Розвиток танцювального мистецтва в Російській імперії

Перші відомості про танцювальне мистецтво Росії відноситься до другої половини XII ст. Народні танці були невід'ємною частиною побуту простих людей. Недаремно танець, який яскраво відображений у театральній епічній традиції, знайшов виразний опис в легенді про Садко. «Стоп царь Водяник поскакивать, а царица Водяница поплясьівать, красньге девушки хороводи водить, а мелкая челядь в присядку пошла».

Першими професійними виконавцями російського народного танцю були скоморохи. Скоморохи, окрім того, грали на гуслах та інших народних інструментах. Поруч з мистецтвом скоморохів в Росії існували народний, професійний і самодіяльний театри. Не дивлячись на негативне ставлення до них духовенства і державної влади, ці театри набагато пережили скоморошество, яке збереглося в різних своїх формах до кінця XIX століття.

Як і мистецтво скоморохів, народний театр за своїм складом був театром простих і чітких прийомів. Тут були поширені різкий і широкий жест, голосний спів, молодецький танець. До народних театральних видовищ відносилися: ігрища, народні комедії, інтермедії, лялькова комедія, "вертеп", що розігрувався на Різдво тощо. Танці входили до більшості народних вистав.

З XVII століття, відбуваються процеси економічного, політичного і культурного підйому Росії як могутньої держави. До торгівлі з Москвою, яка на той час вже стала центром політичного життя країни, прагнули всі західноєвропейські держави. Розширювалися міжнародні відносини, зростали культурні зв'язки Росії з зарубіжними країнами.

Російські дипломати, купці у своїх закордонних подорожах знайомилися зі станом театральної справи на Заході. Інтерес викликали не тільки драматичні та музичні спектаклі, але й балетні вистави. Тут неабияку роль відігравало те, що для сприйняття балету знання іноземної мови не було потрібне. До того ж балетні вистави обставлялися з особливою пишністю. Все це росіяни переймали, щоб ще більше прославити могутність централізованої Російської імперії.

Саме такого роду спектакль відбувся 8 лютого 1673 року в підмосковному селі Преображенському для царя Олексія Михайловича і членів його родини. То був перший балетний спектакль на російській сцені і називався він «Балет про Орфея та Евридіку». 1676 року цар Олексій Михайлович помер. Після цього і будь-які театральні вистави припинилися.

Нові відомості про балетний театр в Росії з’являються більше, ніж через півстоліття. Якщо за Петра І ставилися балети, то дані про них не збереглися. Але роки царювання Петра І були відзначені іншим явищем, важливим для Історії російського танцювального мистецтва. 1718 року Петро І видав указ про асамблеї (зібрання), відвідувати які мусило все петербурзьке дворянство. Асамблеї поклали початок бальним танцям в Росії.

Бальний танець був обов’язковим в системі дворянського виховання XVII століття. Петербурзьку дворянську молодь навчали танцям і в академічній гімназії, і в кадетському шляхетському корпусі. З 1731 року, танці були введені до навчальної програми.

1734 року на посаду викладача танців у кадетському корпусі був запрошений французький танцівник Жан Батист Ланде, досвідчений майстер балетного мистецтва. Ланде прижився в Росії і залишився в ній до кінця життя (помер у 1748 році). Навчання танцям у шляхетському корпусі він поставив так, що його учні-кадети танцювали не гірше професійних виконавців і могли виступати на рівні з ними у придворних виставах.

Відзначаючи неабиякі здібності росіян до танців, Ланде задумав створити спеціальну школу, де б навчались хореографії дівчатка і хлопчики недворянського походження. У вересні 1737 року Ланде подав прохання про відкриття балетної" школи на ім'я імператриці Анни Іоанівни. Дозвіл було дано, і 1738 року відбулося відкриття першої в Росії балетної школи (тепер Академія російського балету ім. А. Я. Ваганової).

