Методические указания 3 страница

Наивное искусство (англ. naive art) — одна из областей искусства примитива XVIII— XX вв., включающая самодеятельное искусство (живопись, графику, скульптуру, декоративное искусство, архитектуру), а также изобразительное творчество художников-самоучек. К произведениям наивного искусства относят картины замечательного французского художника А. Руссо, потому что он был таможенником по профессии, и великолепные провинциальные портреты русских людей XVIII — XIX вв. неизвестных художников. Неповторимость бытового примитивного портрета обусловлена не только особенностями художественного языка, но и в равной мере характером самой натуры. В общих чертах композиционная схема купеческого портрета заимствована из современного ему профессионального искусства. В то же время строгость лиц, обостренное чувство силуэта, техника живописи заставляют вспомнить иконопись. Но еще больше чувствуется связь с лубком. Это проявляется прежде всего в самом подходе к натуре, которая воспринимается художником наивно и целостно, декоративно и красочно. В лице и одежде четко прослеживается национальный русский этнический тип. Добросовестное воспроизведение главного и второстепенного вело к созданию целостного образа, поражающего силой жизненной характерности. К примитивистам относят превосходного современного мастера живописи — самодеятельного художника И. Селиванова, который создал на своих полотнах удивительно добрый сказочный мир. Наивное искусство сочетает самобытную яркость образной фантазии, свежесть и искренность восприятия мира с отсутствием профессиональных навыков рисунка, живописи, композиции, перспективы, моделировки и др.

Набросок — изображение, быстро исполненное художником каким-либо материалом или техникой (рисунок, живопись, небольшая скульптура). В набросках художники фиксируют свой замысел, возникший в ходе работы, или отдельные наблюдения. Наброски выполняют с натуры, по памяти и представлению разнообразными художественными материалами: графитным карандашом, углем, фломастером, тушью (кистью и пером) и др. В набросках валено передать главные качества натуры, ее характерные пропорции, форму, уловить движение и отбросить лишние детали. Вместе с тем именно лаконичные наброски порой обладают большой образной выразительностью и художественной ценностью, особенно если их выполняли выдающиеся мастера искусства.

Наби. Небольшая группа французских художников, работавших в 1880-е годы. Они считали себя последователями Поля Гогена и его метода живописи чистыми цветами. Их подход к искусству сформулировал один из членов группы, Морис Дени: <Помните, что картина - прежде чем представлять боевого коня, или обнаженную женщину, или какой-либо анекдот - является плоской поверхностью, покрытой красками в определенном порядке>. Произведения Наби исполнены широкими тональными плоскостями, образующими самостоятельный цветовой узор. Помимо живописи члены группы занимались гравюрой, плакатом, книжной иллюстрацией, костюмом и театральными декорациями. см. Боннар, Валлотон, Вюйар, Дени, Майоль

Мозаика (фр. mosaique, ит. mosaico, от лат. musivum — букв, посвященное музам) — один из видов монументального искусства. В мозаике изображения и орнамент составляются из кусочков разноцветных натуральных камней, стекла (смальты), керамики, дерева и других материалов. Существует два типа мозаичных произведений: составленные из малых кубиков смальты или камня (восходящая к античности техника так называемой римской мозаики) и получаемые из тонких пластов разноцветных мраморов и яшм, вырезанных и составленных по контурам изображения (так называемая флорентийская мозаика). Сходный с последней, способ изготовления мозаичного набора из различных пород дерева называется инкрустацией (интарсией). Античная мозаика развивалась от несложных, выложенных галькой, узоров до сложных черно-белых или цветных изысканных композиций («Дионис на пантере», IV в. до н. э.). В Византии мозаики заняли господствующее положение в системе живописного убранства храмов (церковь Сан-Витале в Равенне). Знаменитые равеннские мозаики обладали исключительной силой воздействия, их мерцающая поверхность, золотые фоны обогащали пространство храма. Особой образностью, глубиной и звучностью цвета отличались мозаики храма Софии в Константинополе. Искусство классической смальтовой мозаики знает два способа изготовления: «прямой набор», когда из кусочков смальты или камня изображение выкладывается непосредственно на архитектурных поверхностях и закрепляется в незатвердевшем штукатурном слое; «обратный набор», когда мозаика выкладывается по кальке будущей картины лицом вниз, и после закрепления тыльной стороны мозаичного набора его лицевая поверхность окончательно обрабатывается, иногда шлифуется и покрывается воском. В России технику смальтовой мозаики возродил в XVIII в. М. В. Ломоносов.

Монотипия (от гр. monos — один и typos — отпечаток) — вид печатной графики, в котором с каждой пластины можно получить только один отпечаток. Техника монотипии заключается в нанесении красок кистью от руки на гладкую поверхность (металл, стекло, пластик и др.). Отсутствие тиражей в монотипии восполняется спецификой фактуры и необычными эффектами.

Модернизм (фр. modernisme, от лат. modernus — новый, современный) — собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и деятельности отдельных мастеров искусства XX в., порывающих с традицией, реализмом и считающих эксперимент основой творческого метода (фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт, опарт, кинетическое искусство, гиперреализму, др.). Модернизм близок по значению авангардизму и противоположен академизму. Модернизм негативно оценивался советскими искусствоведами как кризисное явление буржуазной культуры. Искусство обладает свободой выбора своих исторических путей. Противоречия модернизма, как такового, необходимо рассматривать не статично, а в исторической динамике.

Модерн (фр. moderne — современный) — художественный стиль в европейском и американском искусстве конца XIX — начала XX вв. (другое название арт нуво). Стиль модерн следует отличать как от общего смысла слова «современный», так и от понятия модернизм. Основной признак стиля модерн — декоративность, основной мотив — вьющееся растение, основной принцип — уподобление рукотворной формы природной и наоборот. Это нашло отражение в архитектуре, в деталях зданий, в орнаменте, получившем необычайное развитие. Линии орнамента несли в себе напряженность духовно-эмоционального и символического смысла. Идея синтеза искусств пронизывает стиль модерн. Основой синтеза виделась архитектура, объединяющая все другие виды искусства — от живописи до моделей одежды. В архитектуре модерна проявилось органическое слияние конструктивных и декоративных элементов. Наиболее целостные примеры синтеза искусств дают особняки, павильоны, общественные здания эпохи модерна. Как правило, они построены словно «изнутри наружу», то есть внутреннее пространство определяет внешний облик здания. Фасады таких домов были несимметричны и походили на подобные организмам образования, напоминающие одновременно природные формы и результат свободного формотворчества скульптора. Особенно выразительны были интерьеры этих особняков с перетекающим пространством, изогнутыми очертаниями карнизов, круглящимися дверными и оконными проемами, богатым декором из резного дерева, цветного стекла, металла. Новейшие технико-конструктивные средства и свободная планировка были использованы для постройки зданий с подчеркнуто индивидуализированным обликом. Творчество испанского архитектора А. Гауди является ярким и неповторимым примером создания единого образно-символического ансамбля причудливой архитектуры, словно вырастающего до небес, в котором сплелись воедино реальность и фантазия. Художественный язык модерна был во многом воплощением идей и образов символизма, сочетающихся со сложным стилизованным растительным декором, ритмом гибких текучих линий и плоскостных цветовых пятен. В этом духе выполнялись произведения декоративного искусства: панно, мозаики, витражи, керамическая облицовка, декоративные рельефы, майоликовая скульптура, фарфоровые и стеклянные вазы и др. Картинам и графическим листам тоже придавались черты декоративной стилизации в духе модерн. С живописью модерна связаны П. Гоген, М. Дени, П. Боннар во Франции, Г. Климт в Австрии, Э. Мунк в Норвегии, М. Врубель, В. Васнецов, А. Бенуа, Л. Бакст, К. Сомов в России.

Мобиль (фр. mobile, от лат. mobilis — подвижный, изменчивый) — разновидность кинетического искусства: произведение пластики, отдельные части которого, подвешенные и находящиеся в состоянии неустойчивого равновесия, постоянно колеблются или вращаются под воздействием воздушных потоков. При этом движение одного элемента складывается из суммы движения всей системы подвесов и может быть довольно сложным, но самое главное — оно случайно в своих ритмических проявлениях и зависит от состояния природной атмосферы. Название мобиль было введено американским скульптором А. Колдером для обозначения собственных динамических конструкций, в отличие от стабилей, т. е. неподвижных скульптур. Достаточно простой принцип лежит в основе разнообразных композиций. Простейший элемент мобиля напоминает уравновешенное коромысло с ведрами на нем, каждое следующее коромысло может быть подвижно закреплено со следующим коромыслом и так далее, причем в результате создается равновесная конструкция. В рамках модерна получила большое распространение книжная и журнальная графика (О. Бердслей в Англии). Особое распространение получила афиша и плакат (А. Тулуз-Лотрек во Франции, А. Муха в Чехии). В изобразительном искусстве стиля модерн неразделенность жанров приводила к относительной несамостоятельности живописи, графики и скульптуры. Целью архитектора, художника, скульптора становится создание синтетического, целостного произведения искусства.

Мифологический жанр (от гр. mуthos — предание) — жанр изобразительного искусства, посвященный событиям и героям, о которых рассказывают мифы древних народов. Мифы, легенды, предания есть у всех народов мира, и они составляют важнейший источник художественного творчества. Мифологический жанр зарождается в позднеантичном и средневековом искусстве, когда греко-римские мифы перестают быть верованиями и становятся литературными рассказами с нравственно-аллегорическим содержанием. Собственно мифологический жанр формируется в эпоху Возрождения, когда античные легенды дали богатейшие сюжеты для картин С. Боттичелли, А. Мантеньи, Джорджоне, фресок Рафаэля. В XVII — начале XIX вв. значительно расширяется представление о картинах мифологического жанра. Они служат для воплощения высокого художественного идеала (Н. Пуссен, П. Рубенс), сближают с жизнью (Д. Веласкес, Рембрандт), создают праздничное зрелище (Ф. Буше, Дж. Б. Тьеполо). В XIX в. мифологический жанр служит нормой высокого, идеального искусства (скульптура И. Мартоса, картины Ж.-Л. Давида, Ж.-Д. Энгра, А. Иванова). Наряду с темами античной мифологии в XIX— XX вв. в искусстве стали популярны темы индийских мифов. В начале XX в. символизм и стиль модерн оживили интерес к мифологическому жанру (М. Дени, М. Врубель). Он получил современное переосмысление в скульптуре А. Майоля, А. Бурделя, С. Коненкова, графике П. Пикассо.

Минимализм Направление в живописи и скульптуре, распространившееся в 1960-1970-е годы преимущественно в США. Как явствует уже из названия, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. В то же время минимализм способен пробудить возвышенные чувства и ощущения бытия. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто - большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов. см. Андре, Джадд, Келли, Ле Витт, Мэнголд, Райман. Серра, Стелла, Флавин

Миниатюра (франц. miniature, от лат. minium - киноварь, сурик), 1) художественное произведение (обычно живописное) малых размеров, отличающееся особо тонкой манерой наложения красок. Первоначально миниатюрами назывались выполненные гуашью, акварелью и др. красками иллюстрации, инициалы, заставки и т. п. в рукописных книгах. Искусство книжной миниатюры достигло высокой степени совершенства в средневековой европейской, ближневосточной, среднеазиатской, иранской и индийской культуре. Название "миниатюра" перешло и на живопись (главным образом портретную) малого формата, исполняемую на кости, пергаменте, картоне, бумаге, металле, фарфоре, нередко на бытовых предметах - табакерках, часах, перстнях. О миниатюрах на лаковых изделиях см. Лаки художественные.2) В литературе, театре, музыке, цирке, на эстраде - жанр "малых форм", небольшое по размеру произведение (рассказ, пьеса, водевиль, интермедия, скетч, разговорная, хореографическая, вокальная или музыкальная сценка, эстрадная или клоунская реприза и т. д.). На миниатюрах строится репертуар театров миниатюр.

Метафизическая живопись (Pittura Metafisica) Создателями метафизической живописи, возникшей в Италии в 1917 году, были Джордже де Кирико и Карло Карра. Для нее характерна искаженная перспектива, неестественное освещение и странный мир образов, в котором вместо людей часто фигурируют манекены и статуи. Помещая свои объекты в чуждый для них контекст, художники этого направления стремились создать магическую атмосферу сна. В этом отношении метафизическая живопись имеет много общего с сюрреализмом, но в отличие от последнего она обладает очень статичной композиционной структурой и любовью к архитектурным построениям. см. Дельво, Карра, Де Кирико

Массовое искусство — понятие, противоположное элитарному искусству, к которому относят произведения высокой культуры прошлого и современности. Массовое искусство рассчитано на самый широкий круг зрителей, общедоступное, простое по форме, не требующее специальной подготовки для понимания. К массовому искусству относят произведения, распространяемые через средства массовой коммуникации (кино, телевидение), печатную графику, популярную музыку, продукты художественной индустрии, рассчитанные на усредненный вкус широкого потребителя, упрощенные и необладающие высокой художественной ценностью.

Масляная живопись вид живописи художественными масляными красками. Исполняется главным образом на холсте, дереве, картоне и т. п., покрытых грунтом (станковая масляная живопись), или на известковой штукатурке (монументальная масляная живопись). Техника масляной живописи разработана в нач. 15 в. братьями ван Эйк. Благодаря интенсивности тонов и тонкости цветовых переходов масляная живопись обладает богатыми возможностями воссоздания зримой картины мира.

Масло, Масляный карандаш Масляная краска (масло) состоит из пигмента, создающего цвет, и связующего – обычно им является льняное масло. Ее изобретение относят обычно к XV веку и приписывают Януван Эйку В отличие от темперы, масло медленно сохнет и поэтому позволяет делать исправления в картине. Масляная краска накладывается кистью (Антон Рафаэль Менгс) или мастихином (Жан Поль Риопель) на холст, хотя в более ранние периоды использовались некоторые сорта дерева, в частности, тополь. Масляный карандаш - недавнее изобретение, он соединяет в себе свойства масляной живописи и рисунка пастелью (Жан Мишель Баскья). Масляные карандаши бывают разного размера и могут употребляться как карандаш для создания "чистого" рисунка или в растворенном виде как краска.

Марина (ит. marina, от лат. marinus — морской) — морской вид, картина (также рисунок, гравюра), изображающая море. Основное в жанре марины — воплощение морской стихии в различных состояниях, а также изображение борьбы с нею человека, попавшего в шторм. В качестве самостоятельного жанра марина появилась в Голландии в начале XVII в. Художник, специализирующийся в области марины, называется маринистом. Выдающимися маринистами были англичанин У. Тернер и русский художник И. Айвазовский.

Маньеризм - дальнейшее развитие стиля Возрождения -считается обычно ответной реакцией на гармонию, порядок и совершенство искусства XV и начала XVI века. Этот стиль, распространенный в Италии между 1520 и 1600 годом, характеризуется ярким, почти кричащим колоритом, изысканным построением композиции, преувеличенными формами и драматическим движением. Название происходит от итальянского слова manien. (манера, стиль) и призвано указывать на грацию, уравновешенность и гармонию. На протяжении веков термин менял свое содержание; однако чаще всего он применяется по отношению к художникам, в чьем творчестве открыто демонстрируется великолепное мастерство, причудливое воображение и виртуозность кисти. см. Бронзино, Джамболонья, Джулио Романо, Пармиджанино, Понтормо, Россо Фьорентино, Тинторетто, Челлини, Эль Греко

Литография (от гр. lithos — камень и grapho — пишу, рисую) — вид тиражной графики, основанный на технике плоской печати. Литографию художник исполняет, рисуя на зернистой поверхности камня (плотном известняке) черным жирным литографским карандашом. После травления камня кислотой, воздействующей на непокрытую жиром поверхность, рисунок смывают. Взамен валиком наносится на увлажненный камень типографская краска, пристающая лишь к непротравленным частям камня, в точности соответствующим рисунку. Печатают литографию на специальном станке. Таким образом, на оттиске рисунок получается темным, а фон остается белым. Если необходимо сделать цветную литографию, то для трех основных цветов и черного цвета подготавливаются отдельные камни, и печать производится на один лист последовательно с каждого из них с учетом механического смешения цветов. Как правило, художник выполняет только рисунок, а обработку камней и процесс печати осуществляет другой человек — мастер. Иногда сам художник выполняет всю цепочку производства литографии — от шлифования камня смесью песка и воды до конечного этапа печати. В таком случае сама техника и полученный оттиск имеют название автолитография. Литография обладает большой свободой в передаче фактуры и других средств художественной выразительности, многотиражностью, причем каждый оттиск является оригиналом и имеет самостоятельную художественную ценность.

Линогравюра (от фр. graver — вырезать) — гравюра на линолеуме, либо на сходном с ним полимерном материале. Одна из разновидностей выпуклой гравюры в техническом исполнении близка к гравюре на дереве (ксилографии). Линогравюра выполняется с помощью специальных резцов (штихелей) различного профиля и размера, позволяющих добиваться тонких и толстых линий разной конфигурации и длины. Рисунок вырезается на линолеуме, затем наносится валиком тонкий слой краски и производится печать. В результате на листе получаются темными те части, которые на линолеуме были выпуклыми, а рисунок остается белым, потому что в углубления краска не попадает. Линогравюра появилась Е получила распространение в XX в. Основные средства художественной выразительности — контрасты черного и белого, силуэтность, декоративность, лаконизм, возможность использования большого размера листа, цветной печати. Пятно и штрих в линогравюре отличаются, как правило, сочностью и живописностью. Как положительную сторону этой техники можно отметить сравнительную простоту исполнения и высокую тиражность, позволяющую получить много оттисков хорошего качества с одной формы. Для обогащения художественного языка линогравюры много сделали П. Пикассо, А. Матисс во Франции, бельгиец Ф. Мазереель. Линогравюра распространилась в странах Латинской Америки. В России в линогравюре успешно работали Д. Митрохин, И. Соколов, В. Фаворский, И. Голицын.

Кубизм Этот новаторский метод создания живописного образа был изобретен Пабло Пикассо и Жоржем Браком в первом десятилетии XX века. На первый взгляд абстрактное и геометричное, искусство кубизма передает реальные объекты. Они лишь <расплющены> на холсте так, что разные грани одного и того же предмета видятся одновременно с разных точек зрения. Вместо того, чтобы создавать иллюзию предмета в пространстве, как это пытались делать художники, начиная с периода Возрождения, кубизм воспроизводит объекты в категориях двухмерного холста. Создание кубизма привело к радикальному переосмыслению взаимоотношений формы и пространства и навсегда изменило развитие западного искусства. см. Архипенко, Брак, Грис, Леже, Пикассо

Концептуальное искусство (концептуализм). В концептуальном искусстве стоящая за произведением идея (концепция) оказывается важнее технического совершенства исполнения. Концептуализм стал ведущим направлением в международном искусстве 1960-х годов и осуществился во множестве разнообразных проявлений. Концепция может передаваться различными способами, в том числе с помощью текстов, карт, видеофильмов, фотографий и перформансов, а произведение может демонстрироваться в галерее или быть созданным специально для определенной местности. В некоторых случаях сам пейзаж становится составной частью произведения - как, например, в лэнд-арте Ричарда Лонга или скульптурах Кристо. Концептуализм заимствует свои идеи из философии, феминизма, психоанализа, кино и политики. Образ художника как создателя в первую очередь идей подрывает традиционные представления о статусе автора и произведения, делает конечный результат творения несущественным. Arte Povera - одно из направлений концептуализма, возникшее первоначально в Италии, - развивало эту идею, используя банальные материалы и мусор (например, в творчестве Йозефа Бойса и Марио Мерца). см. Бойс, Бюрен, Виола, Кристо, Лонг, Мерц, Науман

Конструктивизм. Направление абстрактного искусства, зародившееся в России в 1913 году. Конструктивизм отбросил традиционные представления об искусстве во имя имитации форм и методов современного технологического процесса. Наиболее ярко это проявилось в скульптуре, где конструкция создавалась непосредственно из продуктов промышленного производства. В живописи те же принципы осуществлялись в двухмерном пространстве: абстрактные формы и структуры располагались на плоскости наподобие архитектурного чертежа, напоминая элементы машинной технологии. Хотя <чистый> конструктивизм существовал в России только в первые послереволюционные годы, его влияние ощутимо на протяжении всего XX столетия. см. Габо, Лисицкий, Мохой-Надь, Попова, Родченко, Татлин

Композиция (лат. compositio — составление, сочинение) — составление, соединение, сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. В изобразительном искусстве композиция — это построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением, необходимостью передать основной замысел, идею произведения наиболее ясно и убедительно. Главное в композиции — создание художественного образа. Картины, написанные в разные эпохи, в совершенно различных стилях, поражают наше воображение и надолго запоминаются во многом благодаря четкому композиционному построению. Восприятие произведения также зависит от его композиции. В художественной деятельности процесс создания произведения можно назвать сочинением композиции. Композиционное начало, подобно стволу дерева, органически связывает корни и ветви изобразительной формы, соподчиняет ее элементы друг другу и целому. Изображать — значит устанавливать отношения между частями, связывать их в единое целое и обобщать. Слово «композиция» в качестве термина изобразительного искусства регулярно стало употребляться начиная с эпохи Возрождения. Порой словом «композиция» называют картину как таковую — как органическое целое с выраженным смысловым единством, подразумевая в данном случае, что рисунок, цвет и сюжет объединяются. В таком случае неважно, к какому жанру относится картина и в какой манере выполнена, ее называют термином «композиция» как законченное произведение искусства. Веками художники искали наиболее выразительные композиционные схемы, в результате мы можем говорить о том, что наиболее важные по сюжету элементы изображения размещаются не хаотично, а образуют простые геометрические фигуры (треугольник, пирамида, круг, овал, квадрат, прямоугольник и т. п.). Композиция бывает замкнутая и открытая. С помощью специальных приемов (многоярусного построения композиции, выбора кульминационного момента действия и др.) можно передать движение времени в картине. В истории искусства большую роль играли как процессы выполнения общепринятых канонов композиции (античность, Возрождение, барокко, классицизм и др.), так и стремление избавиться от жестких канонических схем использовать свободные композиционные приемы (XIX—XX вв.). Композиция, отвечающая индивидуальным творческим поискам художников, способна вызвать разнообразные ассоциации, чувства и эмоции. В композиции важно все — масса предметов, их зрительный «вес», размещение их на плоскости, выразительность силуэтов, ритмические чередования линий и пятен, способы передачи пространства и точка зрения на изображаемое, распределение светотени, цвет и колорит картины, позы и жесты героев, формат и размер произведения и многое другое. Основные закономерности построения художественного произведения, которые можно назвать правилами, приемами и средствами композиции, следующие: передача движения (динамики), покоя (статики), учет пропорции золотого сечения, передача ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра. Художники используют композицию как универсальное средство, чтобы создать живописное полотно, скульптуру или произведение декоративно-прикладного искусства и добиться их образной и эмоциональной выразительности. Композиция — это не только мысль, идея произведения, ради выражения которой художник берется за кисть и карандаш, это и определенно созвучная душе художника и требованиям времени пластическая форма выражения.

Колорит (от лат. color — цвет) — общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства (сравн. палитра), характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой строй. Главное достоинство колорита — богатство и согласованность цветов. Колорит — важнейший компонент художественного образа. Он — одно из средств художественной выразительности в живописи, цветной графике, во многих произведениях декоративного искусства. Он помогает художнику передать настроение грустное, тревожное, спокойное и др. Колорит бывает теплым и холодным, светлым и темным. Чувство колорита — очень ценный дар. Выдающимися русскими художниками-колористами были И. Репин, В. Суриков, К. Коровин, М. Врубель, Ф. Малявин, В. Борисов-Мусатов и др.

Коллаж (фр. collage — приклеивание, наклейка) — техника и вид изобразительного искусства, заключающиеся в создании живописных или графических произведений путем наклеивания на какую-либо основу материалов, различных по цвету и фактуре (ткань, веревка, кружево, кожа, бусы, дерево, кора, фольга, металл и др.). В отличие от аппликации коллаж допускает возможность применения объемных элементов в композиции, причем как целых объектов, так и их фрагментов (посуды, спортивного инвентаря, часов, монет, пластинок, обуви, перчаток, вееров, шляп и др.). Причем художник может комбинировать разнообразные художественные техники, сочетать аппликацию и коллаж, вводить коллаж в красочный слой живописного полотна и др. И все это делается для того, чтобы создать неповторимый художественный образ, найти наиболее подходящие средства для воплощения замысла художника. Коллаж широко применялся художниками XX в., в том числе такими выдающимися мастерами, как Ж. Брак, П. Пикассо и А. Матисс. В России удивительные и изысканные по красоте коллажи создал художник С. Параджанов. О каждом из них можно рассказать целую поэму.

Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль европейского искусства XVII—XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества, но во многом их утрачивало по сравнению с культурой Возрождения. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов. Для архитектуры, классицизма характерны навеянные античными образцами ордерная система, четкость и геометрическая правильность объемов и планировки, выделяющиеся на глади стен портики, колонны, статуи, рельефы. Выдающимся шедевром архитектуры, соединившим классицизм и барокко в единый торжественный стиль, был дворцово-парковый ансамбль в Версале — резиденция французских королей (вторая половина XVII в.). В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен). Четкая разграниченность планов в пейзажах выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричневым, средний — зеленым, а дальний — голубым. Во второй половине XVIII в. живопись обращается к республиканским идеям античности, к образам мужественных борцов против тирании (Ж.-Л. Давид). Скульптура эпохи классицизма отличается сглаженностью форм, спокойностью поз, даже движение не нарушает замкнутости форм (Э. Фальконе, Ж. Гудон). Поздний классицизм, называемый также ампир, приобретает черты парадности и пышности, выразившиеся в архитектуре и прикладном искусстве первой трети XIX в.. Русский классицизм во второй половине XVIII — начале XIX вв. воплотил новый, небывалый по размаху, национальному пафосу и идейной наполненности расцвет культуры: архитектурные ансамбли и сооружения В. Баженова, М. Казакова, Дж. Кваренги, А. Захарова, К. Росси, А. Воронихина, скульптуры М. Козловского, Ф. Щедрина, И. Мартоса, картины А. Лосенко, А. Иванова и др. С конца XIX в. для русского изобразительного искусства все более характерным становится бездушный, надуманный академический схематизм, с которым ведут борьбу представители романтизма и реализма, пришедших на смену классицизму.