Изобразительное искусство Византии

Главными видами изобразительного искусства Византии были монументальная живопись, иконопись, книжная миниатюра.

Апостолы Петр и Павел. Интерьер мавзолея Галлы Плацидии. Равенна

Ведущее положение занимала монументальная живопись. Именно ей была поручена сложная задача – создание образов небесного (горнего) мира. Красочные мозаик полностью покрывали пространства стен и перекрытий. Материалом для

их изготовления служила смальта. Кусочки смальты имели разные углы наклона, что создавало особый оптический эффект.

Воплощение образов горнего мира требовало новых художественных средств. Эллинистический подход, для которого характерны объемность и статуарность, сменили условность и плоскостность изображений.

 

Крупным комплексом памятников монументальной живописи является г. Равенна, расположенный на Аппенинском полуострове. Вначале Vв., в годы заката Римской империи, этот город был резиденцией западных императоров, в Vв. – первой половине VI в. – столицей готских королей, а с 555 г. стал принадлежать Византии.

Из наиболее ранних памятников Равенны можно назвать мавзолей Галлы Плацидии. Снаружи здание украшают только «слепые» аркады. Интерьер же поражает своим убранством. Нижняя часть стен отделана полированным мрамором. Своды, паруса и купол украшены мозаикой, которая имеет густой синий фон, усыпанный золотыми звездами, а под куполом изображен крест из золота. Фигуры святых – в белых одеждах.

Христос – добрый пастырь. Мавзолей Галлы Плацидии. Равенна.

Над входом в мавзолей Галлы Плацидии (с внутренней стороны) находится мозаичная

композиция, в центре которой – Добрый пастырь в золотом одеянии. Иисус Христос сидит в райском саду, опираясь на крест. Его окружают овцы, символизирующие христианские

души. Крест выглядит как знак

торжества христианства. Особое освещение и золото одежд Христа создают атмосферу, в которой зритель чувствует себя перенесенным в священное неземное пространство.

 

В Византии была особая символика цвета, которую разработал Дионисий Ареопагит в IV веке:

- золотой цвет передавал образ Божьего присутствия, сияние небесного, горнего мира, такое же значение имел желтый цвет;

- синий и голубой передавали стремление к Богу и символизировали чистоту и целомудрие;

- белый – символ божественного света, невинности, святости и чистоты;

- пурпурный цвет – цвет божественного и императорского достоинства;

- красный – цвет огня, как карающего, так и очищающего; он же и цвет крови Иисуса Христа;

- зеленый – символ юности, обновления. Это земной цвет. Он противостоит в изображениях “небесным и царственным цветам” – пурпурному, золотому и голубому;

- черный – имел несколько значений: символизировал отсутствие благодати, смерть; отречение от мирской суеты, смирение и покаяние.

Христос традиционно изображался в хитоне пурпурного цвета и голубом или синем гиматии (плаще), Богоматерь имела пурпурный мафорий (покрывало) и темно-синий хитон.

 

Изображения, создаваемые на сюжеты Священного писания, также несли особую символику:

- фигура, обращенная лицом к христианину, стоящая или сидящая – символ духовного общения;

- женская фигура с распростертыми руками («Мария Оранта») – символ материнской защиты, покровительства;

- распятая на кресте фигура – символ человеческих страданий, а также символ грядущего спасения человечества;

- фигура в нимбе – знак святости;

- крылатая фигура ангела – символ духовной чистоты и красоты.

 

В центрических типах зданий, каковым является мавзолей Галлы Плацидии, главное внимание уделялось куполу, парусам и сводам. Интерьер восьмигранной

церкви Сан Витали является наиболее цельным в художественном отношении. В основу мозаик этого храма положена идея жертвенности. В конхе (верхней вогнутой части апсиды) изображен Христос, дарующий мученический венец св. Виталию, в честь которого построена церковь. В нижнем ярусе апсиды находятся две великолепные мозаичные композиции.

	Алтарная часть церкви Сан Витали

В центре первой – император Юстиниан, в руках

которого золотая чаша – дар храму. Рядом с императором – служители культа во главе с епископом Максимианом, придворные и телохранители. В руках одного из воинов – щит с монограммой Христа. Василевса в Византийской империи именовали равноапостольным, - поэтому над его головой мы видим нимб.

Вторая композиция посвящена императрице Феодоре, ее сопровождают придворные. Костюмы придворных дам украшены сложным орнаментом. Императрица одета в великолепный наряд, отделанный золотым шитьем. Жемчуга, рубины, изумруды украшают не только головной убор, но и часть платья. В руках Феодоры находится драгоценный потир (церковный сосуд, предназначенный для причастия) с золотыми монетами – он приготовлен в дар церкви.

