Географические центры развития. Основные представители Барокко

В эпоху барокко было два основных географических центра развития музыки. Один в северной Германии и Голландии, композиторы Иоганн Фробергер, Иоганн Керль и, особенно, Дитрих Букстехуде концентрировали свои усилия на искусстве контрапункта, главным образом на фуге. Голос и орган были здесь главными элементами. Другим центром был юг Европы - Италия, здесь формировались инструментальные формы - сонаты и концерт.

Каждый период в музыке имеет свои некие узнаваемые клише, и многое из того, что типично для музыки Барокко - определённые каденции и построение мелодий имеет единое происхождение - Арканджело Корелли, который, кажется, повлиял на всех, начиная со своих современников до Георга Генделя, который был в Риме с 1704 по 1710. Из Рима "итальянское влияние" распространилось на север, в то время как строгие немецкие формы текли на юг, смешение производило общий стиль Барокко. Слияние музыкальных тенденций в разных частях Европы было удивительно обширным, учитывая относительно примитивные средства передвижения и связи. Антонио Вивальди, Франческо Джеминиани, Арканджело Корелли, Алессандро Скарлатти, Георг Гендель и многие другие встречались друг с другом или хорошо знали музыку друг друга. Иоганн Себастьян Бах отправился на север из Тюрингии и Саксонии - южных земель Германии, чтобы услышать Букстехуде, впоследствии он путешествовал в Дрезден и Берлин. Он нередко копировал музыку других композиторов, своих современников, обрабатывая её для других инструментов. Это был признанный метод исследования, широко практиковавшийся в эпоху Барокко.

№ 5 Музыка эпохи рококо

В «чистом виде» музыкальный стиль рококо проявил себя в творчестве «великих французских клавесинистов» Франсуа Куперена («Великого») и Жана Филиппа Рамо (не менее великого, но без такого же «титула»). Совершенно в той же манере работали их менее известные сегодня современники: Луи Клод Дакен, Антуан Форкре, Андре Кампра, Жозеф Бодэн де Буамортье, Луи Николя Клерамбо, Марин Маре и многие другие. Своей предтечей в один голос они объявляли великого Жана Батиста Люлли.

Для стиля рококо в музыке характерны совершенно те же самые черты, что в живописи и в архитектуре. Обилие мелких звуковых украшений и завитков (так называемых «мелизмов», аналогичных извилистым линиям стилизованных раковин «рокайлей»), преобладание маленьких (ювелирно отделанных в деталях) и камерных форм, отсутствие ярких противопоставлений и драматических эффектов, господство тех же, знакомых по картинам Буше, тем и образов: игривых, кокетливых и галантных. Да и сам по себе инструмент, клавесин, переживший в эпоху галантного стиля и рококо свою наивысшую точку расцвета и популярности, что это как не наивысшее выражение всех черт того же стиля рококо? Камерный, небольшого (или даже совсем маленького) размера инструмент, с негромким звуком, быстро затухающим и требующим большого количества мелких нот для заполнения пространства. Само собой, что внешняя отделка инструмента: вычурная, богатая, полная мелких украшений и тончайших деталей неизбежно дополняла единство стиля.

Но даже и в крупных формах (операх, балетах и кантатах) все эти черты проявили себя в полной мере. Так, большие оперы Рамо и Кампра также построены из небольших номеров, связанных между собой по сюитному принципу, а иногда и вовсе представляют собой феерическую сюиту, практически не связаннуюкаким-либовразумительным общим сюжетом. Наиболее известные произведения этого типа:» Галантная Индия» Рамо,» Венецианские празднества» и» Галантная Европа» Кампра. Герои мифологических сюжетов опер представляли собой галантных кавалеров и дам, переодетых в пышные костюмы по принципу маскарада. Очень популярен был также жанр пасторали, с такими же галантными пастухами и пастушками, разумеется, ничего общего не имеющими с реальными крестьянскими типажами, занимающимися выпасом скота.

В инструментальной музыке господствовала такая же галантная жанровая, портретно- пейзажная, пасторальная или танцевальная миниатюра (для клавесина, виолы, иногда с добавлением флейты, скрипок и гобоя). Музицировали, как правило, в сюитной форме, со временем постепенно набиравшей количество частей и обогащающейся многочисленными подробностями. Классическая барочная сюита, обычно состоявшая из 3–5 танцев с простыми жанровыми названиями сначала обогатилась новыми «вставными» французскими танцами, такими как паспье, бурре, менуэт, павана, гальярда, а затем начала включать в себя и свободные, фантазийные части с пейзажными, жанровыми или даже персональными названиями. В сравнительно краткую эпоху Рококо сам по себе жанр сюиты сначала был доведен клавесинистами и мастерами инструментальных жанров до своего высшего развития, а затем до истощения и упадка, после которого он попросту покинул профессиональную музыкальную среду на добрую сотню лет.

