Акварели Поля Синьяка

Для Поля Синьяка импрессионизм был явлением, пришедшим в его жизнь в ранней юности и развивавшимся вместе с ним на протяжении многих десятилетий. Синьяку улыбалась судьба. Родившийся в обеспеченной парижской буржуазной семье, он получил классическое образование, а когда решил избрать карьеру художника, родные не стали ему возражать. С импрессионистами он столкнулся пятнадцати лет, посетив весной 1879 года четвертую выставку этой группы. Несмотря на скандальность в глазах публики репутации составлявших ее мастеров, показ был организован в респектабельной галерее на авеню опера. Наибольшие усилия при сборе произведений шестнадцати художников проявили Дега и Кайботт. Как рассказывал позже художник, к нему, восторженному подростку, набрасывавшему для себя в блокнот композицию Дега, подошел Гоген и запретил ему копировать.

 Случайная сцена претензии старшего коллеги к новичку на самом деле скрывала за собой глубокий смысл. Искусство, создававшееся Гогеном, было принципиально оригинально и принадлежало только будущему. Синьяк же ориентировался на искусство, уже имевшее для людей его поколения как историю, так и образцы, достойные внимательного изучения, подобно творениям мастеров эпохи Возрождения, Барокко или Неоклассицизма. Синьяк совсем не был революционером в живописи, но был способен талантливо развивать импульс, приданный новейшему искусству художниками-импрессионистами. Поль Синьяк восхищался живописью Клода Моне и посвятил свое творчество преимущественно жанру пейзажа. Позже мастер писал что «… в своих первых этюдах 1883 года был под влиянием Моне, Писсарро, Ренуара и Гийомена. он не посещал никакой мастерской, а работал с натуры и был поражен гармоничной игрой одновременного контраста. Очарованный импрессионистами, он изучал их произведения, думая найти в них научный метод: ему казалось, что многоцветные элементы, оптическая смесь которых образовывала колорит их картин, были положены методично и что все эти красные, желтые, фиолетовые, синие и зеленые были соединены по каким-то законам; ему казалось, что эффекты контраста, которые он наблюдал в природе, но законов, которых не знал, импрессионисты применяли на основании некой теории». Поскольку таких правил у художников, стремившихся передать мимолетное, не было, то их придумали серьезные молодые люди. В 1884 году Синьяк на собрании общества независимых художников познакомился с Жоржем сёра, работавшим над системой живописи, основанной на теории дивизионизма, т.е. разложения цветов. Молодые художники писали раздельными мелкими мазками чистых тонов, правильной геометрической формы, что создавало эффект оптического смешения цветов. такая техника, наложившая жесткую схему на колористические достижения импрессионистов, не подразумевала импровизации или работы на пленэре. Появление работ этих художников на последней, восьмой, выставке импрессионистов свидетельствовало о существовании поколения молодых мастеров, неоимпрессионистов, ищущих новые пути развития современного искусства. В качестве рабочего подготовительного материала для студийных работ неоимпрессионистами использовались натурные зарисовки. «акварель есть лишь средство сделать заметку, род памятной книжки, способ быстрый и плодотворный, позволяющий живописцу обогащать свой репертуар элементами слишком мимолетными для того, чтобы фиксировать их медленным способом масляной живописи», – писал Синьяк. На протяжении жизни манера его рисования менялась, но не радикально. Методы дивизионизма в натурной акварели не применимы. На маленьком листе бумаги он сочетает рисунок, намечающий формы коротким рваным штрихом мягкого карандаша, угля или черного мела. созданную композицию мастер наполняет цветом акварели с минимальным дополнением белил или гуаши. Синьяк выработал индивидуальную стилистику, избегающую больших заливок цвета, ограничиваясь отдельными мазками кисти. Это оставляло за светоносной поверхностью бумажного листа роль катализатора, который «интенсифицирует каждый цвет и приводит его в гармонию с соседними».

Особенностью пейзажей Синьяка было то, что большая часть их написана «с воды». он был страстным яхтсменом, много путешествовавшим как по средиземноморью, где он обосновался в начале 1890-х годов, так и по традиционным местам творчества импрессионистов – побережьям Нормандии и Бретани, по живописной сене. Его излюбленные мотивы – морские порты, речные причалы, суда на рейде, легко скользящие яхты – погружены во влажную и наполненную светом атмосферу, в которой водная зыбь отражает бесконечно изменчивое движение неба.

 И эта воздушная легкость акварелей Синьяка много ближе к импрессионистическим истокам его искусства, нежели живопись этого замечательного художника, одного из немногих мастеров этого поколения «бури и натиска», доживших до широкого признания его искусства и заслуженной славы.

Пабло Пикассо. Композиция с разрезанной грушей и гроздью винограда. 1914.

Коллаж выполнен Пикассо в Париже весной 1914 года и является последней работой мастера, направленной из галереи канвейлера в Москву перед Первой мировой войной. Это итог предвоенного развития искусства художника, в чьем творчестве кубизм, миновавший несколько этапов развития, трансформировался из героических и монументальных форм в изысканную игру дробных плоскостей. Композиция вертикальных и горизонтальных линий здесь легка и бесконфликтна. Россыпь микроскопических мазков, напоминающих об искусстве пуантелизма, сочетается с трудолюбиво наклеенными древесными опилками. Формы предметов дробятся и деформируются, но вещи пребывают в статическом покое. На белой плоскости поверхности столешницы резким контуром выделяется лишь виноградная гроздь, которой придан неожиданный в столь стилизованном изображении материальный объем. очертания разрезанной груши, расположенной рядом с наклеенным фрагментом обоев, опознаются с трудом. как и в нескольких других произведениях этого периода мотив груши ассоциируется автором с женскими формами и музыкальными инструментами – сюжетный прием, словно перекочевавший с полотен мастеров барокко. Натюрморт воспринимается легко, как шутка мастера, что, возможно, подчеркивается тем, что помимо традиционной подписи художника в нижнем углу работ, он помещает еще раз в центральной части композиции в виде старательно выписанного имени на белой карточке.

Анри Матисс