 

Все фигуры изображены во фронтальных позах. Широко раскрытые глаза спокойно взирают на зрителя. Пропорции фигур, застывших в торжественном напряжении, вытянуты. За длинными одеждами с тяжелыми складками не чувствуется плоть. Фон мозаики – золотой, только земля обозначена зеленой полосой.

Центральный неф базилики Сант Аполлинаре Нуово

Юстиниан и Феодора не были на освящении храма, поэтому данные композиции имеют чисто символическое значение.

Мозаики церкви св. Виталия передают

атмосферу царских выходов византийского двора, ее торжественность, пышность и роскошь.

 

В базиликальных храмах наибольшее значение имели мозаичные украшения апсиды и центрального нефа, которые художники стремились объединить в единое целое. Так, в апсиде базилики Сант Аполлинаре Нуово изображены восседающий на троне Христос и Богоматерь. Центральный неф отделен от боковых рядом колонн, соединенных арками. Над ними по направлению к алтарю двумя потоками движутся процессии мучеников и мучениц, как бы готовя христиан к восприятию образов Спасителя и Богоматери.

 

 

Создание круглой скульптуры было осуждено Никейским собором как не соответствующее церковным понятиям, поэтому пластическое искусство нашло свое выражение в рельефе. Именно рельефы украшали алтарные преграды, капители колонн, епископский престол, саркофаги, погребальные стелы, а также предметы декоративно-прикладного искусства: ковши, чаши, различные блюда, фибулы (застежки одежды), резные пластинки из слоновой кости, камеи.

 

 

Силен и Менада. Блюдо 7 в.

В прикладном, ювелирном искусстве, в украшениях полов светских зданий долгое время сохранялись традиции античной культуры. Создатели таких творений находили для них мотивы и сюжеты в античной мифологии. Кроме того, приемы изображения античности также присутствовали в работах византийских мастеров, как, например, объемное изображение Силена и Менады на серебряном блюде VII в..

 

Связь с античными традициями присутствует и в книжной миниатюре. Уже в IV в. на смену античному свитку пришел кодекс – рукопись, состоящая из отдельных сброшюрованных листов. Если ранее, в свитках, иллюстрации, размещавшиеся свободно на полях манускрипта, имели свободную композицию, то теперь обрамление страницы диктовало новые правила. Эти правила привели к тому, что книжная иллюстрация стала миниатюрной картиной не только комментирующей текст, но и украшающей рукопись.

В V в. наибольшее распространение получили роскошные манускрипты, выполненные на пергаменте, окрашенном в пурпурный цвет («пурпурные» кодексы). Их текст был написан золотом или серебром. Одними из древнейших пурпурных кодексов являются Венская библия, написанная в Антиохии в середине VI в., а также рукопись труда греческого врача Диоскорида «Гербарий» (около 512 г., Вена, Национальная библиотека).

 

 

Предположительно, в V в. начинает развиваться иконопись. Икона (от греч. слова – «образ») как предмет культа была узаконена церковью в VI в.. Икона объединила две культовые функции – поминание и поклонение. Для иконописных работ применялась техника энкаустики (краски, замешанные на воске) или темперы (минеральные краски, замешанные на яичных желтках).

Первые иконы характеризует живописная манера, объемность форм, передача образов близких к античным («Богоматерь с младенцем, двумя ангелами, св.Федором и св.Георгием», «Епископ Авраам»).

 

Период VIII – нач. IX в. был весьма сложным в истории Византии. Именно в это время разгорелись споры о том, можно ли писать иконы или нет. Противники иконописи утверждали, что почитание икон является идолопоклонством. В этот период фигурные изображения религиозного содержания уничтожались. Их заменяли различные орнаменты, пейзажи, изображения животных и птиц.

И все же победили сторонники иконопочитания. Они утверждали, что цель иконописи – не изображение реальности, а создание образов, способных через телесное передать духовное и бесплотное. С помощью иконы верующие смогут постигать истину горнего мира. Согласно решениям Никейского собора 787 г. художник является исполнителем Божественной воли, а сами изображения

должны исходить из постановлений церкви и религиозной традиции. Цель искусства – поучать и наставлять, открывать путь к спасению как к высшей цели – именно ей подчинялась вся жизнь средневекового человека.

В это время шли поиски строгих канонических правил иконописи, приведения многообразия художественных изображений в цельную систему. Постепенно сложились следующие иконографические типы:

1. Изображения Богородицы:

 

Оранта (Молительница) –

Богоматерь изображена в полный рост,

ее руки подняты к верху, ладони открыты – это жест покровительства и защиты, обращения к Богу в знак заступничества за людей.

 

Великая Панагия (Всесвятая) –

на груди Оранты диск («круг славы») с

погрудным изображением младенца Иисуса.

 

 

Богоматерь Знамение (Воплощение) –

поясное изображение Богоматери в позе моления.

 

 

Елеуса (Умиление) – поясное изображение Богоматери в трехчетвертном развороте, на руках она держит младенца Христа и прижимается к нему щекой.

 

 

Одигитрия (Путеводительница, Наставница) – поясное изображение Богоматери, младенец Христос сидит на ее левой руке. Мать благословляет Иисуса на крестный подвиг во имя искупления человеческих грехов, а Сын правой рукой благословляет ее на подвиг терпения, а в левой держит свиток.

 

 

 

2. Изображения Иисуса Христа:

Пантократор (Вседержитель) – поясное изображение, где Бог в левой руке держит закрытое Евангелие, а правой благословляет, на нимбе – буквы, означающие “Всегда сущий”.

 

 

Спас на престоле – Иисус изображен в полный рост. Он восседает на престоле, благословляя правой рукой, а в его левой руке – Евангелие. Престол является знаком царственной славы Спасителя и одновременно символом Вселенной.

 

Спас Нерукотворный – изображение лика Христа. Во время шествия Иисуса на казнь он обратился к женщине по имени Вероника с просьбой дать ему воды. Выпив воды, Христос умылся и промокнул лицо полотенцем, на котором остался образ лика Спасителя.

 

Спас Эммануил – изображение юного Христа, чаще всего поясное, со свитком в руках, где написаны ветхозаветные пророчества о Спасителе. Имя Эммануил переводится с древнееврейского как «с нами Бог».

 

Живописные работы византийских храмов проводились в соответствии с символикой интерьера крестово-купольного храма Она была такова: своды и купола – небо, пространство близ пола – земля, алтарь – рай, западная половина – ад. В соответствии с этим расписывался и храм.

Ближе к земле изображались отцы церкви, мученики, святители, императоры и епископы. Образ Богоматери в алтарной нише превосходил их размерами. Она изображалась либо в позе моления (Оранта), либо с младенцем Иисусом на руках.

Константин Великий и Юстиниан, предстоящие перед Богоматерью на престоле. Константин дарует Константинополь, а Юстиниан – Софийский собор. Мозаика храма Св. Софии в Константинополе.

 

 

На парусах помещались четыре евангелиста или их символы: Матфей – в образе ангела, лев символизировал Марка, вол – Луку, орел - Иоанна. В простенках барабана – ученики Христа (апостолы) или пророки, предсказывающие его пришествие.

 

Иисус в окружении символически изображенных евангелистов Матфея и Марка. Базилика Сант Апполинаре ин Классе

 

В центральном куполе изображался Христос Вседержитель (Пантократор). В XI в. к этим сюжетам были присоединены сцены наиболее важных событий Священной истории, так называемого праздничного цикла: Благовещение, Рождество, Сретение, Крещение, Преображение, Воскрешение Лазаря, Вход в Иерусалим, Распятие, Сошествие Духа Святого на апостолов (Пятидесятница), Успение Богородицы и др. Изображения этих сцен образовывали на уровне второго яруса замкнутый круг. Сюжеты праздничного цикла символизировали круговращение времени – ведь эти праздники отмечаются в разные времена года. Время средневекового искусства было условным, повторяемым, прошлое и настоящее существовали одновременно. Таким образом, христиане, находящиеся в храме, становились соучастниками событий Священного писания.

 

 

Музыка Византии

Давид, исполняющий псалмы. Хлудовская псалтырь

Музыка, как и другие виды искусства, стала выразителем внутренней жизни страны. При императоре Юстиниане (VIв.) Византия объединила огромные земли, таким образом, население страны отличалось этнической пестротой: оно состояло из греков, арабов, итальянцев, иберов, армян, грузин, евреев и людей других национальностей. Такой же пестрой, многоликой по своему происхождению была и византийская музыка. Сирийская, арабская, еврейская, персидская, армянская песенность сливались в ней с интонациями, сохранившимися

от античности, пришедшими из славянского,

а в дальнейшем – из западноевропейского мира.

Император обладал как светской властью, так и духовной, поэтому в культовой музыке присутствовали черты музыки светской. Ее отличали

не только торжественность и пышность, характерные для всей ромейской культуры, но и эмоциональная приподнятость.

Византийские храмы имели многочисленные профессиональные хоры. Так, например, хор собора Святой Софии имел в своем составе более 100 человек. Главными видами культового песнопения были канон и тропарь. Каконами назывались

Невменная запись

(от греч. "канон" - "образец", "правило") произведения, состоявшие из девяти разделов, в которых излагались события Ветхого и Нового заветов. Тропари (от греч. слова «тропос» – стиль, характер, лад, тональность) сочинялись ко всем церковным праздникам и дням поминовения святых. В X веке их стали именовать стихирами. Они представляли собой музыкально-поэтические импровизации на сюжеты из Библии или тексты религиозного содержания назидательного характера.

Каждому музыкальному жанру отводилось свое место в культовой церемонии, которая подчинялась строгом правилам. Эти правила были изложены в особой богослужебной книге – Уставе. В ней подробно излагалось в каком порядке, в какие дни и часы следует исполнять те или иные произведения.

Невменная запись

Тексты византийских песнопений включали не только ветхозаветную поэзию, но и специально создавались поэтами-гимнографами (слово «гимн» происходит от греч. "химнос" - "торжественная песнь" и "графо" - "пишу"). Самыми известными из таких поэтов были Роман Сладкопевец, Иоанн Златоуст и Иоанн Дамаскин. Кроме того, именно Дамаскин упорядочил церковную музыку, введя систему осмогласия (т.е. на основе восьми голосов). Каждый глас

следовало петь в определенное время - как правило, в течение недели, после чего исполнялся следующий глас. Таким образом было создано восемь групп церковных мелодий, в которых Дамаскин отстаивал благочестие и простоту.

 

До 9 века все песнопения сохранялись благодаря устной традиции. Иоанн Дамаскин установил способ записи музыкальных произведений с помощью специальных знаков – невмов. Сначала они представляли собой сочетание черточек, точек и запятых над поэтическими текстами, служащих напоминанием того, как следует исполнять то или иное песнопение.

Позднее невмы стали представлять собой квадратные значки, расположенные на четырех линеечках. Однако они по-прежнему позволяли только вспомнить выученное ранее произведение.

 

Профессиональное музыкальное искусство играло большую роль и в быту богатых византийцев, при дворе императора. Все празднества, процессии, придворные церемонии и, даже скачки на ипподроме, проходили в сопровождении инструментальной музыки и пения. Пышная и величественная музыка прославляла императорскую власть и мощь государства.

Наиболее распространенными музыкальными инструментами были духовые (различные трубы), ударные (литавры), а также такие простые инструменты, как вертящиеся трещетки, колотушки, рога, выполненные из слоновьих клыков. В светской музыке использовался орган, который в 7 веке стал известен и Западной Европе.

В стране бродило множество странствующих музыкантов – мимов, вагантов, гистрионов, нередко пришедших из других краев. Они создавали жанры народного искусства.

 

Вопросы и задания:

1. Какие типы храмов существовали в византийской архитектуре? Приведите примеры.

2. Какие новые конструктивные формы архитектуры появились в V веке?

3. Когда и под чьим руководством был построен храм Св. Софии? Каковы особенности этого памятника архитектуры?

4. Как устроен крестово-купольный тип храма?

5. Каково значение слов «апсида», «конха», «паруса»?

6. Когда и почему возросло значение храмовых росписей в византийской архитектуре?

7. Каким образом было представлено изобразительное искусство Византии? Назовите ведущий вид.

8. Расскажите о значении цвета и символике изображений византийской живописи. Приведите примеры.

9. Какие сюжеты использовались для украшения византийских храмов? Приведите примеры.

10. Какой вид скульптуры активно развивался в Византии? Почему?

11. Что такое «кодекс»? Как он оформлялся? Приведите примеры.

12. Когда стали создаваться произведения иконописи и с какой целью?

13. Каковы характерные черты первых икон? В какой технике они писались?

14. Назовите иконографические типы изображения Богоматери и Иисуса Христа.

15. Каковы традиции храмовых росписей Византии?

16. Почему византийская музыка считается многоликой?

17. Объясните значение слов «тропарь», «гимн», «стихира».

18. Назовите наиболее знаменитых византийских гимнографов.

19. Какие изменения произошли в культовой музыке византии благодаря Иоанну Дамаскину.

20. Какие музыкальные инструменты существовали в Восточной Римской империи?