2020-01-14
893
Особняком в итальянском искусстве 16 в. стоит венецианская школа, которая, в отличие от всех других школ, не попала под влияние Рима и сохранила своеобразие. Венецианское искусство также дольше устояло перед натиском маньеризма. Источником этой жизнеспособности были богатство и могущество города – Венеция, сохранив республиканский строй, осталась единственным очагом ренессансной культуры и гуманизма в начале 16 в.
Родоначальник живописи Высокого Возрождения Венеции – ученик Джованни Беллини Джорджоне выступил как новатор, не имевший предшественников. Первым из художников Венеции он начал писать почти исключительно картины на мифологические и литературные темы, портреты, ввел в живопись пейзаж и изображение обнаженного тела. Подобно Леонардо, он стремился к ритму и гармоническому единству, к одухотворенности и психологической выразительности образов, интересовался пропорциями человеческого тела, законами светотени. Однако работы Джорджоне в отличие от Леонардо более эмоциональны. Из всех средств выражения, имеющихся в распоряжении живописи, он как истинный венецианец, отдавал предпочтение цвету.
В передаче пространства он опирался не столько на линейную, сколько на воздушную перспективу, фиксируя тонкие переходы цветов по мере удаления от глаз зрителя. В изображении объемных форм он искал цветовые отношения между освещенными и затененными частями. Благодаря этому его картины создают ощущение воздушной среды, обволакивающей и объединяющей все предметы, а в изображении тела он умел уловить его трепетность и теплоту. Лейтмотив произведений Джорджоне составляет единство человека и природы.
В 1504 г. он написал алтарную картину «Мадонна Кастельфранко», достигнув предельной ясности и простоты композиции. Джорджоне пишет мадонну в простом одеянии на фоне залитого солнечным светом пейзажа. Вся картина проникнута характерным для Джорджоне мягким, задумчивым, лирическим настроением.
К числу ранних картин художника относится «Юдифь». В отличие от мастеров Флоренции, Джорджоне решает эту тему как лирическую, воплощая идеал чистой и прекрасной женщины. Он изобразил ее не в момент действия, но после свершения подвига. Для создания настроения Джорджоне тонко использует эмоциональную выразительность цвета. Теплые тона одежды и тела Юдифи выделяются на фоне синего неба и холодных зеленых оттенков травы и отрубленной головы Олоферна.
Около 1506-1507 гг. Джорджоне написал картину «Гроза», в которой также уделяет главное внимание передаче настроения. Впервые в европейской живописи здесь изображено состояние природы: тяжелые темные тучи, прорезанные молнией, застывший перед грозой лес. Ранний период творчества Джорджоне завершается картиной «Три философа». В этом произведении совершенно отсутствует действие, рассказ. Все внимание художника сосредоточено на том, чтобы дать выразительную психологическую характеристику трех различных характеров.
Уже в первом десятилетии 16 в. Джорджоне становится признанным главой венецианской школы. В его мастерскую переходят от Джованни Беллини молодые художники Тициан и Себастиано дель Пьомбо. Одной из последних дошедших до нас работ Джорджоне является не совсем ясная по сюжету картина «Сельский концерт». В этой картине нежность и лиризм ранних произведений Джорджоне сменяются большей полнотой чувства, предвещающей полнокровное и земное искусство Тициана. В 1507-1508 гг. Джорджоне написал знаменитую картину «Спящая Венера». Нежность овала лица, поразительная чистота и плавность линий тела, тонкость цветовых отношений, - все было новым в этой картине. По свидетельству современника, после его смерти в расцвете творческих сил в 1510г. во время эпидемии чумы, эта картина была закончена Тицианом, который дописал пейзаж.
После смерти Джорджоне его ученик Тициан Вечеллио, став ведущим мастером венецианской школы. В начале 16 в. он написал серию женских полуфигур («Саломея», «Дама за туалетом», «Флора»). В этих произведениях Тициан продолжил тему, начатую Джорджоне – поиски прекрасного женского образа и создал свой, более земной и чувственный вариант красоты.
В творчестве Тициана получили развитие введенные Джорджоне сюжеты, заимствованные из литературы и мифологии, а также пейзажи и портреты. Но романтику и мечтательность сменяют жизнерадостные чувства, композиции становятся богаче и разнообразнее. В еще большей степени, чем Джорджоне, он делает цвет главным организующим началом в картине. Лучшие картины Тициана раннего периода «Любовь небесная и земная» (1514), «Динарий кесаря» (ок. 1516), в которой он использовал для характеристики действующих лиц прием Леонардо да Винчи – контрастное сопоставление.
