Классический кроссовер

РЕФЕРАТ

на тему: “Кроссовер”

 

Выполнил: ученик 5 класса

Бондарь Марк

 

г. Санкт-Петербург, Россия

2019-2020 уч.гг.

Содержание

Введение………………………………………………………………………………3

1. История кроссовера…………………………………………………………………..4

1.1. Классический кроссовер……………………………………………………..4

1.2. Кроссовер-треш……………………………………………………………....5

1. Композиторы…………………………………………………………...…………….7

2.1. Джордж Гершвина…………………………………………………...………6

2.2. Астор Пьяццола……………………………………………………………....9

1. Представители музыкантов и авторских коллективов……………………...……13

Заключение…………………………………………………………...……....……..15

Список итературы………………………………………………...………….……..16

 

Введение

Музыка, возникшая на скрещении “высоких” и “низких” стилей получила условное жанровое название кроссовер. Идеологией этого гибридного направления стало распростроненное мнение о том, что “все жанры хороши, кроме скучного”.

Кроссовер (от crossover с англ. — «переходить») — музыка, в которой происходит смешение двух или более стилей или тем.

На сегодняшний день, различают несколько стилей крассовера: классический кроссовер и кроссовер-трэш.

Классический кроссовер (англ. classical crossover) — музыкальный стиль, представляющий собой своеобразный синтез, гармоничное сочетание элементов классической музыки и поп, рок, электронной музыки. Название официально утвердилось не так давно, войдя в список номинаций музыкальной премии Grammy, ежегодно присуждаемой Национальной академией звукозаписи США. Этот стиль настолько популярен, что Billboard создал для него отдельный чарт среди своих хит-парадов. Иногда применительно к вокальной музыке этого жанра используют название operatic pop или popera.

Кроссовер-трэш (англ. crossover thrash) — музыкальный стиль, который является одной из форм трэш-метала или хардкор-панка, оказавших влияние друг на друга, либо является их смесью Кроссовер представляет собой одно из направлений панк-метала, куда входят и другие весьма похожие стили, как, например, грайндкор.

История кроссовера

Классический кроссовер

Классический кроссовер как музыкальный стиль формировался постепенно, за прошедшие три десятка лет шаг за шагом преодолев путь от эклектичных экспериментов по соединению рока и классики до широкого признания.

В девяностые годы это направление было известно также под названиями classical pop, operatic pop, neoclassical, contemporary classical или просто crossover, однако множество примеров не только в вокальном, но и инструментальном творчестве оставили в качестве основного название classical crossover. Возникнув в результате компромисса между элитарным искусством, к которому принято относить академическую музыку, и современной массовой культурой, музыкальный кроссовер примечателен пересечением на первый взгляд несоединимых явлений, бесчисленными мостиками между ними. Новый синтез позволяет комбинировать академическую основу с самыми современными музыкальными тенденциями, дает ему особую гибкостью развития. «Музыка – это путь! Она не может останавливаться или двигаться проторенными тропами, иначе она перестает быть музыкой и превращается в движение мертвой звуковой материи. «Кроссовер – пересечение путей, мост между жанрами; путь по непроторенной дороге; жанр вне жанра» – декларируют музыканты знаменитого «Терем-квартета». Гибко и гармонично объединяя музыкальные стили и жанры, classical crossover обретает всё большую популярность в мире (сlassical crossover входит в список номинаций музыкальной премии Grammy, ежегодно присуждаемой Национальной академией звукозаписи США). Благодаря этому осуществляется одна из важнейших функций classical crossover’а, – популяризация академической музыки. Не удивительно, что он имеет самую широкую аудиторию от 20 до 60 лет.

Возникновение и успех музыкального кроссовера связывают со многими причинами. Это и накопившиеся проблемы в академическом искусстве, и желание музыкантов нести классику широкой аудитории, неисчерпаемость музыкальной классики, желание музыкантов, работающих в других стилях, привнести в исполняемую музыку красоту мелодий и глубину содержания, и многие другие. Стремительное развитие массовых коммуникаций – еще одна из причин появления классического кроссовера. Музыка в кино, аудиозаписи стали основной формой потребления классики. В них не было непосредственности, свойственной живому исполнительству. Но возникли другие положительные черты – охват гораздо большей аудитории, возможность различных экспериментов по слиянию разнородного в стилевом и фактурном отношении музыкального материала, что впоследствии и легло в основу classical crossover’а. Он развивается на огромной музыкальной территории, приобретая всё больше поклонников.

