Русская музыкальная культура была представлена школой русских композиторов-эмигрантов, музыкально-драматическим и музыкально-хореографическим жанрами. Этот вид искусства как процесс в целом, включающий также концертную деятельность известных в дореволюционной России музыкантов, музыкальное образование детей эмигрантов, в том числе работу консерватории имени Рахманинова, в которой преподавали ученики Римского-Корсакова, Танеева, наименее изученная область культуры Российского зарубежья. Основная причина - скудность источниковедческой базы. Вот почему Российский институт искусствознания буквально по крупицам собирает и изучает факты музыкальной жизни эмиграции, без знания которых невозможно понять феномена музыкальной культуры Российского зарубежья в период между двумя мировыми войнами.
ШКОЛА РУССКИХ КОМПОЗИТОРОВ. Ядром этой школы за рубежом были С. Рахманинов, И. Стравинский, С. Прокофьев, Л. Глазунов, А. Гречанинов, Н. Черепнин. В их творчестве по-прежнему оставались гуманизм, народность музыки, непременное сочетание этического начала с эстетическим, ума и чувства, хотя с годами и наблюдалось некоторое воздействие другой национальной музыкальной традиции, иной культуры.
РАХМАНИНОВ СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ (1873-1943). Имя С. Рахманинова в ряду известных музыкальных деятелей Серебряного века, в истории русского искусства начала XX столетия занимает ведущее место. Он рано проявил себя и как гениальный пианист, и как выдающийся композитор и талантливый дирижер.
За 17 предреволюционных лет С. Рахманинов создал свои лучшие произведения. Он написал Второй концерт, самый блестящий в русской фортепьянной музыке этих лет, и Третий концерт для фортепьяно с оркестром. Вторую симфонию, Виолончельную сонату, кантату «Весна» на слова Некрасова, кантату «Колокола», симфоническую поэму «Остров мертвых», две оперы, вариации на темы Шопена, несколько прелюдий, два цикла романсов, в которых проявился незаурядный мелодический дар композитора, и другие талантливые произведения. Безусловно, этот творческий подъем Рахманинова был связан с русской действительностью, с родным народом и родной Россией.
В композиторском творчестве С. Рахманинова заключены многогранности яркая национальная окрашенность его музыки, реалистическая основа сочинений, широкий круг музыкальных образов, эмоциональных состояний, преисполненных мощной силы, поэтического вдохновения и зрелого мастерства Вес это делает Рахманинова выдающимся явлением мировой музыкальней культуры.
Февральскую революцию он принял восторженно, но Октябрьскую революцию отверг. В декабре 1917 г. Рахманинов отправился в Скандинавию, на свои последние заграничные гастроли, из которых в Россию не вернулся. В 1918 г. он переехал в США. Разрыв с Родиной Рахманинов переживал очень глубоко и до конца своей жизни воспринимал как большую жизненную трагедию. Своим друзьям он с горечью признавался: «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял сам себя. У изгнанника, который лишился музыкальных корней, не остается желания творить, не остается иных утешений, кроме нерушимого безмолвия нетревожимых воспоминаний».[41]
За рубежом Рахманинов, действительно, не проявил столь большой продуктивности в сочинениях. Постоянная тоска по родной природе, которую напоминала ему Южная Калифорния, родным местам резко сократили его творческий потенциал как композитора. За 25 лет он создал лишь шесть произведений: Четвертый концерт (1926), Три русские песни для оркестра и хора (1926), Вариации на тему Корелли для фортепьяно (1931), Рапсодию на тему Паганини для фортепьяно с оркестром (1934), Третью симфонию (1936), Симфонию танца (1940). Ни в одном из этих произведений Рахманинов уже не мог подняться до того уровня, какой был характерен для его лучших творений, созданных в России. В 1918-1942 годах он занимался преимущественно концертно-пианистской деятельностью. Публика называла его первым пианистом мира.
Осенью 1939 г. в Нью-Йорке проходил фестивальный цикл концертов из произведений Рахманинова. Под управлением дирижера Юджина Орманди в исполнении Филадельфийского оркестра и самого автора прозвучали Второй и Третий концерты. Симфонической поэмой «Остров мертвых» Рахманинов дирижировал сам. В исполнение своего любимого произведения, по признанию Сергея Владимировича своим друзьям, он вложил весь мир своей души и зрелость жизненного опыта художника.
В годы Великой Отечественной войны Рахманинов стремился как-то помочь своему борющемуся народу. Он дал ряд концертов «В помощь русской армии». Умер Сергей Васильевич 28 марта 1943 г., не дожив трех дней до своего семидесятилетия. Первым официальным признанием со стороны СССР заслуг С.В. Рахманинова как композитора, величайшего пианиста и дирижера было письмо советских композиторов, отправленное Сергею Рахманинову по случаю его семидесятилетия. Но поздравительное послание не застало адресата в живых. Однако в 1945 г. организуется конференция, посвященная Сергею Васильевичу, концертный сезон проходит под знаком его музыки, в 1947 г выходят первые научные труды о творчестве С. Рахманинова. Залу бывшего Синодального училища в Москве присвоено название Рахманинского.
Творчество великого маэстро, память о нем стали достоянием России, ее народа. Во всей мировой культуре Рахманинов олицетворил собой художественный гений своего Отечества, своеобразие русской культуры, драматизм, ее духовность, многозвучность и национальное достоинство. Похоронен С.В. Рахманинов на русском кладбище в Кенессико, близ Нью-Йорка. Рядом с композитором погребены его жена и дочь Ирина Волконская.
СТРАВИНСКИЙ ИГОРЬ ФЁДОРОВИЧ (1882-1971). Происходил из семьи художественной интеллигенции. Его отец - известный русский певец (бас), солист Мариинского театра, мать - пианистка. Музыкальная атмосфера в доме родителей способствовала раннему художественному развитию мальчика. Впечатления от русских народных песен были первыми впечатлениями будущего композитора.
За долгую творческую жизнь И. Стравинский создал много произведений, написанных в различных стилях и творческих манерах, порой резко несхожих. Эти особенности и качества композиторской деятельности выделяют его в истории мировой музыкальной культуры как фигуру противоречивую. Для творчества Стравинского в 10-х и 20-х годах характерна русская народная тематика. Он находил образы для своих произведений в русском фольклоре, народно-песенная палитра была той совокупностью выразительных музыкальных средств, используя которые, Стравинский создавал свои творения.
Этот народный колорит ярко проявился в «Байке про Лису, Kотa, Петуха да Барана», в вокальной сюите «Фавн и пастушка» на стихи Пушкина, в фантазии для оркестра «Фейерверк», опере «Соловей»; древнеславянская, языческая магия заклинаний, зовов - в балете «Весна священная», мелодии народных крестьянских песен в сочетании с бытовым городским романсом - в балете «Петрушка» и опере «Мавра».
Однако, в отличие от Глинки, Чайковского, использовавших национальные источники как бы в первозданном виде, бережно аранжировавших их, Стравинский стремился создать новый, современный музыкальный язык путем слияния музыкальных красок и образов русского национального фольклора с «интонационной атмосферой современного города».
Первая мировая война застала Стравинского в Швейцарии. Октябрьская революция и гражданская война преградили ему дорогу на родину. В 1920 г. он переехал во Францию, в 1939 г. в США, американское гражданство принял в 1945 г. За границей, наряду с композиторской деятельностью, выступал с концертами, которые участились после Второй мировой войны. В 1962 году выступил с авторским концертом в СССР.
В эмиграции И. Стравинский постепенно стал отступать от русской тематики и переходить к неоклассицизму. Русская тематика уступила место античной мифологии, библейским темам. В вокальных сочинениях использовались главным образом латинские и отчасти французские тексты. Это резко ослабило значение русского национального начала в творчестве композитора, хотя Стравинский утверждал: «Я всю жизнь по-русски говорю, по-русски думаю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это в ее скрытой природе».[42]
В конце 40-х и в 50-х годах тематика произведений Стравинского резко сужается, главенствуют духовные образы и сюжеты (перелом обозначила «Месса», 1948), музыка становится более суровой, нередко усложненной. Преобладают вокально-инструментальные произведения на латинские и английские тексты. Наиболее значительные сочинения: кантата «Священное песнопение» (1956), балет «Агон» («Состязание», 1957), «Заупокойное песнопение» (1966). Последнее произведение И. Стравинского - это обработка для камерного оркестра двух песен X. Вольфа (1967).
И.Ф. Стравинский стал одной из ярких фигур культуры Российского зарубежья, он с честью представлял отечественную культуру. Несмотря на некоторые отклонения в своем творчестве, Стравинский всегда оставался русским композитором, и его музыка - это русская музыка по своему стилю и своей форме. Советский композитор Д. Шостакович признавал: «Русский дух неистребим в сердце этого настоящего, подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного».[43]
ПРОКОФЬЕВ СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ (1891-1953). В первые десятилетия XX в. современники часто противопоставляли изысканной и утонченной музыке И. Стравинского суровую и терпкую красоту произведений Сергея Прокофьева. Жизненный и творческий путь композитора оказался не менее сложным, противоречивым, чем у многих его сверстников.
Прокофьев рано проявил влечение к музыке, привитое матерью, неплохой пианисткой. В тринадцатилетнем возрасте он поступает в Петербургскую консерваторию. На формирование юного Прокофьева оказали влияние современные ему композиторы - Скрябин, Рахманинов, Стравинский и другие. Ему импонировали их новизна, оригинальность, шедшие порой вразрез с классическими традициями. Постепенно еще студентом С. Прокофьев начинает вырабатывать свой собственный стиль, соответствующий духу нового времени.
Весной 1909 г. он окончил Петербургскую консерваторию как композитор, но остался в ней еще на пять лет для обучения дирижированию. С самого начала творческого пуги Прокофьева сопровождали самые различные оценки его творчества. Он властно обратил на себя внимание. Его имя или хвалили, или бранили. Равнодушных не было.
После блестящего окончания дирижерского факультета консерватории в 1914 г Прокофьев едет за границу, в Лондон, где в то время гастролирует знаменитая балетная труппа Дягилева. С этого времени началось творческое содружество композитора и знаменитого антрепренера. Вместе они «слепили» либретто нового балета и дали ему название «Шут». Вернувшись из-за границы, Прокофьев с головой ушел в работу над новым балетом. Не оставляя работу над ним, он начинает писать свою первую трагедийную оперу на сюжет Достоевского «Игрок». Она была написана в короткий срок.
Опера «Игрок» явилась тем первым шагом по пути обновления этого жанра, который через много лет привел Прокофьева к созданию величественной музыкальной эпопеи «Война и мир». Вслед за оперой Прокофьев написал симфоническую сюиту «Портреты». Вскоре был закончен балет «Шут». За ним последовала симфоническая сюита, которую он назвал «Скифской».
Приближение революции Прокофьев воспринял как величественное и загадочное явление, и его откликом на нее была кантата «Семеро их», которую он закончил осенью 1917 г. в Кисловодске, где жил с больной матерью. К этому времени у Прокофьева созревает решение об эмиграции, поводом были гастроли в Южной Америке. Разрешение на выезд за рубеж он получил от наркома просвещения Луначарского. Это разрешение на многие годы определило жизнь композитора на чужбине, которая длилась 15 лет. Его композиторское творчество за этот период было малопродуктивным и незаметным. Очевидно, концертная деятельность как средство к существованию отнимала все силы Прокофьева.
В 1936 г. Сергей Сергеевич возвращается на родину. Стечение обстоятельств побудило его вернуться в Россию. Этому способствовали, с одной стороны, неоднократные приглашения советских органов приехать в СССР, с другой - творческая неудовлетворенность композитора, которую он испытывал за рубежом. К тому же, Прокофьев начал все больше разочаровываться в западном образе жизни. А приход к власти Гитлера заставил его сделать выбор: Америка или Россия. Он выбрал Россию.
В СССР С. Прокофьев создал свои лучшие произведения: оперы «Семен Котко», «Война и мир», симфонии и камерные сочинения. Смерть С.С. Прокофьева от кровоизлияния в мозг 5 марта 1953 г. всего на несколько часов опередила официальное сообщение о смерти Сталина. Церемония похорон великого диктатора затмила потерю композитора, давшего миру «Ромео и Джульетту», «Классическую симфонию» и другие шедевры. О похоронах С.С. Прокофьева сообщили лишь некоторые иностранные газеты несколько дней спустя.
Мы рассмотрели творчество только трех известных русских композиторов-эмигрантов. Но на музыкальном поприще за рубежом трудилось во славу русской культуры немало и других заметных фигур. Среди них назовем С.Л. Кусевицкого, дирижера, который возглавлял симфонический оркестр в Бостоне (США).
Плодотворную деятельность развила за рубежом B.C. Рябушинская, музыкальный критик и писательница. Она кончила Петербургскую консерваторию, жила в Париже с 1919 г. Вера Сергеевна писала статьи для музыкальных журналов. С 1934 по 1938 годы читала лекции о русской музыке с древнейших времен до 1920 г. Многие из ее лекций, организованных Американским храмовым комитетом, шли в пользу бедных русских эмигрантов. Рябушинская была членом Общества по исследованию проблем искусства, участником Второго международного конгресса этики и науки об искусстве, где представила меморандум на тему «О творчестве в музыкальном исполнении».
В 1921 г. по инициативе Е. Рябушинской был создан «Союз музыкальных деятелей», в который вошло более 40 русских музыкальных деятелей. На первом, организационном собрании был принят устав и избрано правление. В его состав вошли Н. Арцыбушев, Н. Дризен, Е. Рябушинская, Н. Аверино, Е. Доленго-Грабовская. Союз занимался организацией музыкальных вечеров произведений русских композиторов.