К этому же периоду относится ряд портретов, среди которых выделяется «Юноша с перчаткой» (ок. 1518).
1518-1530-е гг. – период творческой зрелости Тициана. Первым крупным произведением этого периода является величественная и пафосная картина «Вознесение Марии» в церкви Санта Мария деи Фрари в Венеции (1518). Этими же чертами отмечена «Мадонна Пезаро» (1519-1526), в которой Тициан создает новый тип алтарной картины, отказавшись от традиционного симметричного построения.
Начиная с 1530-х гг. произведения Тициана становятся проще по композиционному построению, пафос сменяется красочным и правдивым изображением окружающей жизни. Среди немногочисленных религиозных картин, исполненных в эти годы, показательна работа «Введение во храм», в которой главным становится изображение нарядной венецианской толпы на фоне величественной и богатой архитектуры. В эти годы Тициан снова обращается к изображению обнаженного тела («Венера Урбинская», 1538). Во время пребывания в Риме, в 1545г., он написал первый из четырех вариантов «Данаи».
Тициан — один из крупнейших портретистов 16 в. В своих портретах он раскрывает духовный облик человека и при этом передает его положение в обществе, придает ему величие и достоинство, создает образ, соответствующий гуманистическим идеалам Возрождения. С 40-х гг., Тициан начинает писать парадные портреты в рост, однако дающие неприкрашенную характеристику моделей (Портрет папы Павла III с Алессандро и Оттавио Фарнезе,1546). К числу лучших портретов 30-40-х гг. 16 в. принадлежат «Красавица» (1536), «Ипполито Риминальди» (1548), «Пьетро Аретино» (1545), «Карл V в кресле» (1548).
В портрете «Карл V у Мюльберга» (1548), изобразив императора в доспехах верхом на коне, Тициан создал новый тип репрезентативного портрета, получившего широкое распространение в искусстве 17-18 вв.
В своих зрелых работах он пришел к новому пониманию формы, строящейся не на светотеневых, а на цветовых отношениях.
В последние годы жизни Тициана его творчество протекает в обстановке усиления феодально-католической реакции и кризиса изобразительного искусства, в котором сказывается влияние маньеризма. Однако Тициан остается верен традиции Возрождения. Многочисленные мифологические картины этих лет позволяют с еще большей силой, чем раньше, почувствовать великолепие человеческого тела («Даная» 1554, «Венера перед зеркалом» 1555, «Диана и Актеон» 1559).
В религиозных картинах он все чаще обращается к драматическим сюжетам, в которых с большой экспрессией изображает человеческие страдания («Мучение св. Лаврентия» 1550-1555, «Терновый венец» ок. 1570, «Св. Себастиан» (1570, «Оплакивание Христа» 1573-1576).
В картинах исчезают контрасты больших красочных пятен, но зато раскрывается принцип контрастных сопоставлений холодных и теплых тонов. Манера письма Тициана становится все более широкой и свободной; местами, он накладывает краску густо, тени же, напротив, прописывает легко, не скрывая зернистой фактуры холста, позволяя просвечивать горячему красноватому подмалевку. Эти новые приемы оказали огромное влияние на дальнейшее развитие европейской живописи и были использованы крупнейшими мастерами последующих эпох.
Венецианская школа второй половины 16 в. выдвигает много прекрасных художников, среди которых первое место принадлежит Веронезе и Тинторетто.
Паоло Веронезе – художник праздничной, нарядной и богатой Венеции, один из самых блестящих колористов венецианской школы. Это мастер больших алтарных картин и пышных монументальных росписей, в которых главным действующим лицом является блещущая разнообразием красок, шумная и подвижная толпа его сограждан. Религиозные картины этого мастера носили настолько светский характер, что это даже навлекло на него неудовольствие инквизиции.
Полного расцвета творчество Веронезе достигает в 60-е гг. Образы реальной жизни, современные костюмы, богатая венецианская архитектура превращают его картины и росписи в изображение современной Венеции. Отличительной чертой произведений Веронезе является бьющая через край жизнерадостность, искрящееся веселье. Особенно любил Веронезе сюжеты с изображением пиров и празднеств. В основу подобных изображений легли впечатления от увеселений и праздничных церемоний, которыми славилась Венеция. К числу лучших работ Веронезе принадлежит цикл картин для семьи Куччина – «Несение креста», «Семья Куччина перед мадонной», «Поклонение волхвов» и «Брак в Кане».
В росписи «Брак в Кане» - 6,6×9,9.м, написанной для трапезной монастыря Сан Джорджо Маджоре, проявились типичные для зрелого творчества Веронезе черты – стремление к жанровости, перенесение внимания с главных действующих лиц легенды на второстепенные персонажи, чрезвычайное обилие фигур, богатство красок.
