Общеобразовательные вопросы

1. Драматургия Др. греции (трилогия Эсхила «Орестея», трагедия Софокла «Царь Эдип», трагедия Еврипида «Медея»)

Основоположник трагедии – Эсхил. Из 70 произведений дошли 7. В их основе – конфликт между человеческими страстями и духовностью.

«Орестея» (458 г. До н.э.) – тема проклятия рода атридов

– «Агамемнон» - его убийство Клитемнестрой в бане по возвращении с Троянской воны, наносит три удара секирой.

- «Хоэфоры» («Плакальщицы» - Орест, сын Агамемнона, убивает мать и ее любовника Эгисфа. Его настигает проклятье.

- «Эвмениды». Ореста преследуют Эринии. Афинский суд (при поддержке Афины и Апполона) оправдывает его. Исследователи видят в этом победу патриархата.

Софокл написал 125 драмы, сохранились 7 (Антигона, Аякс, Электра и др.).

«Царь Эдип» (420 г. До н.э.) продолжает тему родового проклятья (Лай и Иокаста). В Фивах мор, Эдип посылает шурина Креонта к дельфийскому оракулу. Итог: нужно изгнать убийцу Лая.

Всякие попытки уйти от судьбы оборачиваются против героев. Судьба Эдипа – прообраз человеческой судьбы.

Из творчества Еврипида дошли 17 произведений. Он изображал людей такими, какие они есть.

«Медея» (431 г. До н.э.)

- помогла с огнедышащими быками и драконом

- задержала погоню, убив брата, разбросав его тело)

- в Иолке убила Пелия (его закололи дочери, чтобы Медея оживила его молодым)

- бежали в Коринф, где Ясон женился на дочери местного царя Креонта

- Медея со своими детьми передала сопернице отравленный наряд

- все сгорели, Медея сбежала, укрыв детей в храме Геры.

Трилогия Эсхила «Орестея». Сказание, послужившее основой «Орестеи» Эсхила, представляет собой типичный пример архаического закона кровной мести. Атрей и Фиест подстраивают гибель своего сводного брата Хрисиппа, за что их отец Пелоп проклинает их. Фиест, чтобы овладеть царским троном, соблазняет жену Атрея, однако его изгоняют из Микен. Чтобы отомстить, Атрей разыгрывает примирение с братом, убивает его малолетних детей, жарит их мясо и подает ему в качестве угощения. Когда Фиесту по окончании празднества показывают отрубленные головы его сыновей, он проклинает Атрея и его род. Эгисф — единственный из сыновей Фиеста, который выживает. В отсутствии сына Атрея — Агамемнона, он соблазняет его жену Клитемнестру. Такова мифологическая предыстория драмы.

«Орестея» (458 год до н. э.) — трилогия Эсхила, в которой продолжает развиваться тема проклятия рода Атридов. Первая из трех трагедий «Орестеи» — «Агамемнон». Сюжетом ее служит убийство царя Агамемнона после возвращения с Троянской войны его женой Клитемнестрой. Клитемнестра обманом завлекает мужа в баню, где безжалостно наносит ему три удара секирой (в «Одиссее» изложен другой вариант этого мифа: убийцей Агамемнона у Гомера является Эгисф).

Вторая часть трилогии — «Хоэфоры» («Плакальщицы», «Приносящие дары умершим»). В ней Орест, сын Агамемнона, мстит за смерть отца, убивая после тяжких сомнений собственную мать Клитемнестру и ее любовника Эгисфа. Теперь уже Ореста должно настигнуть страшное проклятие рода Атридов.

Третья часть трилогии («Эвмениды») рассказывает о том, как Ореста преследуют страшные богини мщения — Эринии. Однако на этот раз его участь решают не только боги, но и трибунал афинских судей, который возглавляет сама богиня Афина. Голоса делятся поровну, однако Афина и Аполлон на стороне Ореста. Афинский суд оправдывает героя, завершив тем самым череду кровавых преступлений. Исследователи нередко видят в этой драме отражение борьбы патриархата с матриархатом. В матриархальной этике убийство Орестом Клитемнестры — непростительное преступление, поскольку Орест проливает кровь своей матери, кровь своего собственного рода. В этике патриархата, напротив, преступление Клитемнестры — страшнее, ведь она убивает мужа, главу семьи и отца ее собственных детей. В финале драмы Ореста, несмотря на убийство матери, оправдывают. Это, по мнению литературоведов, подтверждает окончательную победу патриархата над матриархатом.

Трагедия Софокла «Царь Эдип». Мифы о родовом проклятии формируются в Греции в эпоху разложения героической мифологии. Именно с этими мифами связаны многие произведения античной драмы, в том числе и трагедия «Эдип-царь». Отец Эдипа, фиванский царь Лай украл чужого ребёнка, и был за это проклят его отцом. Проклятие ложится на весь род Лая. Лай погибает от руки собственного сына, заканчивают жизнь самоубийством его жена Иокаста и внучка Антигона, погибают в единоборстве внуки Этеокл и Полиник.

Миф поражает своей повторяемостью: всякие попытки уйти от судьбы оборачиваются против самих героев. Лаю предсказано, что его убьет его собственный сын, и чтобы избежать этого страшного пророчества, он решает избавиться от ребенка. Однако Эдип спасается, и, спустя годы, повзрослев, на перекрестке трех дорог, действительно, убивает Лая. Эдипу тоже предсказали, что он убьет собственного отца и женится на собственной матери. Рок не дает выбора Эдипу: он не знает, что его как родного сына воспитали приемные родители, а потому ожидает опасности совсем с другой стороны. Спасая Фивы от страшного Сфинкса, Эдип становится вместо Лая правителем города и женится на своей настоящей матери Иокасте. Такова мифологическая предыстория событий, происходящих в драме.

«Эдип-царь» принадлежит творчеству зрелого Софокла, трагедия написана в 420 году до н. э., когда драматургу было 75 лет. Отсюда техническое совершенство — ясность и четкость построения пьесы, все сюжетные линии которой концентрируются вокруг главного героя.

Действие трагедии начинается со страшного мора, который царит в Фивах. Чтобы спасти страну, Эдип посылает своего шурина Креонта к дельфийскому оракулу. Тот возвещает волю Аполлона: чтобы предотвратить эпидемию, необходимо изгнать (или казнить) убийцу бывшего правителя Фив, который находится в городе. Дальнейшее действие драмы стремительно приближает нас к развязке. Персонажи трагедии (и особенно Эдип), сами не подозревая, способствуют исполнению этого пророчества.

На протяжении трагедии Эдип продолжает поиски истины и постепенно узнает, что он настоящий убийца отца. Мечтая уйти от судьбы, Эдип идет прямо навстречу своему року. Узнав всю правду о своем происхождении, герой сам себя карает за невольные преступления. После того, заканчивает свою жизнь в «крученой петле» его мать Иокаста, Эдип выкалывает ее наплечной застежкой себе глаза и добровольно уходит из Фив. Пророчество сбывается, благодаря свободной воле самого Эдипа. Из «первого из людей» царь превращается в слепого изгнанника. Судьба Эдипа — прообраз всякой человеческой судьбы. Об этом говорят и финальные строчки драмы:

Значит, смертным надо помнить о последнем нашем дне,

И назвать счастливым можно, очевидно, лишь того,

Кто достиг предела жизни, в ней несчастий не познав.

2. Античный театр (организация представлений, театральное здание, актеры, постановочное искусство – декорации, костюмы, маски)

Театр родился из мистерий в честь Диониса. Древнегреческий театр располагался, как правило, на территории Акрополя – крепости, верхней укрепленной части города. Устройство античного театра было следующим. Театр состоял из трех частей: орхестры с алтарем Диониса посередине, театрона, который располагался в виде спускавшегося к орхестре амфитеатра, и скены. Орхестра – место действия хора, актеров, статистов. Зрительские места назывались театрон. Первые ряды у орхестры предназначались для жрецов, должностных лиц государства и почетных граждан.