З палацової челяді відібрали дванадцять гарних дівчаток і стільки ж струнких хлопчиків, їх розмістили у двох кімнатах будинку, в якому жив і Ланде. Танцюючий учитель гаряче взявся за роботу, наполегливо навчаючи своїх учнів, і досяг «таких величезних успіхів, що здивував глядачів»,як свідчив його сучасник Якоб Штелін. Через тридцять п'ять років після заснування петербурзької балетної школи 1773 року, в Москві відкрилася така ж школа, вихованцями якої стали діти з сирітського будинку, незаконнонародженІ і безпритульні. Першими педагогами цієї школи були італійські балетмейстери Філіппо Беккарі та його дружина. Окрім уроків танцю в програму були включені уроки музики і співів. Російський балетний театр розвивався в обох столицях, стверджуючись на шляхах національної самобутності.

2. Становлення і розвиток мистецтва балету пов'язані з культурами Італії, Англії, Австрії та особливо Франції. Саме в цій країні почався процес відокремлення балету від опери і надання балетному мистецтву статусу самостійної галузі хореографії.

Засновником класичного балетного мистецтва був французький балетмейстер Ж.Ж. Новерр, який відстоював ідею синтезу між танцем і музикою. На думку Новерра, саме синтез зумовлював створення повноцінного хореографічного образу.

Провідними школами класичного балету на початку XIX ст. стають італійська і французька, які удосконалюють, розвивають на новому рівні основні принципи балету XVII-XVIII ст., ведуть пошуки нових засобів і прийомів, значно ускладнюють техніку стрибка, обертання, і тому подібне.
Процес розвитку балетного мистецтва XIX ст. мав взаємовпліво-вий характер. Так, пошуки, які відбувалися у європейській хореографії, стимулювали становлення цього виду мистецтва в Росії, яка згодом приведе до зворотного процесу – впливу мистецтва російського балету на західноєвропейський («Російські сезони» у Парижі). Плідно працювали в Росії західні балетмейстери Ш. Дидло (1767-1837), який поставив багато різножанрових вистав і виховав таких зірок балетного мистецтва, як А. Істоміна (1799-1848) та Є. Телешова (1804-1857), і А. Сен -леон (1821-1870). Подальший розквіт балету відбувається у другій половині XIX - на початку XX ст. і пов'язаний насамперед з ім'ям М. Петіпа (1818-1910), який здійснив новаторські балетні постанови. Всесвітнє визнання Петіпа принесли балети «Спляча красуня» і «Лебедине озеро» (у співавторстві з Л. Івановим), а імена О. Преображенської, М. Кшесинської, П. Гердта увійшли в історію балетного мистецтва.

Новий етап у розвитку російського балету пов'язаний з іменем О. Горського (1871-1924) – постановника балетів «Дон Кіхот» і «Саламбо». Він відмовився від застарілих прийомів пантоміми, зробив дію більш чітким і більш динамічним, почав активно залучати до художнього оформлення своїх спектаклів відомих художників, зокрема К. Коровіна та О. Головіна.

Справжнім авангардистом хореографічного мистецтва XX ст. став М. Фокін (1880-1942). Його творчість формувалась під безпосереднім впливом художнього доробку М. Петіпа та О. Горського. У той же час він шукав нові засоби виразності, удосконалював, а багато в чому видозмінював малюнок танцю, створював нові танцювальні форми.

У постановках М. Фокіна «Єгипетські ночі», «Дафніс і Хлоя», «Петрушка» засяяли зірки російського балету А. Павлова, В. Ніжинський, Т. Карсавіна, О. Спесивцева. Саме з іменами цих представників мистецтва хореографії і пов'язаний тріумф всесвітньо-відомих «Російських сезонів» у Парижі, які були організовані видатним театральним діячем С. Дягілєва.

Внесок дягілєвськіх сезонів у розвиток мистецтва світового балету важко переоцінити. Видатні художники того часу Р. Роллан, Ж.. Кок-то, О. Роден, П. Пікассо, К. Сен-сані були в захваті від цієї культурної акції. Дягілєвські сезони є яскравим прикладом міжвидового синтезу мистецтв – музики, хореографії та живопису, яка була зроблена можливою завдяки творчим пошукам художників О. Бенуа, Л. Бакста, В. Серова, М. Реріха; композитора І. Стравінського; хореографів М. Фокіна і Д.Баланчина.