Поскольку музыка звучала на светских приёмах и во время еды, особо приветствовались разные выдумки, карнавальные имитации и остроумные развлекательные приёмы для увеселения аристократических слушателей. Неизменной популярностью пользовались яркие звукоизобразительные пьесы, например, такие, как «Курица» Рамо (для клавесина) или «Маленькие ветряные мельницы» Куперена (тоже, между прочим, части клавесинной сюиты). Этот успех привёл к многочисленным подражаниям, повторениям и репликациям в творчестве других авторов, что вообще было характерно для эпохи Барокко в целом. Иногда занимательные эффекты перемещались прямо в музыкальную сферу, пародируя или изображаяколлегу-композитораили передразнивая некоторые профессиональные привычки самих музыкантов. В этом плане особенно показательна«Соната-квартет»Гийома Гиймена, носящая подзаголовок «Галантные и занимательные разговоры между поперечной флейтой, скрипкой, басовой виолой и виолончелью» (1743). В салонах чаще всего исполнялись томные или игривые любовные песни, а также популярныеарии из опер Рамо, Кампра и Люлли в переложении для клавесина или маленького камерного ансамбля.

№ 5 Музыка эпохи Классицизма.

Классицизм - стиль и направление в искусстве XVII - начала XIX вв. Слово это произошло от латинского classicus - образцовый. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что человеческая натура гармонична. Свой идеал классики видели в античном искусстве, которое считали высшей формой совершенства.
К этому времени относятся становление и утверждение национальной школы - в Австрии. Новая школа получила название "венской классической". Величайшими представителями этой школы стали Гайдн, Моцарт и Бетховен. Их творчество явилось высшей стадией развития классицизма. Главным их завоеванием стали также жанры, как сонаты и симфонии.

Любой грамотный человек должен понимать различие между двумя понятиями: классика и классицизм. Под классикой мы подразумеваем образцовые, совершённые произведения искусства. Музыкальной классикой являются сочинения великих композиторов.

В отличии от искусства прошлого, для которого судьба Иисуса всегда была путеводной нитью, искусство нового века посвятило себя жизни обыкновенного человека - его повседневному труду, его удачам и надеждам. Герой - современник стал интересен поэтам, художникам, музыкантам не только когда он молился, предавался глубоким размышлениям или совершал великие подвиги, но и тогда, когда он балагурил с друзьями, пытался разбогатеть или ухаживал за девушками. Трагическое и комическое, легкомысленное и серьёзное в искусстве нового века было идеально уравновешено.
Новый век выдвинул новый идеал - им стал Фигаро, "севильский цирюльник". Этот парикмахер, хитрец и пройдоха, всегда знал, как одурачить господина и добиться своего, и не позволял никому, даже вельможному графу, унижать своё достоинство. Но не только деятель и практик Фигаро занимает мыслящую публику 18 века; на роль идеала претендует и доктор Фауст- учёный, философ, который в поисках истины продал душу дьяволу - Мефистофелю. Фауст понял, что нет ничего прекраснее, чем труд, результаты которого останутся будущим поколениям, и нет такой жертвы, которую нельзя было бы принести ради общего блага. "Лишь тот достоин жизни и свободы, кто каждый день идёт за них на бой!" - эти слова Фауста повторили бы многие его современники.
Фауст и Фигаро прекрасно соответствовали времени, поскольку в этих персонажах люди видели символ неразрывности мысли и действия: чтобы добиться успеха, оба они старались понять, зачем действовать, какие цели ставить перед собой, и, наконец, составив продуманный план, приступали к исполнению. Людям эпохи классицизма хотелось узнать, по каким законам живёт природа, общество, каждый человек, и, вооружившись знанием, сделать жизнь достойной и счастливой. Благодаря беспредельной вере в возможности человеческого разума и силу знания 18 век стали называть веком Разума или веком Просвещения.

Человек 18 века считал, что разум, на который он привык полагаться, надёжнее веры, которой руководствовались в своей жизни его отцы, деды, прадеды. Поэтому герой века Просвещения не слишком доверял прошлому. Он не любил оглядываться назад и во всём, в том числе и в искусстве, предпочитал новое 6 то, что создано сегодня, казалось ему более совершённым, чем рождённое вчера.