Скена – пристройка, место для бутафории, реквизита и переодевания актеров, примыкала к орхестре с противоположной от театрона стороны. Одна из сторон этой пристройки, обращенная к зрителям, служила декорацией, изображая здание с центральным и двумя боковыми выходами к орхестре (параскениями). То, что происходило за сценой, показывалось с помощью особой машины, которая выдвигалась из здания скены – эккилемы. Изобретение декораций традиция приписывает Софоклу: это были разрисованные доски, выдвигавшиеся из параскениев. Позднее появились проскении, пристройки к сцене на столбах, соединявшиеся с орхестрой деревянным мостиком (в переводе «место, с которого говорят»). Крыши античный театр не имел, все действие происходило под открытым небом, и это сильно затрудняло слышимость голосов. Актерам необходимо было обладать сильным голосом, хотя в некоторых театрах применялись резонирующие урны. В греческом театре была и несложная техника: особые подъемные механизмы обеспечивали появление богов – вершителей судеб – и появление актеров из-под земли по т.н. Хароновой лестнице (Харон – перевозчик в страну мертвых), т.е. из подвала через люк в полу.

Первоначально главным действующим лицом был хор из 12 человек, при Софокле – из 15. В комедии хор состоял из 24 человек и делился на две части – полухории, он выражал точку зрения идеального зрителя. В партиях хора – парабазах – раскрывался смысл спектакля. Постоянное присутствие хора требовало, чтобы действие не выходило за пределы одного дня. Отсюда французские классицисты 17 в. вывели правило единства времени и места. Постепенно функция хора сокращалась за счет увеличения нагрузки актеров. Первоначально актерами были авторы-драматурги, потом стали появляться профессиональные актеры с выработанной техникой, индивидуальной манерой игры. Их называли Мастерами Диониса, и, поскольку организация спектаклей была частью государственного культа, эта профессия была почетной, ей могли заниматься свободные полноправные граждане. Актер на первые роли назывался протагонистом, двое других – девтерагонистом и тритагонистом. Протагонист являлся своего рода антрепренером, именно он приглашал двух других актеров. У Эсхила хор во главе с корифеем играл ведущую роль. Софокл сократил хоровые части и увеличил число актеров с одного до двух, большое значение приобрел диалог. Еврипид ввел третьего актера. Четвертый актер появлялся в исключительных случаях. Все актеры были мужчинами (женщины не имели полноты политических прав), которые меняли несколько раз костюмы и маски. К ним в последствие прибавились статисты – лица без речей. Поскольку героями спектаклей являлись мифологические персонажи, им старались придать огромный рост, что достигалось с помощью котурнов – сапог на высоких подметках, высокой шевелюры, толстых подкладок под одежду. На лица актеры надевали маски, которые могли передать только типическое выражение и производили впечатление полной неподвижности. В разные моменты маски менялись. Все маски были с раскрытыми ртами, чтобы свободно мог звучать голос исполнителя. В комедиях и сатировских драмах костюмы и маски должны были вызвать смех у зрителя, поэтому они отличались нарочитой уродливостью, подчеркнутостью отрицательных черт персонажа. Маски мужских персонажей всегда были темных цветов, женских – белых и светлых. Раздражительность обозначалась багровым цветом маски, хитрость – рыжим, болезненность – желтым и т.д. Функцией масок было донести смысл происходящего до зрителей дальних рядов. Декораций не было.

Начиналось представление чествованием почетных граждан, затем приносили жертву Дионису, только потом начиналось собственно театральное действие, о чем возвещали звуки флейт: выходил хор с корифеем-запевалой во главе. По мере развития древнегреческого театра удельный вес актера в спектаклях возрастал, хора – сокращался. Текст пьесы всегда был стихотворным, поэтому античных драматургов называли драматическим поэтами.

3. Античное зодчество (архитектурный ансамбль Афинского Акрополя, Римский Пантеон).

Важнейшей задачей у греков, как и всякого вообще народа, было строительство храмов. Оно породило и выработало художественные формы, которые перешли потом к сооружениям всякого рода.

Афинский акрополь. Величайшим памятником античного зодчества является архитектурный ансамбль Афинского Акрополя. Слово «акрополь» означает верхний город. В Древней Греции акрополем называли городскую цитадель, возведенную на возвышенности — холме или склоне горы.

Афинский Акрополь расположен на высокой скале с пологой вершиной: высота составляет 150 метров, площадь — около 50 тысяч квадратных метров. Здесь в конце второго тысячелетия до н. э. находилось древнейшее в Аттике поселение. Во второй половине VI века до н. э. тиран Писистрат построил на Акрополе храм Афины и ряд других сооружений. Все они были разрушены персами, захватившими Афины в 480 году до н. э. Новое строительство на Акрополе началось в 447 году до н. э. по инициативе правителя Перикла. В течение последующих 40 лет был создан уникальный архитектурный ансамбль, в основном сохранившийся до наших дней.

К 432 году были возведены Пропилеи и Парфенон, в 420-м построен храм Ники Аптерос. Формирование архитектурного ансамбля завершилось в 406 году строительством храма Эрехтейон.

На открытой площадке Акрополя были установлены алтари, статуи, стелы. Скульптурным оформлением Акрополя руководил великий скульптор Фидий. Им были оформлены фриз Парфенона и созданы две статуи Афины. Первая — колоссальная бронзовая статуя Афина Промахос (Афины Воительницы), установленная на площади перед Парфеноном. Вторая статуя — внутри Парфенона: 12-метровая статуя Афины Парфенос (Афины-девы), выполненная в хризоэлефантинной технике (слоновая кость и золото).

Входом на Акрополь служат Пропилеи, построенные архитектором Мнесиклом в виде дорического портика. Одно из крыльев Пропилей занимала пинакотека (картинная галерея), другое — библиотека. К правому крылу Пропилей примыкает храм Ники Аптерос.

Главный храм Афинского Акрополя — Парфенон, храм Афины Парфенос (Афины-девы). Создан зодчими Иктином и Калликратом. Храм представляет собой периптер, обрамленный с четырех сторон дорической колоннадой, и имеет в длину 69,5 метров, в ширину — 30,9 метров; высота колонн — 10,5 метров.

Храм Эрехтейон, посвященный легендарному афинскому царю Эрехтею, отличается оригинальной асимметричной планировкой. Три его портика расположены на разных уровнях. Портик кариатид опирается на колонны, выполненные в виде женских фигур.

Афинский Акрополь простоял без серьезных разрушений более двух тысяч лет, пережив эпохи античности и средневековья. В 1687 году во время войны между Османской Турцией и Венецианской республикой сражения развернулись в окрестностях Афин, находившихся тогда под властью турок. Во время штурма города пушечное ядро с венецианского корабля угодило в пороховой склад, устроенный турками в Парфеноне. В результате взрыва здание частично разрушилось.

В начале ХIХ века англичане сняли с Парфенона уцелевшие скульптуры и рельефы. Все они сейчас находятся в Британском музее. После обретения Грецией независимости Афинский Акрополь был взят под охрану государства. С 1898 года проводятся реставрационные работы, позволяющие сохранять этот уникальный памятник древнегреческой культуры.

Римский пантеон. Пантеон («храм всех богов»), крупнейшее храмовое сооружение Древнего Рима, построен в 25 году до н. э. затем несколько раз перестраивался и приобрел окончательный облик в начале II века н. э.

Пантеон представляет собой гигантскую ротонду (круглое в плане здание) с портиком, образованным 16 колоннами коринфского ордера, стоящими в два ряда (высота колонн — 14 метров). Фронтон украшали бронзовые фигуры (ныне утрачены). Внутри Пантеона находится круглый зал диаметром 43,5 метра. Внутренние стены имеют восемь ниш, в которых были установлены статуи богов. Стены и пол облицованы разноцветными мраморами. Зал венчает огромный купол сферической формы, перекрывающий пространство храма без опор.

Купол Пантеона — инженерно-строительное чудо. Таких купольных сооружений в архитектуре античности прежде не было. Купол выполнен из бетона. Чтобы облегчить его вес, применялся разный состав бетона: на нижних поясах наполнителем служила твердая каменная крошка, на верхних — крошка туфа и легкой пемзы. Кроме того, в купол замуровали полые глиняные сосуды: их количество увеличивается по мере приближения к центру купола, где давление свода усиливается. Вес конструкции облегчают также кессоны (углубления квадратной формы), выполняющие одновременно декоративную функцию. В центре купола находится отверстие диаметром 8,5 метров. Оно служит единственным источником света, создавая уникальный зрительный эффект.

Храм античных богов, Пантеон в 609 году был освящен как христианская церковь Богоматери. В новое время он стал усыпальницей великих людей: здесь похоронены художник Рафаэль, король Виктор Эммануил — первый правитель объединенной Италии и другие деятели итальянской культуры.

4. Средневековая литература («Божественная комедия» Данте Алигьери).

«Божественная комедия» (1307-1321) объединяет высокий и низкий стили.

100 песен: Ад – 33 (Первая – вводная), Чистилище – 33, Рай – 33. Каждая из трех частей кончается словом stele (звезды).

3, 9, 33 – символ Святой Троицы, Беатриче Портинаре (ее появлению соответствуют эти числа).

В водной песне герой попадает в дремучий лес (символ заблуждений чел.души и хаос). Ему преграждает дорогу пантера (ложь и сладострастие), лев (властолюбие, гордость) и волчица (себялюбие и алчность). Вергилий олицетворяет человеческий разум.

Согласно средневековой традиции, Данте вложил 4 смысла:

Буквальный (описание загробного мира)

Аллегорический (все идет от тьмы к свету, идея восхождения души через познание мира)

Моральный (воздаяние за земные дела в загробной жизни)

Мистический (постижение Божественной идеи через восприятие красоты поэзии)

5. Зодчество средневековья – романика и готика (собор Сан Марко в Венеции, собор Нотр-Дам де Пари, собор Дуомо в Милане).

В истории искусства Западной Европы романский и готический стили относятся к эпохе Средневековья. Романская архитектура создавалась в период 10–12 вв., а развитие и расцвет готического искусства приходится на 12–14 вв. Оба термина возникли позже: «романский» — как наследник Римской империи, а «готический» — как варварский (от племени готов) по сравнению с искусством Ренессанса.

Ранняя романика связана в первую очередь со строительством монастырей-крепостей и замков крепостей на территории Франции, Германии, Италии, Англии. В светской архитектуре сложился тип замка-крепости с донжоном.

Соборы украшались множеством статуй святых, епископов, королей. Романские статуи отличались застылостью и столпообразностью. В романской живописи и скульптуре безраздельно доминировали фигура Христа, библейские и евангельские, житийные, изредка исторические сюжеты. Разнообразна и тематика витражей, в гамме которых преобладали красные, синие и желтые тона. В романский период живопись на стекле обычно включала орнаменты из листьен и лент, медальоны со сценами из Библии, неуклюжие фигуры, условный рисунок и колорит византийского характера.

Готическая архитектура родилась во Франции. Известно место и время ее рождения — аббатство Сен-Дени в 1137г. Главными достижениями готической архитектуры являются великие кафедральные соборы. Готические соборы кажутся легкими и прозрачными от множества огромных окон. В готике основным видом изобразительного искусства была скульптура (на фасадах соборов или на алтарных преградах). Появился интерес к реальным природным формам, к физической красоте и чувствам человека, в поздний период начали появляться портретные скульптуры. Сатира и фантастический гротеск стали характерной особенностью готики. В декоре соборов встречаются светские мотивы, например сцены труда ремесленников и крестьян.

Живопись по стеклу периода готики принесла открытие новых красок, что расширило палитру.

Собор Сан-Марко находится на главной площади Венеции, носящей также имя Святого Марка. История собора начинается с небольшой церкви, построенной в 832 году и освященной в память о евангелисте Марке, который считается покровителем Венеции. Святые мощи Марка венецианские мореплаватели вывезли из монастыря в Александрии и, доставив их в Венецию, на месте погребения построили церковь. В 976 году, во время восстания венецианцев против правившего в городе дожа, церковь Сан-Марко была разрушена. Строительство новой церкви продолжалось свыше ста лет. При этом церковь приобрела большие размеры и новый архитектурный облик. В 1094 собор был освящен. С того времени конструкция здания существенно не менялась, но его оформление продолжалось вплоть до ХVII века.

Хотя Сан-Марко, как и все католические храмы, называется базиликой (Basilica di San Marco), по архитектурной форме он представляет собой не базилику, имеющую в плане латинский крест, а крестово-купольный храм (в плане — греческий равноконечный крест), традиционный тип церковного сооружения Византии и православного мира. Собор венчают пять куполов, опирающихся на невысокие широкие барабаны, что также характерно для византийского храмового зодчества.

Фасад собора выполнен в романском стиле. Нижний ярус фасада образует аркада из пяти арочных порталов, ведущих внутрь храма. Над аркадой расположен широкий балкон и над ним аркатура из пяти ложных арок. На балконе установлена квадрига. Ее венецианцы вывезли из Константинополя после захвата города крестоносцами в 1204 году (перед тем квадрига украшала фасад константинопольского ипподрома). В начале ХIХ века, когда Венецию занял Наполеон, квадригу увезли в Париж, но потом она была возвращена на прежнее место.

Интерьеры храма декорированы мозаиками, выполненными греческими мастерами в стиле византинизма (общая площадь мозаик — свыше четырех тысяч квадратных метров). Сан-Марко — единственный католический храм, имеющий иконостас. Деревянный резной иконостас также выполнен византийцами. След арабского влияния — мраморный орнаментальный пол, напоминающий восточный ковер. В ХIV веке фасад собора был украшен в стиле готики: растительным орнаментом и остроконечными башенками и шпилями.

Собор Парижской Богоматери, Нотр-Дам де Пари находится в старейшей части французской столицы, «сердце Парижа» — на острове Сите, расположенном между двумя рукавами реки Сены. Строительство собора началось в 1163 году и продолжалось почти 200 лет. К 1200 году были сооружены нефы и западный фасад. Спустя 50 лет закончены башни и северный фасад. В 1345 возведены южный и восточный фасады. Главными создателями собора считаются архитекторы Жан де Шель и Пьер де Монтрей.

Собор Парижской Богоматери — памятник ранней французской готики, содержащий рудименты романского стиля. В соответствии с каноном готического храма, западный фасад собора разделен на три яруса по горизонтали и делится пилястрами на три части по вертикали. Нижний ярус образован тремя портальными арками. Между нижним и средним ярусами — «галерея королей»: аркада с 28 статуями, изображающими ветхозаветных царей. В центре среднего яруса — готическая роза, имеющая в диаметре около 10 метров. Перед окном-розой — скульптурная группа: мадонна с младенцем Христом в окружении ангелов; перед боковыми окнами — статуи Адама и Евы. Следующий ярус — галерея из узких переплетенных вверху аркатур. Над ними — две башни-звонницы со стрельчатыми парными окнами.

На левом портале западного фасада обращает внимание необычная скульптура святого, который держит в руках собственную голову. Это святой Дени — первый епископ Парижа, погибший в 273 году.

Собор Нотр-Дам имеет 130 метров в длину, 50 метров — в ширину и 35 — в высоту от пола до крыши; высота башен — 69 метров. Внутреннее пространство храма разделено пятью нефами, образованными цилиндрическими столбами, на которые опираются стрельчатые арки. Внутренние стены и своды собора, как и все романские церкви, а также храмы ранней готики, не имеют росписей. Источником света служат большие стрельчатые окна, заполненные витражами.

С Нотр Дам де Пари связаны многие важные события в истории Франции. Здесь происходила коронация французских королей. В 1302 году в нем впервые собрались Генеральные штаты — первый парламент Франции. В годы Великой французской революции собор был отобран у церкви и преобразован в Храм Разума. Заново освящен в 1802 году. Собор Парижской Богоматери — место действия одноименного романа Виктора Гюго, написанного в 1831 году.

Памятник готической архитектуры, миланский собор Дуомо является одним из крупнейших соборов мира, способным вместить до 40 тысяч человек. Собор строился в течение пяти веков. Его строительство началось в 1387 году. До этого времени стиль готики почти не коснулся Италии и развивался главным образом во Франции и Германии. С началом возведения Дуомо готика вошла в итальянскую архитектуру.

Термин «дуомо» означает кафедральный собор. Хотя соборы-дуомо имеются едва ли не в каждом крупном городе Италии, слово это ассоциируется прежде всего с миланским собором. Первоначальный проект был выполнен итальянским архитектором Симоном де Орсениго, но в скором времени его сменил французский зодчий Николя де Бонавентура. В дальнейшем строительством руководили архитекторы из разных стран. В 1417 году освящен главный алтарь и, хотя собор был не достроен, в нем стали совершать богослужения.

Менялись эпохи и стили, готика вышла из моды, а Дуомо продолжал строиться. В 1769 году появился 104-метровый шпиль с пятиметровой статуей Мадонны из позолоченной бронзы. В течение ХIХ века были достроены фасад, шпили и башни, здание украсили три тысячи статуй. Это время, когда в архитектуре распространилась так называемая неоготика. Таким образом, в архитектуре Дуомо соединились оригинальная готика позднего средневековья и стилизованная готика ХIХ столетия. Среди других готических церквей Дуомо выделяется изобилием декоративных элементов. В таком избытке готическая декорация не применялась ни в одном из храмов Европы.

6. "Слово о полку Игореве" и древнерусская литература

Великий памятник древнерусской литературы, поэма «Слово о полку Игореве» датируется периодом между 1185 и 1200 годами. В основе сюжета — реальные исторические события: неудачный поход новгород-северского князя Игоря Святославича на половцев (1185 год). Безымянный автор «Слова…» судит возгордившегося князя, опрометчивая затея которого принесла на Русскую землю горе и разорение. Автор призывает князей прекратить междоусобицы и общими усилиями отразить набеги кочевников. Центральный образ произведения — Ярославна, жена князя Игоря. Шедевром древнерусской лирики является плач Ярославны, обращение к силам природы с мольбой о спасении Игоря.

Единственный список произведения был обнаружен в конце XVIII века известным коллекционером древностей А. И. Мусиным-Пушкиным. Впервые издан в 1800. Оригинал «Слова…» погиб в московском пожаре 1812 года. Вскоре после первой публикации «Слова о полку Игореве» возник вопрос о его подлинности. Подозрения в литературной мистификации были опровергнуты после обнаружения в 1852 году «Задонщины», содержащей реминисценции «Слова…».

«Слово о полку Игореве» многократно переводилось на современный литературный язык. В разное время поэтические переводы были созданы В. А. Жуковским, А. Н. Майковым, К. Д. Бальмонтом, П. Г. Антокольским, Н. А. Заболоцким, А. К. Юговым и др. Отдельные фрагменты переводили А. С. Пушкин, В. Я. Брюсов, М. И. Цветаева.

На сюжет «Слова…» написана опера А. П. Бородина «Князь Игорь». По мотивам этого литературного памятника были созданы многочисленные произведения живописи и графики (В. М. Васнецов, Н. К. Рерих, И. Я. Билибин, И. С. Глазунов и др.). По выражению поэта П. Г. Антокольского, «Слово о полку Игореве» представляет собой вечно цветущий ствол, протягивающий тяжелые от плодов ветви в будущее. Поэтому мы слышим прямые и косвенные отголоски «Слова», переклички с ним во многих произведениях культуры и искусства. Из памятников старины оно превращается в живое достояние созидательной культуры».

Древнерусская литература:

"Повесть временных лет" - наиболее ранний из дошедших до нас летописных сводов. Относится к началу XII веку. Свод этот известен в составе ряда летописных сборников, сохранившихся в списках, из которых лучшими и наиболее старыми являются Лаврентьевский 1377 г. и Ипатьевский 20-х годов ХV. Летопись вобрала в себя в большом количестве материалы сказаний, повестей, легенд, устные поэтические предания о различных исторических лицах и событиях.

"Моление Даниила Заточника, написанное им своему князю Ярославу Владимировичу" - памятник, возникший в начале XIII века - представляет собой послание некоего Даниила к князю Переяславля северного Ярославу Всеволодовичу.

"Задонщина" принадлежит к группе повестей, возникших в связи с Куликовской битвой. Повесть сложилась в конце XIV или начале XV в. на основе летописного сказания, устных преданий, произведений народного поэтического творчества. Вероятно, автором ее был брянский боярин, впоследствии священник в Рязани, Софония.

"Хожение за три моря" - древнерусское произведение в стиле дневниковых записей. Автор - тверской купец Афанасий Никитин - описывает свое путешествие через Дербент и Баку сухим путем в Персию и потом в Индию. Путешествие продолжалось с1466 по 1472 г. На обратном пути, не доезжая Смоленска, Афанасий Никитин умер.

«Житие протопопа Аввакуума, им самим написанное». Сочинения протопопа Аввакума (1621-1682), главы старообрядчества, представляют собой крупнейшее явление в истории русской литературы. Главное произведение Аввакума - "Житие" - написано в период 1672-1673 г.г. в пустозерской тюрьме.

7. Древнерусское зодчество (архитектурный ансамбль Московского Кремля и Красной площади)

В Х-ХI вв. Киевскую Русь называли страной городов: их было почти три сотни. В городах строились оборонительные сооружения, жилые дома, княжеские палаты, монастыри и соборы.

Кремль — крепость, расположенная на Боровицком холме по левому берегу Москвы-реки. История Москвы начинается с Кремля — укрепленного поселения, появившегося раньше летописной даты первого упоминания Москвы (1147 год), предположительно в ХI веке. В 1156 году по распоряжению Юрия Долгорукова построена первая деревянная крепость.

Архитектурный облик Кремля менялся из века в век. В XIII веке почти вся территория нынешнего Кремля была застроена и обнесена дубовыми стенами, возведен первый белокаменный храм (на месте, где сейчас стоит Успенский собор). В 1367 году, в княжение Ивана Калиты, вместо деревянных возведены каменные стены и башни: в качестве материала использовался белый известняк, давший Москве имя белокаменной. В 1485–1495 годах по указу Ивана III сооружаются новые стены и башни из красного кирпича. Они построены архитекторами Алевизом Фрязиным (Миланцем), Марко Фрязиным, Пьетро Солари и др. Протяженность стен — два километра и 235 метров. Толщина в среднем составляет пять метров, высота — до 19 метров. Кремлевская стена имеет 19 башен.

Главные памятники Кремля: Успенский собор (1475–1479, архитектор Аристотель Фиораванти), Благовещенский собор (1484–1489), Архангельский собор (1505–1508, архитектор Алевиз Фрязин Новый), церковь Ризположения (1484–1489), Грановитая палата (1487–1491, архитекторы Марко Фрязин, Пьетро Солари), колокольня «Иван Великий» (1505–1508, архитектор Бон Фрязин; надстроена в 1600-м), Теремной дворец (1635–1636), Патриаршие палаты (1635–1636), здание Арсенала (1702–1736. архитекторы М. Чоглоков и др.), здание Сената (1776–1787, архитектор М. Ф. Казаков), Большой Кремлевский дворец (1839–1849, архитектор К. А. Тон), новое здание Оружейной палаты (1845–1851, архитектор К. А. Тон). На территории Кремля установлены «Царь-колокол» и «Царь-пушка», находится несколько музеев (Оружейная палата, Алмазный фонд и др.).

С северо-восточной стороны к Кремлю примыкает Красная площадь. Она возникла после того, как в конце ХV века вдоль кремлевской стены был прорыт глубокий ров, соединивший Москву-реку и Неглинную (засыпан в конце ХVII века). Около этого рва образовалась торговая площадь, названная Торгом. С начала ХVI века площадь стала местом торжественных церемоний, получив название красной, то есть красивой.
В течение последующих пяти веков площадь меняла свой облик. Последняя по времени реконструкция была осуществлена в начале 1930-х.

Памятники архитектуры: Храм Василия Блаженного (Покровский собор, 1555–1560), Храм иконы Казанской Богоматери (1636), Лобное место (1786, архитектор М. Ф. Казаков), здание Исторического музея (1874–1881, архитектор В. О. Шервуд), Верхние торговые ряды (1890–1893, архитектор А. Н. Померанцев, инженер В. Г. Шухов; ныне ГУМ), Средние торговые ряды (1892, архитектор Р. И. Клейн), Мавзолей (1930, архитектор А. В. Щусев). В 1818 на Красной площади установлен памятник Минину и Пожарскому (скульптор И. П. Мартос).

8. Искусство эпохи Возрождения («Джоконда» Леонардо да Винчи, «Давид» Микеланджело, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Менины» Веласкеса).

Термин Ренессанс или Возрождение встречается уже у итальянского гуманиста Джорджо Вазари. Возрождение возникло в Италии.

13 и 14 в. - Проторенессанс — Джотто ди Бондоне.

Раннее Возрождение — 15 в. — Ф. Брунеллески, Донателло, С. Боттичелли

Высокок Возрождение — с 1500 по 1580 г. В это время центр итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль.

Позднее Возрождение — конец 16 в. — Джорджоне, Тициан, Веронезе.

Северное Возрождение — в Германии и Нидерландах — Ян ван Эйк, Босх, Брейгель, А. Дюрер, Л. Кранах, X. Гольбейн.

Рост городов-республик в средневековой Европе привел к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях. Свободным гражданам была чужда иерархическая система ценностей, созданная церковной культурой. Это привело к появлению гуманизма — человек, его личность, его свобода — высшая ценность.

Главной характеристикой эстетики Возрождения — антропоцентризм, обращение к античному наследию (пластика, красота, гармония, мера) и использование античных сюжетов.

Одно из самых великий произведений искусства эпохи Возрождения, самая знаменитая картина Леонардо да Винчи «Джоконда», или «Мона Лиза», окутана тайной. Достоверно неизвестно время и место создания картины, неизвестно имя женщины, запечатленной на этом портрете. Считается, что «Джоконда» написана во Флоренции около 1506 года, хотя некоторые исследователи относят ее к более позднему периоду творчества Леонардо. Согласно распространенной версии, опирающейся на свидетельство Д. Вазари, но не подтвержденной другими источниками, в картине изображена супруга флорентийского купца Джокондо — мона (сокращенное от мадонна) Лиза Герардини. Однако называются и другие имена. По одной из гипотез, в портрете Джоконды Леонардо зашифровал собственный автопортрет.

В картине Леонардо Мона Лиза показана крупным планом, на фоне скалистого пейзажа. Лицо и фон окутывает воздушная дымка. Леонардо применяет здесь разработанный им прием сфумато (итал. sfumato — затуманенный, букв. исчезающий как дым), благодаря которому смягчаются очертания и передается дуновение воздуха. Призрачность сфумато проявляется в странном выражении лица Моны Лизы, в ее загадочной, едва уловимой улыбке.

Незадолго до смерти Леонардо продал картину французскому королю Франциску I, при дворе которого провел последние годы жизни. «Джоконда» находилась в королевских дворцах Фонтенбло и Версаль; в годы Великой французской революции поступила в коллекцию Лувра, ставшего публичным музеем, и здесь находится поныне.

Интерес к ней подогревался таинственной кражей картины из Лувра в 1911 году и еще более загадочной находкой ее два года спустя. В ХХ веке картина была растиражирована и породила в публике такой ажиотаж, какой не вызывало ни одно произведение мировой живописи.

«Сикстинская Мадонна» Рафаэля создана в 1519 году — в зрелый период творчества Рафаэля, когда ему исполнилось 36 лет, и он достиг вершины творчества. Эта картина — последнее завершенное произведение Рафаэля, умершего год спустя.

Картина Рафаэля создавалась для находящейся в городке Пьяченце монастырской церкви св. Сикста II (одного из первых римских понтификов, принявшего мученическую смерть). Отсюда название «Сикстинская мадонна». В 1754 году картина была куплена у монастыря и поступила в собрание Дрезденской галереи, где она находится по сей день.

К образу Богоматери Рафаэль обращался и раньше. Атмосфера идиллии, свойственная ранним рафаэлевским Мадоннам, в этом произведении ступает место более сложному и глубокому образу. «Сикстинская Мадонна» восходит к традиционному изображению Богоматери-Одигитрии (Путеводительницы) (Оранта – Молящая, Елеуса – Умиление, Панахранта – Всемилостивая). Этот образ Рафаэль трактует как искупительную жертву Богоматери, отдающей людям своего сына ради их спасения.

В обрамлении зеленых занавесей на светлых облаках стоит Мария с младенцем Христом на руках. Слева от Мадонны святой Сикст II, у ног его папская тиара; справа -святая Варвара; в глубине картины, на заднем плане, едва различимые в золотой дымке, — лица ангелов; внизу — два ангелочка, облокотившиеся на парапет.

Присутствие Сикста закономерно: этому святому посвящен монастырь, для которого создавалась картина. Что же касается великомученицы Варвары, то она считалась покровительницей города Пьяченцы, в котором и находился монастырь.

Считается, что моделью для образа Мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина, которую он запечатлел в двух портретах («Донья Велата» и «Портрет Молодой женщины»). После ранней кончины Рафаэля Форнарина по завещанию получила все его состояние, но была насильно пострижена в монахини.

Статуя Микеланджело Буонаротти «Давид» — 1504 г. Микеланджело запечатлел момент, предшествующий схватке с Голиафом. Его Давид — мускулистый юноша, поза и взгляд которого выражают силу и уверенность в предстоящей победе.

Статуя Давида была воспринята современниками как символ флорентийской республики, готовой победить любого врага. Поэтому статую установили на главной площади Флоренции — площади Синьории.
В 1873 году статую перенесли в Галерею Академии художеств, а на прежнем месте поставили копию.

Самое крупное произведение позднего периода творчества Диего Веласкеса — «Менины» («Фрейлины»). Созданная в 1656 году картина ныне находится в музее «Прадо» (Мадрид).

Место действия картины — мастерская Веласкеса. На первом плане изображены пятилетняя инфанта Маргарита в окружении фрейлин, карлицы и шута; за ними — монахиня и священник; слева за мольбертом — сам Веласкес, пишущий портреты короля Филиппа IV и королевы, отражения которых видны в зеркале. В проеме двери — силуэт гофмаршала двора. Таким образом, 11 фигур, запечатленные на картине, демонстрируют социальный портрет королевского двора

Сюжет картины строится как ситуация, застигнутая врасплох: юная инфанта и ее фрейлины вслед за собакой вбегают в мастерскую художника, не подозревая, что тут находятся король и королева. Увидев их, инфанта и фрейлины застыли в почтительной позе перед королевской четой.

Любопытная деталь: на груди художника рыцарский крест Сант-Яго. В момент создания картины Веласкес еще не был посвящен в рыцари этого ордена. После смерти художника Филипп IV распорядился дописать эту деталь.

В XX веке «Менины» Веласкеса породили множество художественных откликов, в их числе — серия картин П. Пикассо, созданных в 1950-е годы. Под впечатлением «Менин» О. Уайльд сочинил сказку «День рождения инфанты». О произведении Веласкеса писали испанский философ Ортега-и-Гассет, французский культуролог Мишель Фуко и др.

9. Литература эпохи Возрождения (роман Сервантеса «Дон Кихот»)

Писатели эпохи Возрождения зачастую прославляли земную жизнь человека. Многие из них гордились определением «гуманист» (от лат. Humanus — человеческий), подчеркивая этим светский характер создаваемой ими культуры и свое гражданское, общественное, моральное, бытовое внимание к человеческой личности в свете характерного для того времени свободомыслия. Интерес к частной жизни человека находит свое выражение в сборнике новелл Дж. Боккаччо «Декамерон». Поэзия Возрождения открывает мир субъективных человеческих эмоций, настроений, переживаний. Открытая поэтами нового сладостного стиля (в т. ч. Данте) возвышенная любовь постепенно спускается на землю, принимая вполне светский, лишенный мистицизма облик.

Важнейшим открытием 15 века стало книгопечатание (И. Гуттенберг). Любая из книг 15 века на современной терминологии называется «инкунабулой» (от лат. «из колыбели»). Книги становятся дешевыми — и это обусловило распространение печатной народной литературы (т. н. народные книги). Развитие книгопечатания привело к формированию и развитию массовой беллетристики. Неслучайно в то же время появляется и роман, в котором рефлексия над книжными текстами является одной из важнейших смысловых составляющих («Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» М. де Сервантеса); более того, каждый герой характеризуется в романе с точки зрения его грамотности, отношения к книгам и литературных пристрастий.

Первая часть романа Мигеля де Сервантеса Сааведра «Дон Кихот» — «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» вышла в свет в январе 1605. Роман сразу стал настолько популярным, что в 1614 году появилась подложная версия «Дон Кихота». Полемика с этой подложной версией находит отражение во второй части романа («Вторая часть хитроумного кабальеро Дон Кихота Ламанчского»), которую Сервантес выпускает в свет в 1615 году.

Роман представляет собой пародию на рыцарский роман — популярный жанр средневековой литературы. Рыцарские романы полны многочисленных опасных приключений, однако герой чувствовал себя в этом мире как в родном доме, неизменно побеждая во всех испытаниях. В романе Сервантеса гармония мира и человека рушится, между идеалом и действительностью возникает непреодолимый разрыв. У Дон Кихота больше нет места в этом мире, и чтобы восстановить утерянную гармонию с миром, он должен его обрести.

Дон Кихот — бедный, захолустный идальго, сведенный с ума чтением рыцарских романов, выезжает на подвиг в честь своей прекрасной дамы Дульсинеи, во имя всех обиженных. Миссия Дон Кихота — защита слабых и обездоленных. Он — рыцарь, живущий в «железном веке», но призванный возродить век золотой, те «святые времена», когда люди не знали слов «твое и мое», а всюду были «мир, дружба и согласие».

Спутник Дон Кихота хлебопашец Санчо Панса — его антипод и в тоже время пародийный двойник. Он не ставит перед собой высоких целей хозяина. Он — рассудителен, практичен, обладает смекалкой и не лишен некоторой доли плутовства. Эта двойственность персонажа находит отражение и в языке: стиль Санчо Пансы — смесь наивности, добродушия и лукавства.

В первой части романа организующим центром всех событий является Дон Кихот. Во второй части повествования важным становится мотив розыгрыша и авторское внимание переносится на Санчо Пансу.

И Дон Кихот и Санчо Панса — не статичные образы. Образ Санчо — лишь на первый взгляд, типичный образ карнавального шута. По мере развития действия он все более углубляется, приобретая, особенно во второй части, черты Дон Кихота. Благородный чудак-идеалист Дон-Кихот, с образом которого связана тема «мудрого безумия», напротив, в финале отрекается от взятой на себя роли странствующего рыцаря и исцеляется перед смертью от своего помешательства. Герои, как будто бы меняются ролями: Санчо возвращается в родную деревню искателем приключений, а Дон Кихот, напротив, сухо бросает ему: «Оставь эти глупости».

Известность Дон Кихота и Санчо Пансы превзошла известность их создателя. «Дон Кихот» — вторая книга после Библии по числу языков, на которые она была переведена за четыре столетия, прошедшие с момента ее создания.

10. Ренессансный театр и драматургия (итальянская комедия дель арте, испанская комедия плаща и шпаги)

Итальянская трагедия сыграла свою роль в разработке драматургической техники новоевропейской драмы. Именно в Италии XVI в. был создан жанр классической трагедии, была разработана теория «трех единств» на основе изучения античных поэтик Аристотеля и Горация. Она стала присуща этому жанру.

Более успешно, чем трагедия, развивалась ренессансная комедия. В качестве образцов для нее были произведения Плавта и Теренция. Создателем итальянской комедии является Лудовико Ариосто (1474 — 1533 гг).

Расцветает новый жанр народной импровизированной комедии масок — «комедия дель арте». Она впитала в себя традиции устной комедии, ее тематику и образы, но растворила их в неиссякаемой народной живости театрального действия и сатирической направленности ее основных типов — масок. Каждая маска представляла собой сатирически обобщенный характер.

Мужские маски:

Панталоне (Маньифико, Кассандро, Уберто), — венецианский купец, скупой старик;

Доктор (Доктор Баландзоне, Доктор Грациано), — псевдо-учёный доктор права; старик;

Бригелла (Скапино, Буффетто), — первый дзанни, умный слуга;

Арлекин (Меццетино, Труффальдино, Табарино), — второй дзанни, глупый слуга;

Тарталья, судья-заика;

Скарамучча, хвастливый вояка, трус;

Ковьелло, первый дзанни, умный слуга;

Пульчинелла (Полишинель), второй дзанни, глупый слуга;

Капитан — хвастливый вояка, трус, северный аналог маски Скарамуччи;

Лелио (также, Орацио, Люцио, Флавио и т. п.), юный влюблённый;

Женские маски:

Изабелла (также, Лучинда, Витториа и т. п.), юная влюблённая; часто героиню называли именем актрисы, игравшей эту роль;

Коломбина, Фантеска, Фьяметта, Смеральдина и т. п., — служанки.

Наиболее популярными масками были комические слуги — Дзанни (народная форма имени Джованни — Иван). Существовало две таких маски. Первая показывала хитрого, проворного и ловкого слугу, вторая — деревенского, неотесанного, неловкого и вечно голодного оборванца. К Дзанни также примыкала служанка (серветта) под именем Коломбина, Смеральдина или Франческина — веселая, разбитная крестьянская девушка, партнерша и возлюбленная ловкого Дзанни.

Сюжет подобных комедий строился на любовной интриге слуг и служанок, которые разными хитростями пытались соединиться вопреки желанию стариков — отцов. Персонажи комедий дель арте изъяснялись изысканными, цветистыми книжными речами и сентиментальными тирадами.

Игра актеров сочетала в себе использование масок, актерскую импровизацию и буффонады, а также народную диалектную речь, что свидетельствовало о ее глубоких народных фольклорных корнях, уходящих в народный комический театр средних веков. В игре присутствовали элементы задорного, искрометного фарса, динамика и шутовство комических масок, а также плебейская непочтительность к высшим классам.

Комедия плаща и шпаги — жанр испанской комедии нравов 17 века.

У этого термина театральное происхождение — по необходимым предметам реквизита для исполнения этих пьес, где большинство персонажей были дворянами, то есть имели право на ношение плаща и шпаги. Впрочем, в наиболее известных пьесах Лопе де Вега интрига как раз и строится вокруг того, кто имеет это право, а вместе с ним обладает дворянской честью. («Собака на сене»).

Для пьес этого жанра характерны:
- изображение конфликтов, порожденных любовью, ревностью, чувством чести;
- быстрое развитие действия;
- преобладание интриги над разработкой характеров;
- устойчивость сценических типов.

11. Драматургия эпохи Ренессанса (творчество Шекспира)

Биография Уильяма Шекспира (1564 — 1616 гг.) во многом покрыта неразгаданной тайной. Известно только, что он родился в городе Стрэтфорде-на-Эйвоне, был сыном зажиточного перчаточника, который избирался и в члены городского совета, и был даже мэром города. Учился У. Шекспир в местной «грамматической» школе, где изучал латынь и греческий язык. Известно также, что он в ранней молодости женился, а где-то в 1587 г. в возрасте 23 лет переселился в Лондон. В 1593 г. он стал работать в качестве актера и драматурга в лондонской труппе во главе с Джеймсом Бербеджем. В 1599 г. эта труппа построила театр «Глобус», где регулярно ставились пьесы Шекспира. Около 1612 г. Шекспир вернулся в родной город Стрэтфорд и тихо, в кругу семьи закончил свой жизненный путь в день своего рождения 23 апреля 1616 г.

Творчество Шекспира условно делится на три периода по стилю и жанру пьес, по их тематике и характеру, которые изменялись в соответствии со временем их написания.

К первому периоду относятся жизнерадостные и живописные комедии «Сон в летнюю ночь» (1595 г.), «Венецианский купец» (1596 г.), «Много шума из ничего» (1598 г.), «Как вам это понравится» (1599 г.), «Двенадцатая ночь» (1600 г.) и др. Одновременно он создает ряд исторических хроник, то есть пьес на сюжеты английской истории: «Ричард III» (1592 г.), «Ричард II» (1595 г.), «Генрих IV» (1597 г.) в двух частях, «Генрих V» (1599 г.) и др. Несмотря на изображение в них очень мрачных и жестоких картин, в этих пьесах преобладает вера в жизнь и доброе победное начало. В первый период своего творчества он писал также трагедии «Ромео и Джульетта» (1595 г.), «Юлий Цезарь» (1599 г.). Но и трагический сюжет написан в светлых жизнерадостных тонах. Трагедии содержат множество веселых сцен.

Несмотря на веселость и жизнерадостность произведений Шекспира этого периода, которые были свойственны Возрождению, он ставил в них большие проблемы и высказывал глубокие мысли.

В «Сне в летнюю ночь» Шекспир утверждает права свободной, самоопределяющейся любви, которая побеждает «древнее право» родителей распоряжаться жизнью своих детей, в том числе и в период вступления в брак. В комедии «Двенадцатая ночь» простодушная и вполне реальная любовь умной и смелой Виолы к Орсино противопоставляется надуманной, слегка риторической страсти Орсино к Оливии.

Сюжеты шекспировских комедий всегда занимательны и живописны. Они полны приключений, случайностей, недоразумений и совпадений. В них господствует идея судьбы, которая понимается Шекспиром как «фортуна» или «удача». Эта идея ведет людей не к пассивности, а к действиям. Она побуждает в человеке желание испытать свое счастье. Если смелые попытки предпринимают одаренные и любящие жизнь люди, то им непременно в пьесах Шекспира улыбается удача.

Бодрым призывом к борьбе и верой в конечную победу пронизаны и хроники Шекспира. Главной темой в них стали феодальные смуты и династические распри, которые терзали Англию в XIV — XV вв., особенно война Алой и Белой розы во второй половине XV в («Генрих IV», «Генрихе V», «Ричарде II» и «Ричарде III»).

Второй период творчества Шекспира охватывает годы с 1601 по 1608. В это время он был занят решением великих трагических проблем жизни. «Гамлет» (1601 г.), «Отелло» (1604 г.), «Король Лир» (1605 г.), «Макбет» (1605 г.), «Антоний и Клеопатра» (1606 г.), «Кориолан» (1607 г.), «Тимон Афинский» (1608 г.).

Сущность трагизма у Шекспира всегда заключается в столкновении двух начал, а именно чистой благородной человечности и всех остальных пороков человеческой природы. Наиболее ярко Шекспир показывает такие пороки, как пошлость и подлость, основанные на корысти и эгоизме. Умные и одаренные люди у Шекспира гибнут под натиском темных сил, например, в «Гамлете» и «Короле Лире». Он показывает, с какой легкостью порой зло овладевает душой человека и приводит к ужасным последствиям в «Отелло» и «Макбете».

От трагедий Шекспира веет бодростью, мужественным призывом к борьбе. Гибель Ромео и Джульетты одновременно является и триумфом, поскольку у гроба погибших происходит примирение враждующих семей, которые дают слово воздвигнуть памятник их любви. В «Гамлете» трагедия кончается гибелью Клавдия и разгромом порочного датского двора, что тоже является положительной развязкой трагических событий. С воцарением Фортинбраса возникает надежда на лучшую жизнь. В «Короле Лире» старый король умирает просветленным и проникшимся любовью к правде и людям.

Третий период творчества Шекспира (1608—1612 гг.) ознаменован появлением пьес трагикомического жанра, которому характерно остродраматическое содержание со счастливым концом. В них драматург проявляет мечтательность, лирическое отношение к жизни. Важнейшими из трагикомедий Шекспира являются «Цимбелин» (1609 г.), «Зимняя сказка» (1610 г.), «Буря» (1612 г.). Шекспир переключился в мир сказок и увел зрителя в свой воображаемый мир, где столкновение чувств человека всегда заканчивается торжеством добрых свойств его души над злыми инстинктами.

Характерной в этом смысле стала его последняя сказка «Буря». В ней столкнулись дикий Калибан с благородным мудрецом Просперо. Здесь образы и духи обрисованы схематично, напоминая абстрактно-декоративные маски. Это качество «Бури» сделало ее родственной старинному моралите. Главной мыслью, пронизавшей всю пьесу, стало то, что на жизнь надо смотреть философски, с глубокой терпимостью, надо верить, что все должно закончиться хорошо. Вскоре после окончания этой пьесы Шекспир покинул театр и уехал в свой родной Стрэтфорд, чтобы в кругу семьи закончить свой жизненный путь.

Значение творчества Шекспира трудно переоценить. В период его творчества он имел среди своих современников много подражателей.

Шекспир оказал огромное влияние на европейскую драматургию и в пору буржуазного Просвещения. Это влияние возросло после французской революции 1789 г. Шекспир стал образцом и учителем многих талантливых людей первой половины XIX в. (Лессинга, Гете, Шиллера, Гюго).

12. Барокко и классицизм в искусстве ХVII–ХVIII веков (собор св. Петра в Риме, «Менины» Веласкеса, архитектурные ансамбли Версаля и Петергофа, «Клятва Горациев» Давида, «Медный всадник» Фальконе)

Возникли в культуре Нового времени. Переход от Возрождения к Новому времени происходит через образование монархии, промышленную революцию и утверждение протестанской этики (Мартин Лютер). Ценности: индивидуальный труд, личная инициатива, частная собственность, равенство, свобода, братство.

Новый принцип антропоцентризма – человек выступает главным источником изменения мира. Принцип «мыслю, следовательно, существую» (Р. Декарт). Идея разума неотделима от идеи абсолютного государства. Разрушается ренессансный универсализм – мир и человек дробятся.

Ещё с Возрождения намечаются 2 тенденции:

1. Классицизм – акцент на материальном мире.

2. Барокко – видимая реальность рассматривается как символ и путь к духовному миру.

Классицизм (образцовый) – обращение к образам и формам античной литературы, принцип: идеализация и подражание античным образам. Общественное и индивидуальное, разум и чувство, цивилизация и природа становятся взаимоисключающими понятиями.

Художественное произведение – создание искусственное, художественное преображение натуры – акт её высшего познания. Иерархия жанров. Высокие – историческая, мифологическая и религиозная живопись; низкие – пейзаж, портрет, натюрморт. Архитектура – геометризм, логичность планировки. Живопись – преимущественное значение – рисунок и светотен. (Никола Пуссен.)

Барокко – жемчужина причудливой формы. Пышность, театральность, фееричность, иллюзионизм. Прославлять и пропагандировать могущество монархии, аристократии и церкви. Строится на антитезах человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и власти иррациональных сил.

В изобразительном искусстве преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчеркивающие привилегированное положение человека.

Самое грандиозное сооружение эпохи Ренессанса, собор Святого Петра построен на месте, где, по преданию, был погребен апостол Петр. Его захоронение разыскали при императоре Константине и в 361 году возвели здесь базилику, которая простояла до середины ХV века, когда на ее месте началось строительство нового храма.

Первым архитектором стал флорентинец Бернардо Росселини. Часть старого сооружения снесли, в алтарной части заложили первые ряды кладки нового здания, и на том строительство остановилось.
В 1503 году был принят новый проект, разработанный Донато Браманте. По этому проекту, в основу был положен византийский крестово-купольный храм, имеющий в плане греческий (равноконечный) крест. Храм должен был покрыть гигантский купол, снятый с Пантеона или сделанный по его подобию.

После смерти Браманте в 1514 году пост главного архитектора занял Рафаэль. Он изменил проект, вернув его к традиционному типу базилики с латинским крестом в плане. После кончины Рафаэля (1520 год) сменилось еще несколько архитекторов, и наконец, в 1546 строительство возглавил Микеланджело. Сохранив базиликальную форму, Микеланджело вернулся к первоначальному плану Браманте в части алтаря и купола. Он усилил центральные столбы, чтобы те могли держать на себе более высокий и широкий купол, который он и спроектировал. Под руководством Микеланджело было завершено возведение основного корпуса собора. Уникален созданный Микеланджело купол: он имеет две чаши — наружную и внутреннюю, между которыми проходит лестница, ведущая на башенку с галереей (фонарь). Диаметр купола 42 метра.

После Микеланджело, умершего в 1564 году, архитектор Карло Мадерна возвел фасад. 18 ноября 1626 собор Святого Петра был освящен.

Оформление интерьеров собора продолжалось в течение ХVII века, когда преобладающим стилем искусства стало барокко. Крупнейший архитектор итальянского барокко Джованни Бернини создал огромный алтарь с бронзовым балдахином. Он же спроектировал площадь перед собором и построил на ней грандиозную колоннаду.

По сей день собор Святого Петра является самым большим храмом в мире. Общая его длина составляет 212 метров, ширина трансепта 137 метров, диаметр купола 42 метра, высота от уровня земли до вершины креста — 133 метра.

ВЕРСАЛЬ. Предместье Парижа, Версаль был традиционным местом королевской охоты. В начале ХVII века здесь был построен охотничий замок Людовика XIII. В 1661 году по приказу Людовика XIV развернулось строительство дворцового комплекса, ставшего главной резиденцией французских королей.

С начала строительства проектированием парка занимался Андре Ленотр. Он разбил громадный регулярный парк (площадь его составляет шесть тысяч гектаров), в котором ось симметрии образует Большой канал протяженностью более полутора километров. В садовых партерах были расположены бассейны, фонтаны, статуи, беседки и колоннады.

Строительство дворца в течение 17 лет возглавлял Луи Лево.
В 1678 году его сменил Жюль Ардуэн-Мансар. Он построил северное и южное крылья дворца, выполнил оформление фасадов, спроектировал интерьеры главных залов.

В глубине парка по проекту Ардуэн-Мансара и де Котта построен второй дворец — Большой Трианон, состоящий из двух одноэтажных корпусов, соединенных прямоугольным двориком с садом. Во второй половине ХVIII века на территории парка возведены Малый Трианон, Французский павильон, Бельведер и храм Любви.

Ансамбль Версаля стал наиболее последовательным воплощением принципов классицизма в дворцово-парковом искусстве и послужил прообразом ряда других архитектурных ансамблей, в их числе — Петергофа.

Петергоф. Дворцово-парковый ансамбль в окрестностях Петербурга, на берегу Финского залива. Идея создания этого ансамбля принадлежала Петру I, пожелавшему создать загородную императорскую резиденцию по образцу Версаля французских королей. Закладка Петергофа состоялась в присутствии Петра 17 мая 1714 года. Посетив строительство в 1720, Петр пришел к выводу о возможности устройства самотечного водовода. По его распоряжению под руководством инженера В. Г. Туволкова такой водовод с прудами-водохранилищами был построен, и летом 1721 прошел пробный пуск воды на Большом каскаде. 15 августа 1723 года Петергоф был торжественно открыт.

В течение последующих 150 лет ансамбль Петергофа достраивался и совершенствовался. Главные постройки Петергофа, включая Большой дворец, созданы В. В. Растрелли. В создании Петергофа участвовали также архитекторы Ж. -Б. Леблон, М. Г. Земцов, Д. Кваренги, А. Н. Воронихин, скульпторы К. Б. Растрелли (отец), М. И. Козловский, И. И. Мартос и др.

Хотя планировка Петергофа напоминает Версаль, его ансамбль отличается существенным образом. Петергоф стал царством воды. Петергоф украшает множество фонтанов и не имеющий аналогов в мире, уникальный по красоте Большой каскад.

В 1918 году Петергоф стал музеем-заповедником. Катастрофические разрушения ансамбль Петергофа понес в период Великой Отечественной войны. За два с половиной года немецкой оккупации были сожжены дворцы, взорваны гидротехнические сооружения, вырублены парковые деревья. Восстановление Петергофа продолжалось около 40 лет, и ныне он приобрел первозданный облик.

Картина «Клятва Горациев» (1784) стала первым крупным произведением Давида. В основе этого произведения — героический сюжет из римской истории: война Рима с городом Альба-Лонга. Чтобы сохранить свои армии, противники порешили исход войны определить поединком лучших своих воинов. Согласно рассказу римского историка Тита Ливия, трое братьев-близнецов из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя братьями Куриациями. Горации победили, и Альба-Лонга признала верховенство Рима.

Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, их отец протягивает им мечи. Справа изображена группа скорбящих женщин: вдали мать Горациев склонилась над двумя внуками, ближе сестра Камилла, невеста одного из Куриациев, и Сабина, сестра Куриациев и невеста одного из Горациев. На заднем плане видны три арки, каждая из которых соответствует группе фигур. Фон картины оттенен, тогда как фигуры на переднем плане рельефно очерчены и ярко освещены. Отсутствуют какие-либо детали, всё сосредоточено на главной коллизии. Силе и мужественности мужчин, исполняющих долг, противопоставлены страдание и горе женщин, для которых любой исход поединка означает потерю близких.

Над этим полотном Давид работал, живя в Риме, около двух лет. Картина имела бешеный успех. Ей посвящались хвалебные речи, даже папа римский пришел на нее посмотреть. Затем полотно было отправлено в Париж, ныне — в собрании Лувра.

Памятник Петру I, известный как «М

Понравилась статья? Добавь ее в закладку (CTRL+D) и не забудь поделиться с друзьями: