double arrow

Историко-этнографическии музей и социокультурные проблемы 19 страница


попала на свое прежнее место, а была помещена в Галерею, где и

является одним из ее украшений

В ней (как и в большинстве картин Веронезе) не следует искать

скрупулезной точности в изображении костюмов, деталей и подробностей той эпохи. Напротив, отсутствие на ужине всех апостолов,

чисто венецианская архитектура и стиль здания, в котором художник

расположил своих действующих лиц (в венецианских костюмах, с

чертами лиц знаменитых деятелей того времени), делают «Ужин в

доме Левия» столь же венецианским обедом, сколь и знаменитым

библейским ужином, освященным присутствием Иисуса Христа Но

зато блеск костюмов, роскошь величественной обстановки и необычайная живопись красок ставят эту картину в число величайших

произведений, когда-либо выходивших из-под кисти живописца.

Из старых мастеров венецианской живописи наиболее ярко и самобытно представлен Бонифачио - знаменитый современник Тициана,

которому он долгое время считался соперником. Более двадцати картин этого мастера украшают Галерею Венецианской академии художеств. Именно здесь можно изучить художественную манеру этого




мастера, по достоинству еще не оцененного. Вне стен Венеции он мало

известен, а его произведения, находящиеся в музеях Европы, часто

приписывают Тициану, до того близко подходил Бонифачио к великому художнику по кисти, манере и колориту письма.

В Галерее экспонируется его огромное полотно «Спаситель на троне, в короне Давида, с предстоящими ему святым Марком, Людовиком, Домеником и святой Анною». У подножия трона три небесной

красоты ангела играют на лютнях Рисунок и колорит выполнения

этой картины поистине безукоризненны.

Витторе Карпаччо представлен в Галерее циклом картин, посвященных легендарной жизни святой Урсулы Картины и были написаны для братства святой Урсулы, но через полтора столетия братство

было разрушено, а картины Карпаччо обрезаны на 10 сантиметров по

ширине и длине.

В XVIII-XIX веках они были реставрированы, но неудачно Сейчас картины выставлены в отдельном зале Галереи в том порядке, как

были первоначально представлены в братстве.

...Урсула - юная христианка, дочь короля Бретани, которая согласилась стать женой английского принца при условии его крещения и их

паломничества в Рим в сопровождении девушек. На обратном пути из

Рима Урсула и ее спутницы попали в руки короля гуннов. За отказ

стать его женой жестокий гунн убил Урсулу и ее спутниц.

Карпаччо из легенды выделил те сцены, которые кажутся ему

наиболее значительными, и на эти сюжеты написал свой знаменитый

цикл. Цикл состоит из девяти полотен - «Приезд английских послов», «Прием английских послов», «Сон Урсулы» «Прибытие в Рим»



и другие. Самая большая по размерам - композиция «Встреча Урсулы с женихом» - разделена на две части. Слева - сцена в английском порту, справа - в Бретани. На парусе корабля выделяется надпись «Несчастье», а у подножия знамени изображен скорпион - символ несчастливой судьбы.

Джованни ди да Болонья Мадонна Умиление

РЕЙКСМУЗЕУМ В АМСТЕРДАМЕ

К. Кривелли. Мария Магдалина

Сами голландцы говорят: «Бог создал землю, а мы - Нидерланды». И действительно, этот народ отвоевал у моря примерно половину

территории всей страны. На отвоеванной у воды суши возведен и

Амстердам - столица Голландии. Заложенный в 1275 году, он строился на вбитых в зыбкую почву деревянных сваях.

В Амстердаме находятся штаб-квартиры или филиалы почти всех

ведущих фирм и банков страны, представительства многочисленных

иностранных компаний. В этом городе скрещиваются многие торговые пути и маршруты, ведущие в самые различные уголки земного

шара. Вот стоят у причала суда, прибывшие из Индонезии с крупной

партией копры и каучука. А вот корабль, доставивший из далекой

Бразилии кофе, у другого причала готовится отплыть в Африку торгово-пассажирский лайнер...