 

Кроссовер-трэш

Кроссовер-трэш начинается с того, что метал-исполнители внедряют в свою музыку элементы хардкора. Сплит группы Void и The Faith 1982 года признан одним из самых ранних и влиятельных записей в данном стиле. Повышая свою технику игры, представители метал-сцены создают новый стиль, все дальше отдаляясь от хардкора, ориентированного на быстрый темп и короткие песни. Стиль окончательно сформировался в клубе Ruthie города Беркли, в 1984 году. Примечательно, что изначально все эти группы обозначали термином металкор.

Хардкор-группы Corrosion of Conformity, D.R.I. и Suicidal Tendencies переходят на кроссовер-трэш под влиянием трэш-метала. Эта сцена оказывает влияние на крыло скинхэдов нью-йоркского хардкора, а именно, на группы Cro-Mags, Murphy’s Law, Agnostic Front и Warzone.

Многие группы, исполнявшие кроссовер-трэш в 1980-х, впоследствии перешли на другие жанры и стили. Так, Corrosion of Conformity с 1990-х движутся в направлении стоунер-метала. Таким же образом Suicidal Tendencies сменили свой стиль на фанк-метал.

 

 

Композиторы

Джордж Гершвин

Джордж Ге́ршвин (англ. George Gershwin, имя при рождении Jacob Gershwine — Я́ков, или Дже́йкоб Гершвин; 1898—1937) — американский композитор и пианист. Классик американской музыки, роль которого сравнима с ролью основоположников национальных композиторских школ. Гершвин попытался преодолеть «развлекательность» джаза и вывести его на новый уровень мировой академической музыки, соединив джазовый язык с еврейскими жанрами. Именно благодаря этому обстоятельству сочинения Гершвина обрели мировое признание.

Джордж Гершвин родился под именем Яков 26 сентября 1898 года в Нью-Йоркском районе Бруклин в семье еврейских эмигрантов из Одессы. Его отец, Мойше Гершовиц переехал в Бруклин в начале 1890-х годов; мать: Роза Брускина, несколькими годами ранее. Джордж был вторым ребёнком в семье (всего детей было четверо).

В 12 лет под впечатлением от встречи с 10-летним скрипачом Максом Розеном начал самостоятельно учиться играть на фортепиано. Намного позже, став прославленным композитором, Гершвин не переставал учиться, совершенствовать свою технику. Во время таких занятий он познакомился с уникальным американским композитором тех лет — Иосифом Шиллингером (последний примечателен тем, что подходил к процессу сочинения музыки с математических позиций, пытаясь разработать универсальный алгоритм).

В 1914 году Гершвин начал профессионально заниматься музыкой, работая аккомпаниатором в музыкальном издательстве Джерома Ремика. Уже через два года было выпущено первое авторское произведение молодого Гершвина — «When You Want ’Em, You Can’t Get ’Em». Несмотря на то, что оно не пользовалось особым успехом у публики, Гершвин привлёк внимание некоторых известных бродвейских продюсеров и режиссёров. Например, Зигмунд Ромберг включил музыку Гершвина в своё ревю The Passing Show of 1916. В те годы Гершвин, занимаясь фортепиано, гармонией и оркестровкой, подрабатывал пианистом в ресторанах. Его учителями были Ч. Хамбитцер (фортепиано), Р. Голдмарк (гармония) и другие.

В 1918—1919 годах на Бродвее исполнялось много произведений Гершвина: песня Swanee вошла в шоу Эла Джолсона «Sinbad» и имела ошеломляющий успех — Джолсон многократно записывал её на пластинках и исполнил в нескольких фильмах. А постановка La La Lucille 1919 года была полностью основана на сочинениях Гершвина. Она явилась следующим, вполне естественным этапом музыкальной карьеры- обращение к мюзиклу.

