Понятия к теме «Русская музыка 18- первой половины 19 века»

1. Крепостной оркестр (в 18 веке в России)- оркестры, создаваемые в усадьбах русских помещиков и состоящие из крепостных музыкантов.

2. Роговый оркестр (в 18 веке в России)- крепостной оркестр, состоящий из охотничьих рогов различной величины.

3. Крепостной театр- см. текст учебника.

4. Комическая опера- см. текст учебника.

5. Мелодрама (в 18 веке): особый вид музыкально- театрального спектакля, в котором литературный текст произносился с сопровождением симфонической музыки. Монологи актеров, которые читались речитативом, чередовались с музыкальными вставками и только иногда «накладывались» на оркестровый фон. Основой мелодрамы были сюжеты трагического характера.

6. Романс- произведение для голоса с инструментальным сопровождением (чаще всего фортепианным). Большое развитие получил в 19-20 веках. Иногда романсами называют певучие инструментальные пьесы.

Музыкальный материал к теме «Русская музыка 18- первой половины 19 века».

(Все фрагменты на диске 1)

1. И. Хандошкин. Соната соль минор для скрипки соло, 1 часть.

2. Е. Фомин. Увертюра к мелодраме «Орфей».

3. Д. Бортнянский. Духовный концерт №6 «Слава в вышних Богу».

4. А. Алябьев. «Соловей».

5. А. Варламов. «Белеет парус одинокий».

6. А. Гурилев. «Колокольчик».

Тема №3. Михаил Иванович Глинка (1804-1857).

3.1. Жизненный путь композитора. М.И. Глинка в русской музыке занимает такое же положение, как А.С. Пушкин в русской литературе. Если Пушкин- первый наш поэт мирового значения, то Глинка – первый композитор, открывший новую эпоху в диалоге западно – европейской и русской культур. С творчества Глинки начинается классический период русской музыки.

Русские композиторы 18 века подготовили ту богатую почву, на которой выросло искусство Глинки, ставшего родоначальником нашей музыкальной классики. Именно оно подводило итоги развития русской музыки в предшествующем столетии, обобщало характерные черты русского народного творчества и, в то же время, объединяло достижения старинной и современной западной культуры.

Глинка родился в семье отставного капитана 20 мая 1804 г., в селе Новоспасском Смоленской губернии. Против воли его родителей, бабушка, Фекла Александровна, стала опекать маленького Мишу. Она забрала его на свою половину дома и принялась растить, кутая в меха и закармливая сладкими крендельками. Шесть лет мальчик провел в бабушкиных «застенках», почти без воздуха и подвижных игр, без общения со сверстниками, даже родители нечасто допускались к нему. В общем, мальчик вырос «мимозой», со слабым неустойчивым здоровьем и сверхчувствительной нервной системой.

Как вы думаете, много ли впечатлений получил он в эти годы? Тем ярче запоминались встречи с красотой – русскими песнями и сказками нянюшки Авдотьи Ивановны.

Мальчик был очень способным, рано научился читать, умел и любил рисовать. После смерти бабушки имение перешло в руки отца, но вскоре началась война с Наполеоном, и вся семья вынуждена была поселиться в г. Орле. Дом в Новоспасском был разрушен, имение разорено. Лишь весной 1813 г. вернулись они на священную Смоленщину, политую кровью русских героев Отечественной войны 1812 г.

По словам Глинки, он открыл для себя музыку в десять лет. Его дядя, живший в одном из соседних имений, привез к ним своих крепостных музыкантов (кстати, у дяди был свой крепостной симфонический оркестр, который исполнял песни, танцы, увертюры из модных опер французских композиторов, Моцарта). Новое впечатление было столь ярким, что мальчик ни о чем другом не мог думать. Когда на уроке учитель пожурил его, что он думает только о музыке, мальчик ответил: «Что ж делать? Музыка- душа моя». Получив домашнее воспитание, будущий композитор уже умел играть на фортепиано и скрипке.

В 1817 году тринадцатилетнего Мишу отдали учиться в открытый при Петербургском педагогическом институте Благородный пансион для юношей.

Курс обучения был рассчитан на четыре года. Многие из «пансионских» воспитанников стали близкими друзьями Глинки на всю жизнь. «Особенным гувернером» при детях состоял товарищ А.С. Пушкина по лицею - В.К. Кюхельбекер. Он преподавал русскую словесность. В пансионе вместе с Глинкой учился младший брат Пушкина – Левушка. Александр Сергеевич часто навещал брата и заходил к Кюхельбекеру. Бывали в пансионе поэты А. Дельвиг и Е. Баратынский. В общем, Глинка мог общаться с «золотой молодежью» русской культуры.