Аналізуючи феномен «Російських сезонів», необхідно чітко пам’ятати про важливе місце, яке посідав у контексті цього явища наш великий співвітчизник, провідний соліст трупи Дягілєва, видатний хореограф Серж (справжнє ім'я - Сергій Михайлович) Лифар (1905-1986).

Серж Лифар танцював головні ролі практично у всіх балетах «Російських сезонів» – у «Бачення троянди», «Аполлон Мусагет», «Блудного сина», «Післяполуденному відпочинку фавна» тощо. Протягом багатьох років ім’я Сержа Лифаря було несправедливо забутим, але в червні 1994 р. в Києві відбувся І Міжнародний конкурс балету ім. Сержа Лифаря. З того часу він проводиться кожні два роки. Великий художник нарешті повернувся на батьківщину, від якої, до речі, ніколи не відмовлявся. Саме тому на могилі видатного майстра написано: «Серж Лифар з Києва». Отже, творчість цього блискучого художника слід інтерпретувати як загальноцивілізаційний феномен.

Розквіт мистецтва балету другої половини XX ст. пов’язаний з іменами Г. Уланова, О. Лепешинська, Ю. Григоровича, М. Плісецької, Н. Безсмертновой, М. Лієпа, В. Васильєва, Є. Макснмовой, В. Чабукіані, Г. Нурієва, М. Барішнікова та ін. Сьогодні розвиток балетного мистецтва України безпосередньо асоціюється з творчістю А. Шекери, В. Калиновської, В. Ковтуна, Т. Таякіної, А. Рубіної, В. Писарева та ін..

Аналізуючи мистецтво хореографії, слід зазначити, що воно представлене не лише класичним балетом, а й безпосередньо пов язане і з традиціями народного танцю, який відтворює у русі та пластиці специфіку національної самосвідомості (ансамбль танцю ім. П. Вірського)

Яскрава сторінка у розвитку мистецтва народного танцю пов'язана з традиціями іспанської національної культури, зокрема з діяльністю хореографа і танцівника А. Гадеса, у творчості якого поєдналися мистецтво класичного балету та унікальне явище іспанської культури – мистецтво фламенко.

Отже, мистецтво хореографії постійно розвивається і видозмінюється, адже мова пластики, мова танцю, яким володіють її провідні митці, завжди привертатиме увагу і викликати захоплення у глядачів усього світу.

4. Сучасний танець – поняття відносне, ця хвилина. Кожному періоду часу властива своя музична культура, яка породжує нові види танцю. Кожен танець можна назвати сучасним, але для свого часу. Таким чином, сучасний танець – це танець сучасний, модний і актуальний для свого часу.

Метою сучасного танцю є вираження почуттів і настроїв людини. Це досить вільний, універсальний танець, не має стандартів. Хореографи, прагнучи передати думки і почуття людей, знаходяться в постійному пошуку, і винаходять нові руху, нерідко, змішуючи різні техніки, стилі та напрямки. Танець розвивається, з'являються нові стилі. Тут можуть бути показані як прекрасні, так і малопривабливі боку життя.

Перші форми хореографічного модерну (від французького moderne - сучасний) з'явилися в кінці XIX на початку XX століть в Європі і Америці. Біля витоків цього напрямку стоять кілька великих фігур: французький педагог, теоретик Франсуа Дельсарт, його послідовник, швейцарський педагог, музикознавець Еміль Жак-Далькроз.

Засновниками школи танцю модерн стали двоє американських танцівників - Айседора Дункан і Луї Фуллер. Дункан розробила вільний танцювальний стиль, де використовувалися швидкі, виразні рухи тіла. Фуллер застосував театральне освітлення і костюми для створення фантастичних ефектів.

Провідним теоретиком 20-х років став Рудольф фон Лабан - ідеї австрійського теоретика мистецтва танцю вплинули на стилі сучасного танцю, що з'явилися в 1920-і рр (Додаток 1). Лабан розробив систему запису танцювальних рухів, прагнучи більш точно виражати різні емоції і настрої.