В 1920—1924 годах Джордж Гершвин создавал по нескольку десятков произведений для George White’s Scandals, а в 1922 году написал даже настоящую оперу — Blue Monday (известную также как «135th Street»), после премьеры которой был приглашен в джаз-бэнд Пола Уайтмена в качестве композитора. Именно для Уайтмена Гершвин сочинил жемчужину своего творчества — «Rhapsody in Blue» («Рапсодия в блюзовых тонах» или же «Рапсодия в стиле блюз»). Сочинение написано автором за три недели и содержит столько великолепных мелодических, ладогармонических и фактурных находок, свидетельствующих о бьющей через край творческой фантазии автора. Уже в первой, основной теме обращают на себя внимание и терпкие «блюзовые ноты» в мелодии, и порожденные ими гармонические «переченья» расщепленных ступеней. Интонационный портрет Америки подчеркнут ритмической раскованностью темы. Дальнейшее развитие фориы построено по принципу свободного нанизывания контрастных эпизодов, объединенных импровизационностью («размывание» тематических границ-вполне джазовое качество) и рондальностью (темы многократно повторяются в разном эмоциональном обичье). Оркестровые фазы трижды уступают место сольным фортепианным разделам.

В 1924 году Гершвин создал мюзикл Lady, Be Good, который стал первым настоящим успехом композитора на Бродвее. В этой постановке Гершвин впервые работал со своим братом Айрой Гершвином, который писал все тексты. Следующее десятилетие этот творческий союз был самым продуктивным и востребованным на Бродвее. Самым удачным их шоу было Of Thee I Sing, 1931; за него они получили Пулитцеровскую премию (1932), впервые присужденную музыкальной постановке.

Самой масштабной и амбициозной работой в биографии Гершвина стала «фольклорная» опера «Порги и Бесс» (1935), поставленная по роману Дюбоса Хейворда, принимавшего участие в написании либретто для оперы. Замысел большой трехактовой оперы возник в 1932. Роман Хейуорда «Порги», посвященный судьбе безного негритянского калеки и названный по имени главного героя, вышел в свет в 1925. Контракт на сочинение оперы, заключенный с Театральной гильдией, композитор назвал «актом любви»-настолько он горел желанием скорее приняться за работу. Гершвин планировал поставить оперу силами негритянских певцов, но Метрополитен-опера, где автору хотелось представить свое любимое детище, категорически отверг малейшую возможность такой идеи. Поэтому премьера оперы прошла в «Колониальном театре» города Бостона (на сцену Метрополитен она попадет лишь через 50 лет).

Музыка оперы сочетает элементы мюзикла и лирической оперы. Яркие сольные номера (больше напомнающие песни), выразительные ансамбли и хоры в духе спиричуэлов чередуются с речетативами, которые композитор стремился вывести «из особенностей негритянской речи», и разговорными вставками белых персонажей, намеренно лишенных вокальной партии. В наши дни большинство номеров оперы нередко исполняется по отдельности в концертах и популярной, и классической музыки.

В начале 1937 года у Гершвина обнаружились симптомы опухоли головного мозга. Гершвина поместили в клинику «Седарс Синай», где он умер утром 11 июля 1937 года, не приходя в сознание после операции по удалению опухоли.

На следующий день после смерти композитора по американскому радио выступил Арнольд Шёнберг лично знакомый с Гершвиным и ценивший его творчество, который сказал следующее: “Джордж Гершвин был одним из редких музыкантов, для которых музыка не сводилась к вопросу о больших или меньших способностях. Музыка была для него воздухом, которым он дышал, пищей, которая его насыщала, напитком, который освежал. Музыка была тем, что он чувствовал, чувством, которое его наполняло. Первозданность такого рода дана только великим и, без сомнения, он был великим композитором. То, что он совершил, — это вклад не только в американскую музыку, но и в музыку всего мира.”

Творения Гершвина, в числе которых одна большая опера, свыше двух десятков мюзиклов, пять оркестровых фантазий, около тысячи песен и немного других сочинений, продолжают быть актуальными-они звучат во всем мире как напоминание о том, что легкая музыка, может быть качественной, а серьезная-общедоступной.

Астор Пьяццола

А́стор Пьяццо́лла (исп. Astor Piazzolla; 11 марта 1921 — 4 июля 1992) — аргентинский музыкант и композитор второй половины XX столетия, чьи сочинения значительно обогатили жанр танго, представив его в современном ключе, вобравшем элементы джаза и классической музыки; родоначальник стиля, получившего название танго нуэво (исп. tango nuevo). Также известен как мастер игры на бандонеоне; свои произведения часто исполнял с различными музыкальными коллективами. На родине в Аргентине он известен как «El Gran Ástor» («Великий Астор»). В наши дни этот неординарный композитор стал одним из главных культурных символов южно-американской страны. Изысканные танго Пьяццо́лла, то жестко-динамические, то пронзительно-ностальгические. Музыка композитора высоко чтима за смелые рельефы мелодических линий, терпкую гармонию, замысловатые кроссворды фуг, экзотическую оркестровку, виртуозные импровизации бандонеона.

Родился 11 марта 1921 года в аргентинском городе Мар-дель-Плата, в итальянской семье; его дед переселился из Трани в конце XIX века, а родители родились уже в Мар-дель-Плате.

Детство провёл с родителями в Нью-Йорке, где полюбил джаз. В 1921—1929 годах семья жила в Гринвич-Виллидж, затем его отец открыл ломбард и в 1930 году они поселились в Маленькой Италии. В том же году начал учиться игре на бандонеоне. В 1933 году начал брать уроки у венгерского пианиста Белы Вильды, ученика Рахманинова, благодаря которому увлекся творчеством Баха. Вильда рекомендовал освоить исполнение Баха на бандонеоне. В те же годы познакомился с Карлосом Гарделем, который пригласил юношу попробовать себя в кино, Астор снялся в эпизодической роли в фильме «День, когда ты меня полюбишь» (1935). В 1937 году он вернулся в Аргентину, играл в ночных клубах с разными музыкантами, в том числе — с Анибалем Тройло. Продолжал брать уроки у Альберто Хинастеры, и в 1946 году создал свой первый собственный музыкальный коллектив — «Астор Пьяццолла и его характерный оркестр». Во второй половине 1940-х годов начал писать академическую музыку для бандонеона, задавшись целью превращения бандонеона из эстрадно-оркестрового инструмента, используемого в основном для танцевального аккомпанемента, в полноценный классический инструмент. Одно из первых таких произведений — «Портовая рапсодия» — в 1950 году в США было награждено специальной премией.

В 1952 году удостоен премии композиторов Франции, и французское правительство предоставляет ему стипендию для обучения в Париже у Нади Буланже, благодаря которой начал создавать собственный музыкальный стиль.

В 1953 году его симфония «Буэнос-Айрес» удостоена премии Фабиана Севицкого, а в 1954 году «Синфониета» номинируется на премию Ассоциации музыкальных критиков Буэнос-Айреса.

По окончании французского периода Пьяццолла создаёт два ансамбля: «Октет Буэнос-Айреса» и «Струнный оркестр». Творчество ансамблей совершает настоящую революцию в мире городской музыки, но широкое внимание к новому оригинальному стилю сопровождается также и волной безжалостной критики, из-за которой подвергся бойкоту со стороны аргентинских музыкальных фирм. В 1958 году распустил оба ансамбля и переехал в Нью-Йорк, где работал в качестве аранжировщика. Два года спустя Пьяццолла возвращается в Буэнос-Айрес и создаёт квинтет. В начале 1960-х годов приходит к убеждению, что танго является музыкой, предназначенной для прослушивания, а не для танцев. В течение 1960-х годов даёт концерты, записывает пластинки и несколько раз совершает турне по Аргентине, Бразилии и США.

В 1963 году завоевал музыкальную премию Hirsch и написал произведение «Три симфонических движения», которое в том же году было исполнено оркестром под руководством Пауля Клецки. В 1965 году сотрудничает с Хорхе Луисом Борхесом, сочиняя музыку к его стихотворениям. Диск «Танго» выходит в том же году. В 1967 году в сотрудничестве с Орасио Феррером (исп. Horacio Ferrer) написал оперетту «Мария из Буэнос-Айреса». Затем по просьбе маэстро Кальдерона, руководителя «Музыкального ансамбля Буэнос-Айреса», сочиняет пьесу «Тангасо», которая была исполнена оркестром во время турне по США. Во второй половине 1960-х годов написал «Танго шесть» для «Мелос-ансамбля» и «Милонгу в ре» для скрипача Сальваторе Аккардо, к этому же времени относится цикл «Времена года в Буэнос-Айресе».

В результате сотрудничества с Феррером Пьяццолла создаёт новый жанр — танго-песню. В 1969 году произведение «Баллада для безумца» завоёвывает всемирное признание. Этот, более коммерческий, жанр делает Пьяццоллу известным широкой публике в качестве выраженного представителя музыки Буэнос-Айреса, тогда как до этого времени аудитория композитора состояла в основном из узкого круга посвящённых. В 1970 году Пьяццолла уезжает в Париж и совместно с Феррером создает ораторию «Молодой народ», премьера которой состоялась в Сарбруке.

В 1971 году Пьяццолла создал коллектив «Ансамбль девяти», с которым вскоре Муниципальный совет Буэнос-Айреса подписывает контракт на 2 года для проведения концертов в Аргентине и за рубежом. Коллектив имеет большой успех в странах Латинской Америки. В 1972 году состоялся концерт в Италии в Итало-американском институте, записано несколько программ для телевидения Италии. 17 августа 1972 году Пьяццолла начинает работать в театре «Колон», репетиции мешают музыканту принять предложение Бернардо Бертолуччи о создании музыки к кинофильму «Последнее танго в Париже». В августе 1972 года в Буэнос-Айресе состоялся «Перламутровый концерт».

В 1974 году записывает в Милане с Джерри Маллигеном альбом «Саммит» с оркестром итальянских музыкантов. В том же году создал одно из самых известных своих произведений — «Либертанго» («Танго свободы»).

В 1976 году написал музыку для фильма «В Сантьяго идёт дождь». В 1986 году вместе с Гэри Бёртоном записал «Сюиту для вибрафона и новый квинтет танго».

В последние годы Пьяццолла предпочитал участвовать в концертах в качестве солиста в сопровождении симфонических оркестров, иногда давал концерты со своим квинтетом. Выступал в США, Японии, Италии, Германии, Франции, Латинской Америке.

Во второй половине 1980-х годов совместно с Лало Шифриным и «Оркестром Святого Луки» записал «Концерт для бандонеона», «Три танго для бандонеона с оркестром» и «Сюиту Пунта-дель-Эсте»; с «Кронос-квартетом» — сюиту «Пять танго-сенсаций», которая стала его последним произведением и в течение нескольких лет занимала ведущие позиции в рейтинге произведений академической музыки.

4 августа 1990 года перенёс сильный инсульт, скончался в Буэнос-Айресе 4 июля 1992 года в результате его последствий. Похоронен на кладбище Jardín de Paz в городке Пилар, являющимся частью большого Буэнос-Айреса.

Астор Пьяццолла — один из немногих композиторов, который смог записать и исполнить на концертах почти все свои произведения. Только за последние 10 лет своей жизни композитор сочинил более 300 танго, 50 мелодий к кинофильмам, среди которых такие фильмы, как «Пираньи» (Луис Берланга), «Генрих IV» (Марко Белоккьо), «Свет» (Жанна Моро), «Армагеддон» (фр.)русск. (Ален Жесуа), «Юг» и «Танго, Гардель в изгнании» (Фернандо Соланас), а также музыку к театральным спектаклям и балетам. В Италии жюри премии критиков единогласно удостоило Пьяццоллу Первой Премии за Лучший диск инструментальной музыки, отметив в своём решении: «За смелость композиций и за поразительное творчество в создании аранжировок, придающих танго новое звучание».

В 1990 году Мстислав Ростропович исполнил в Новом Орлеане музыку для виолончели и фортепиано «Большое танго», это же произведение было исполнено Ростроповичем на сцене театра «Колон» на концерте памяти Пьяццоллы в 1994 году.

В феврале 1993 года в Лос-Анджелесе Астор Пьяццолла был номинирован на премию «Грэмми» 1992 года за произведение «Забвение» (Oblivion) в категории «лучшая инструментальная композиция». Международная критика охарактеризовала пьесу как одно из лучших произведений Пьяццоллы. Среди его учеников — Ришар Гальяно.

Танго Пьяццоллы преодолели «прикладное», бытовое предназначение, превратившись в разновидность современной камерной музыки.

Огромная притягательная сила музыки Пьяццо́ллы заключается в «гремучей смеси» латиноамериканских ритмов и пьянящего итальянского лиризма, организующей силы контрапункта и джазовой свободы, скромных ансамблевых составов начала ХХ века и современной инстументовки.