В пансионе Глинка изучал иностранные языки, географию, зоологию, занимался он и музыкой. Три урока получил он у знаменитого пианиста Джона Фильда. Родители постоянно вывозили его в театр – опера приводила мальчика в восторг.

Пансион Глинка закончил «вторым по списку». Тогда же состоялось его первое выступление в качестве пианиста, о чем даже сообщалось в журнале «Сын отечества». В Новоспасском он продолжал свои музыкальные занятия. Дирижировал дядиным оркестром, изучал музыкальную литературу и инструментовку.

В 1924 году Глинка поступил на службу в канцелярию Главного управления путей сообщения, но все свое свободное время он посвящал музыке. Он принимал участие в музыкальных вечерах в домах своих знакомых, посещал театры и концерты. В 1828 году, к неудовольствию отца, Михаил Иванович оставил службу, чтобы полностью посвятить себя творчеству.

К этому времени он уже был автором романсов, «русских песен», арий в итальянском стиле, квартетов. Художественная ценность ранних произведений говорит о гениальности композитора.

В это же время расширяется круг его знакомых. Среди его друзей появились известные имена- А. Мицкевич, А Грибоедов, А. Керн.

В 1830 г. стали сказываться результаты бабушкиного «тепличного» воспитания. Родители решили отправить слабого здоровьем сына за границу. Путешествие охватывало Варшаву, города Германии, Италию. Здесь композитор хотел познакомиться с новой музыкой и усовершенствовать свои композиторские навыки. Надежды его оправдались. За три года, что он провел в Италии, талант его оформился, а знания и умения окрепли.

Летом 1833 г. Глинка поселился в Вене, где начал заниматься с известнейшим педагогом и теоретиком Зигфридом Деном. Здесь же родился замысел создания национальной оперы на русский сюжет. С этой мыслью он и вернулся домой.

Сюжет на историческую русскую тему был подсказан композитору великим поэтом В.А. Жуковским. Новая опера живо обсуждалась на вечерах в доме поэта, где бывали Пушкин, князь Вяземский, Гоголь, князь Одоевский, Виельгорский. Работа над оперой проходила быстро. Закончив партитуру, Глинка отдал ее в дирекцию императорских театров. Правда, автору пришлось выполнить два условия – отказаться от денежного вознаграждения и переименовать оперу. Композитор хотел назвать ее «Иван Сусанин» (как мы её и знаем сегодня), но цензура заставила назвать произведение «Жизнь за царя».

Премьера состоялась 27 ноября 1836 года. На ней присутствовал весь литературно- художественный цвет Петербурга. Передовая публика приняла оперу восторженно. Аристократическая – назвала «кучерской музыкой». На что композитор ответил в своих записках: «Это хорошо и даже верно, ибо кучера, по- моему, дельнее господ!» Этот ярлык с творения Глинки так и не был снят. Зато друзья композитора устроили ему настоящее чествование.

Музыка, драматургия оперы оказались подлинно новаторскими и положили начало новому оперному жанру- народной музыкальной драме. Конечно, образ главного героя – простого русского мужика, музыка, его рисующая, не могли быть понятны придворным кругам. И, даже более того, идея Глинки объединить русскую песенность с европейскими приемами композиции оказалась недоступной и для многих музыкантов той поры. Но значимость этого события признавали все.

Вскоре после премьеры оперы Глинка занял должность капельмейстера Придворной певческой капеллы. Несмотря на то, что работа занимала много времени, он был весь в новом замысле. Один из друзей подал ему мысль о ранней поэме Пушкина «Руслан и Людмила». Композитор даже обсуждал с Пушкиным идею совместной работы, но ранняя смерть поэта не дала ей осуществиться.

Работа над новой оперой растянулась на несколько лет.

Именно в это время Глинка познакомился с дочерью А.П. Керн, Екатериной Ермолаевной, и увлекся девушкой. Вскоре она ответила на его чувства взаимностью. Е.Е. Керн посвящены два изумительных творения музыканта – «Вальс- фантазия» и романс «Я помню чудное мгновенье» - совершеннейшие образцы его лирики.

Поздней осенью 1839 г. Глинка подал заявление об уходе с капельмейстерской службы. Композитор всецело отдался работе над оперой. В марте 1842 года он передал готовую партитуру директору императорских театров. «Волшебная опера» русского музыканта произвела огромное впечатление. Лист, который был лично знаком с Глинкой, назвал его гениальным.