В сегодняшнем Амстердаме проживает больше одного миллиона

человек. И сотни тысяч туристов ежегодно приезжают сюда, потому

что в музеях Амстердама собрана богатейшая коллекция произведений

мастеров знаменитой голландской школы живописи. Ее украшением

являются картины великого Рембрандта, многие годы жившего и



трудившегося в этом городе. Он любил этот город, часами в одиночестве бродил по Амстердаму, изрезанному сотнями каналов, вынашивая сюжеты будущих картин.

На набережной одного из каналов Амстердама на целый квартал

вытянулось огромное здание. Традиционные в Голландии островерхие крыши и красные кирпичные стены роднят его с окружающими

постройками. И, на первый взгляд, оно ничем от них не отличается.

Однако в нем разместился один из крупнейших художественных музеев мира - Рейксмузеум (то есть Государственный). Это целый

Музей истории искусства Северных Нидерландов, которые мы привычно зовем Голландией (в отличие от южных нидерландских провинций, составляющих территорию современной Бельгии).

В Рейксмузеуме представлены фрагменты деревянных и каменных

скульптур, украшавших некогда алтари церквей, произведения ювелиров и шитые золотом облачения духовенства. Однако наибольший

интерес в Музее представляют произведения живописи, ведь уже в

XV веке станковая живопись была ведущей областью нидерландского

искусства.

Рейксмузеум был основан в 1808 году, и среди его первых полотен

была одна довольно любопытная картина. В инвентарные книги она

была внесена под такой надписью: «Ян ван Эйк. Готический храм с

фигурами».

Ян ван Эйк, великий основоположник нидерландской школы живописи, был в XV веке едва ли не единственным нидерландским

художником, чье имя было широко известно частным коллекционерам. Ему приписывали любую картину, которая казалась достаточно

старой. На этот раз ему приписали «Святое семейство» - работу

Гретхена тот Синт-Янса, художника конца XV века.

Написанное на небольшой деревянной доске, произведение Гретхена воспроизводит не канонический евангельский текст, а апокрифическую легенду. Согласно этому преданию, у святой Анны (матери

Марии) были еще две дочери, дети которых впоследствии стали учениками Христа. В интерьере готической церкви художник изображает

престарелую Анну, трех ее дочерей, их мужей и детей. Лица всех

отмечены ясностью и безмятежностью: женщины нянчат младенцев,

старая Анна отдыхает от чтения, положив на раскрытую книгу свои

очки. На каменном полу расположились трое мальчиков в длинных

теплых рубашечках и шерстяных чулках с красными заплатками на

пятках. Это будущие апостолы Павел, Иаков и Иоанн играют своими

атрибутами - чашей, бочечкой и мечом.

В Рейксмузеуме выставлено также несколько произведений крупнейшего нидерландского художника начала XVI века Луки Лейденского. Среди них выделяется полотно «Проповедь в церкви». Церковное здание эпохи Возрождения занимает две трети фона всей картины. Справа вдали видна улица, на которой некий богатый гражданин

раздает милостыню беднякам. Этот же дворянин изображен на переднем плане картины: сняв шляпу, он слушает церковную проповедь.

Исследователи предполагают, что, возможно, художник и писал свою

картину по заказу этого человека, а окружающую его группу людей

составляют друзья и родные.

Перед кафедрой проповедника полукругом уселись слушатели: здесь

и какие-то странные уродцы, и резвый ребенок, и молодая женщина,

с улыбкой смотрящая на зрителя и явно занятая не словами пастора.

Здесь же расположилась и спящая женщина, на голову которой уселась маленькая сова - в нидерландском фольклоре олицетворение

шутовства и глупости. А на полу вокруг нерадивых прихожан рассыпаны удивительно нежные прозрачные цветы. Эта несколько странная жанровая сцена полна намеков, светлые краски передают настроение какой-то неясной тревоги, так свойственной всему творчеству

Луки Лейденского.

В эти годы большая группа нидерландских художников ориентировалась на итальянское искусство эпохи Возрождения. Одним из

крупнейших представителей этого направления был образованный

гуманист Ян Скорель. Он побывал в Палестине, несколько лет был

хранителем античных коллекций папы римского, кроме того, он был

лицом духовным - каноником собора в Утрехте. Благочестие не мешало ему писать лики женских святых со своей возлюбленной Агаты

ван Схонховен.

Именно она и послужила прообразом «Святой Марии Магдалины». На картине молодая женщина изображена на фоне фантастического горного пейзажа. Ее оливково-зеленое платье и покрытый великолепным тканым узором темно-красный шарф на коленях соответствуют тем представлениям о костюме святых, которые к тому времени были выработаны итальянскими художниками. По контрасту с

темной одеждой лицо Марии написано очень прозрачно. Оно прекрасно и безмятежно, сочетание жизненности и возвышенной, идеальной гармонии приближает картину Яна Сореля к произведениям

великих итальянцев.

Но подлинным основателем национальной школы нидерландской

живописи был Франс Хальс. Основные его произведения находятся в

Гарлемском музее его имени, но несколько картин выставлены и в

Рейксмузеуме. Среди них выделяется полотно «Веселый собутыльник». Сейчас уже трудно сказать, был ли этот портрет заказан художнику или он сам облюбовал для своей картины жизнерадостного,

добродушного балагура-пьяницу. «Веселый собутыльник» относится

к числу тех персонажей Хальса, которые близки к народным типам,

изображенным на нескольких полотнах художника.

В портрет вплетается и сюжетное действие. Пьянчужка как будто

обращается к зрителю, и, уверенный в его полном сочувствии, поднимает бокал и, видимо, произносит речь в честь вина.

Величайшим сокровищем Рейксмузеума является богатая коллекция картин Рембрандта. Еще в конце XIX века число их было сравнительно невелико, хотя Музей и располагал такими шедеврами, как

«Ночной дозор», «Еврейская невеста» и «Синдики цеха суконщиков».

Но за последние десятилетия дирекция Музея и голландская общественность приложили много усилий, чтобы расширить это собрание.

Так, в 1959 году из частного собрания де Брейн выкупили «Автопортрет в виде апостола Павла». Некоторые картины Рембрандта, выставленные в Рейксмузеуме, самому Музею не принадлежат, а лишь предоставлены ему на длительное время для экспонирования (например,

«Портрет Титуса ван Рейн, сына художника» из Лувра).

Современная экспозиция Рейксмузеума дает широкое представление о творчестве Рембрандта, начиная с его первых самостоятельных

работ до поздних полотен. В ней можно видеть не только портреты и

картины на библейские сюжеты, но и редкие у Рембрандта натюрморты («Натюрморт с мертвыми павлинами») и пейзажи («Пейзаж с

мостиком»).

В Рейксмузеуме находится самое прославленное его произведение

1630-х годов «Ночной дозор» - групповой портрет руководителей

корпорации амстердамских стрелков капитана Баннинга Кока и лейтенанта Рейтенбурха.

Военная тревога, необычайная путаница, сутолока в уличной полутьме... Кажется, что с картины огромного размера - от пола до

потолка зала - льются крики толпы, наполняющие весь зал. И всюду

желтые, красные, зеленоватые и голубоватые пятна одежды.

На картине ярко освещена фигурка маленькой девочки. Откуда

взялась эта девочка, сама как бы излучающая сияние? Весь свет был

сконцентрирован на ней - девочке в желтом платье с мертвым петухом за поясом и кубком в руках. И главное, на переднем плане бежала

и лаяла собачонка! Эта собачонка первой бросается в глаза зрителям.