Молодому поколению творчество Баха и Генделя казалось тяжеловесным и преувеличенно серьёзным. Начиная с 30-х годов нового столетия творческая практика уходила всё дальше от барочного стиля, чей расцвет остался в 17 веке.
Всякий оптимист и деятель стремится к тому, что приумножает радость и влечёт к активности - отсюда и музыка 18 века откровенно тяготеет к быстрым темпам, их итальянские обозначения allegro(весело) и vivace (живо) - очень точно выражают господствующий ритм эпохи, её неуклонное движение вперёд. Как и сам человек 18 века, музыка классицизма явно предпочитает радоваться и веселиться, а не грустить и предаваться меланхолии. Поэтому мажорные произведения появляются гораздо чаще минорных.

Идеалы красоты тоже должны были подчиняться законам разума. "Красота - это со размеренность",- говорили древние греки, и под этим изречением подписался бы всякий художник 18 века. И если искусство Древнеё Греции зените славы Афин в 5 веке до нашей эры называли классическим, то по аналогии, по сходству идеалов и убеждений классическим называли и 18 век, а культуру 18 века - культурой классицизма.
Человек 18 века не любил проникать в детали, находить индивидуальное и неповторимое в каждом предмете и природном создании.

Разум царит и в искусстве. Желая подчеркнуть высокое назначение искусства, его общественную и гражданскую роль, французский философ-просветитель Дени Дидро писал: "Каждое произведение ваяния или живописи должно выражать собой какое-либо великое правило жизни, должно поучать".

Театр одновременно был учебником жизни, и самой жизнью. Кроме того, в театре действие в высшей степени упорядочено, размеренно; оно разделено на акты и сцены, те, в свою очередь, расчленена на отдельные реплики персонажей, создавая столь дорогой 18 веку идеал искусства, где всё находится на своём месте и подчинено логическим законам.

Музыка классицизма чрезвычайно театральна, она как будто копирует искусство театра, подражает ему. Мелодии композиторов 18 века даже в музыке, предназначенной для инструментов, напоминают человеческую роль, интонации и жесты актёров, играющих различные роли. Иногда эти мелодии похожи на оперные арии, которые исполняют на сцене актёры-певцы. Разделение классической сонаты и симфонии на крупные разделы - части, в каждой из которых происходит много Музыкальных "событий", подобно делению спектакля на действия и сцены. В музыке классического века часто подразумевается сюжет, некое действие, которое развёртывается перед слушателями так же, как действие театральное развёртывается перед зрителями. Слушателю только остаётся включить воображение и узнать в "музыкальной одежде" персонажей классической комедии или трагедии.

Искусство театра помогает объяснить и большие перемены в исполнении музыки, которые совершились в 18 веке. Раньше, столетие назад, главным местом, где звучала музыка, был храм: в нём человек находился внизу, в огромном пространстве, где музыка как будто помогала ему взглянуть ввысь и посвятить свои мысли Богу. Теперь, в 18 веке, музыка звучит в аристократическом салоне, в бальном зале дворянской усадьбы или на городской площади: отныне музыканты располагаются непосредственно или несколько в отдалении, как актёры на сцене. Слушатель века Просвещения как будто обращается с музыкой "на ты2" и не испытывает больше восторг и робость, которые она ему внушала, когда она звучала в храме

В музыке 18 века уже нет мощного, торжественного звука органа, уменьшилась роль хора. Музыка классического стиля звучит легко, в ней гораздо меньше звуков, как будто она "меньше весит", чем грузная, многослойная музыка прошлого. Звучание органа и хора сменилось звучанием симфонического оркестра; возвышенные арии уступили место музыке лёгкой, ритмичной и танцевальной

Музыкальный классицизм и основные

этапы его развития

Классицизм (от лат. сlassicus - образцовый) – стиль в искусстве XVII – XVIII вв. Название «классицизм» происходит от обращения к классической древности как высшей норме эстетического совершенства. Свой эстетический идеал представители классицизма черпали в образцах античного искусства. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в наличии порядка и гармонии в природе и внутреннем мире человека. Эстетика классицизма содержит сумму обязательных строгих правил, которым должно отвечать художественное произведение. Важнейшие из них – требование равновесия красоты и истины, логической ясности, стройности и законченности композиции, строгих пропорций, чёткого разграничения жанров.

В развитии классицизма отмечают 2 этапа:

Классицизм XVII века, развивавшийся отчасти в борьбе с искусством барокко, отчасти во взаимодействии с ним.