Модерн і постмодерн

Явище модерн-хореографія дуже складне. Воно має багато витоків, безліч напрямків і ще більшу кількість різних причин для своєї появи: художніх, естетичних, соціальних, економічних, політичних. Але найчастіше народження мистецтва модерн пояснюється цілим комплексом причин, які багато в чому пов'язані з появою нових шкіл, напрямків і стилів.

Напрями танцю модерн, існуючі в першій половині ХХ століття, розрізнялися між собою, але було серед них щось спільне, що їх об'єднувало - відмова від традиційних балетних форм, руйнування ідеалів класичного танцю. Причину, ймовірно, слід шукати в творчості і творах сучасних авторів - хореографів, в їх прагненні до самовираження, постійному пошуку. Один з найпотужніших стимулів до творчості - заявити про себе як про індивідуальність, про своє розуміння життя і мистецтва, особистому світовідчутті - таємне бажання художника. За новим побачити і втілити світ в своїй творчості дано лише таланту і майстру, який в прагненні до нового виражає не тільки себе, але і час.

Танець постмодерн вперше з’явився в 1960-х рр. в Нью-Йорку. Термін відноситься до різних експериментальним формам сучасного танцю, які виконуються в незвичайних місцях. Багато постановки будуються за принципом хепенінга, де дія розвивається алогічно, випадково, несподівано навіть для самих постановників. Пост-модерн включає в себе використання імпровізації (коли танцюристи винаходять руху безпосередньо під час виконання), мови, відео і т.д. Хореографи звертаються до інших видів мистецтва: музиці (поліфонія), кіно (монтаж, рапід), скульптурі (позіровкі). Елітарний модернізм вичерпав себе, приїлися негативні фарби та емоції. Сформувався в музиці рок став феноменом життя і визначив її образ. Постмодернізм звертається до простих, звичайних людей, які все більше долучаються до культури. Популярне гасло «Елітарне мистецтво – для всіх!» Або «Це може зробити кожен!». Постмодернізм відмовився від складних художніх алегорій, метафор, часто від способу, нерідко використовуючи прості символи («Жизель» М.Ек). Всі бажаючі могли заявити про себе, звернути на себе увагу, виділитися будь-якими засобами. Так в хореографію прийшли люди, які не вміли танцювати, і стало важко відрізнити знахідки від підробок, оригінал від пародії, талант від бездарності. Однак в постмодерні більше позитивного - він йде до людини, а не від нього.

Таким чином, перша причина народження модернізму – сама змінюється життя, саме час в якому живе художник. Кожен історичний період вносив свій внесок і в хореографію, сприяючи формуванню її виразних засобів. Але в кінці ХІХ-го на початку ХХ-го століття на балетному мистецтві позначився загальний криза культури, який призвів до руйнування естетики хореографії як мистецтва високих ідеалів і загибелі багатьох європейських балетних театрів. Це був крах віри в розум і гармонію. У першій половині ХХ століття широкого поширення набула теорія елітарної, масової культури, багато західних хореографи відгукнулися на ці ідеї. Почали розвиватися власні школи сучасного танцю.

Друга причина – закономірності внутрішнього розвитку хореографії. Прагнення до вдосконалення засобів вираження вивело хореографію на сцену, і процес її розвитку пішов швидше. Хореографія почала свій розвиток з наслідування реальному житті. Поступово танець все більше віддалявся від першооснови життя і набував узагальнено – умовний характер, наповнюючись символами, знаками, кодами. Хореографія навчилася одним штрихом, деталлю показати ціле (руки як роги); вона зібрала великий фонд лексики і малюнків, рухів з емоційним забарвленням. У ХIХ столітті утворюється система класичного танцю, мова якої удосконалювався, збагачувався, розроблявся і став здатний вирішувати завдання поставлені часом. Наприкінці ХIХ століття ця мова не міг відповідати вимогам, що змінилося, так як він малює образ людини, віра в якого вже втрачена. Почався пошук нових форм і засобів вираження, почалася епоха руйнувань. «Ми відчували звіриний голод, хотілося якось швидше«розштовхати»те, що було навколо нас. Я маю на увазі заборони» - французька балерина - хореограф Карін Сапорта.

Джаз і джаз-модерн

Художня особливість джазового танцю – досконала свобода рухів всього тіла танцюриста і окремих частин тіла як по горизонталі, так і по вертикалі сценічного простору. Джаз-танець розвинувся з танців африканських племен. Джзовий танець був привезений в Америку рабами з Африки в XVII – XVIII ст. Потрапивши в Америку, вони швидко відновили свої свята і звичаї і пристосувалися: замість барабанів використовували хлопки в долоні і вибивання ритму ногами. Протягом декількох століть йшло злиття двох культур, африканської і американської, і в результаті виник унікальний запальний танець. У ХIХ столітті отримали розвиток вуличні вистави, що включали в себе пісні і танці під джазову музику. Спочатку такі вистави давалися тільки чорними танцюристами для чорних глядачів. У 20-і рр. XX століття джазова музика і танець придбали величезну популярність, як серед чорних, так і серед білих і поширилися в Європі. На сцені стали виступати професійні танцюристи, які привнесли в джазовий стиль нові прийоми і стали навчати джазу інших. Одночасно джаз збагачувався елементами європейських танців.

У 40-50-і рр. популярна музика зазнала значних змін, а разом з нею видозмінилися і танці. У цей період виникли стилі сучасного джазу. Сьогодні існує безліч стилів джазу, які танцюють під різну музику. Але всі ці стилі об'єднують енергійні і ритмічні рухи. Ритм і координація рухів – найбільш важливі аспекти танцю джаз. Характерною рисою джазу є синкопирование – акцентуються не тільки сильні частки такту, а й слабка частка такту. У танці джаз часто використовуються руху стегон і тазу, вони надають танцю особливу виразність. Ізольовані руху – це головна особливість джаз танцю. При ізольованому русі рухома тільки одна частина тіла, в той час як все тіло залишається нерухомим або ж рухається в протилежному напрямку. Як і обертання стегнами, ізольовані руху підкреслюють ритм музики. Створюється враження, ніби музика проходить крізь тіло танцюриста.

Джазовий танець, пройшовши шлях від побутового, фольклорного танцю через сценічний, театральний, поступово ставати особливим видом танцювального мистецтва, і захоплює всю Європу.

До кінця 60-х років джаз танець міцно зайняв своє місце в ряду напрямків сучасної хореографії і тоді ж почався процес злиття основних шкіл сучасної хореографії. Першим педагогом і хореографом, що об'єднав в своїй творчості техніку танцю модерн і джазового танцю, був Джек Коул. Луїджі (Юджин Луїс) синтезував техніку класичного танцю і джазу. Гас Джордано в 1966 р випустив перший підручник, присвячений техніки модерн-джаз танцю. Поступово зростає інтерес до модерн-джаз танцю і в Західній Європі, американські педагоги проводять перші семінари.

Таким чином, до початку 70-х років виникло нове явище – модерн-джаз танець. Ця школа завоювала багато країн світу, вона дозволяє найбільш комплексно виховати тіло танцюриста. Джаз танець постійно змінюється, частково завдяки тому, що танцюристи можуть привносити свої власні руху в танець, а також через те, що джаз танцюють під різну музику.

У даний час можна виділити види джазу:

Класичний джаз або традиційний. Це ранні форми джаз-танцю, виконувалися африканцями.

Афроджаз – це спроба поєднати джаз сьогоднішній з його африканським предком. Різниця полягає в тому, що африканський танець несе в собі велике функціональне навантаження і не настільки віртуозний, як його нинішня інтерпретація.