Картина должна была быть обычным групповым портретом, и

Рембрандту вменялось в обязанность изобразить 16 портретных фигур. Каждый из заказчиков платил (согласно контракту) примерно по 100 гульденов за свой портрет - кто больше, кто меньше, в зависимости от того места, какое его изображение занимало на полотне.

Но вместо 16 фигур Рембрандт дал на полотне 34, тем самым

раздвинув рамки группового портрета и превратив его в историческую

композицию. Это смутило многих заказчиков, чьи портреты оказались затерянными среди множества безымянных статистов. Поэтому

офицерам картина не очень понравилась, они негодовали, особенно

сам капитан, который был оставлен в коричневой тени. Из-за этого

Баннинг Кок просто кипел от ярости. Однако картина дышала такой

непререкаемой правдой, как будто крики команды, музыка, барабанный бой и вся эта суматоха мчались на зрителя из глубины крытого

сумрачного подворья, откуда выходила группа вооруженных стрелков.

Название этому полотну было дано в конце XIX века, когда сама

картина была уже сильно потемневшей. Тогда, в эпоху романтизма,

казалось особенно поэтичным видеть в персонажах рембрандтовской

картины стражу, которая по ночам обходит город. Однако характер

освещения да и весь колорит картины заставляли некоторых искусствоведов сомневаться в таком толковании. В 1946 году картину тщательно отреставрировали, старый потемневший лак заменили, цвета

стали значительно светлее и ярче, но название «Ночной дозор» за

картиной так и осталось.

Огромное полотно (359х438 см) висит в Рейксмузеуме на отдельной просторной стене зала. Этот зал некогда был специально предусмотрен архитектором Кейперсом для прославленной картины, которая

стала теперь национальной реликвией. В начале XVIII века, когда

были упразднены стрелковые гильдии и их имущество перешло к

городскому магистрату, «Ночной дозор» из здания гильдии был перенесен в амстердамскую ратушу. Но там не нашлось для картины

достаточно обширной стены, и холст был обрезан со всех четырех

сторон, особенно широкая полоса была отрезана сверху. Это сильно

исказило композицию картины, и теперь «Ночной дозор» сильно

уменьшен, а местами даже и поврежден, но, несмотря на все это,

остается одним из самых мощных и торжествующих произведений

мирового искусства.

Во время работы Рембрандта над «Ночным дозором» умерла его

любимая жена Саския. Родственники покойной стали преследовать

Рембрандта тяжбами из-за наследства, стремясь вырвать из рук художника часть приданого, завещанного ему Саскией.

Но не только родственники преследовали Рембрандта. Он всегда

был осаждаем кредиторами, которые накидывались на великого художника, как жадная свора. Да и вообще Рембрандт никогда не был

окружен почестями, никогда не был в центре общего внимания, не

сидел в первых рядах, ни один поэт при жизни Рембрандта не воспел

его На официальных торжествах, в дни больших празднеств о нем

забывали. И он не любил и избегал тех, которые им пренебрегали

Обычную и любимую им компанию составляли лавочники, мещане,

крестьяне, ремесленники - самый простой люд. Он любил посещать

портовые кабачки, где веселились матросы, старьевщики, бродячие

актеры, мелкие воришки и их подружки. Он с удовольствием часами

просиживал там, наблюдая суету и порой зарисовывая интересные

лица, которые потом переносил на свои полотна.

Есть в Рейксмузеуме и произведения иностранных художников итальянцев, испанцев, фламандцев. Их не очень много, но некоторые

из них просто не могут остаться незамеченными. Это парный портрет

флорентийского архитектора Джулиано да Сангалло и его отца (работа

Пьетро ди Козимо), «Распятие» Эль Греко, несколько портретов Ван

Дейка, «Портрет дона Рамона Сатуэ» Гойи и другие.