Вокруг «Руслана и Людмилы» разгорелись критические споры, сложная, многоплановая драматургия усложнила сценическое воплощение оперы. Глинка переосмыслил содержание юношеской поэмы Пушкина, укрупнил ее идеи и усилил эпические черты. На первый план он выдвинул величавые образы Киевской Руси, былинного богатырства, впервые красочно представил в ней мир Востока.

Конечно, новаторство Глинки не было полностью оценено современниками. Высокопоставленные слушатели на премьере свистели, шикали. Великий князь своих адъютантов вместо гауптвахты отправлял в театр, на представления «Руслана и Людмилы». Но сам Глинка говорил: «Я верю, что пройдет время, может сто лет, и мою оперу поймут и оценят». Он был прав. История закрепила за ним первенство в создании сказочно- эпического жанра в русской опере.

В 1844 г. Глинка уехал за границу, чтобы «забыть о своем горе»: его отношения с Е.Е. Керн не получили дальнейшего развития. В годы странствий композитор посетил Францию, Испанию. Он познакомился с выдающимися представителями европейской культуры: П. Мериме, Д. Обером, В. Гюго, Г. Берлиозом. Его произведения вызывали большой интерес музыкальной общественности. Испания поразила его темпераментом. В Мадриде он создал знаменитую «Арагонскую хоту».

По возвращении в Россию была написана гениальная «Камаринская», появление которой П.И. Чайковский считал моментом основания русской симфонической школы. В ней проявилось ювелирное мастерство Глинки – симфониста, соединившего русский тематизм с европейским инструментализмом.

В начале 50 – годов музыкальная жизнь России сильно изменилась. Появилось новое поколение музыкантов и музыкальных деятелей, многие из которых входили в окружение Глинки. Среди них надо назвать братьев Стасовых, А. Серова, В. Эгельгардта, М. Балакирева. Всем им предстояло в будущем двигать вперед русское музыкальное искусство.

В 1852 г. Глинка вновь уезжает во Францию. Здесь он давал уроки, музицировал в гостиных своих друзей. Возвратясь в Петербург, по настоянию своей сестры Людмилы Ивановны Шестаковой, Глинка начинает работать над автобиографическими «Записками» и доводит повествование до 1854 г. Сочиняет он в это время немного. К этому периоду относится замысел оперы на сюжет русской народной жизни «Двумужница», который так и не был осуществлен.

Чувствуя себя очень плохо, болезненно переживая отношение официальных кругов к своей музыке, в 1856 г. он вновь уезжает за границу. Теперь его путь лежит в Берлин. Одной из идей Глинки было создание системы русского контрапункта. Для этого в Берлине он изучал полифонию и контрапунктическую технику старых мастеров, партитуры европейских классиков и мелодии древнерусских знаменитых распевов, в которых он видел основу русской полифонии. По вечерам композитор посещал театры и концерты. После одного из концертов в зале королевского дворца, выйдя на морозный воздух, Глинка сильно простудился. Грипп вызвал обострение болезни печени, и 3 февраля, ранним утром, композитора не стало. Он был похоронен на Троицком кладбище, а в мае, благодаря хлопотам сестры, гроб с телом великого музыканта был перевезен в Петербург и погребен на кладбище Александро- Невской лавры.

Так закончился земной путь русского гения, и началось его бессмертие в памяти поколений.

3.2. Опера «Иван Сусанин». Осенью 1836 г. заново отделанный Большой театр в Петербурге было решено открывать оперой Глинки. Театр был переполнен. Присутствие царя и его семьи привело на открытие сезона весь «высший свет». С другой стороны собрались музыканты, литераторы, художники. В центре их был Пушкин.

Еще не поднялся занавес, оркестр только начал исполнять увертюру, и все почувствовали в ней нечто необычное. Необычна была сама музыка. Она была чем- то знакомым и близким и не походила на привычную музыку зарубежных опер. Она отличалась своей особой мелодичностью и звучностью. Это была русская музыка, основанная на русском музыкальном фольклоре.

Конечно, Глинка был высокообразованным музыкантом, и все темы и мелодии были обработаны по всем законам оперного искусства. Но то, что музыкальная основа явно была не иностранной, а русской, было потрясающе новым.

Новым было и то, что о судьбах крестьян в опере говорилось с такой же серьезностью, с какой обычно в опере речь велась о царях, герцогах и принцессах. Перед слушателями были не привычные мужички комических опер или нарядно одетые крестьяне придворных балетов. Герои оперы Глинки были крупными личностями. Даже недоброжелатели были захвачены сценой героической гибели Сусанина.

Недаром в самом начале работы над оперой Глинка сделал для себя пометки:

«Иван Сусанин (бас) – характер важный.

