляющих натуральную реальность, они делают целиком постановочные фотографии.

Фрукты, 2008. © Криста ван дер Нит А, 2009. © Ута Эйсенрейх

Выставка «Натюрморт» представляет различные формы современного натюрморта. Она также показывает путь, пройденный фотографией как самостоятельным видом искусства, и передает господствующую в независимой фотографии атмосферу. Независимо от того, представляет ли собой конечное произведение фото, видео или инсталляцию, в любом из этих случаев форма и содержание произведения целиком выстраиваются его создателем. Выставкой «Натюрморт» Фотомузея Амстердама бросает вызов молодому поколению фотографов, предлагая им создавать новые, необычные интерпретации классических тем.

Шаги, из серии «Электротехника», 2011. © Лернерт

Исторически, натюрморт претерпел множество изменений формы, вида, сюжета. Данная выставка объединяет в себе работы, которые символизируют весь путь развития натюрморта, но обличено все это не в классической живописи, а в новой форме- фотографии.

На выставке были представлены работы Мелани Бонайо, Ким Боске, Анушка Бломмерс, Нильс Шумм, Элспет Дидерикс, Флер ван Додеваард, Ута Эйзенрейх, Марникс Гооссенс, Эва-Фьоре Ковачовски, Пол Койкер, Анук Крэутхоф, Ивонн Ласет, Лернерт Энгельбертс, Куи Янг, Пегги Франк, Мик Занджик.

Следующая выставка, которую мы посмотрели, была выставка работ Ребекки Хорн. Основная тема творчества Ребекки Хорн — это поиск расширенных форм самовосприятия, размышления о границах человеческого тела, о сложном взаимоотношении одушевленного / неодушевленного и о том, как человек коммуницирует с окружающим миром. Эти темы были предметом пристального внимания постминималистского искусства по обе стороны Атлантики, и в этом отношении работы Хорн близки фильмам Брюса Наумана и перформансам Вито Аккончи.

Опыт пребывания в замкнутом пространстве нашел свое отражение в дальнейшем творчестве Хорн: характерно, что действие ее более поздних полнометражных фильмов, которые будут показаны на выставке («Партнер для танцев», «Спальня Бастера»), разворачивается именно в изолированных пространствах.

Rebecca Horn. Die Malmaschine, The Paintingmachine. 1991. Private collection. © Rebecca Horn, VG Bild Kunst. Photographer Attilio Maranzano. Courtesy of Rebecca Horn

Интересно то, что вещи являются такими же героями творчества Хорн, как и люди: одушевленное и неодушевленное сосуществует в ее работах на равных, вступая в различные взаимоотношения. Механизмы, которые она конструирует («Изломанный ландшафт», «Солнечный воздыхатель»), наделены эмоциями и одушевляются. В своих фильмах, скульптурах и инсталляциях — которые теснейшим образом между собой связаны — Хорн предлагает новое толкование концепции реди-мейда, дополняя ее анимистическими элементами и в этом отношении демонстрируя бо́льшую близость к спиритуалистическим ритуалам, чем к концептуальному искусству. Это объясняет помимо прочего, почему найденные объекты или объекты, которым придается новая функция, играют столь существенную роль в ее творчестве.

Rebecca Horn. Pencil Mask, Bleistiftmaske. 1972. Private collection Rebecca Horn. © Rebecca Horn, VG Bild Kunst. Photographer Filmstill. Courtesy of Rebecca Horn

Выставка работ Всеволода Тарасевича «Формула времени», проходившая в музее, перевела внимание на техническую науку, переданную через фотографию.

Всеволод Тарасевич. 1970-е. Серебряно-желатиновая печать. Собрание МАММ 1.Без названия. 2.Из серии «Московский университет». Университет ночью.

Образ наукоградов 50-х-70-х годов XX века: Новосибирского Академгородка, Института физики высоких энергий в Протвино, Института биологической физики РАН в Пущино, научного центра РАН в Черноголовке, а также романтическую атмосферу, царившую в них, лучше всего передавал в своих фоторепортажах именно Всеволод Тарасевич. Опыт эпохи, где знания и достижения были важнее материальных вознаграждений, и сегодня не потерял своего обаяния.

Выставочный проект «Многогранный космос», завершил наше посещение данного музея и погрузил в атмосферу космоса. Проект приурочен к проведению Международного авиационно-космического салона МАКС-2013 (27 августа — 1 сентября). Особый раздел выставки посвящен 50-летию полета в космос первой женщины-космонавта Валентины Терешковой.

1. Нина Свиридова, Дмитрий Воздвиженский. У монумента. Москва. 1970. 2. Носков. Собака-космонавт «Уголек» в контейнере. 1966.

Современный раздел, посвященный восстановлению и укреплению престижа российской космонавтики, уникальному опыту российских космонавтов и конструкторов, включает фотографии авторов — профессионалов и любителей, для которых фотосъемка космоса стала важнейшей частью их жизни. Работы Ольги Балашовой, Игоря Железняка, Владимира Родионова, Леонида Фаерберга, Вадима Савицкого и др., посвящены достижениям российской космонавтики XXI века, поражающим наше воображение сильнее научно-фантастических блокбастеров.

Московский музей дизайна ЦВЗ «Манеж»

Здание Большого Манежа было построено по приказу Александра I в течение восьми месяцев в 1817 году по случаю пятилетия победы в войне 1812 года. Постройка производилась по проекту инженера Августина Бетанкура особым штатом инженеров и архитекторов, подведомственных главному инспектору гидравлических и земляных работ в Москве генерал-майору Льву Карбонье. Здание называлось тогда «экзерциргауз» (дом для военных упражнений).

В данном музее нам получилось посетить 3 выставки. Первой из них была выставка «Мой самый важный чемодан» – продолжение серии проектов МВО «Манеж», посвященных сложной и важной теме – теме смерти. Концепция этого проекта принадлежит Фрицу Роту (1949–2012), специалисту по «педагогике траура», основателю «Частной академии траура» и владельцу похоронного бюро в немецком городе Бериш-Гладбах. В 2006 г. Фриц Рот предложил разным людям собрать чемодан в свое «последнее путешествие»: это были мужчины и женщины, молодежь и люди преклонного возраста, музыканты, писатели, учителя, домработницы, школьники, полицейские… Чемоданы оказались заполнены по-разному: некоторые остались пустыми или полупустыми, во многих можно было увидеть похожие вещи: книги, игрушки, семейные фотографии…, а где-то оказались совсем неожиданные предметы: кроссворды судоку, елочные гирлянды, пинцет и помада… Каждому из участников проекта Фриц Рот предлагал заполнить анкету с графами «о себе…», «о своем чемодане…» и приклеить свою фотографию, – эти документы были выставлены в проекте наряду с чемоданами.

Чемодан Виталия Пацюкова Чемодан Татьяны Никольской

Российская выставка (до этого он побывал более чем в 35 городах Германии и в Швейцарии) представит 100 чемоданов, 50 из которых заполняли жители Германии, а другие 50 – жители России. Среди российских участников: официантка и нефтяник, психотерапевт и журналист, историк религии и директор цветочного магазина, а также такие известные люди, как актер Александр Ширвиндт, фотограф и журналист Юрий Рост, куратор Виталий Пацюков.

«Первоначально думал, что это окажется просто, — говорит фотограф и координатор фотопроекта «Мы живем на этой земле» Юрий Храмов. – Но потом, по мере размышления, понял, что все не так. И вот тогда пришло понимание, что все, что бы я взял ТУДА – это воспоминания о ЗДЕСЬ…». Выставочный проект из сотни чемоданов, сотни иллюстраций индивидуальности каждого отдельного участника, сотни мини-инсталляций и реди-мейдов, типичных и личных, сентиментальных и трагичных, дает зрителю возможность сравнить и рассмотреть, прочитать и увидеть то, что обычно прячется и замалчивается, – отношение к этой неоднозначной теме. Индивидуальное восприятие смерти здесь оригинально объективировано, – публике представлены предметы, которые «в действительности» могут появиться в другом мире: говорят, после смерти человек оказывается там, где верит и рассчитывает оказаться.

Чемодан семьи Буали

Следующую выставку, которую мы посетили, стал Московский проект японской художницы Сиоты Тихару «Скрещенья» – о женском и вечном. Несколько белоснежных платьев (фата и/или саван) грандиозных размеров (2,20 м каждое) оплетаются черной шерстяной паутиной, которая заполняет углы, стены, пол, потолок и наступает прямо на зрителя, затягивая его в пространство инсталляции. Выставка создается непосредственно на глазах у публики: первую неделю работы зрители будут наблюдать за работой волонтеров, натягивающих черные нити вокруг фантасмагорических одеяний, свисающих с потолка. Весь процесс плетения записывается на видео – и после того, как создание инсталляции завершается – запись начинают транслировать на экране.

«Линия слишком чиста, – говорит Сиота, – слишком заметна. Треугольники на треугольниках образуют сложную структуру, скрывающую многое от человеческого глаза… Зимой, когда я гуляю по парку и смотрю на деревья, мне кажется, что они похожи на мои работы». Белые платья Сиоты – это своеобразный «пустой» знак, оболочка, помнящая о никогда не бывшем внутри теле, привидение, обитающее в пространстве между миров. Черная шерсть – нити памяти, путы страха, вывернутая наружу корневая система, ризома и сеть отношений – отношений между людьми и призраками. «Человеческая жизнь, возможно, связана с космосом, – считает художница. – Возможно, смерть – это не исчезновение, но слияние с вечностью…». При этом работы Сиоты оригинально и органично существуют в истории и контексте мирового современного искусства, отсылая к клеткам Луизы Буржуа, вуалям Аннет Мессаже, тотальным инсталляциям Яёй Кусамы, перформансам Йоко Оно, комнатам Ирины Наховой и платьям «Фабрики найденных одежд».

Сиота Тихару «Скрещенья» Сиота Тихару «Скрещенья»

Сиота родилась в 1972-м в Осаке, изучала живопись в Киотском университете, стажировалась в Австралии и Германии. Сиота начинала как перформансист – она училась у Марины Абрамович и Ребекки Хорн – и последние свои пространственные инсталляции также считает во многом телесной практикой: «Я начала работать с нитями в 1992-м, – объясняет художница. – Я училась на живописца, и хотела рисовать в воздухе черной шерстью… Если я плету что-то, и у меня выходит нечто безобразное, запутанное и узловатое, значит виной тому мое настроение». Сиота часто «работает» с собственной памятью: это горящий рояль и ряды пустых стульев из сгоревшего соседского дома, трава на могиле бабушки… При этом многие вещи в инсталляциях Сиоты представляются артефактами памяти коллективной: это ношеная обувь с привязанными к ней историями владельцев и гигантская башня из старых стекольных рам.

Проект Тихару Сиоты «Скрещенья» разворачивается на третьем этаже Центрального выставочного зала «Манеж», на цокольном этаже которого представлены сразу несколько проектов на тему потустороннего мира: это «Одиссеи», «Размышляя о смерти» и «Мой самый важный чемодан», что позволяет зрителю наблюдать целую панораму художнических трактовок этой вечной темы.

Работы LWZ «Ring ging bling» Работы LWZ «Ring ging bling

Последней выставкой, которую мы посетили, стала выставка группы LWZ «Ring ging bling»- группы визуальных художников, которая работает над процессами, происходящими между красными, синими и зелеными пикселями.

Еврейский музей и центр толерантности

В чем-то все музеи очень похожи друг на друга. Часто это объединенное по тому или иному принципу собрание вещей и предметов на витринах под стеклом. О данном музее этого сказать нельзя. Он другой. Он интерактивен. Сложно определить, на что он больше похож — на музей как таковой или на парк развлечений. Вся информация, которую призвана донести до посетителей экспозиция, имеет разные способы подачи. Она объемна. Она обступает людей, проникает в их сознание, воздействует почти на все органы чувств. Это стало возможно благодаря использованию современных компьютерных и аудиовизуальных технологий. История расселения евреев по миру подана в виде большой интерактивной карты. Огромные витрины, на которые проецируются уникальные фильмы и фотографии, воссоздают образ типичного местечка XVIII — начала XX веков. Аудиоэффекты органично дополняют визуальный ряд и создают эффект присутствия. Архитектурные конструкции спроектированы таким образом, что дополняют экспозицию и усиливают вовлеченность. Давайте подробнее остановимся на каждом из пунктов.

Залы музея Залы музея

Кинотеатр Театр «Начало». Круглый кинозал – первое, что привлекает внимание посетителя. В нем демонстрируется 4D фильм, посвященный первым дня бытия.

Круглый кинозал

Карта миграций: на огромном интерактивном столе отображается история миграции евреев. Этот экспонат можно и нужно трогать. Прикасаясь к определенным частям карты, можно узнать о жизни еврейских общин в каждой конкретной стране.

Карта миграций

Штетл: в переводе с идиша штетл — это городок или местечко. Так называли места обитания евреев в царской России после принятия указа, запрещающего им жить в крупных городах и устанавливающего так называемую черту оседлости. В этой части экспозиции воссоздано типичное местечко с его приземистыми домиками, обязательным рынком, синагогой и школой. На огромные, в два человеческих роста, витрины, проецируются уникальные кадры из жизни евреев того времени.

Экспонаты зала «Штетл» Экспонаты зала «Штетл»

Города и за их пределами: тут воссоздали типичную городскую кофейню конца XIX — начала XX века. Сидя за столиком и прислушиваясь к разговорам «соседей», вы узнаете о проблемах, которые волновали умы еврейской молодежи в то время, — социализме, марксизме, сионизме. Все столы интерактивные. С их помощью можно управлять информацией — искать дополнительные сведения и участвовать в опросах.

Экспонаты зала «Города и за их пределами» Экспонаты зала «Города и за их пределами»

Революция: с этим непростым периодом связаны пробудившиеся надежды еврейского народа. Фоном для этих надежд служили революция и гражданская война.

Экспонаты зала «Революция» Экспонаты зала «Революция»

Советский союз: оформление зала символичное – на потолке смонтирована пятиконечная красная звезда. Под ней, на огромных экранах, проносятся сцены того бурного времени — коллективизация, электрификация, индустриализация и прочие важные государственные процессы, которые отодвинули традиционные проблемы евреев на второй план.