ДАТСКИЙ НАЦИОНАЛЬНЫЙ МУЗЕЙ ДРЕВНОСТЕЙ

За Копенгагеном еще в прошлом веке укоренилось название «Северного Парижа». Дело в том, что датская столица для художников,

писателей, скульпторов и поэтов Скандинавии, - как Париж для

творческих людей всего мира, - стала тем самым местом, куда они

устремлялись за вдохновением и где работали, обмениваясь своими

идеями и замыслами. Копенгаген быстро превратился в центр культуры всей Северной Европы. Но это, так сказать, только одна сторона

медали.

Еще в 1806 году библиотекарь Копенгагенского университета Расмус Нируп опубликовал книгу под названием «Обзор национальных

древностей». Сам он уже организовал при университете небольшую

коллекцию старинных датских находок и теперь предлагал создать

Датский национальный музей древностей - учреждение более масштабное, государственное. Проект библиотекаря-энтузиаста требовал

больших сил и средств, но правительство отнеслось к его затее весьма

благосклонно.

В 1807 году задача создания этого музея была возложена на Королевскую комиссию, секретарем которой стал Расмус Нируп. Сразу же началось формирование коллекций нового Национального музея, однако в этом процессе встретились трудности, которые и не предполагались вначале.

В XIX веке самым значительным событием в развитии археологии

стало разделение первобытной истории на три эпохи. Периодизация

эта возникла тоже в Дании где-то между 1800 и 1850 годами. До этого

все археологические находки доримского времени определялись довольно туманно и запутанно. Раскопки, проводимые на территории

Британии и Франции, приносили множество ценнейших находок, но

трудно было поместить их в какой-либо определенный хронологический период.

Разноголосица определений - кельтский, галльский, древнебританский, друидический - отражала весьма безнадежную ситуацию, в

которой находились тогда даже самые искушенные антиквары. Они

вынуждены были выставлять в музеях экспонаты без всякой систематизации по эпохам.

Изучая богатейшие экспозиции Национального музея Дании, ученый Ведель-Симонсен в 1813 году предложил периодизацию первобытной истории человечества по трем эпохам. Ведель-Симонсен писал: «Вначале древние жители Скандинавии делали оружие и орудия

труда из камня и дерева. Затем они стали использовать медь, а еще

позднее - железо. По этому признаку развитие их культуры можно

разделить на три эпохи: век камня, век меди и век железа. Между

этими периодами нет четких и однозначных границ. Они заходят

один на другой, и можно не сомневаться, что после появления меди

беднейшая часть сообщества продолжала еще пользоваться каменными орудиями, а после появления железа - медными». С тех пор

периодизация первобытной истории по трем эпохам - каменный,

бронзовый и железный века - стала классической,

В 1816 году Расмуса Нирупа на посту секретаря Королевской комиссии сменил Христиан Юргенсен Томсен, который впоследствии

стал первым хранителем вновь созданного Национального музея. Эту

должность он занимал в течение почти полувека, вплоть до своей

смерти. Юргенсен систематизировал не только коллекции Музея, но

и коллекции, в беспорядке хранившиеся в университетской библиотеке. Он расположил их в соответствии с новыми представлениями о каменном, бронзовом и железном веках.

Так появился первый в мире систематический археологический

музей, который был торжественно открыт для публики в 1819 году. В

часы работы Музея сэр Томсен обычно находился в экспозиции, сам

С самого начала деятельности Национального музея древностей

Томсен особое внимание уделял посетителям из крестьян. Он объяснял это тем, что крестьяне во время полевых работ чаще других

обнаруживают археологические находки. Поэтому он терпеливо объяснял им, на какие исторические открытия они могут натолкнуться.

За несколько лет коллекции Национального музея древностей так

разрослись, что для них потребовалось новое помещение. Музей был

переведен в королевский дворец Христианборг, где каждая экспозиция - каменного, бронзового и железного веков - получила отдель-1

ный зал. I

В 1891 году в одном из торфяников северной Дании был найден

огромный медный котел, украшенный серебряными пластинами. Диаметр котла составлял 68 сантиметров.