Действие происходит в огромном мраморном дворце, напоминающем богатые венецианские палаццо. На фоне величественной архитектуры развертывается зрелище роскошного пиршества. За столами, заставленными яствами, множество нарядно одетых людей, в облике которых можно узнать черты знаменитых современников Веронезе — императора Карла V, турецкого султана, английской королевы, а также знатных венецианцев. Под видом играющих на пиру музыкантов Веронезе изобразил современных венецианских художников, в том числе Тициана, Тинторетто, Бассано и самого себя. Вокруг столов, среди пирующих гостей снуют многочисленные слуги; а позади, на балконах и лестницах, толпится венецианский люд. Лишь с трудом может разыскать зритель в этой пестрой и шумной толпе Христа и его учеников. Однако, несмотря на обилие действующих лиц (в картине 138 фигур), картина легко обозрима благодаря стройности композиционного построения. Веронезе не раз обращался к изображению подобных празднеств и пиршеств, используя для этого религиозные сюжеты. Подчеркнуто светская трактовка, обилие в них чисто жанровых мотивов вызвали недовольство инквизиции, обвинившей художника в неуважении к религиозной теме.
Поздние работы Веронезе характеризуются некоторой перегруженностью композиций и преувеличенностью движений, что позволяет рассматривать его как одного из предшественников искусства барокко. Одним из самых прославленных произведений последнего периода его творчества является плафон большого зала Палаццо дожей «Триумф Венеции» (1580-1585). В некоторых поздних картинах художника начинают звучать несвойственные ему ранее тревога и беспокойство. Все чаще он обращается к трагическим эпизодам священной истории, воплощая в них страдание и скорбь («Распятие», «Оплакивание Христа»). Эти настроения Веронезе свидетельствуют о том, что в последние десятилетия 16в. в культуре Венеции сказывается кризис ренессансного гуманизма.
В большей мере, чем творчество Веронезе, печатью этого кризиса отмечено творчество другого крупнейшего живописца Венеции второй половины 16 в. – Тинторетто (Якопо Робусти, 1519-1594). В противоположность радостным и праздничным картинам и росписям Веронезе произведения Тинторетто пронизаны мятущимся и тревожным духом. Яркий реализм, интерес к изображению простых людей из народа, сочетаются в нем подчас с мистической экзальтацией и маньеристской изощренностью форм. Экспрессия, драматизм, глубина раскрытия психологических явлений резко выделяют работы Тинторетто на фоне современной ему венецианской живописи. Как по мироощущению, так и по форме творчество Тинторетто знаменует конец ренессансной классики и открывает в искусстве новые пути. Первым произведением, принесшим ему широкую известность, была картина «Чудо св. Марка» (1548), в которой проявился присущий Тинторетто интерес к необычным ракурсам, бурным и динамичным композиционным решениям.
В середине 50-х гг. в творчестве Тинторетто театральная патетика ранних работ сменяется большей эмоциональной глубиной. Многие работы этой поры овеяны тонким романтическим чувством («Спасение Арсинои», ок. 1555). В картине «Введение во храм» (1555) он отступает от классических принципов композиции. Круто поднимающаяся асимметричная круглая лестница, низкая точка зрения, создающая впечатление, будто событие разыгрывается над головой зрителя, вызывает ощущение динамики.
В 1560-е гг. он избегает нарочитой усложненности построения, однако произведения не утрачивают от этого динамичности. Большую роль в композиции начинают играть контрасты масс света и тени. Изменяется и живописная манера художника. На смену большим цветовым пятнам приходит разнообразие мазков, создающих переходы то приглушенных, то вдруг ярко вспыхивающих цветов. Картины этого периода отличаются особенным драматизмом и психологической глубиной (работы, исполненные для братства св. Марка в1562-1566гг).
Вершины драматической экспрессии художник достигает в работе «Тайная вечеря» (1566). Решительно порвав с традиционными схемами изображения этого сюжета в итальянском искусстве, Тинторетто переносит действие в скромную обстановку полуподвального помещения, где за небольшим квадратным столом сидят на простых соломенных стульях бедно одетые люди. Помещенный под углом к картинной плоскости стол, в беспорядке расположившиеся вокруг него апостолы и Христос, непринужденность жестов и движений создают впечатление случайно увиденной зрителем сцены. С поразительной силой передает Тинторетто смятение вскочившего с места и опрокинувшего стул Иуды, порыв устремившихся к Христу учеников. Драматизм сцены особенно усиливается благодаря будничности окружения и вплетенным в композицию обыденным жанровым мотивам (играющая с миской кошка, присевшая на ступенях лестницы женщина с прялкой в руках).
В поздний период творчества в картинах Тинторетто появляется ощущение безграничности пространства, словно поглощающего человека. В картинах «Бегство в Египет» и «Св. Мария Египетская» 1582-1584гг. большое значение приобретает изображение природы, человек становится лишь ее частью, неразрывно спаянной общностью эмоционального состояния.
К числу последних работ художника принадлежит «Тайная вечеря» 1591-1594 гг.
Возвращаясь снова к этой теме, Тинторетто дает новую ее интерпретацию. Теперь он хочет не столько рассказать о происшедшем, сколько стремится выразить настроение, передать состояние людей. Косо поставленный длинный стол, мерцающий свет, резкие контрасты света и тени, множество фигур, жанровые мотивы – все это предваряет искусство 17 в. Особенно удивителен в этой картине свет — пятнами падая на фигуры, преломляясь в хрустальной посуде, местами выхватывая из сумрака отдельные предметы, он создает впечатление единой вибрирующей среды и наполняет картину ощущением тревожного беспокойства и напряженности.
Творчество Тинторетто оставило заметный след в европейском искусстве. Ему многим обязаны не только непосредственно соприкасавшиеся с ним художники, но и художники следующей эпохи, великие мастера искусства 17 века.
Искусство Италии 16 века. Маньеризм.
Явный разлад гуманистических идеалов и действительности породил неверие в возможности гармонического развития личности. Первые признаки кризиса начали проявляться в 20-30-х гг. 16 в. – в них выразился перелом в развитии ренессансной культуры, постепенно утрачивающей свой жизнерадостный, светский характер. Целый ряд молодых художников в конфликте с принципами классического стиля обратился к поискам новых средств для выражения своих идей и чувств Для произведений этих художников характерны нарушение свойственных искусству Высокого Возрождения принципов равновесия и гармонии, склонность к уплощению пространства, тесному расположению фигур, их деформации и удлинению, причудливым, змеистым линиям. Направление это, получившее название маньеризма, широко распространилось во второй половине 16 в. не только в Италии, но и в искусстве большинства европейских стран.
Первым обращается к стилистике маньеризма Якопо Понтормо. В картине «Положение во гроб» отсутствует ясность пространственных отношений, фигуры приближены к переднему плану и громоздятся друг над другом, движения их беспокойны, лица взволнованны и бледны. Изломанное течение линий, очерчивающих фигуры, и отсутствие твердой опоры композиции создают впечатление неустойчивости, колебания. В этом же направлении развивается и творчество Россо, создавшего произведения, в которых вычурность и манерность прикрывают недостаток чувства и глубины («Снятие с креста»).
В 20-30-х гг. 16в. в искусстве Рима после смерти Рафаэля и отъезда Микеланджело ведущую роль начинают играть ученики этих мастеров, творчество которых отмечено эклектизмом и манерностью. Среди учеников Рафаэля первое место принадлежит Джулио Романо (росписи палаццо дель Тэ в Мантуе). Среди художников, испытавших влияние Микеланджело - Даниеле да Вольтерра («Снятие со креста»). В этой картине появляются характерные для искусства маньеризма плоскостность композиции и вычурность движений.
В 40-50-е гг. 16 в., когда в искусстве утверждается новый идеал аристократического изящества, основанный не на обобщении явлений действительности, а на произвольных нормах эстетического вкуса, окончательно формируются черты маньеристского стиля. Сознание неудовлетворенности, бессилия перед неразрешимыми противоречиями теперь сменяется стремлением вовсе отгородиться от жизни, поставить искусство выше реальности. Характерные признаки зрелого маньеризма отражены в творчестве пармского живописца Пармиджанино – изощренность, манерность, произвольность пропорций, стремление поразить зрителя необычной трактовкой мотива («Автопортрет в выпуклом зеркале» 1521, «Мадонна с розой» 1527, «Мадонна с длинной шеей» 1534—1540).
Картины Пармиджанино знаменуют создание рафинированного аристократического идеала грации и красоты, им присущи гладкая эмалевая поверхность живописи и светлый холодный колорит. Среди художников северной Италии, испытавших влияние Пармиджанино – болонский живописец Приматиччо, который с 1531г. работал во Франции и был главой школы Фонтенбло.
С 30-х гг. 16 в. одним из важнейших центров маньеристского искусства стала Флоренция. Это направление возглавил Аньоло Бронзино, любимый ученик Понтормо. «Венера и амур» - манерность движений, вычурная изломанность тел, отказ от передачи пространства, увеличение значения контура. Портреты Бронзино, всегда парадные и холодные, но, вместе с тем, точные и правдивые.