Бродвей-джаз – виник в 20-і роки, коли джазом стали займатися професійно. Свою назву він отримав по імені вулиці в Нью-Йорку, на якій розташовано безліч театрів і мюзик-холів. Саме тут почав розвиватися мюзикл (від англ. від фр. – Вар’єте) і виник свій стиль джазу і техніка рухів (одночасне виконання вокальної і танцювальної партії). Для віртуозного виконання танців в бродвейських постановках використовувалися танцівники з класичною школою. Джаз набуває рис класичної форми, що злегка веде від імпровізаційної свободи, властивої джазу, але ставати одним з шляхів його подальшого розвитку. Відомі балетмейстери – Дж.Баланчін, Х.Хольм. Бродвей – це дуже енергійний і емоційний стиль джазу.

Степ або чечітка.

Чечітка зародилася в Америці в XIX ст., Коріння її лежать в ірландській Джизі та англійській сільській чечітці – танцях перших поселенців. Поступово європейські танці змішалися з африканськими, завезеними в США рабами. У Джизі в основному використовуються складні рухи ніг і ступень, а в африканських же танцях ступні ніг не згинаються, в той час як тіло ритмічно рухається під бій барабанів. Чечітка вперше зародилася, коли чорні раби на плантаціях з'єднали в своїх танцях елементи джиги і сільській чечітки зі своїми ритмами. Згодом чечітку почали танцювати білі, і, врешті-решт, вона стала професійним танцем. У танцюристів з'явилася спеціальне взуття з металевими набійками на підметки, вони почали навчатися техніці танцю. Найбільшої популярності чечітка досягла в 1930-і рр. Її танцювали в голлівудських мюзиклах такі зірки, як Фред Астер, Білл Робінсон, Елеонор Пауелл і Джин Келлі. Основною рисою чечітки, яку називають джазової, є вільні рухи, що робить танець дуже витонченим і плавним. Європейський стиль чечітки більше схожий на ірландський, чи англійський танець, який танцюють в дерев’яних черевиках (сільська чечітка). Рухи даного стилю більш пружні, а тіло танцюристів залишається нерухомим.

«Соул» (ліричний джаз). Це назва відома серед вокалістів і в танцювальній його частини відрізняться великою кількістю різних рухів на одиницю темпу, виконуваних дуже м'яко без видимої напруги. Рух при всій складності виконуються з максимальним розтягуванням їх в часі. З одного боку максимальну кількість рухів на одиницю темпу, з іншого - уповільнення їх виконання за рахунок мінімуму напруги і створінь видимого відсутності складності.

Флеш (Flash) – в перекладі з англійської – спалах, тобто щось сліпуче. Це саме віртуозне і яскраве напрямок в джаз танці. Всі його рухи швидкі і динамічні. Дивлячись на виконавців цього стилю, дивуєшся їх силової витривалості і пружності, миттєвості переходів танцювальних па, складності танцювальних трюків. Здається, все тіло підпорядковане одній меті – відтанцювати кожну ноту і викинути на глядача максимум енергії. У цьому флеш схожий з бальним танцем, особливо з «латиною», але більш віртуозний. Популярним цей стиль став в кінці 80-х – початку 90-х рр. і є спадкоємцем диско, але з домішкою елементів брейк і хіп-хоп-культури. Зовні нескладні, але ефектно виглядають руху цього стилю підходять для музики з високим темпом і розміром 4/4. (Dr. Alban, поп-дует «Кар-мен»).

Популярними є джаз-рок і фанк-джаз, які виконуються під популярну музику.

«Стрітджаз» відноситься до вуличних танців. Деякі його руху сформувалися на основі рухів джазових танців - лінді хопу і джіттенбага. Початок своє цей стиль бере з танців джаз-модерну, до яких «доклали руку» вуличні танцюристи.

Вуличний джаз зазнав найменше змін. Всі сучасні молодіжні напрямки: брейк, реп, хаус і колишні раніше твіст, чарльстон, шейк, бугі-вугі і багато інших танці-одноденки – це нащадки джазу і його з'єднань з історико-побутовим танцем.

Таким чином, джаз-танець – це особливий вид танцювального мистецтва, який має свою історію зародження і формування, специфічні особливості, що визначають джазовий стиль, особливу техніку, свою школу, певний лексичний модуль і систему рухів. Важливим моментом є факт паралельного розвитку джазового танцю і джазової музики, факт очевидною взаємозв'язку цих двох незалежних мистецтв.