В соответствии с существовавшим тогда обычаем, после победы в

военном сражении часть добычи воины бросали в болото - как ритуальную благодарность богам. Благодаря этой традиции некоторые

бесценные памятники седой старины хорошо сохранились до нашего

времени.

Кельты были известны как хорошие наездники, и потому на рельефах котла встречаются их многочисленные изображения. Всадники

одеты в короткие, плотно облегающие тело плащи, их головы защищены железными шлемами. За рядами пеших воинов, вооруженных

копьями, дротиками и щитами, следуют другие (уже без шлемов).

Один из них, например, несет длинный шест, на конце которого

укреплена лошадиная голова.

В Национальном музее хранится интересный портрет, написанный

яичными красками и долгое время остававшийся таинственным. На

нем изображен среднего роста мужчина с высоким лбом, с коротко

остриженными вьющимися волосами, одетый в роскошную сорочку,

украшенную драгоценными каменьями.

После долгих исследований историки и искусствоведы пришли к

выводу, что это портрет Ивана Грозного. Судя по надписи, портрет

был написан в 1565 году, когда Иван IV добавил к своему титулу

звание «самодержец». Теперь ученым оставалось установить, как же

попал этот портрет в Национальный музей Копенгагена?

В музейных архивах было выяснено, что до 1828 года он находился

в Королевской кунсткамере. В инвентаре Кунсткамеры портрет описан очень кратко: «Старинная мужская голова написана московским

манером». О происхождении же его не сказано ни одного слова, но на

обороте сильно обветшавшей бумаги сохранилась часть латинской

надписи. Всю надпись прочесть не удалось, но на ее остатке сказано,

что «это редкий портрет Московского царя Ивана Грозного... привез

с собой к датскому королю господин Габель при отъезде из Москвы в

феврале 1677 года».

Именно в этот год в Москве находился датский посол Фридрих

фон Габель, который от имени датского короля Христиана V вел

переговоры о заключении русско-датского союза. Видимо, через него

царь Федор Алексеевич и передал редкий портрет своему «брату» -

датскому королю, который и поместил его, наряду с другими драгоценностями, в Кунсткамеру.

Кунсткамера была ликвидирована в 1828 году, хранящиеся в ней

сокровища были переданы в разные музеи, а портрет был передан в

этнографическое отделение Копенгагенского национального музея.

Сейчас он выставлен в историческом отделении и является одним из

сокровищ Музея.

МУЗЕЙ ПРАДО В МАДРИДЕ

Как музей, доступный для широкой публики, Музей Прадо был

открыт в 1819 году. Основой для него послужили коллекции картин,

которые собирали испанские короли в течение трех столетий. Вначале

эти картины предназначались главным образом для украшения дворцовых и церковных капелл. Но в XVI веке (начиная с царствования

Карла V) культурные связи Испании с другими европейскими дворами расширяются, и Карл V стал охотно приобретать произведения

иностранных мастеров. Его любимым живописцем был Тициан, и в

1548 году он заказывает художнику свой портрет на коне - в память

победы под Мюльбергом.

Карл V почти не жил в испанской столице, он предпочитал город

Брюссель. Здесь во дворце и хранились приобретенные им коллекции

картин Тициана, Моро и других известных живописцев. Впоследствии большинство из этих коллекций было отправлено в Испанию,

и теперь они выставлены в Музее Прадо.

Филипп II (сын Карла V), став королем, не покидал Испанию. Он

расширил королевские коллекции картин и украсил ими загородный

дворец Прадо, перестроенный им для своей третьей жены Елизаветы.

Как и его отец, Филипп II ценил итальянскую живопись и продолжал давать заказы Тициану. Ему нравилась и изощренная художественная фантазия Иеронима Босха, и потому он охотно приобретал

его картины. Так в Музее Прадо оказалось лучшее полотно И. Босха

«Сад наслаждений».

