Искусство Древней Греции знаменует один из высочайших взлетов в культурном развитии человечества. В своем творчестве греки использовали опыт более древних художественных культур, и в первую очередь эгейского искусства. История собственно древнегреческого искусства начинается после падения Микен и дорийского переселения и охватывает XI-1 вв. до н. э.
В историко-художественном процессе древнегреческого искусства обычно выделяют четыре этапа, которые соответствуют основным периодам общественного развития Древней Греции. Первый период — гомеровский (XI-VIII вв. до н. э.) — в развитии собственно греческого искусства совпадает с последней стадией первобытнообщинного строя. Наиболее ярко эта эпоха отражена в поэмах Гомера, именем которого ее и принято называть.
Период VIII-VI вв. до н. э. — время формирования греческого рабовладельческого общества и государства. Развитие производительных сил привело к значительным успехам в сельском хозяйстве, ремесле, горнорудном деле, кораблестроении и мореходстве, расширению торговли и появлению денег.
В этот же период происходят большие сдвиги в культурной жизни древних греков. В конце VII — начале VI в. до н. э. в греческой науке зарождаются «наука всех наук» — философия, греческая поэзия, театр и литература для театра. Греки плодотворно используют более высокую в те времена культуру стран Древнего Востока (Египта, Передней Азии). В ионийских городах в VIII в. до н. э. сложился алфавит, заимствованный из финикийского. С Востока же был перенесен способ отливки статуй из металла. Влияние искусства Египта, Ассирии, Финикии проявляется в пластике, живописи, особенно в вазовой росписи, декоративный стиль которой получил название «ориентализирующий». Фантастические звери, восточные декоративные мотивы (плетенка, пальметта, лотос), некоторые композиционные приемы, прически, даже тип лица воспринимаются и перерабатываются греческими мастерами.
Второй период — архаика (VII-VI вв. до н. э.) — время постепенного формирования классового рабовладельческого общества, колонизации греками побережья Средиземного и Черного морей. Архаическая эпоха была временем зарождения античного реализма. Искусству архаики свойственны цельность, в какой-то мере утраченная классикой, и человечность, неведомая древнейшим культурам.
Классика (V — первые три четверти IV в. до н. э.) — третий период, художественные устремления которого воплотились наиболее ярко и последовательно в творчестве аттических мастеров. Их деятельность имела огромное значение для всей Греции, ибо роль Афин в жизни Эллады в эпоху классики неизмеримо возросла. Афины, став во главе борьбы греков за независимость во время греко-персидских войн (500-440 гг. до н. э.) и объединив под своей эгидой ряд полисов, превращаются в политический и культурный центр Эллады. Социальной почвой искусства классики была рабовладельческая демократия, утвердившаяся в Афинах к концу VI в. до н. э. Ее победа в значительной мере способствовала развитию прогрессивных тенденций в идеологии, торжеству реалистических принципов в искусстве, художественных демократических вкусов. Начавший складываться еще в эпоху архаики гражданский эстетический идеал был ясно сформулирован искусством классики и стал основным его содержанием. Главной темой классического искусства становится человек, наделенный совершенными физическими и моральными качествами.
Величайший расцвет классики V-IV вв. до н. э. не был бы возможен без тех больших достижений на пути реалистического искусства, которых достигли греческие художники VI в. до н. э.
В период эллинизма (четвертая четверть IV — I в. до н. э.) область распространения древнегреческого искусства выходит далеко за пределы современной Греции, охватывая Фракию на Балканах, западную часть Малой Азии, многие острова и прибрежные пункты на Средиземном и Черном морях, где находились греческие колонии. После походов Александра Македонского художественная греческая культура распространилась по всему Ближнему Востоку. Влияние греческого искусства распространилось далеко за пределы Греции, оно ощущалось в течение долгих веков и сохранилось до наших дней.
Греки сменили народы, ранее населяющие материковую Грецию и острова; они сформировались как нация примерно к VIII в. до н. э.
Отличительной чертой греков было стремление к независимости. Несмотря на то, что они говорили на одном языке и имели общую религию, их города постоянно соперничали и воевали друг с другом. Древнегреческая демократия была в сущности олигархией, свободные граждане составляли незначительное меньшинство по сравнению с массой рабов и метеков.
Греки начали основывать колонии на востоке и западе в VII в. до н. э. Их поселения служили источником распространения эллинской культуры. Богатые греческие купцы из далеких колоний, не довольствуясь товарами из метрополии, заказывали различные изделия местным ремесленникам, что приводило к созданию самобытных школ, в частности, в керамике.
За пределами метрополии греки обосновывались к северу от Пелопоннеса в Македонии и на побережье Дарданелл, к западу — в Южной Италии и Сицилии, на юге Франции и Испании, на востоке они расселились от Трои до Родоса, по северному побережью Черного моря, в Крыму и на юге Украины. Наиболее значительное влияние греческое искусство оказало на искусство Древнего Рима, а в новое время — на искусство Возрождения и стиль ампир.
На Востоке различные ремесла получили развитие еще в глубокой древности, во многом доведя до совершенства технику исполнения и способы украшения предметов быта и одежды. Несмотря на то, что греки очень рано достигли значительных успехов в области строительства, в ремеслах они еще долго считали лучшими мастерами египтян и финикийцев. Охотно перенимая все новое и лучшее, что было у других народов в области ремесел, они стремились сравниться со своими учителями и превзойти их.
Раньше всего стремление к самостоятельности в ремеслах проявилось у мало- азийских греков (приблизительно в VII в. до н. э.). Коринф считался во всей Элладе родиной многих искусств и ремесел, поскольку благодаря торговле эти искусства были очень рано занесены из Западной Азии. Коринфянам приписывали изобретение скульптуры (хотя ваяние было уже давно известно на Востоке), наборной работы для украшения утвари, а главное — гончарного круга и вообще гончарного мастерства. Из Коринфа, согласно мифу, произошли искусство рисования и литейное дело.
В Афинах ремесла пользовались покровительством закона. Здесь ремесленники, продолжая занимать довольно низкое общественное положение, законодательством Солона были объявлены равноправными гражданами афинского государства.
Такое отношение к ремеслам при господствовавшей в Аттике полной свободе в выборе рода занятий должно было привести к значительным успехам в их развитии.
Каждая последующая эпоха в той или иной мере использовала опыт древнегреческого искусства. Особенно значимой оказалась его роль в те периоды, когда искусство руководствовалось рациональными, гуманистическими идеалами (искусство Возрождения и классицизма) и античная традиция выдвигалась в противовес спиритуализму и мистике готики и барокко. Несмотря на то, что художественное познание человечества на протяжении веков ушло далеко вперед, некоторые стороны общественного бытия и качества общественного человека никогда не были отражены искусством в такой классической форме, которая была найдена древними греками.
Сюжетами греческих произведений служили мифы, эпос и сцены обыденной жизни. Боги и герои, их приключения и подвиги изображаются на фронтонах, метопах и многочисленных расписных вазах.
Камень. Художественная обработка камня интересна прежде всего произведениями архитектурного декора — ионический, коринфский ордера, волюты, покоящиеся на овах и пальметтах, акантовый лист, кариатиды и многочисленные элементы как геометрического, так и растительного орнамента.
В VII в. до н. э. в Древней Греции зародилось искусство глиптики — резьбы по камню. Первоначально в качестве материала использовали сердолик, яшму, сардар, в более поздний период — гранат, изумруд, сардоникс, оникс. Античные мастера вырезали сцены из мифологии, изображения богов и мифологических героев, портреты правителей. Камни и сюжеты соответствовали назначению.
Глиптика в Древней Греции достигла высокого художественного уровня. Начиная с VI в. до н. э. в глиптике используются более твердые породы камня: халцедон, лазурит, сердолик.
В классический период изображения на геммах (резных камнях) отличаются особой тонкостью и красотой рисунка, более реалистичны, чем в период архаики. Знаменитым резчиком второй половины V в. до н. э. был Дексамен Хиосский. Сохранились четыре геммы с его подписью, две из них найдены в Северном Причерноморье.
В период эллинизма глиптика получает еще большее распространение, чем прежде: появляются камеи — камни с рельефными изображениями мифологических сцен или портретами. Среди эллинистических резчиков наиболее известен Пирготел — придворный мастер Александра Македонского.
Керамика. Гончарное ремесло, особенно керамика, было наиболее распространенным в Греции с древнейших времен. Оно возникло в Элладе под влиянием Востока, но на стадии простого ремесла, удовлетворяющего обыденные нужды, оставалось недолго. Его стали использовать в культовой архитектуре. По преданию, впервые керамика была применена для украшения храмовых фронтонов рельефами из глины в Коринфе, и там же начали изготавливать сосуды с цветными рисунками и пластическими орнаментами. Кроме Коринфа, это искусство процветало на островах Хиос и Самос и в Афинах, где им с незапамятных времен занималось значительное число семей, которые образовали многочисленное сословие афинских горшечников. Это сословие имело цеховую организацию и жило в особом квартале, получившем название квартала горшечников (керамикос). Афинские горшечники, которые в Афине, Гефесте и Прометее видели своих богов-покрови- телей, пользовались почетной привилегией поставлять призовые сосуды, раздававшиеся победителям на празднике Панафиней. Эта привилегия способствовала тому, что афинские мастера гончарного искусства вскоре отказались от восточных форм и заменили их национальными. В техническом отношении их изделия уже давно стояли наравне с западными и среднеазиатскими. Глиняная посуда была одним из важных предметов заграничной торговли греков; финикийские купцы вывозили ее даже в Африку.
Греческая керамика отличается чрезвычайно большим разнообразием форм. Чаще всего встречаются около 20 видов, всего же насчитывается более 350.
Керамические изделия служили для обиходных нужд: домашняя посуда, тара для перевозки и хранения жидкостей, чашки для питья, бутыли для масла, флаконы для благовоний или мазей и др. Они использовались и в торговле для хранения оливкового масла, вина и других продуктов. Применялась керамика и для культовых нужд: вазы для жертвоприношений, сосуды для церемоний бракосочетаний, погребальные урны.
К большим сосудам для жидкостей относились известные уже в гомеровское время амфоры. Они были двух типов: простые без всякой отделки для использования в хозяйстве и украшенные живописью и пластическими орнаментами.
Из других видов посуды особой красотой формы отличались кувшины для воды — калпис или гидрия. Поскольку эти сосуды предназначались для ношения воды из колодца, на них были три или четыре ручки и подножка. Их усовершенствованию способствовали два обстоятельства: во-первых, праздник гидрофорий, отмечавшийся в известное время афинскими женщинами и девушками, которые участвовали в праздничной процессии каждая со своим кувшином, во-вторых, афинский обычай приносить в таких кувшинах воду невесте для купания. Вследствие этого обычая гидрии вошли в число свадебных подарков и поэтому очень богато отделывались и украшались символическими орнаментами. В позднейшее время их стали делать из бронзы и серебра.
Особым изяществом отличались сосуды, использовавшиеся при застольных беседах, составлявших заключительную и важнейшую часть афинских званых обедов. Гостям подавали вино, смешанное с водой или льдом, в больших сосудах, называвшихся кратерами. Они имели форму кубков с ручками и подножкой или без. Плоскодонные кратеры ставили на особые поддоны с широкими краями, на которые стекало вино, расплескиваемое при черпании. Первоначально кратеры делали преимущественно из глины, только ручки и подножки к ним приделывали бронзовые. В более поздние времена стали делать серебряные кратеры. Поверхность глиняных кратеров украшали живописью, а металлические их части (ручки и подножку) — пластическими орнаментами.
Рога для питья — керата и рита, известные уже древним египтянам, ассирийцам и другим народам, у греков составляли богатый разнообразием форм вид драгоценной посуды. Глиняные рога (рита) делали в основном в виде головы какого-нибудь животного, украшенной живописными изображениями, обычно символическими, имевшими отношение к форме данного сосуда.
Ритоном назывался рогообразный сосуд с ручкой, всегда оканчивавшейся головой какого-нибудь животного: лошади, грифона и т. п.; иногда весь сосуд состоял из головы животного. Так как форма этих сосудов не позволяла ставить их иначе, как опрокинув
Формы греческой керамики:
1,2 — амфоры; 3 — гидрия; 4, 5 — кратеры; 6 — аск; 7 — килик; 8 — фиала; 9 — лекиф; 10 — капильда; 11 — канфар; 12 — калебас; 13 — ойнохоя; 14 — скифос; 15 — киаф; 16 — псиктер; 17 — лагинос; 18 — стамнос; 19 — алабастр; 20 — арибалл; 21 — кернос; 22 — лутрофор; 23 — ритон; 24 — пифос; 25 — пиксида; 26 — динос (на ножке);
27 — лебес
вверх дном, изготовлялись особые подставки или поддонки — гиподемата, на которые и ставили рита, когда в них было вино.
Связующим звеном между эгейской и греческой культурами являются сохранившиеся в небольшом количестве расписные вазы так называемого «протогеометричес- кого» стиля (XI — начало X в. до н. э.). Орнаментация их бедна, она состоит из простых волнистых линий вокруг тулова вазы или концентрических кругов, расположенных в виде фриза. Традиции прошлого не забыты: как и в предыдущие эпохи, применяется гончарный круг, в основе керамической техники лежит хорошая обработка глины, по-прежне- му используется блестящий лак.
В Х-VIII вв. до н. э. развивается «геометрический» художественный стиль, называемый так потому, что все орнаменты и даже изображение человека и животного на плоскости построены из простейших геометри-
ческих элементов — прямой и ломаной линии, треугольника, круга.
Вазовая роспись геометрического стиля была распространена по всей материковой Греции, на островах Эгейского моря и в ма- лоазийских греческих городах, но повсюду имела свои локальные особенности. Наиболее яркое выражение геометрический стиль нашел на вазах аттической работы. Вазы разнообразных форм были открыты в предместье Афин — Керамике, где жили и работали гончары, и некрополе около городских Дипилонских ворот, откуда и название этой группы сосудов — «дипилонские» вазы. X в. до н. э. — время расцвета декоративного геометрического стиля. Тогда же в росписях ваз появляется орнамент меандр, который прочно входит в декоративное искусство
античного мира. Роспись на вазах сделана коричневым лаком, но в зависимости от обжига он бывает почти черного, коричневого и красного оттенков. Узоры, расположенные поясами по всей вазе, представляют собой многочисленные комбинации зигзагов, треугольников, четырехлепестко- вых розеток, концентрических кругов и свастики — магического знака, символизирующего страны света.
С конца IX в. до н. э. начинают встречаться изображения животных — козла, коня, водоплавающих птиц и человека. Перед мастерами-орнаменталистами встала новая и трудная задача изображения человека, а умения передавать новую тему еще не было, кроме навыка рисовать геометрические узоры.
Сначала человеческие фигуры рисуют силуэтно, голова показана в профиль, корпус в фас, ноги в профиль. Также схематически нарисованы и животные. Примером такого рисунка могут служить сцены похоронных процессий (обрядов), изображенные на больших (около 1,5 м высотой) дипилон- ских вазах в форме амфоры или кратера, слу-
живших надгробными памятниками богатым представителям аристократических родов. Эти многофигурные композиции вписаны в общую декорацию вазы и представляют собой сцены заупокойного обряда.
Во второй половине VIII в. до н. э. с развитием общественной жизни Греции расширяется круг сюжетов. Теперь на вазах появились сцены морских и сухопутных битв, хороводы, музыканты, атлетические состязания и мифологические образы. Фигура человека рисуется правдивее, на лице обозначается не только нос, но и подбородок, обозначаются также волосы и одежда.
Еще большая жизненность в изображении человека и животного достигается в вазовой росписи первой половины VII в. до н. э. Силуэты процарапываются теперь тонким острым инструментом, что позволяет передать много подробностей. В VII в. до н. э. керамические изделия мастеров Коринфа, Родоса и в VI в. Аттики, Хиоса, Самоса экспортируются в различные районы Средиземного и Черного морей.
Содержание росписей в вазах очень разнообразно. Кроме орнаментов ориентали- зирующего стиля, здесь можно видеть военные сцены, сцены охоты и мифологические сюжеты (аттическая амфора со сценой борьбы Геракла и кентавра Несса).
На терракотовых метопах мужские фигуры раскрашены в коричнево-красный цвет, женские — в белый, прически даются черной краской. Одежды расписаны пестрыми узорами черного и пурпурного цветов. Такая расцветка фигур сообщает росписи большую декоративность. Однако следует заметить, что все фигуры достаточно правильно нарисованы и удачно вкомпонованы в рамку, несмотря на традиционные для рисунка VII в. до н. э. условности (голова рисуется в профиль, глаз и корпус в фас, ноги в профиль). К замечательным образцам прикладного искусства относится «про- токоринфский» кувшин из собрания Кид- жи. На этом кувшине несколькими поясами расположена многокрасочная роспись, исполненная черным, коричневым, красным и желтым цветами. Основными мотивами росписи были сцены охоты и битв, выезды всадников, колесниц и сцена суда Париса. Характер изображения отличается тщательностью прорисовки и тонко проработанными деталями. Сцены охоты, выезда колесниц и воинов напоминают стенные росписи Микен и Тиринфа.
Глиняные сосуды VI и даже VII в. до н. э. имеют явный отпечаток влияния ближневосточной и среднеазиатской керамики. Почти все они округлой, сдавленной формы. Украшающий их рисунок, в особенности напоминающий восточные образцы, составлен в основном из фигур животных — львов, оленей, лебедей, сфинксов и т. п., перемешанных с цветочными арабесками. Он тянется вокруг сосуда горизонтальными полосами, расположенными одна под другой. Фон сосудов желтоватый, натурального цвета глины, рисунок — черновато-ко- ричневый с темно-лиловой и местами белой отделкой. Человеческие фигуры редки и, как правило, очень схематичны.
Ширящийся интерес художников архаики к многообразию реального мира проявился наиболее полно и отчетливо в расписной керамике V в. до н. э. К этому времени сложились различные типы древнегреческих ваз. Принципиально изменился характер вазовой росписи: на смену ковровому орнаменту пришло изображение мифологических и бытовых сцен в так называемой «чернофигурной технике». Однако связь между росписью и поверхностью вазы не нарушалась, так как роспись сохранила необходимую декоративную условность. Экспрессивная композиция черно- фигурной росписи строилась на густых черных силуэтах, очерченных точной обобщенной линией, иногда плавной, певучей, упругой, ломкой и динамичной. Во второй и третьей четверти VI в. до н. э. в Аттике, где в этот период работали многие крупные мастера, чернофигурный стиль достиг расцвета. Среди них был Клитий, расписавший всемирно известный большой кратер («Ваза Франсуа»), Возможно в росписи, насчитывающей более 200 фигур, отражены несох- ранившиеся композиции монументальной живописи.
Крупнейшим мастером чернофигурного стиля был Эксекий. Наряду с эпически спокойным повествованием («Ахилл и Аякс за игрой в шашки») он создает сцены, полные динамики («Аякс с телом Ахилла»), впервые разрабатывает мотив психологических переживаний («Самоубийство Аякса»). Росписи Эксекия отличаются четким, лаконичным рисунком. Одна из лучших работ мастера — килик «Дионис в ладье». В третьей четверти VI в. до н. э. высокого совершенства достигло изготовление тонкостенных киликов (мастерская Тлесона).
Для живописи архаики (VI в. до н. э.) характерен общий тип лица, без портретных индивидуализированных черт, с условной улыбкой, прямым слегка вытянутым носом, выпуклыми широко открытыми глазами, высоко поднятой дугой бровей. Прически, как правило, трактованы стилизованно, в виде ровных волнистых прядей и крутых локонов. Но в течение столетия эти схемы постепенно преодолеваются. Художники начинают более реалистично изображать движение, пытаясь передать посредством выразительного жеста внутренние чувства человека.
Производством расписных художественных ваз было занято множество гончаров и художников во многих городах Греции и в VI в. до н. э. Кроме Коринфа и городов Ионии, вывозит за пределы Греции в огромном количестве керамические изделия и Аттика. Силуэтная, или «чернофигурная», техника господствует в вазовой росписи в течение всего VI в. до н. э. Этот чернофигурный способ росписи обладает большими декоративными возможностями и служит превосходным украшением сосудов, сделанных из желтой, розовой и оранжевой глины.
Прославленным памятником аттического искусства 570 г. до н. э. является черно- фигурный кратер «Франсуа», названный по имени археолога, открывшего эту вазу в этрусской могиле. На кратере есть подписи его создателей — гончара Эрготима и художника Клития. Сосуд украшен росписью, состоящей из 5 поясов с 9 мифологическими сценами; почти у каждой из 200 фигур надпись, объясняющая, кто здесь нарисован. Сцены изображают шествие богов на свадьбу Пелея и Фетиды, битву лапифов с кентаврами, охоту на калидонского вепря. Сложность композиции дает основание предполагать, что это повторение какого-то ныне утраченного образца монументальной живописи.
Самыми замечательными мастерами чер- нофигурной вазовой росписи третьей четверти VI в. до н. э. были Амазис и Эксекий. Интересна амфора Амазиса со сценой сбора винограда силенами. Фигуры силенов полузвериного облика остро комичны, движения ярко выразительны. Комический образ в греческом искусстве VI в. до н. э. нашел место в мелкой пластике (терракотах) и многочисленных росписях на вазах.
Великим художником третьей четверти VI в. до н. э. в Аттике был Эксекий, создавший росписи на сюжеты героических и драматических мифов. В числе лучших произведений Эксекия считается амфора с двумя композициями: «Ахилл и Аякс, играющие в кости», «Кастор и Полидевк» (Рим, Ватикан). Другим широко известным произведением Эксекия является чаша с росписью внутри, изображающая Диониса, плывущего в лодке.
Вызванный развитием реалистических тенденций в искусстве, в аттической вазописи совершается переход от чернофигур- ной к краснофигурной технике. В красно- фигурной вазописи фигуры сохраняют натуральный цвет глины, а окружающий фон покрывается черным лаком, усложняется рисунок, фигура строится не только с помощью контурных, но и внутренних линий. Краснофигурная техника, давая большие возможности для свободного, пластически объемного изображения человеческой фигуры, не обладает безупречными декоративными качествами чернофигурной техники. Реалистические тенденции краснофигурной вазописи особенно ярко выступают в творчестве крупнейшего мастера «строгого стиля» Евфрония. На «Пелике с ласточкой» Евфроний превращает традиционные надписи около фигур в текст диалога между персонажами.
Форма сосудов классического периода также изменилась: она стала легче, благо-. роднее и при этом разнообразнее. Всевозможные виды сосудов — от простого блюда до вазы, от кубка до амфоры — представляют в своих формах гармоничное сочетание изящества с целесообразностью. На сосудах этого периода встречаются имена их мастеров (Созия, Евфрония и др.).
Наряду с краснофигурной техникой в V в. до н. э. широкое распространение получают сосуды с белой плотной обмазкой, на которую лаком наносится рисунок. Белый фон давал возможность писать не только черным лаком и темным пурпуром, но и желтой, коричневой, красной и даже синей красками, что позволяло мастеру вазовой росписи ближе всего подойти к колориту монументальной и станковой живописи.
Говоря о греческой вазописи периода классики, нельзя оставить без внимания замечательный краснофигурный кратер из Орвьето работы неизвестного художника, известный в науке под названием «Мастер Ниобид» (Париж, Лувр). В росписи этого кратера использовано новое композиционное решение многофигурной композиции, принадлежащее Полигноту, выдающемуся живописцу эпохи греческой классики. Он размещал фигуры на разных уровнях плоскости картины, как бы на склоне горы, некоторые фигуры частично были скрыты возвышением почвы, что тоже было новостью в греческом искусстве. Композиционные приемы Полигнота, разнообразие положений отдельных фигур стали неисчерпаемым источником для следующих поколений художников. Кратер «Мастер Ниобид» дает наиболее ясное представление об этом композиционном новшестве художника.
Краснофигурная техника исчезает из вазовой живописи в конце IV в. до н. э. Ее сменяют рельефные украшения и скромные росписи чисто орнаментального характера, поскольку многокрасочная палитра, приемы светотени в живописи стали недоступны мастерам вазовой росписи ввиду ограниченного числа красок, способных выдержать высокую температуру обжига.
В конце IV в. до н. э. в гончарном производстве Греции наступает упадок. Изящная пропорциональность и благородная простота уступают место массивным украшениям и яркой живописи. Искусство керамики истощается и опускается до уровня простого ремесла: изделия утрачивают всякое художественное значение, их качество ухудшается.
Все сохранившиеся сосуды этой эпохи отличаются особенно пестрыми красками: цвета, использовавшиеся до сих пор очень умеренно, например, белый и темно-синий, накладываются теперь большими пятнами, кроме того, к ним прибавляется еще ярко- желтый или даже позолота. Композиция рисунков становится произвольной и теряет живость. Одежды воссоздаются в мельчайших подробностях, сами же фигуры изображаются очень схематично, иногда в виде наброска.
С проникновением в Грецию римской культуры искусство расписывания сосудов совершенно увяло. Пластические украшения, свойственные металлической и каменной утвари, которая стала входить в употребление, были перенесены и на глиняные сосуды взамен рисунка.
Ювелирное дело. Металлы. Несмотря на бедность недр Греции, ювелирное дело достигло там большого расцвета. Золото всегда высоко ценилось, и греки, не имея собственных месторождений, добывали его путем обмена на другие товары. Зато серебра было много. Искусство обработки драгоценных металлов, в особенности процветавшее в эпоху эллинизма, создало выдающиеся произведения.
В IV в. до н. э. с ростом богатства страны возрастает и количество ювелирных изделий, которые отличаются удивительнои тонкостью работы. Греческие мастера применяют разнообразную технику: ковку, чеканку, литье, паяние, часто используют зернь.
Богатые царские захоронения оставили нам прекрасные памятники работы древнегреческих златокузнецов. Ожерелья, браслеты, серьги, перстни, подвески и другие украшения позволяют судить не только о том, каково было мастерство греческих ювелиров, но и представить развитие форм ювелирных изделий.
Женские драгоценности, которые греки называли «золотыми вещами», оставались неизменными со времен Гомера, за исключением колец, которые начали носить довольно поздно. Упоминаемые Гомером браслеты, булавки для волос, цепочки, ожерелья из золота и электрона и золотые шейные цепи не выходили из употребления и в последующее время, но их форма и отделка стали совершеннее. Кольца превратились в дорогие перстни, украшенные драгоценными камнями или янтарем. Их стали носить даже мужчины, притом по нескольку штук на каждой руке. Руки украшали браслетами и обручами, обычно в виде извивающейся змеи, на ногах тоже носили браслеты.
Серьгам придавали форму падающей капли, а иногда прикрепляли к ним подвески из золотых и серебряных кружочков.
Наиболее древними являются серьги, выполненные в эпоху архаики (VI в. до н. э.). Они просты по форме и имеют сравнительно несложную отделку. Однако качество исполнения рельефа, выполненного в технике зерни, позволяет отнести их к лучшим ранним произведениям ювелирного искусства. Серьги обычно состояли из двух элементов: диска и подвески. Поверхность диска покрывалась филигранью, мельчайшей зернью, припаянными украшениями в виде розеток и пальметок, часто с цветной инкрустацией.
В конце V в. до н. э. распространение получил оригинальный тип подвески для серег, которую изготовляли из массивной проволоки, свернутой в спираль. Концы ее, украшенные кружевным филигранным узором, обычно завершались пирамидками, покрытыми зернью.
В это же время греческие ювелиры вырабатывают особую форму серьги, состоящей из диска, большой сложной подвески наподобие лунницы и прикрепленных к ней цепочек, заканчивающихся подвесками в виде бутонов цветов или вазочек. Все части обычно пышно декорированы цветами, а детали наполнены мельчайшей зернью и филигранью.
Большой интерес представляют феодосийские серьги, названные по месту находки. Они являются образцом того своеобразного вида древнегреческого ювелирного искусства, который называют микротехни-
кой. Каждая серьга состоит из богато орнаментированного диска, края покрыты несколькими рядами зерни. Главное украшение серьги — многофигурная композиция, выполненная в микроскопических формах — четверка мчащихся во весь опор коней, запряженных в колесницу, управляемую крылатой Никой. Всемирную славу серьгам принесла одна деталь — при сильном увеличении видно, что крохотная зернь соединена по четыре штуки и размещена крохотными рядами. Лучшие современные ювелиры оказались бессильны воспроизвести эти серьги.
Височные украшения, составляющие часть женского головного убора, создавали по тому же принципу, что и серьги. Примером может служить подвеска из кургана Куль-Оба с изображением головы Афины. Ценность этой подвески в том, что это редкое, единственное в своем роде воспроизведение знаменитой скульптуры Фидия.
Очень красиво отделывались головные, золотые и бронзовые булавки. Но самым изящным, дорогим и любимым женщинами убором было ожерелье, поэтому декору греческие мастера уделяли много внимания.
Иногда оно состояло из простой цепочки или тонкого обруча, но в таком случае его украшали драгоценными камнями и жемчужными подвесками. Здесь часто применялась техника инкрустации. Прекрасным образцом является ожерелье из феодосийского погребения. Гибкая, эластичная и в то же время довольно массивная тесьма, сплетенная вручную из тонких золотых нитей, составляет основу ожерелья. К тесьме подвешены переплетающиеся цепочки с бутонами и подвесками.
Интересно по форме и исключительно по мастерству исполнения своеобразное ожерелье-обруч. Основу его составляет фриз из спаянных фигурок козлов, баранов, собак и зайцев.
С большой выдумкой и вкусом отделаны застежки всех ожерелий. Они имеют продолговатую форму и обрамлены жемчужной нитью. Поверхность их украшают сложные пальметты с волютами и всевозможными цветами. Застежки для платья делались в виде пряжек или простых шпилек.
IV в. до н. э. — время расцвета ювелирного искусства в духе поздней классики — отличается утонченностью и сложностью исполнения. Уникальные находки были сделаны в Северном Причерноморье.
Оригинальностью и совершенством отличается золотой гребень из кургана Соло- ха. Здесь перед нами предстает живая группа сражающихся воинов, органично вписанная в верхнюю часть гребня.
В V-IV вв. до н. э. излюбленными украшениями были витые браслеты, сплетенные из двух проволок и заканчивающиеся скульптурными изображениями животных,
например, массивные золотые ораслеты из кургана Куль-Оба завершаются фигурками сфинксов.
Не менее эффектны золотые браслеты с фигурами львиц на концах, найденные в кургане Большая Близница. В них замечательно сочетание реалистической трактовки мельчайших деталей и орнаментальных мотивов декора втулки. Эта манера была свойственна греческим ювелирам эпохи классики.
Часто встречаются гладкие серебряные браслеты на бронзовой основе, широко распространенные в городах Северного Причерноморья.
Совершенно особую область греческих ювелирных украшений представляют золотые перстни-печатки с гравированными изображениями. На небольших овальных щитках вырезаны миниатюрные композиции на самые разные сюжеты. Обратная сторона щитка оформлена скульптурными фигурами лежащего льва или жука-скарабея.
Интересны штампованные изделия, так называемые «бляшки», служившие для украшения одежды. На них, как правило, изображаются декоративные мотивы.
В эллинистический период (конец IV- I в. до н. э.) ювелирные изделия приобретают иной характер. Новый стиль был привезен с Востока. Характерная особенность стиля — полихромия, стремление к яркости красочных сочетаний. Украшения из золота усеиваются драгоценными камнями, вставками цветного стекла, эмалями. Пышную золотую диадему с гранатами (Ш-П вв. до н. э.) отличают не только яркое сочетание украшений и разнообразие орнаментов.
Особенное внимание привлекает центральная часть, сделанная в виде большого узла, переливающегося блеском узорчатого золота и красных гранатов. К диадеме подвешены своеобразные кисточки с гранатами и бусинками из синей пасты в золотых оправах филигранной работы.
В связи с недостатком вещественных свидетельств мы вряд ли можем правильно оценить греческое искусство изготовления металлических сосудов. Однако о высоком уровне его развития свидетельствуют дошедшие до нас имена художников, прославившихся изготовлением металлической посуды. Из числа этих художников особенно были известны своими изделиями из бронзы и серебра Ментор, Боеф, Мис, Ак- рагас и др., а также Терикл, делавший небольшие деревянные сосуды.
Произведения торевтики и ювелирные изделия классического времени известны главным образом по археологическим находкам вне метрополии (Северное Причерноморье, Болгария, Южная Италия).
Так как причерноморские скифы клали в захоронения заказанную у греков драгоценную утварь, эти золотые и серебряные изделия были как местной работы, так и привезенные из Эллады. Среди них выделяются серебряные и частично позолоченные сосуды — великолепные образцы античной торевтики. Примером может служить амфора из Чертомлыкского кургана. Особый интерес представляет рельефный фриз, изображающий скифов, ловящих степных коней.
Среди художественных памятников древности выделяются два шедевра: элект- ровая и серебряная вазы IV в. до н. э.
Мебель. Мебель в Греции делали из дерева, бронзы и мрамора. Образцов греческой мебели сохранилось очень мало. Подлинных образцов деревянной мебели не сохранилось вовсе. Мы знакомы с ней главным образом по воспроизведениям в изобразительном искусстве и литературным источникам.
По изображениям на вазах и рельефах можно судить о мебели Древней Греции. Важнейшим типом домашней мебели, имевшим наиболее широкое применение, был ларь — своеобразный ящик, служивший для хранения разных вещей. Довольно точное представление о внешнем виде ларя дают найденные в древних гробницах деревянные саркофаги, представляющие собой продолговатые ящики на ножках или стойках с седлообразной крышкой. Стенки таких ларей и саркофагов покрывались росписью разных цветов; по яркому синему фону изображались различные мотивы греческого орнамента.
Столы у древних греков были либо прямоугольные на четырех, либо круглые на трех ножках. Особенно распространены в обиходе были круглые столы на опорах в виде ног крупных животных. Часто такие ножки в верхней части оканчивались листьями аканта, иногда шеей гуся, над изгибом которой закреплялась столешница. Такая форма ножек для мебели была заимствована еще в архаическую эпоху в Египте и стала ее отличительной особенностью. В этот период кроме «звериной» формы применя-
лись и дощатые ножки с глубоким декоративным вырезом посередине и двойной волютой вверху. Сами греки, больше чем египтяне, пользовались столами и создали тип круглого столика на трех ножках, который впоследствии был популярен во Франции в эпоху неоклассицизма. Низкие столы, носившие название «трапедза», были по большей части переносными. Во время еды люди возлежали на «клинэ», поставленных вокруг стола. По окончании трапезы столы задвигали под кровать, имевшую довольно высокие ножки (около 1 м).
Мебель для сидения — табуреты, стулья, судя по изображениям, имели жесткую конструкцию, изобилующую прямыми углами и близкую по формам египетской мебели.
В эпоху классики мебель отличается строгой тектоникой, простотой и выразительностью ритмов, например, стул на рельефе надгробия Гегесо. «Звериные» и дощатые ножки уступают место круглым точеным и прямоугольным. В этот период в формах мебели произошли изменения, спо
собствующие улучшению и приданию им большего изящества. Наиболее часто встречающейся формой античной мебели этого времени был табурет с четырьмя круглыми точеными ножками, утончающимися книзу. Такой табурет можно видеть на барельефах Парфенона, многих вазах и стелах этой же эпохи и назывался он «дифрос». Ножки его делались вертикальными или слегка расходящимися книзу, они были совершенно гладкими, но иногда их поверхность обрабатывалась небольшими ложчатыми выемками наподобие каннелюр.
Изготовлялись также стулья с изящно изогнутыми передними ножками круглого или четырехгранного сечения с довольно широкой доской для сидения и полукруглой спинкой на таких же слегка изогнутых подпорках. Иногда спинка у таких стульев была совершенно прямой и имела с задними ножками одну общую вертикальную ось. Такой стул имел название «клисмос».
Для путешествия по гористым тропам Греции на спину мула или лошади ставили небольшой диванчик, на который седоки садились с двух сторон. Этот диванчик с двумя спинками по бокам по своей конструкции является своеобразным переходом к кровати — «клинэ», состоящей из неглубокого ящика, расписанного меандрами и пальметтами, и установленного на вертикальных стойках-ножках.
Эллинистическая мебель теряет простоту и ясность классической, приобретает черты декоративной изощренности. В этот период в декоративных целях возрастают «звериные» формы архаической мебели.
В эпоху эллинизма изготовлялись сквозные этажерки ажурной работы с полками для книг, существовали также буфеты для посуды, шкафы со складными дверцами.
Известны и троны с ажурными и декорированными спинками, стулья, табуреты, стулья с крестообразными креплениями ножек, скамьи, скамеечки, ложа (некоторые из них отливались из бронзы).
Ножки мебели были прямоугольными, точеными или резными в форме звериных лап. Последние, равно как и складывающиеся крестообразные сиденья, о которых говорилось выше, подражали египетской мебели. Декор мебели состоял иногда из накладных украшений в вид розеток, акантовых листьев, растительной вязи, голов животных.
Искусство эпохи эллинизма было последней стадией развития художественной культуры Древней Греции и в то же время послужило фундаментом для дальнейшего развития античного мира. В частности, оно сыграло большую роль в развитии искусства Рима, в состав которого Греция была включена в 146 г. до н. э.
искусство этрусков
Начиная с конца VII в. до н. э. на территории Италии культура этрусков занимает главенствующее положение. Искусство этого народа примерно между 700 и 625 гг. до н. э. переживает ориентализирующий стиль, затем испытывает влияние греческой культуры. Архаическая эпоха, связанная с влиянием ионийской и аттической культур, условно относится к периоду между 575 и 475 гг. до н. э. и была наиболее плодотворной в искусстве этрусков. В IV в. до н. э. в их искусстве устанавливается классический стиль, одновременно с которым обозначается и упадок, в силу того, что у этрусков очень сильны архаические традиции. С III в. до н. э. искусство этого народа постепенно ассимилируется с большим потоком римского искусства.
Формы этрусских памятников очень разнохарактерны и приближаются то к египетско-ассирийским, то к греческим, а потому бывает достаточно трудно найти разницу между завезенными из Азии и собственно этрусскими. И все же этрусские памятники дают возможность проследить за изменениями, которые происходили в бытовой обстановке этрусков начиная с древнейших времен. Этрусские керамисты были мастерами своего дела уже в глубокой древности и в техническом отношении не уступали греческим гончарам. Они тоже употребляли стеку, гончарный станок, деревянные и глиняные формы, умели сушить и обжигать свои изделия, расписывать их, покрывать глазурью и особенным составом вроде лака, обеспечивающим их прочность.
Интересны керамические сосуды этрусков и прежде всего керамика «буккеро», с художественной точки зрения уступающая греческим изделиям. Более самостоя-
тельны декоративные рельефы, например, антефиксы. Эти архитектурные элементы, окаймляющие крышу, отличаются большим разнообразием и свидетельствуют о высоком мастерстве их исполнителей. Самый знаменитый образец этого жанра — расписная терракотовая статуя Аполлона из Вей,
созданная в VI в. до н. э. Скульптура, которую греки осуществляли в камне, выполнялась у этрусков из глины и была отмечена большим своеобразием.
Древние сосуды, найденные в Этрурии, в основном сделаны из глины и металла, кроме нескольких стеклянных чашечек круглой формы. Но все эти изделия привозные. Существенно от них отличаются глиняные сосуды местного этрусского производства. Они не уступают греческим в техническом, но стоят гораздо ниже в художественном отношении. Этрусские сосуды разделяются на две группы. К первой принадлежат расписанные амфоры и чаши, подражающие греческим вазам. Вторую, меньшую группу составляют сосуды без росписи среднеазиатского и египетского типов с грубо выполненными пластическими украшениями. Сосуды второй группы разделяются по цвету глины на черные и красные, первые более неуклюжие, большей частью необожженные и потому, несомненно, древнее красных, закаленных на огне.
Черные сосуды часто делали в форме амфоры с крышкой (и без) и массивной подставкой или большого египетского кувшина с человеческой головой и руками, так называемого «канона». Встречаются также объемистые кружки с ручкой, плоские фляжки с двумя ручками, сосуды для питья в форме чаш, стаканов и чашек, иногда с ручками и подставкой, окруженной фигурками в виде кариатид, продолговатые конические сосуды в виде животных. Орнамент на этих сосудах вытиснен и представляет собой горизонтальные полосы или ряды фигур людей и животных.
Производство красных сосудов в Ареци- уме (Ареццо) продолжалось еще в императорскую эпоху и потому не избежало влияния позднего времени. Большинство красных сосудов составляют амфоры и большие плоские чаши; из мелких сосудов многочисленнее других греческие кружки, красивые горшочки, цилиндрические и кег- леобразные флакончики (бальзамарии) и висячие глиняные лампы.
Среди всех видов декоративно-прикладного творчества, которыми владели этруски, следует уделить внимание ювелирному делу. Виртуозная техника и высокие художественные достоинства этрусских ювелирных изделий, бесспорно, ставят их в один ряд с лучшими творениями античного искусства. Большое количество подлинных
украшении, наиденных при раскопках, доказывает, что этрусские мастера умели изготавливать очень сложные и в то же время легкие и исключительно разнообразные вещи. Тяга к роскоши появляется уже в VII в. до н. э., когда создаются золотые фибулы, ожерелья, подвески. Например, знаменитая фибула из гробницы Реголини— Галасси (Рим, Музей Ватикана) состоит из диска с чеканным изображением животных в ориентализирующем стиле и пальметок, выпуклые маленькие грифоны и крылатые львы расположены вереницами на нижней пластине.
Этруски владели всеми приемами ювелирного ремесла: ковкой, чеканкой, гравировкой и техникой зерни и филиграни. Бесчисленные мельчайшие крупинки золота (до 0,2 мм в диаметре) припаяны неведомым способом на ровной плоскости золотой поверхности, обильно украшенной затем рельефными фигурками.
Наряду с этими предметами роскоши ювелиры создавали произведения строгой формы, как, например, скифос из гробницы Барберини. В обиходе этрусков существовала серебряная посуда, от которой почти ничего не сохранилось.
Находки в этрусских гробницах туалетных принадлежностей, уборов и украшений своей ценностью и законченностью отделки свидетельствуют о высокой степени мастерства древних италийцев в их изготовлении.
Этруски делали эти изделия из меди, которой были богаты недра их собственной страны, и золота и серебра, которые они покупали в слитках, торгуя с другими государствами. Вещи сначала или отливали в глиняные формы, или выковывали и чеканили, а потом окончательно отделывали резцом. В чеканных вещах, составленных из нескольких отдельных частей, каждая часть чеканилась особо, а потом все части спаивались или просто соединялись штифтами.
Этруски были искусны и в филигранных работах, умели вырезать на золоте или серебре и вырезанный рисунок заливать цветной эмалью. Золочение и серебрение было им тоже известно, но только в виде обкладывания тонкими золотыми или серебряными пластинами. До такого же совершенства, как золотых дел мастерство, были доведены гранение камней, резьба на камне, слоновой кости и янтаре, выделка бус и разного рода подвесок из цветного стекла — все, что связано с изготовлением украшений.
К мужским украшениям принадлежали толстые золотые ожерелья, золотые венки, кольца и ручные обручи. Венки составляли из золотых пластинок, которым придавали форму листьев различных растений. Ручные обручи или браслеты большей частью имели форму широкого зубчатого кольца с круглой подвеской или без. Перстни изготовлялись с гнездом из золота или камня, оправленного в золото, обычно с резьбой. Гнездо закреплялось на кольце неподвижно или же могло поворачиваться вокруг своей оси, как у египетских перстней, и в этом случае ему нередко придавали египетскую форму скарабея. Были также схожие с кельтскими кольца в виде спирали. Перстни носили обычно на безымянном пальце левой руки, до тех пор пока не вошло в моду надевать несколько колец сразу.
Этруски пользовались серебряными и бронзовыми застежками, очень похожими на кельтские фибулы (декоративные булавки), но гораздо изящнее и богаче.
Найденные в этрусских могилах золотые бляхи с богатым орнаментом были не просто украшениями, а скорее знаками царского достоинства или же составляли часть жреческого убранства.
О склонности этрусков к щегольству и нарядам говорит и множество зеркал, найденных в могилах вместе с другими принадлежностями туалета. Зеркала изготовлялись из бронзы и красиво отделывались, видимо, эту туалетную принадлежность этруски ценили очень высоко. Задняя сторона зеркала украшалась обычно выгравированным на ней рисунком, а ручка была резная; иногда ручкой и подставкой зеркалу служит скульптурная фигурка. Поверхность зеркал была несколько вогнута и обведена выступающим бордюром, предохраняющим ее от порчи. Зеркало с приставной ручкой хранили в футляре.
Несмотря на то, что искусство обработки бронзы у этрусков не достигло такой же высокой виртуозности, как ювелирное дело, здесь имеется много интересных работ. Из бронзы этруски изготовляли колесницы, в которых передок и бока отделывались бронзовыми рельефными пластинами, украшенными чеканкой и тиснением по деревянной матрице, а также треножники, подсвечники, зеркала, цисты. Интересны зеркала, украшенные по большей части гравированным декором, хотя на некоторых из них использованы украшения в виде рельефов. В этой области декоративного искусства этруски проявляют явную склонность к графическому орнаменту. Зеркала обычно снабжены ручкой, их оборотная сторона украшена сценами из греческой мифологии. Такая же тяга к графическому рисунку наблюдается и на цистах — цилиндрических ларцах на трех ножках, в которых женщины хранили туалетные принадлежности.
Есть доказательства, что этруски и в мебели, как и во всем остальном, любили восточную пышность. Ложа они отделывали слоновой костью и покрывали дорогими восточными коврами. Обычным украшением мебели, по свидетельству позднейших авторов, было скульптурное изображение ослиной головы, которой этруски приписывали разрушительную силу против всяких чар. В том же значении изображение ослиной головы использовалось и в старом Риме.
Из этрусской мебели сохранились несколько бронзовых и каменных кресел и погребальные носилки из металлических шестов.
Римляне могли заимствовать у этрусков многое, но что именно, сейчас сказать уже трудно. Ко времени покорения римлянами Этрурия уже близилась к закату. Достигнув вершины своего политического развития около 500 г. до н. э., она стала постепенно слабеть, истощаемая постоянными внутренними и внешними войнами. Около 385 г. до н. э. греки и карфагеняне отняли у нее господство на морях, а вторжение кельтов, разоривших население Италии и опустошивших ее вплоть до Рима (около 390 г. до н. э.), окончательно ослабило Этрурию.
искусство ДРЕВНЕГО РИМА
Развитию культуры на западе Италии способствовали греческие колонии. Принеся с собой знание многих ремесел и более развитую культуру, дорийцы очень быстро обосновались среди окружавшего их полудикого населения и 300 лет спустя ко времени основания Рима вся плодоносная Кампания и Южная Италия были заселены ими.
С приходом греков все население Южной Италии и Сицилии перешло на греческий язык и приняло греческие обычаи, так что чисто италийское племя осталось только в Северо-Восточной и Средней Италии, латинская его ветвь сосредоточилась на небольшой территории между северной границей Кампании и южной Этрурии.
Одно из укрепленных поселений, построенное на берегу Тибра и принадлежащее роду рамнов (римлян), скоро превратилось в главный оплот всего Лациума против северных соседей. Постепенно Рим стал центром, вокруг которого сплотились племена латинян. Сначала им правили цари, а потом Рим стал республикой. Господство Рима над остальными городами Лациума к концу IV в. до н. э. утвердилось окончательно.
Благодаря своей воинственности, которая со временем превратилась в доминирующую черту их национального характера, римляне возвысились над соседними племенами. С учреждением республики усиление Рима пошло еще быстрее. К 351 г. до н. э. римляне положили конец тяжелым войнам с Этрурией и окончательно ее покорили. Этруски не только были побеждены, но в течение следующих 100 лет полностью романизированы, за исключением немногих северо-восточных ветвей.
Сломив Этрурию, римляне повернули на юг. Они быстро овладели сначала Кампанией (314 г. до н. э.) и вслед за тем остальной Южной Италией. Так вся Италия подчинилась силе римского меча.
Завоевание проникнутой эллинизмом Кампании оказало влияние на нравы римлян. Постепенно среди них, особенно среди молодежи, распространились греческие науки и искусства. К тому же былые строгость и простота нравов времен начала республики так давно исчезли из жизни, что вспоминались как нечто сказочное. Прежде законы против роскоши почти всегда были обращены против роскоши при погребении, теперь же потребовались законы, ограничивающие использование драгоценной посуды и утвари. С превращением Рима в главный город Италии в его гражданах пробудилось стремление к широкой столичной жизни со всеми ее удобствами и соответствующей обстановкой. Римляне заимствовали у греков только то, что считали для себя полезным или заманчивым. Они охотно населяли свой Олимп греческими богами и смешивали, сами того не сознавая, греческие пороки со своими национальными добродетелями.
Древние римляне были земледельцами, солдатами, людьми деятельного практического склада и не имели природной артистической жилки. Вначале они продолжали традиции своих предшественников этрусков. Римское искусство родилось лишь после завоевания Галлии, около 100 г. до н. э. и только в период империи оно достигло своего расцвета.
Греки ценили искусство из врожденной любви к прекрасному, римляне — из любви к роскоши. За исключением архитектуры, где римляне проявили подлинный талант, римское искусство развивалось под сильным влиянием греческого, с другой стороны,
немалая роль в формировании искусства метрополии принадлежала искусству римских провинций с его самобытными чертами, в которых ощущались традиции культуры покоренных племен и народов. Римское искусство, по своему влиянию не уступает греческому, несмотря на его разнородность и относительную несамостоятельность, может быть, потому, что оно действовало на огромной территории, завоеванной римлянами.
Камень. В архитектуре римляне подражали грекам. Они заимствовали выработанные эллинами ордеры. Сами они создали два новых ордера: тосканский и композитный. Последний представляет собой сплав ионийского и коринфского ордеров, отличающийся некоторым излишеством декора.
Техника каменного ваяния была принесена в Италию греческими художниками. До этого этрусские скульпторы работали с мягким песчаником, пиперином и алебастром. Кроме того, они редко высекали фигуру целиком, а составляли ее, прибегнув к более легкому приему, из отдельных фрагментов. Точно так же поступали они и с рельефом, который сначала был плоским и только в поздних работах, например, урнах, стал более выпуклым. С введением греческой техники ваятелям стали доступны все породы камня: мрамор, порфир, гранит и т. д. Это доказывают многочисленные статуи и различная каменная утварь: столы, кресла, канделябры и пр.
Богатство декора возрастает вместе с ростом политического господства: искусство составляет часть политического воздействия. Римлянам в большей мере удаются произведения, воплощающие идеи могущества Рима, например, посвященная войне с даками колонна Трояна.
Орнамент ряда произведений, выполненных в мраморе, отличается богатством, доходящим до чрезмерной перегруженности. К числу наиболее распространенных декоративных мотивов римского искусства следует отнести пышные гирлянды, крылатых амуров и грифонов.
Резьба по стуку и лепные украшения из гипса применялись преимущественно для потолков. Мотивы стуковых рельефов очень разнообразны, они бывают мифологическими или орнаментальными, расположение призвано подчеркнуть архитектурные линии здания.
В эпоху империи вошли в моду вазы из полудрагоценных камней, таких как агат, сардоникс, порфир и др. Некоторые из этих ваз украшались рельефами с фигурами людей; возможно, это была работа греческих мастеров.
Римляне высоко ценили произведения глиптики — тонко гравированные изделия из камня и камеи. Сюжетами их декора, как правило, служили эпизоды из мифов или портреты, встречаются также жанровые сцены и великолепно исполненные изображения животных. Заслуженной известностью пользуется Большая камея из Сент- Шапель со сценой прославления Германика; это самая прекрасная и знаменитая камея, доставшаяся нам от античности, созданная между 19 и 37 гг. Некоторые камеи подписаны. Одним из самых выдающихся мастеров этого жанра был грек по имени Диоскурид.
Из дорогих каменных сосудов до нашего времени дошли очень немногие. Известен самый большой древний сосуд, хранящийся в Вене. Он был захвачен крестоносцами при взятии Константинополя. Плиний упоминает сосуды из настоящего рубина, хризопраза и небольшие сосуды, состоящие из драгоценных камней, оправленных в золото.
Большим успехом в античном Риме пользовалась мозаика. Как и другие виды искусства, заимствованная из Греции, мозаика нравилась римлянам своей неразрывной связью с архитектурой.
Для выделки небольших и украшения больших сосудов из золота использовался также янтарь. Реже делали их из слоновой кости и других подобных материалов. В сосудах, имевших декоративное назначение (из алебастра, мрамора, порфира, гранита, туфа и др.), главную роль играла художественная отделка — скульптурные орнаменты и рельефные композиции в древнегреческом или древнеримском стиле. Если греческие ваятели заботились прежде всего о красоте формы сосуда, то римские ставили на первое место его скульптурную отделку. Из алебастра, считавшегося ценным материалом, изготовляли небольшие сосуды. Они значительны искусной техникой обработки. В Берлинском музее хранится небольшой алебастровый сосуд, стенки которого не толще бумажного листа.
Керамика. Римская керамика отличается от греческой не только несравненно меньшими художественными достоинствами, но и своим характером. Основное и глубокое различие состоит в том, что римляне использовали преимущественно лепной декор. Самым известным керамическим центром был Арециум, продукция которого широко вывозилась. Для изделий этого центра характерны цветовая гамма — от оранжевого до темно-красного цвета и украшения рельефными изображениями. Такие украшения исполнялись прямо на сосуде, иногда отлитые в форме, иногда изготовленные отдельно и затем присоединенные к сосуду. Этот вид керамики производился со II в. до н. э. до II в. н. э. Римляне изготовляли также терракотовые светильники, предназначавшиеся для новогодних подарков.
Гончарной посуде из Арециума подражала галльская и рейнская керамика, которая постепенно и вытеснила ее. Рейнская керамика часто имеет подпись-печать мастерской, она изготовлена из более твердой массы и покрыта более блестящим лаком, чем изделия других мастерских. Декор галльских изделий иллюстрирует эпизоды греко- римской мифологии и свидетельствует о романизации Галлии.
В целом можно сказать, что римская керамика носила скорее промышленный, нежели художественный характер. Она интересна тем, что показывает размах распространения декоративных мотивов в начале эпохи массового производства.
Стекло. В античном Риме производство художественного стекла достигло наивысшего расцвета. Римляне необычайно развили и распространили это искусство. Им принадлежит честь изобретения техники дутья, совершившей в этом искусстве полный переворот. Стеклодувная трубка появилась впервые в I в. до н. э., по-видимому, у сирийцев. Новая техника нашла применение не только в Италии, но и в Испании, Галлии, Германии. Рим и Александрия были центрами производства предметов роскоши из стекла, поскольку в этих богатых городах ремесленники без труда могли сбывать свой товар. С изобретением дутья стеклянные изделия вошли в повседневную жизнь. Стекло приобрело прозрачность и лишь иногда имело синеватый или зеленоватый
оттенок. Изделия вдувались в форму, что давало безупречно правильный рельефный декор. Сохранилось немало небольших чаш такого типа. Формы этих изделий весьма разнообразны. Применение форм позволило изготовлять самые различные виды сосудов: в форме человеческой головы, обезьяны, виноградной лозы, птицы, рыбы. Часто они декорировались жгутом из скрученных стеклянных нитей, иногда окрашенных. В такой манере и с виртуозной искусностью исполнены многочисленные флаконы для благовоний сирийского производства I—III вв.
К началу эпохи Империи римляне умели не только окрашивать стекло во всевозможные цвета, так что его трудно было отличить от цветных камней, но и смешивать разноцветные стеклянные сплавы (под цвет опала или агата) или накладывать слоями один на другой. В этой технике выполнены Портлендская ваза и найденный в Помпее красивый сосуд с выпуклыми орнаментами. Для получения орнаментов сосуд из темного стекла покрывали слоем непрозрачного белого и вышлифовывали требуемое изображение.
Из стеклянных сосудов до нашего времени дошли несколько чаш и небольших кубков с круглым дном, сделанных из тонкого стекла и покрытых стеклянной сет