Антонида, дочь его (сопрано) – характер нежно – грациозный.

Сабинин, жених Антониды (тенор) – характер удалый.

Сирота, 13 – или 14- летний мальчик (альт) – характер простосердечный».

В этих определениях композитор выразил суть характеров и с помощью музыки сделал своих героев неповторимыми личностями.

Народный характер всей оперы подчеркивается и особым пониманием партии хора. Глинка хорошо знал итальянские и французские оперы и роль в них хора. Он с иронией говорил: «Уж эти мне хоры! Придут неизвестно зачем, пропоют неизвестно что, а потом и уйдут с тем же, с чем пришли». У Глинки впервые в истории мировой оперы хор показан как действенная сила. Это народ, который активно участвует во всем происходящем, даже в личной жизни героев. Он становится действующим лицом и действенной силой, направляющей сам ход событий.

Глинка впервые в русской музыке отказался от оперы с разговорными диалогами, как было во всех операх России в 18 веке. Но самое главное, он создал метод симфонического развития оперной формы. В его сочинениях устанавливается принцип слияния вокального и симфонического начал.

В опере описывается подлинное историческое событие – подвиг крестьянина костромского села Домнино Ивана Осиповича Сусанина, который он совершил в 1613 г. Москва уже была освобождена от польской армии, но отряды шляхтичей еще бродили по русской земле. Один из таких отрядов должен был захватить в плен только что избранного русского царя Михаила Федоровича, который жил тогда возле Домнино. Враги пытались сделать Сусанина своим проводником. Но русский крестьянин завел захватчиков в густой лес и погубил их, погибнув при этом сам.

Сусанин отдал свою жизнь ради свободы родины. Подвиг его вошел в историю. Этот подвиг был воспет в русской литературе и музыке. Поэт – декабрист Рылеев создал на этот сюжет стихотворную думу в 1825 г. Композитор К. Кавос в 1815 г. написал оперу «Иван Сусанин».

В опере 4 действия и эпилог.

Начинается опера увертюрой, в которой средствами музыки передается основной драматический конфликт между русскими и польской шляхтой. Темы, которые звучат в увертюре, потом будут использованы композитором в различных эпизодах оперы. Но уже здесь, в увертюре, последовательно развивается основная идея оперы – идея народности, патриотизма.

За увертюрой следует хоровая интродукция – пролог. Этот раздел оперы показывает русский народ как главную движущую силу и одновременно выражает главную идею оперы – любовь русского народа к своей родине.

В интродукции- два хора: мужской и женский. По словам Глинки, мужской хор передает «силу и беззаветную неустрашимость русского народа». Мелодия этого хора с ее мужественными интонациями близка русским народным песням- старинным молодецким и солдатским.

Мелодия женского хора появляется вначале в оркестре и лишь потом звучит в исполнении голосов. Оживленная и светлая, она близка весенним хороводным песням. Широкий и, в то же время, подвижный напев ее сменяется далее плясовым шагом с притоптыванием.

Заключительная часть интродукции – большая хоровая фуга, в которой интонации мужского и женского хоров сливаются воедино, завершая развитие могучей кульминацией.

Первый акт. Действие первого акта переносит нас на улицу села Домнино, где живет Иван Сусанин, в далекий и грозный 1612 г., когда поляки захватили Москву и посадили на русский престол своего ставленника. Враги хозяйничали не только в столице, но и на окраинах Руси. Композитор показывает нам мирную жизнь поселян. Дочь Сусанина Антонида ожидает своего жениха Сабинина. Она готовится к свадьбе.

Каватина и рондо Антониды, следующие за интродукцией, раскрывают типичные черты русской девушки – нежность и верность ее чувства, искренность и простоту. Задумчивая каватина сменяется изящным, оживленным рондо. Характер музыки - светлый и радостный- выразительно раскрывает поэтичный мир девичьих мечтаний.

Но скорбные думы о судьбе родины омрачают душу Сусанина. «Что гадать о свадьбе? Горю нет конца», - поет он. В этом первом высказывании Сусанина композитор использовал подлинный народный напев, услышанный им от лужского извозчика.

Сусанин не приемлет мысль о личном счастье в дни народного бедствия. Так сразу же утверждается связь героя с народом.

В конце первого акта приезжает Богдан Сабинин. В своем плане Глинка определил его характер как «удалой». Это отражается в его музыке, похожей на молодецкие солдатские песни времен войны 1812 г.

Сабинин рассказывает о победе русских ополченцев, об изгнании шляхтичей из Москвы. Хотя молодой ратник привез добрые вести, Сусанин непреклонен – свадьбу играть рано. Тогда в ответ ему звучит прекрасное трио «Не томи, родимый». Оно передает грустные переживания Собинина и Антониды. Задушевная его мелодия построена на интонациях городских бытовых песен. Та же мелодия звучит и в партии Сусанина. Отдельные песенные фразы у каждого из певцов как бы перекликаются, отвечают одна другой, образуя имитации.

После того, как к просьбе присоединяются крестьяне, Сусанин уступает: «Врагов мы разобьем, и свадьбу мы споем». Так радостно завершается первый акт оперы.

Второй акт является ярким контрастом первому. Его называют «польским» актом. Действительно, русская улица сменяется здесь тронным залом в замке польского короля. Вместо крестьян на сцене – пирующая шляхта. Музыкальным портретом поляков являются национальные польские танцы (полонез, краковяк, вальс, мазурка). И - ни одной сольной арии и большого ансамбля. Это делает характеристику поляков обобщенной.

Особенно важны здесь два танца – полонез и мазурка. Первый из них –торжественный и помпезный – служит вступлением ко всему акту. К нему присоединяется хор хвастливых врагов: «Мы- шляхта, и всех мы сильнее!».

Особенно важна мазурка, завершающая акт. Получив известие о поражении своего войска, поляки решают послать на Русь еще один отряд. Они все еще надеются голыми руками победить русских мужиков.

Надо отметить то, что до Глинки танцы в оперу вводились как вставной дивертисмент из отдельных балетных номеров. У Глинки же этим танцам придается большое драматургическое значение. Они становятся характеристикой действующих лиц. Более того, эти два танца – полонез и мазурка – станут своеобразными «лейтмотивами». Они будут сопровождать польских захватчиков и в русских сценах, но там они будут носить совсем другой характер.

«Польским актом» своей оперы Глинка положил начало русской классической балетной музыке.

Так, в первых двух актах, композитор показал нам две противоборствующие силы. Не просто русских и поляков, а мирных русских крестьян и польскую шляхту, мечтающую завоевать Россию.

В третьем акте происходит их первое столкновение. Поэтому он состоит из двух разделов, границей которых является приход захватчиков и их объяснение с Сусаниным.

Небольшое вступление воссоздает атмосферу того мрачного и тревожного времени. Оно как будто предсказывает последующие драматические события. Но начало акта – спокойно и мирно. Ничто еще не предвещает страдания и гибель.

Спокойно звучит знаменитая песня Вани – приемного сына Сусанина. Песня открывает третий акт. Она проста и задушевна, выражает благодарность и преданность названному отцу. Песня Вани близка русским народным песням.

Ласковы обращения к Ване Сусанина. Все полно тихой и сердечной радости и тепла. Пришедшие односельчане, узнавшие о готовящейся свадьбе, хотят всем миром принять в ней участие. Все приступают к радостным хлопотам.

И вдруг в эту светлую, безоблачную музыку врываются интонации полонеза. Появляются поляки. Они требуют, чтобы Сусанин показал им дорогу на Москву.

Сцена Сусанина с поляками – замечательный образец драматически развивающегося ансамбля. Музыкальная характеристика поляков очерчена ритмами полонеза и мазурки. Спокойные, полные достоинства ответы Сусанина сохраняют присущий ему степенный и серьезный характер. В ответах Сусанина полякам звучат гордые слова русского человека - патриота своей родины, готового пожертвовать собой ради нее.

Решительно и с достоинством отвечает Сусанин полякам: «За Русь мы все стеной стоим, в Москву дороги нет чужим!».

В реплике Сусанина «Велик и свят наш край родной» зарождается тема хора «Славься» из финала оперы.

Когда шляхтичи начинают угрожать Сусанину, он отвечает: «Страха не страшусь, смерти не боюсь, лягу за святую Русь». Эта тема нам уже знакома. В начале хоровой интродукции ее пел хор народа, а здесь она звучит в устах одного из его сынов. Так музыка объединяет образ отдельного человека – Сусанина - с обобщенным образом великого народа.

Потихоньку отправив Ваню предупредить ополченцев Минина, Сусанин делает вид, что соблазнился предложенными поляками деньгами, уходит вместе с ними.

Композитор с удивительным мастерством продолжает накалять драматическое напряжение. После полной отчаяния музыки Антониды из-за сцены раздается безмятежно – радостный хор девушек «Разгулялися- разливалися воды вешние по лугам». Девушки пришли поздравить Антониду. По своему мелодическому складу хор близок русским свадебным величальным песням. Музыка его светла и безмятежна. Хор изложен в своеобразном пятидольном размере, типичном для русских песен. Это - одна из жемчужин русской классической хоровой музыки.