Особенно значительно королевские коллекции пополнились при

Филиппе IV. При этом большую роль сыграл Веласкес, придворный

художник короля и его главный советник по приобретению произведений искусства. Во время одной из своих поездок в Италию Веласкес

приобрел ряд выдающихся произведений Веронезе, Тинторетто, Бассано, которые до сих пор украшают Прадо. Примерно тогда же, во

время распродажи коллекций английского короля Карла I, было куплено много прекрасных картин, и среди них такие шедевры, как

«Смерть Богоматери» Монтеньи и «Автопортрет» Альбрехта Дюрера.

В 1628 году в Мадрид с дипломатическим поручением от Нидерландов приезжает великий Рубенс. Роль дипломата не помешала ему

заниматься в испанской столице живописью, и написанные им здесь

картины сразу же были приобретены испанским королем. Другие

произведения Рубенса частью попали в Прадо во время распродажи

коллекции после смерти художника («Сад любви», «Три грации» и

некоторые другие). Хотя Елена Фоурман, вторая жена Рубенса, после

смерти художника хотела сжечь все картины, где он рисовал ее обнаженной, но кардинал-инфант Фердинанд через духовника уговорил ее

не делать этого.

В XVIII веке среди передовых умов испанского общества начинает

витать мысль о необходимости создания публичных музеев. В Испании в это время большое внимание уделялось развитию естественных

наук, поэтому было решено, что первый музей будет посвящен естествознанию. В 1785 году под него отводится место в большом парке

Прадо, отсюда впоследствии получил свое название и весь музей.

Однако здание для нового музея не было достроено: этому помешали

смерть короля Карла III, полное равнодушие к делам культуры Карла IV и последующее нашествие наполеоновской армии.

Только в 1814 году был издан приказ об окончании постройки

здания для музея, к этому времени уже сильно пострадавшего от

французских войск. Теперь было решено поместить в музей и художественные сокровища, находящиеся во дворцах Мадрида и Аранхуэса.

В постановлении об открытии Прадо было сказано: «Целью музея

является давать знания, воспитывать художественный вкус как у

учеников, так и у профессоров художественных академий, а также и

у иностранцев, чтобы создать Испании славу, которую она заслуживает».

Вначале в Прадо было совсем немного картин - всего 311. Произведения отбирались для музея с особой тщательностью, совершенно

не допускались картины с обнаженными фигурами. Сначала даже

было издано специальное постановление сжечь такие картины, но

потом их передали в закрытые помещения Академии Сан Фернандо.

Постепенно количество картин в Музее Прадо начало возрастать.

Значительно обогатило Музей разрешение взять часть картин из Эскориала, из музея монастыря де ла Тринидад и других монастырей. Со

временем Прадо становится все более независимым от королевского

двора. В дирекцию Музея, кроме высокопоставленных лиц, входят |

люди искусства. Самая знаменитая дата в жизни Прадо - 1868 год, |

когда он из королевского музея превратился в музей города Мадрида. |

В 1927 году в дар Музею дон Сесаро Кабанес принес полотно Эль

Греко «Иоанн Евангелист». Некоторые искусствоведы считают его

самым привлекательным вариантом образа Иоанна Евангелиста -

любимого ученика Христа - в ряде его многочисленных изображений у Эль Греко. Мужественное, красивое лицо святого освещено

легкой улыбкой, взгляд темных глаз полон вдохновения, во всем

облике чувствуется мягкость и в то же время решимость характера.

Изящным жестом Иоанн Креститель держит золотой сосуд, из которого вылетает дьявол. Согласно легенде, в вино, которым апостол

должен был причащать верующих, был положен яд, чтобы отравить самого апостола. Но яд вышел из сосуда в виде дьявола, и никто не был отравлен.

Переливчатые тона зеленой туники и красного плаща оттенены







Сейчас читают про: