Текст 1 айвазовский в феодосии

Алгоритм работы над творческим заданием

ü Прочитайте задание.

ü Продумайте свой ответ на задание.

ü Аргументируйте свою позицию с опорой как на содержание художественных произведений, так и на свой жизненный опыт (личные впечатления, собственные размышления, знания и др.) или опирайтесь на авторскую позицию и формулируйте свою точку зрения. Аргументируйте свои тезисы, опираясь на литературные произведения.

ü Продумайте композицию творческой работы.

ü Напишите творческое задание в объёме не менее 150 слов.

ü Пишите чётко и разборчиво, соблюдая нормы речи.

Планы сочинений. Прочитайте образцы, напишите своё сочинение по плану (не менее 150 слов).

Текст 1 АЙВАЗОВСКИЙ В ФЕОДОСИИ

Опишите своё любимое произведение живописи, включив в рассказ несколько фактов биографии художника.

Образец

На меня огромное впечатление произвела картина Айвазовского "Девятый вал", написанная в 1850 году. Название её взято из народного поверья о том, что в общем ритме накатывающихся волн одна, девятая, заметно выделяется своей мощью и размерами среди других.

На картине изображено раннее утро после ночной бури. Первые лучи солнца освещают бушующий океан. Громадный "девятый вал" готов обрушиться на группу людей, ищущих спасения на обломках мачт. Я представляю себе, какая страшная гроза прошла ночью, какое бедствие терпел экипаж корабля, как гибли моряки. Я думаю о том, как они с честью выдержали испытание, постоянно поддерживая друг друга.

Противостояние людей и стихии - вот тема картины. Есть смысл в борьбе, в воле человека к спасению, в его вере. И люди выживают, когда по всем законам им было суждено погибнуть!

Поражает необычайный реализм картины. Никто в то время в изображении морских стихий достичь такого не мог. В картине соединилось многое из виденного и испытанного самим художником. Особенно памятна была ему буря, которую он пережил в Бискайском заливе в 1844 году. Шторм был столь сокрушителен, что судно сочли утонувшим. В газетах даже появилось сообщение о гибели молодого русского живописца, имя которого тогда уже было хорошо известно.

Эта картина нашла широкий отклик в момент ее появления и остается до наших дней одной из самых популярных в русской живописи.

Да, живопись имеет огромное значение в жизни человека. Моё любимое произведение – картина Николая Рериха «Тибет. Гималаи».

Н.Рерих – уникальный человек. Мне очень интересен. Николай Константинович – выдающийся деятель русской и мировой культуры. Художник, философ, писатель, ученый, общественный деятель и путешественник. После себя он оставил огромное творческое наследие – свыше семи тысяч картин, около тридцати томов литературных произведений.

наибольший след на творчестве Рериха оставила его экспедиция в Гималаи. В 1923 году он вместе с семьей приехал в Индию. Он сразу же начал готовиться к важнейшему путешествию в его жизни – в экспедицию по труднодоступным местам Центральной Азии.

Эти территории интересовали его не только как художника. Он хотел изучить и решить проблемы, связанные с мировой миграцией древних народов. Маршрут был длинным и сложным. Он проходил через Сикким, Кашмир, Синцзян (Китай), Сибирь, Алтай, Тибет и даже нехоженые области Трансгималаев.

Пожалуй, самые популярные картины Рериха созданы именно под впечатлением от этого путешествия и великих гор. Художник создал серию картин «Учителя Востока», «Матерь Мира» – цикл, посвященный Великому Женскому Началу. В этот период он написал свыше 600 картин. В его творчестве на первый план вышли философские поиски. Картина Рериха «Тибет. Гималаи» проникнута восторгом этих великих мест и мира гор. Работа написана в 1933 году

Для полотна характерна преимущественно холодная цветовая гамма. Большую часть пространства картины занимает изображение гималайских гор и занесённого снегом тибетского поселения, слегка освещённого лучами заходящего солнца. При этом художник избегает слишком ярких «царапающих» цветов, используя темперу для создания мягкого нежно-туманного неба, где лишь очень высоко-высоко можно заметить и различить лёгкое дыхание ветра. Гималаи представляют собой образ скалистых гигантов, от которых исходит сила и твёрдость камня, свет и голубовато-синяя прозрачность великих снежных вершин.

Рисунок гор схож с декоративно-орнаментальной композицией какого-нибудь яркого батика или гобелена. Плотная структура гор окружает, словно допуская в своё пространство льдов и снега, резкого горного климата, небольшое, кажущееся сонным тибетское нагорное царство. Тибет, его живописный образ расположен в самом предгорье, напоминая по форме своего устройства горный силуэт или пирамидальную композицию со множеством граней. Образ тибетских строений получился отчётливым, выразительным благодаря контрастному изображению. Рыжевато-холодные солнечные лучи плотным потоком упираются в строения на самом верху снежного тибетского «государства». Образ, погружённого в большие снега, Тибета являет собой древний, скрытый в тени гор и веков, мир. Мир этот едва различим и словно бы сращён с самим миром гор. Мир этот неспешен, созерцателен, возвышенно прекрасен в своём отважном стремлении к холодному ярко-синему воздуху святого небесного мира, мира великих праведных гор.

Рабиндранат Тагор, великий писатель и философ Индии, так говорил о творчестве Рериха:

«Ваши картины глубоко взволновали меня. Глядя на них, я понял одну простую вещь, которая как будто бы и совершенно ясна, но которую тем не менее нужно вновь и вновь открывать для себя, а именно то, что Истина – беспредельна. Ваше искусство наделено чертами исключительной самобытности, потому что оно – великое искусство».

«Тибет…» художника настолько выразителен, что когда я смотрю на картину, мне кажется, будто я там, в горах, ощущаю воздух, лучи солнца. Это восхитительно.

Полотно художника чарует сердце зрителя, одухотворяет.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать о своей любимой картине Александра Иванова «Явление Христа народу».

В начале, как и полагается, было слово. Мысль изобразить на полотне явление Христа народу возникла у Александра Иванова под влиянием Евангелия от Иоанна. Посланный за счет Общества поощрения художников для совершенствования мастерства в Рим живописец сперва попробовал силы. Полотно «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине» имело успех, и новоиспеченный академик Иванов приступил к делу своей жизни. Масштабный замысел потребовал пространства и времени: картина семи с половиной метров в длину и почти пяти с половиной метров в высоту писалась ровно двадцать лет. Александр Иванов называл этот сюжет «всемирным», он стремился показать всё человечество в решающий, определяющий его судьбу момент.

В центре картины — фигура Иоанна Крестителя, совершающего крещение народа в реке Иордан и указывающего на приближающегося Иисуса. Слева от Иоанна изображена группа апостолов — юный Иоанн Богослов, за ним Пётр, далее Андрей Первозванный, а за его спиной — Нафанаил, так называемый «сомневающийся». На первом плане — юноши и старцы — образ непрекращающейся жизни. Черты самого Гоголя можно увидеть среди встречающих Мессию. Фигура, ближайшая к Христу. Особенно явно создатель «Мертвых душ» «читается» в этюдах. Себя художник тоже изобразил – в облике странника с посохом, сидящего неподалеку от Иоанна Крестителя.

Вышел шедевр, потрясший публику. Славянофил А.С. Хомяков писал: «Видеть картину Иванова не только наслаждение, но гораздо большее: это событие жизни». А художник, словно бы исполнив предназначение, скончался вскоре после завершения картины. О том, что царь купил картину за 15 тысяч рублей и пожаловал ему орден Святого Владимира, Иванов так и не узнал – радостная весть на пару часов опоздала.

Это произведение стало настоящим подвигом. Возможно, глядя на картину, и вспоминая евангельские строки, многие люди задумаются о принятии решений, влияющие не только на их будущее, но и на множество людей.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать о своей любимой картине Исаака Левитана «Золотая осень».

Левитан начал работу над картиной осенью 1895 года, когда он жил в усадьбе Горка в Тверской губернии; там же были написаны первые этюды.

«Золотую осень» относят к «мажорной серии» картин Левитана 1895—1897 годов, в которую, кроме неё, включают «Март», «Свежий ветер. Волга», «Весна. Большая вода» и другие полотна^].

Считается, что на картине изображена река Съежа, протекающая рядом с Островно.

Левитан любил рисовать осенние пейзажи — у него было более сотни картин, связанных с этим временем года. Среди них картина «Золотая осень» стала одним из самых известных и популярных произведений художника^]. На ней изображена небольшая река, окружённая деревьями, покрытыми жёлтой и красной осенней листвой. Вдали видны деревенские домики, поля, а далее, на горизонте — осенний лес, окрашенный в оттенки жёлтого цвета. А надо всем этим — голубое небо, по которому плывут светлые облака^]. Яркие, мажорные, оптимистические цвета этой картины не являются характерными для творчества Левитана — обычно он использовал более мягкие и нежные тона^].

Удачно выбран ракурс, который позволяет художнику изобразить широкий и многоплановый пейзаж. У левого края полотна крупным планом изображена группа деревьев — берёз с ярко-жёлтой листвой и осин с последними покрасневшими листьями. Они создают «яркое и звучное пятно», по контрасту с которым изображённая правее них речка кажется тёмной и холодной^]. Поверхность реки также смотрится большим цветовым пятном, основу которого составляет голубой цвет, к которому добавлены коричневатые отражения берегов^[.

Следуя вдоль речных берегов, взгляд зрителя пересекает широкие луга с перелесками по обеим сторонам реки, а затем уходит к изображённым вдали лесам. На правом берегу реки выделяется одинокая стройная золотисто-жёлтая берёзка. По мере удаления в глубину звучность колорита постепенно смягчается и переходит в более спокойную цветовую гамму^[

Искусствовед Алексей Фёдоров-Давыдов писал, что картина «Золотая осень» «поражает и захватывает наполненностью и красотой своего эмоционального содержания, столь определённо выраженного в цветовом великолепии, в мажорном звучании золотистой красочной гаммы». По его мнению, до появления этой картины никто из представителей русской пейзажной живописи (включая самого́ Левитана) «не давал такого торжественного, радостного в своём спокойствии образа осени, такого показа «пышного природы увяданья».

Глядя на картину Левитана "Золотая осень", вспоминаешь и музыку русских композиторов, и лучшие строки русской поэзии об осени. "Очей очарование", "в багрец и золото одетые леса" - эти слова Пушкина очень подходят к "Золотой осени".

Вся картина словно светится изнутри. Она показывает, насколько красивой может быть обычная осень в нашей стране, какая она яркая, солнечная. Пойдет еще немного времени, и листва полностью пожелтеет, а потом и облетит. Пока этого не случилось, нужно ловить момент и любоваться, как это сделал Левитан.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать о своей любимой картине Исаака Левитана «Золотая осень».

В историю русской живописи Исаак Ильич Левитан вошел, прежде всего, как пейзажист. Левитан - создатель так называемого "пейзажа настроения". Художник умел очень тонко передать разнообразие состояния природы, дать почувствовать всю прелесть окружающего мира.

На картине "Золотая осень" мы видим березовую рощу в медно-золотом осеннем убранстве. В глубине луга теряется река, на левом берегу которой стоят стройные бело-желтые березки и две осинки с уже почти опавшими листьями. Вдали видны красноватые ветки кустарника. Земля укрыта желтеющей увядшей травой. А на правом берегу реки - ряд еще зеленых ив, которые будто сопротивляются осеннему увяданию. Речная гладь кажется неподвижной и холодной. На поверхности воды отражается светлое небо с белыми облаками. Осенний день, изображенный художником, полон света. В картине преобладают жизнерадостные светлые тона. Почти на линии горизонта заметны очертания далеких строений, леса, полей, засеянных озимью.

Пейзаж "Золотая осень" изображает самое лирическое из времен года. "Унылая пора! очей очарованье! Приятна мне твоя прощальная краса", - так сказал о золотой осени Александр Сергеевич Пушкин. Наверное, именно эти сроки повторял про себя Исаак Левитан, работая над своими знаменитыми пейзажами. Художник понимал осень, прежде всего как праздник красок, как прощание с летом. Пейзаж этот не навевает грустных мыслей о предстоящей долгой зиме. Ведь в природе все одинаково прекрасно, и каждое из времен года имеет свою неповторимую прелесть.

Глядя на картину "Золотая осень", зритель невольно проникается глубоким чувством любви к родной природе, дарящей нам незабываемые минуты высокого наслаждения прекрасным. Обычно осень - время увядания природы - вызывает чувство печали и тоски. Но бывает, что на какой-то срок появляется чувство бодрости, жизнерадостное настроение. Очарование огненно-золотистого и багряного цветов на картине завораживает нас. Мы ощущаем прозрачный, бодрящий воздух. Художник дает нам возможность почувствовать красоту жизни, прелесть осени в полной ее силе, в золотом сиянии тихого солнечного дня.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать о своей любимой картине.

Иван Иванович Шишкин – российский художник, картины которого полностью пронизаны настоящей любовью к природе родного края, к его животным и птицам.         И. И. Шишкина называли "лесным богатырём", "царём леса". Его, действительно, можно назвать "служителем культа дерева". Больше всего мне нравится его картина «Утро в сосновом лесу», которая каждый раз, когда я на нее смотрю, вызывает в моем сердце ощущение радости и душевного подъема.

На этой картине нарисована большая бурая мама-медведица со своими тремя забавными и веселыми медвежатами, которые ранним утром решили порезвиться на лесной полянке. Солнце еще только-только начало подниматься над горизонтом, его лучи еще только начали освещать верхушки сосен и не осветили еще лес полностью, но мишки уже полны сил и энергии, они уже готовы исследовать всю округу, как обычные непоседы-детишки. На этот раз мишутки облюбовали место для игр возле сосны, которая видимо пострадала после ночного урагана, который выдернул ее из земли вместе с корнем. К тому же дерево переломилось пополам и его верхушка оказалась переброшенной через овраг, над которым клубиться серый утренний туман. Но мишкам не страшно из-за тех бедствий, которые причинил ураган их лесу, наоборот, это вызывает у них интерес и любопытство. Поэтому и залезли они на сломанную сосну, и играются с ней.

А за детскими шалостями внимательно следит мама-медведица. Сама она не залезает на сломанную сосну, ведь медведица уже видела немало таких деревьев. Но все же она внимательно следит за своими тремя медвежатами зорким взглядом, чтобы в случае опасности прекратить их шалости и защитить своих детишек, ведь самое главное для нее – их безопасность и здоровье, как, в принципе, и для любой мамы на свете.

Картина «Утро в сосновом лесу» - редкий пример сотрудничества двух художников. Под подписью Шишкина внизу темнеет след от стёртой подписи К.Савицкого: именно он написал медведей на этом полотне.

Это полотно изображает природу такой, какая она есть и какой должна быть. Глядя на это медвежье семейство становится очень жалко тех зверей, которых держат в клетках в зоопарках и очень хочется сделать что-то, чтобы освободить их и отправить в заповедник.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать об одной из своих любимых картин.

Картина «Над вечным покоем», написанная в 1894 году, - одно из самых значительных и глубоких произведений И. Левитана. Оно стоит несколько обособленно в ряду пейзажей художника, которые отличаются погруженностью в человеческие переживания.
В данной картине художник противопоставляет торжественную вечность природы бренности человеческой жизни. Рядом с грозной вечностью, которая способна поглотить абсолютно все, земные страсти кажутся смешными и ничтожными.
Полотно написано в холодных оттенках. Низко над землей повисли тяжелые свинцовые облака. На высоком и крутом утесе стоит старая деревянная церковь, а возле нее –кладбище с заброшенными крестами и могилами. Мрачен и холоден необъятный простор озера, раскинувшегося за утесом. Дикий ветер гонит по небу облака, рисует холодную рябь на глади воды, клонит к земле кладбищенские березы. И только неясный огонек, который угадывается в окне церквушки, как будто вступает в противостояние с мрачными силами природы.
Глядя на картину, мы вспоминаем о быстротечности нашего земного существования. Вода и небо на полотне – как стихия житейской суеты, страстей, которая увлекает каждого приходящего в этот мир.
Много разных мыслей и чувств вызывает в душе эта картина Левитана. Для одного она – как печальная песня о несбывшихся надеждах, для другого – дума о бренности и ничтожности человеческой жизни, для третьего – размышление о возможности спасти свою душу в суетном мире. Но несомненно одно: полотно «Над вечным покоем» - отражение тяжелых размышлений и переживаний художника. Недаром Л. Н. Толстой назвал полотно «молитвой немой души».

Лично я, глядя на картину, чувствую спокойствие, умиротворение. Мастер хочет сказать, что жизнь, вся природа многомерна. Церковь, кладбище изображены сверху, как будто с облаков. Эти небеса безграничны.

         Картина приводить зрителя в раздумья. Дает почву для размышления и переосмысления собственной жизни.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать об одной из своих любимых картин.

Картина Архипа Куинджи «Лунная ночь на Днепре» была написана 1880 году и тут же нашла огромный отклик у широкой зрительской аудитории. Полотно это совсем небольшое по размеру каким-то странным образом приковывало к себе внимание каждого, кто смотрел на него.

На картине изображена ночь, которая погрузила все окрестности во мрак. А луна, выглянувшая из-за облаков, освещает одну только реку Днепр, которая под ее лучами выглядит пестрой зеленой лентой, проходящей через всю картину. Вода будто бы появляется из ниоткуда и течет далеко-далеко, сливаясь воедино у горизонта с темным ночным небом. Гладь реки от света луны выглядит очень странно, мистически и совершенно нереально, а каждого, кто смотрит на эту зеленую, излучающую некое сияние, воду, охватывают мысли о вечности бытия.

Но осветив полностью Днепр, луна лишь чуточку приоткрыла завесу, плотной тьмой окружившую весь остальной мир. Она позволяет нам увидеть небольшие, склонившиеся под тяжестью листвы ракиты, тянущиеся к воде. Луна разрешает нам полюбоваться крохотными маленькими белоснежными домиками, погруженными в сон. Также можно различить небольшие извилистые тропинки, которые тянуться то тут, то там, и которые в лунном свете становятся похожими на крохотную серебристую паутинку.

Со временем картина становилась все темнее и темнее, уже не так явно можно было различить множество разных деталей, изображенных на этом пейзаже. Но все равно, каждый раз, когда всматриваешься в эту картину, на душе становится тихо и спокойно, как будто на несколько секунд ты просто переносишься в этот чарующий волшебный мир, вышедший из-под кисти талантливого художника. И главное, посмотрев на этот пейзаж, ты все больше и больше начинаешь любить свою землю, которая способна создать такую величественную красоту Природы.

   Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать об одной из своих любимых картин.

    Полотно «Постоянство памяти» было написано Сальвадором Дали в 1931 году, и является одним из самых известных миру работ его кисти. Сейчас же, большинство его картин, а эта не исключение, размещены в Музее современного искусства, Нью-Йорк.           

    Дали имеет большое количество поклонников на сегодняшний день. Многие считают, что картина «Постоянство памяти» написана в сюрреалистическом стиле.

    Сюрреализм был культурным движением, которое имеет свои истоки в 1920-х годах. Произведения искусства сюрреалистов имеют элемент неожиданности, непредвиденные сравнения и непочтительный юмор. Время от времени это искусство, которое является «сыпучим» выражением воображения художника, трудно интерпретировать и «Постоянство памяти» не является исключением. Дали использует концепцию твердых и мягких объектов.

     Произведение «Постоянство памяти» изображает сцену, показывая карманные часы, обособленные от своих цепей, тающие медленно на скалах и ветвях дерева, с океаном на заднем плане. Часть живописи купается в солнечном свете, но часть окутана тенью.
Если вы внимательно рассмотрите, вы можете увидеть совсем небольшие камни: один в солнечном свете, а другой в тени. У Дали часто используется философия твердого и мягкого в его картинах. Тающие часы — до поры до времени текут, но вечные, в то время как жесткие породы (камни) — реальность жизни, а океан представляет собою просторы земли.

    На картине мы можем найти оранжевые часы, которые покрыты муравьями. Он использовал такую символику, чтобы передать распад времени. Странная человеческая фигура в центре может быть истолкована, как бесформенность человека, которого мы бы себе могли представить, в то время, когда находимся в сказочном трансе.

Есть так много интерпретаций и анализов «Постоянства памяти», но Дали никогда сам не интерпретировал или объяснил свою работу. Один искусствовед писал, что «мягкие часы без сознания» — символ относительности пространства и времени. Когда Дали спросили, был ли это намек на теории относительности Эйнштейна, он легкомысленно ответил, что это было всего лишь сюрреалистическое видение плавления сыра «камамбер» в пылу солнца, и только. Эксперты говорят, что «Постоянство памяти» была картиной, написанной во время его «фрейдистской» фазы жизни, до атомной бомбардировки Хиросимы и Нагасаки.
Независимо от того, что пишут различные критики, мысли и ответы о том, что Дали хотел передать в своей живописи, он забрал с собой в могилу. Кто знает, что может быть передано через полотно? При различных обстоятельствах, каждый из нас мог бы интерпретировать (т.е. понимать) его шедевр по-своему, и тогда все были бы правы.

Лично я вижу на полотне С.Дали только то, что все механическое (часы) переплавляется в безграничное творчество. На смену механическому мышлению приходит творческое мышление, гибкое, всепонимающее, всепреодолевающее.

Эта картина привлекла внимание любителей искусства в течение многих десятилетий. Критика и похвала были лишь короной для «Постоянства памяти», в равной мере. Для тех, кто выступает за сюрреалистический жанр искусства, это шедевр. Для других - это барахло, или в лучшем случае, картина сумасшедшего. Как бы то ни было, это одно из произведений искусства, которое никогда не будет исчезать, и всегда будет провоцировать на аргументы и различные интерпретации.

 

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать об одной из своих любимых картин.

Вспоминается художественное произведение А. Саврасова «Грачи прилетели». Это произведение искусства символизирует некий гимн природе, начинающейся весне и весеннему настроению, пробуждающемуся в нас.

Писатель Василий Осокин в одном из своих рассказов писал, что, будучи на костромском базаре, Саврасов встретил крестьянина, который принял его за богомаза, и спросил, не в Молвитино ли он собирается. Необычное название села понравилось художнику, и он подтвердил, что именно туда, а когда крестьянин предложил его подвезти, то согласился^[. Там то и была написана картина.

На полотне нарисованы первые прилетевшие птицы весны – грачи. Передний план картины открывает мне грачей, сидящих на оголенных деревьях. Эти деревья – постаревшие, поломанные березки, в их ветвях хлопочут и вьют свои гнезда птицы. Под березами мы видим подтаявший, грязноватый снег. Справа на картине видна огромная лужа, образованная из растаявшего снега. Возле лужи мы видим одинокий голый куст. Сломанные березовые ветки, следы животных и птиц видны под деревьями. Сразу за березами художник нарисовал постаревший сырой забор, за которым виднеются деревянные, скорее всего, жилые постройки. Около них расположена старенькая, но работающая церковь. Возле церквушки расположена такая же постаревшая часовня. На заднем плане раскинулось тающее, с проталинами и сырым снегом, черное поле. По потускневшему небу, изображенному художником, плывут весенние облака. Скорее всего, автор писал картину в тот момент, когда небо было хмурым и пасмурным, и именно эту мрачность неба он и передал в своей работе.

 Небо, изображенное на картине – особенное. Оно уже не имеет тех серых кучевых, характерных для зимы облаков, которые роняли белые пушистые снежинки на замерзшую землю. Все чаще оно становится более глубоким, облака из серых превращаются в белые, и на их фоне отчетливо видны прилетевшие грачи.

Обилие темных, тусклых красок в картине как бы подчеркивает обыденность пейзажа. На самом же деле эта обыденность мнимая. Прежде всего, потому, что за березами виднеется привычная для деревень средней полосы России церковь с колокольней. Эта церковь расположена в Костромской области, и до сих пор находится на том же месте, где видел ее автор картины. Церковь же в живописи России всегда символизировала свет и добро. Также, приглядевшись, мы увидим первые признаки приближающейся весны – проталину, наполненную водой и лучи солнца, как бы бросающие свет на полотно откуда-то извне. Более того – мы видим воздух, который невозможно нарисовать, и довольно сложно, но можно изобразить. Художник Алексей Саврасов известен своим мастерством и умением передавать воздух, приносящий в его картины дыхание, чувство, полноту. Картина наполнена и дышит свежим, теплым воздухом весны.

Эта картина известного художника Алексея Саврасова, несмотря на ее серые и мрачные краски, понравилась мне своим весенним, теплым, ласковым настроением.

Тема живописи мне очень интересна. Я хочу рассказать о творчестве Ци Байши.