В ответ Антонида с глубокой скорбью поет свой знаменитый романс.

Песня- романс Антониды «Не о том скорблю, подруженьки» - одна из самых поэтичных страниц оперы. Мелодия ее проста и задушевна. В ней слышатся трогательные интонации народных причитаний. Песня- романс раскрывает всю глубину горя Антониды и, тем самым, с новой стороны показывает богатство ее душевного мира.

Пришедшим гостям Антонида рассказывает о несчастье, и крестьяне принимают решение: «Выйти всем селом, вслед врагам погнаться, смертным боем драться». И вот уже вооруженные, кто - чем может, крестьяне во главе с Сабининым идут на бой. «Всех врагов земли родной покараем!» - клянутся они.

Четвертый акт. Короткое оркестровое вступление переносит нас в зимний настороженный лес. И сразу – резкая смена настроения: слышен топот стремительной скачки, биение уставшего человеческого сердца.

Ваня прибегает к небольшому посаду, чтобы предупредить о приближении врагов. Он долго стучится в запертые ворота. Волнением проникнут речитатив Вани «Бедный конь в поле пал». За ним следует небольшая певучая ария. Наконец ворота открываются. Ваня сообщает о польском отряде. Воины выступают на поиски врага.

И - снова картина заснеженного леса: дремучего, непроходимого. В истинно русскую музыку вдруг вторгаются интонации мазурки. Это враги, уставшие и продрогшие, бредут за Сусаниным. Их мазурка утратила свой былой блеск. Выбившиеся из сил шляхтичи устраивают привал и засыпают.

Сусанин остается один со своими мыслями. Предсмертная ария Сусанина - не только кульминация развития его образа. Это - драматическая кульминация всей оперы.

Ария начинается полным душевного волнения напевным речитативом «Чуют правду». Эта музыка- образец выразительной песенной декламации Глинки. Интонации Сусанина неторопливы, спокойны и мужественны.

В начале арии Иван Сусанин обращается к заре. Эта заря станет его последней зарей.

Музыка этой сцены с большой тонкостью передает разнообразные чувства героя, мельчайшие движения его души. Перед его мысленным взором проходит вся его жизнь, родные и дорогие сердцу образы. Он вспоминает недавнее счастье в кругу любимой семьи. В этой музыке- такая трагедийная сила, страстность, что кажется: большее напряжение чувств уже невозможно. Но усилием воли эта боль приглушается: видя уснувших поляков, Сусанин и сам решает отдохнуть, собраться с силами: «Надо смерть достойно встретить…»

Начинается метель, изображенная оркестром. Причем это не только образ беспокойной природы. Музыка передает и внутреннее состояние главного героя. Но вот шляхтичи проснулись. Они чувствуют беду и начинают допрашивать Сусанина: «Признайся сейчас – ты хитришь или нет?» На что русский крестьянин с достоинством отвечает: «Хитрить мне нужды нет». Эта мелодия уже звучала во вступлении к четвертому акту. Ее сопровождает мелодия русской народной песни «Вниз по матушке, по Волге». Так Глинка утверждает нерасторжимость своего героя с народом, его русскую национальную природу, его типичность.

Последние мысли Сусанина – о родине. Последнее объяснение крестьянина с захватчиками трагично. На вопрос: «Куда завел ты нас?» - он отвечает: «Туда завел я вас, куда и серый волк не забегал, куда и черный вран костей не заносил». Победным торжеством звучат последние слова Сусанина: «Родной край спасен! О, Русь моя, живи вовек!».

Так завершается сюжет оперы. Но, чтобы подчеркнуть главную патриотическую линию оперы, композитор пишет еще и эпилог.

Эпилог - не просто завершение событий торжественным звучанием хора. Вместе с прологом эпилог образует как бы величественную раму, обрамляющую всю оперу.

Красная площадь в Москве. Хор ликующего народа «Славься» будто наполнен ярким солнечным светом. Народ торжественно славит и погибших героев, память о которых не умрет никогда, и живых – Минина и Пожарского. Несмотря на довольно быстрое движение, музыка хора величава и торжественна, и это придает ей черты гимна. Хор сопровождается могучим перезвоном колоколов. Это производит непередаваемое впечатление.

Создание «Ивана Сусанина» стало поворотным пунктом в развитии русской оперы. Глинка ввел в оперу новых народных героев. Он создал первую отечественную оперу, отличающуюся подлинной цельностью стиля, драматургическим и музыкальным единством. Поэтому день премьеры оперы- 27 ноября 1836 г.- считают днем рождения русской оперы.

3.3. Симфоническое творчество Глинки. Оно сравнительно невелико по объему. Симфонические произведения композитора - относительно небольшие, одночастные оркестровые пьесы. Наиболее значимы: «Камаринская», испанские увертюры («Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде»), «Вальс- фантазия» и оркестровые номера из музыки к трагедии «Князь Холмский». Каждое из них составляет ценную и важную часть его наследия.

Симфонические произведения Глинки (кроме музыки к трагедии «Князь Холмский) не имели сюжетных программ. Но каждое из них отличается яркостью и богатством образов. В них мы находим и личные переживания автора, и впечатления от природы и быта Испании, и зарисовки народной жизни и характеров русского народа.

Главной особенностью симфонической музыки Глинки является ее простота и доступность широким слоям любителей музыки. «Мне кажется, - писал он, - что можно соединить требования искусства с требованиями века и, воспользовавшись усовершенствованием инструментов и исполнения, писать пьесы, равно доступные знатокам и простой публике…»

В своих оркестровых произведениях Глинка широко использовал народные мелодии. В «Камаринской» и испанских увертюрах он ввел подлинные народные напевы. Причем не просто обрабатывал их, а развивал, используя самые современные приемы профессиональной музыки. Именно он ввел в русскую музыку такие приемы симфонического развития, которые были особенно близки характеру самих народных мелодий: вариационную разработку и полифоническое обогащение.

Самым известным симфоническим произведением Глинки является его гениальная «Камаринская» – фантазия на две русские народные темы. Это сочинение стало новым словом в русской музыке. В ней композитор использовал песню для создания произведения, рисующего разные стороны народной жизни и народного характера. Но это- не просто картинка русского деревенского быта. Здесь раскрыто богатство творческой фантазии народа.

«Камаринская»- это вариации на темы двух русских народных песен (такая форма называется «двойные вариации»). Первая тема- напевная, задумчивая свадебная песня «Из-за гор, гор высоких». Вторая - веселая, оживленная плясовая «Камаринская».

Казалось бы, такие разные мелодии. Но, при всем их различии, Глинка подметил в их строении общую черту – поступенное нисходящее движение на кварту. Благодаря этому, он не просто сблизил оба напева в результате развития, но и соединил их. Композитор разрабатывал темы по образцу народных песен. К примеру, медленная тема вначале звучит в унисон, как сольный напев. Затем - как будто вступает хор, мелодия обрастает подголосками. У плясовой песни тоже варьируется сопровождение, в котором появляются незатейливые подголоски. В ряде вариаций из темы как бы вырастают новые мелодии, которые потом разрабатываются самостоятельно. В общем, Глинка не просто варьирует темы, а качественно изменяет их, а это- признак симфонического развития.

Интересно использует здесь Глинка инструменты симфонического оркестра. Особенно струнные, которые звучат то как голоса невидимого хора, то легким пиццикато (игра на струнных инструментах щипком, а не смычком) подражают балалайке. А духовые деревянные звучат, как наигрыши свирели.

«Вальс- фантазия»- одно из самых поэтичных лирических произведений Глинки. Сначала это была небольшая фортепианная пьеса. Позднее она была расширена и оркестрована.

В основе лежит задушевная, ласковая тема. Благодаря нисходящей тритоновой интонации, эта задумчиво- элегическая мелодия звучит порывисто и напряженно. Своеобразное строение темы (нечетные трехтактовые фразы) придает мелодии Глинки устремленность и полетность.

С основной вальсовой темой контрастируют разнообразные по содержанию эпизоды, то светлые и грациозные, то взволнованно – драматические. Главная тема повторяется многократно, образуя форму рондо.

Удивительно изящна инструментовка этого произведения. Преобладание струнной группы придает всему симфоническому произведению легкость, полетность, прозрачность, неповторимое очарование мечты.

В своих «Вальс- фантазии», «Камаринской» и балетных сценах обоих опер Глинка создал неувядающе – прекрасные образцы симфонической музыки, выросшей из бытовых танцев. Почин его продолжили русские композиторы: Чайковский, Балакирев, Бородин, Римский- Корсаков, Глазунов и др.

3.4. Романсы Глинки. К жанру романса Глинка обращался на протяжении всей своей жизни. Этот жанр стал своеобразным лирическим дневником, в который композитор записывал не только свои многообразные чувства, но и очень широкий круг жизненных явлений. В его романсах мы находим сцены из жизни, тонкие музыкальные пейзажи, портреты окружавших его людей, картины далеких времен и стран.

С таким разнообразием содержания романсового творчества Глинки связано и обилие жанров в нем. Среди его романсов есть «русские песни», элегии, серенады, бытовые танцевальные романсы, баллады, фантазии. Есть среди них ряд романсов, в которых сочетаются черты разных жанров. С этим же связано и разнообразие форм в его романсах. Для форм романсов Глинки характерна классическая ясность и стройность.

Глинка был замечательным мастером вокального исполнения и хорошо знал возможности человеческого голоса. Поэтому романсы Глинки удивительно вокальны. Характерную особенность его романсов составляет также гармоничное сочетание вокальной и фортепианной партии.

В своих романсах Глинка использовал тексты двадцати поэтов. Хотя все романсовое творчество композитора отличается единством стиля, Глинка сумел отразить в музыке особенности поэтического языка разных авторов. Среди них надо отметить великих русских поэтов: Пушкина, Дельвига, Жуковского, Баратынского и др. Многие из его романсов написаны на слова близких друзей, например, Н. Кукольника.

«Жаворонок» (стихи Н. Кукольника)- задушевная и задумчивая песня с легко льющейся и плавной мелодией, естественной и простой, окрашенной светлой печалью.

Песня состоит из двух куплетов. Песенной мелодии вокальной партии контрастируют фортепианное вступление, проигрыш между куплетами и заключение песни, основанные на теме инструментального склада с элементами звукоподражания (слышатся трели жаворонка). В фортепианной партии выразительно воссоздается равнинный русский пейзаж – его бескрайние дали, поля и луга со стелющимися по ветру стеблями трав и злаков.

Этот романс народного характера стал воплощением любимой русской природы. Он был очень популярен во времена Глинки и стал предметом для всевозможных переложений, часто звучал в быту русских людей.

«Попутная песня» (стихи Н. Кукольника)- яркая жанровая картинка. Глинка стал первым композитором, который в музыке передал новое для того времени впечатление от поездки по железной дороге, которая открылась в России в 1837 г. и соединяла Петербург и Царское Село (ныне г. Пушкин).

Романс написан в трехчастной форме. 1 часть: характерен энергичный и полнозвучный аккорд в начале каждой строфы – от него отталкивается и неудержимо несется вперед мелодия. Фортепианная партия дублирует вокальную и передает частый перестук колес вагонов и паровоза. Кстати, в старину паровоз называли пароходом, поэтому не удивляйтесь, когда услышите: «Дым столбом, кипит, клубится пароход». 2 часть: быстрая стремительная мелодия сменяется широким и плавным напевом, выразительно передающим тоску ожидания. 3 часть: реприза первой.

«Я помню чудное мгновенье» (стихи А. Пушкина)- высшее достижение композитора в области вокальной лирики. В нем идеально сливаются пленительные стихи и вдохновенная мелодия. Это произведение отразило глубокие чувства Глинки к Екатерине Ермолаевне Керн, дочери Анны Петровны Керн, в свое время вдохновившей Пушкина на создание гениального стихотворения.

С прекрасной поэзией Пушкина гармонично слились музыкальные образы, созданные Глинкой. Это, прежде всего, выражено в мелодии – по- русски пластичной и задушевной.

Трехчастная форма романса соответствует содержанию стихотворения, в котором отражены три важных момента душевной жизни героя: первая встреча, горечь разлуки с любимой и радость вновь наступившего свидания.

Романс обрамлен одинаковыми, по музыке, вступлением и заключением.

1 часть: мелодия вступления звучит в вокальной партии. Она глубоко впечатляет своей плавностью и нежной грацией.

2 часть: звучит ярким контрастом, мелодия становится тревожной, суровой, речитативно- декламационной.

3 часть: возвращается прежняя светлая мелодия, но она становится радостно- возбужденной, а сопровождение- подвижным и трепетным.

Романс относится к зрелому периоду творчества Глинки, поэтому мастерство композитора в нем так совершенно. Никогда еще и никем до Пушкина и Глинки не была поднята на такую высоту красота человеческого чувства.

Вопросы.

1. Назови годы жизни М.И. Глинки.

2. Где будущий композитор получил образование?

3. Кто подсказал Глинке сюжет оперы «Иван Сусанин»?

4. В каких странах и когда побывал Глинка?

5. Какое произведение композитор создал в Испании?

6. Назови лучших представителей русской и европейской культуры, с которыми Глинка был знаком.

7. В чем значение творчества Глинки в истории русской музыки?

8. Что нового внес Глинка в оперу «Иван Сусанин»?

9. Какое подлинное историческое событие легло в основу сюжета оперы?

10. Как была названа опера при премьере? Почему?

11. Раскрой основную идею оперы «Иван Сусанин».