double arrow

Методические указания 5 страница


ГравюраДля создания гравюры использовались различные техники: гравюра на дереве (ксилография), резцовая гравюра на меди, офорт, шелкография (сериграфия), литография. Ксилография относится к технике высокой печати, поскольку на печатной доске рельефом выделяется само изображение, а фон удаляется (Кацусика Хокусай). Резцовая гравюра и офорт относятся к техникам глубокой печати: изображение процарапывается (а в случае офорта - протравливается кислотой) на металлической поверхности (Стенли Уильям Хейтер). В шелкографии и сериграфии краска наносится через трафарет на шелковую основу, натянутую на рамку (Энди Уорхол). В литографии изображение наносится особым карандашом на специально обработанный камень, с которого делают отпечатки (Альфонс Муха).

Готика.Господствующий стиль средневековья (в период приблизительно с 1150 по 1500 год), готика была стилем великих соборов Европы. Созданные в эту эпоху алтарные композиции украшались изысканными зубчатыми завершениями, которые повторяли архитектуру соборов. Готическая живопись и скульптура отличаются удлиненными пропорциями фигур и подчиняется строгому канону. Попытки изображения трехмерного пространства в живописи крайне редки, перспектива случайна и неубедительна. В конце XIV века заметно стремление к большей утонченности и элегантности, а также интерес к сюжетам повседневной жизни. Изображенные в мельчайших подробностях растения и животные становятся постоянной деталью произведений живописи. Стиль позднего средневековья, не связанный с одной страной, получил название интернациональной готики. см. Боневе, Гадди, Джентиле да Фабриано, Дуччо, Делла Кверча, Лимбурги, Лоренцо Монако, Мартини, Фуке, Чимабуэ

Голландцы- (голландский стиль, "голландское барокко") - художественная школа голландской живописи XVII в., в которую условно объединяются мастера пейзажной и бытовой жанровой картины небольшого размера, отсюда название. Особенности живописи малых голландцев были обусловлены историческим развитием голландского искусства, а также конъюнктурой рынка. Картины "малых голландцев" предназначались не для дворцов или храмов, а для скромного интерьера обычного жилого дома. Их покупали горожане, ремесленники и даже крестьяне. Они висели буквально в каждом доме. Такого еще не бывало в истории искусства. Художественная жизнь "золотого века" голландской живописи, каким по праву считается XVII столетие, отличалась огромной продуктивностью. В маленькой Голландии насчитывалось более двух тысяч живописцев, а вместе с южными Нидерландами - более трех. Я. Рейсдал написал за свою жизнь более тысячи картин, Г. Доу - триста девяносто, Я. Стен - восемьсот девяносто, А. Кейп - более восьмисот, А. фан Остаде - девятьсот двадцать. Художники писали картины целыми партиями, деля с торговцами доходы, и часто налаживали настоящий конвейер по их производству. В среднем голландский живописец, специализирующийся в "малом жанре" пейзажа, натюрморта, исполнял от двух до пяти картин в неделю. В подавляющем большинстве случаев индивидуальные различия стиля и манеры живописцев были не столь существенны и на первый план выступал жанр, сюжет и отработанная совместно стилистика школы. Ни в одной другой национальной школе, кроме голландской, так далеко не заходила специализация живописцев внутри каждого жанра. Арт фан дер Hep писал только вечерние и ночные пейзажи, Хендрик Аверкамп - зимние, Эгберт фан дер Пул - "ночные пожары". Корабли на рейде писали Я. Порселлис и С. де Флигер, виды равнин - Ф. Конинк, интерьеры церквей - П. Я. Санредам, А. де Лорм, натюрморты-завтраки П. Клас и В. К. Хеда, цветы - К. де Хем. Мастерами бытовых сцен в интерьерах были П. де Хох, Ф. Мирис, Г. Метсю, Г. Терборх. Обычным делом стала совместная работа различных художников над одной картиной - один писал небо, другой - зелень, третий - фигуры, а также изменение подписей художников с целью более выгодной продажи, бесчисленные повторения, тиражирование и варьирование наиболее удачных с коммерческой точки зрения картин, дописывания, подновления и переделки старых. На широкую ногу был поставлен конвейер по производству картин в мастерской М. фан Миревелта в Гааге. Но удивительно, несмотря на свои малые размеры и специализацию живописцев, вынужденных как и все ремесленники, чутко реагировать на вкус публики и характер спроса, картины "малых голландцев" - подлинные жемчужины мировой живописи. Они отличаются отточенностью формы, ясностью композиции, цветовых решений и ювелирной техникой. Черные лакированные рамы придают им еще большую красоту. Благодаря мастерству художников, многие картины выглядят современней самой современной живописи. Произведения малых голландцев совершенны. Так целостно и органично было их мироощущение






Гиперреализм(англ. hyperrealism) — направление в живописи и скульптуре, возникшее в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 70-х годов XX в. Другое название гиперреализма — фотореализм. Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте. Они изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Целью гиперреалистов было изобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они использовали механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна (диапроекцию и масштабную сетку). Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника. Кроме этого, посетители выставок этого направления могли встретить в залах человеческие фигуры, выполненные из современных полимерных материалов в натуральную величину, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей. Это вызывало много путаницы и шокировало людей. Фотореализм поставил своей задачей обострить наше восприятие обыденности, символизировать современную среду, отразить наше время в формах «технических искусств», широко распространившихся именно в нашу эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, фотореализм в своих программных работах оказался на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступил, потому что стремился соперничать с самой жизнью.

ВортицизмНаправление английского авангарда, основанное Уиндемом Льюисом в 1914 году. Название вортицизм обязано своим происхождением замечанию итальянского футуриста Умберто Боччони о том, что любое творчество рождается из вихря чувств (по-итальянски <вихрь> - vortizto). Подобно футуризму, вортицизм - резкий, угловатый и очень динамичный стиль, распространившийся как в живописи, так и в скульптуре, - стремился передать процесс движения. Хотя вортицизм не дожил даже до окончания Первой мировой войны, он сыграл важную роль как этап в процессе формирования абстрактного искусства в Англии. см. Бомберг, Льюис

Возрождение, ренессанс(фр. renaissance — возрождение) — одна из величайших эпох, переломный этап в развитии мирового искусства между средними веками и новым временем. Эпоха Возрождения охватывает XIV— XVI вв. в Италии, XV—XVI вв. в других странах Европы. Свое название — Возрождение (или Ренессанс) — этот период в развитии культуры получил в связи с возрождением интереса к античному искусству. Однако художники этого времени не только копировали старые образцы, но и вкладывали в них качественно новое содержание. Ренессанс не следует считать художественным стилем или направлением, так как в эту эпоху существовали различные художественные стили, направления, течения. Эстетический идеал эпохи Возрождения складывался на основе нового прогрессивного мировоззрения — гуманизма. Реальный мир и человек провозглашались высшей ценностью: Человек — мера всех вещей. Особенно возросла роль творческой личности. Гуманистический пафос эпохи наилучшим образом воплотился в искусстве, которое, как и в предшествующие века, ставило своей целью дать картину мироздания. Новым было то, что материальное и духовное пытались объединить в одно целое. Трудно было найти человека, равнодушного к искусству, но предпочтение отдавали изобразительному искусству и архитектуре. Эпоха Возрождения в Италии прошла несколько этапов: раннее Возрождение, высокое Возрождение, позднее Возрождение. Родиной Возрождения стала Флоренция. Основы нового искусства разрабатывали живописец Мазаччо, скульптор Донателло, архитектор Ф. Брунеллески. Итальянская живопись XV в. в основном монументальная (фрески). Живопись занимает ведущее место среди видов изобразительного искусства. Она наиболее полно соответствует ренессансному принципу «подражать природе». Новая изобразительная система складывается на основе изучения натуры. В развитие понимания объема, его передачи с помощью светотени внес достойный вклад художник Мазаччо. Открытие и научное обоснование законов линейной и воздушной перспективы значительным образом повлияли на дальнейшую судьбу европейской живописи. Формируется новый пластический язык скульптуры, его основоположником был Донателло. Он возродил свободно стоящую круглую статую. Его лучшее произведение — скульптура Давида (Флоренция). В архитектуре воскрешаются принципы античной ордерной системы, поднимается значение пропорций, складываются новые типы зданий (городской дворец, загородная вилла и др.), разрабатываются теория архитектуры и концепция идеального города. Архитектор Брунеллески построил здания, в которых соединил античное понимание архитектуры и традиции поздней готики, добиваясь новой образной одухотворенности архитектуры, неизвестной древним. В период высокого Возрождения новое мировоззрение наилучшим образом воплотилось в творчестве художников, которых с полным правом называют гениями: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне и Тициана. Последние две трети XVI в. называют поздним Возрождением. В это время кризис охватывает искусство. Оно становится регламентированным, придворным, утрачивает теплоту и естественность. Однако отдельные великие художники — Тициан, Тинторетто продолжают создавать шедевры в этот период. Итальянское Возрождение оказало огромное влияние не искусство Франции, Испании, Германии, Англии, России. Подъем в развитии искусства Нидерландов, Франции и Германии (XV—XVI вв.) называют северным Возрождением. Творчество живописцев Ян ван Эйка, П. Брейгеля Старшего — вершины этого периода развития искусства. В Германии величайшим художником немецкого Возрождения был А. Дюрер. Открытия, совершенные в эпоху Возрождения в области духовной культуры и искусства, имели огромное историческое значение для развития европейского искусства последующих веков. Интерес к ним сохраняется и в наше время.

Витраж(фр. vitrage — остекление, от лат. vitrum — стекло) — произведение декоративного искусства, выполненное из цветного стекла или другого пропускающего свет материала. Витражи используют для украшения окон, стеклянных дверей, прозрачных перегородок. Свет, проходя через витраж., окрашивается в его цвета и создает особую эмоциональную атмосферу в интерьере. Вероятно поэтому витражи с давних времен использовались в храмах. В раннехристианских базиликах V—VI вв. окна заполнялись тончайшими прозрачными пластинами камня (алебастра и селенита), которые подбирались с таким расчетом, чтобы составить красивые орнаменты. В романских храмах Франции и Германии в X — XII вв. появились сюжетные витражи. Большие многоцветные витражи из разнообразных по форме стекол, скрепленных свинцовыми перемычками, обязательная принадлежность готических соборов. Они изображали религиозные и бытовые сцены, размещались в огромных стрельчатых окнах боковых сторон храма и над центральным входом в круглых окнах, именуемых розами. Таинственная и духовная среда храма во многом возникла именно благодаря этим излучающим свет картинам. В эпоху Возрождения витражи в полной мере становятся картинами с реалистической передачей объема. Они создаются как живопись на стекле на основе полотен известных художников (Донателло, А. Дюрер). В XVI в. получили распространение небольшие кабинетные витражи для украшения комнат.

В искусстве модерна возродился интерес к витражам (Ф. Леже, А. Матисс во Франции, П. Корин в России). Современные технологии позволяют добиваться разнообразной фактуры и разной степени прозрачности материалов, используемых для витражей. Они успешно применяются в оформлении интерьеров жилых и общественных зданий.

Валёр(от лат. valer — иметь силу, стоить) — в искусстве живописи тональный нюанс, тонкое различие одного и того же цвета по светлоте. Валеры достигаются техникой лессировки. Они позволяют добиваться богатых цветовых отношений, тончайших нюансов и неуловимых переходов цвета, поэтому у художников существует выражение по отношению к такой живописи «писать валерами». Мастерски использовали живопись валерами для передачи взаимосвязи фигур, предметов со светом и воздухом такие художники, как Д. Веласкес, Я. Вермеер, К. Коро, Ж.-Б. Шарден, В. Суриков.

Бытовой жанр(фр. genre, нем. Sitten-bild) — жанр изобразительного искусства, определяемый кругом тем и сюжетов из повседневной жизни человека. В основном эти сцены изображаются на полотнах живописцев, но их можно увидеть и на графических листах, и в скульптуре. Бытовые события, запечатленные художниками разных эпох, знакомят нас с жизнью людей давно ушедших времен. Бытовой жанр достиг расцвета в европейских национальных школах в XVI— XVII вв. Ярким, искрящимся весельем проникнута сцена народного праздника на картине П. Брейгеля Старшего (ил. 21). Фламандец П. Рубенс на своих полотнах передал черты жизнеутверждающего реализма, грубоватую правду деревенских празднеств. Голландские живописцы (Г. Терборх, Я. Вермеер) любовно воссоздали жизнь самых разных слоев общества (ил. 22). Галантные беседы обретали изысканную грациозность и легкую ироничность на картинах французских художников XVIII в. (А. Ватто, Ф. Буше, Ж.-Б. Шарден, О. Фрагонар). Позже от простой фиксации явлений художники переходят к раскрытию внутреннего смысла и общественно-исторического содержания повседневной жизни. Критически изображали общественные отношения французские художники О. Домье, Г. Курбе и русские живописцы А. Венецианов, П. Федотов, В. Перов, И. Репин и все передвижники. Постепенно стирались границы между бытовым, историческим и батальным жанрами. Сложными и разнообразными путями идет развитие бытового жанра в XX в. Ему доступны изменчивые ситуации и психологические нюансы (Э. Манэ, Э. Дега, О. Ренуар во Франции), символический смысл бытия (П. Гоген во Франции, В. Борисов-Мусатов, К. Петров-Водкин в России), героизация простых жизненных событий (Б. Иогансон, А. Дейнека, А. Пластов) и многое другое.

Братство прерафаэлитовОбъединение молодых английских художников, основанное в 1848 году. Неудовлетворенные состоянием упадка, в котором находилась современная британская живопись, прерафаэлиты поставили своей целью возродить искренность раннего итальянского искусства до Рафаэля и Высокого Возрождения. Их кумирами были Сандро Боттичелли и Филиппе Липпи. Прерафаэлиты часто изображали литературные, исторические и религиозные сюжеты, а в сценах из современной жизни всегда стремились дать моральный комментарий социальным отношениям. Картины прерафаэлитов демонстрируют все богатство фактуры и красоту декоративных деталей. среди которых их особенно привлекали ткани и цветы. см. Берн-Джонс, Браун, Миллес, Россетти, Уотерхаус, Хант

БаухаузХудожественная мастерская Баухауз была основана архитектором Вальтером Гропиусом в Веймаре в 1919 году и стала центром современного дизайна в Германии 1920-х годов. Отражая взгляды социалистических учений своего времени, Гропиус стремился сделать искусство и дизайн частью повседневной жизни. Он считал, что художники и архитекторы должны сделаться ремесленниками, а их произведения быть практичными и доступными. Живописцы, архитекторы, гончары, ткачи, скульпторы и дизайнеры обучались вместе в мастерских Баухауза, как некогда художники и ремесленники эпохи Возрождения. Стиль Баухауза отличался простотой, геометрическими формами и тонким вкусом. В 1933 году художественная школа была закрыта нацистами под предлогом распространения коммунистических идей. Хотя физически Баухауз прекратил свое существование, его члены, покинув Германию и рассеявшись по всему миру, продолжали проповедовать его идеалы. см. Алберс, Кандинский, Клее, Мохой-Надь

Батик(фр. batique — набивной) — многоцветная ткань, рисунок на которую наносят ручным способом. Первоначально батик появился у народов Индонезии, где рисунок наносился с помощью воска (резерва), а затем ткань опускалась в краситель, который окрашивал только не покрытые воском участки. Операция повторялась несколько раз, если надо было получить разнообразные оттенки цвета. В дальнейшем батик получил широкое распространение в Азии и Европе. В наше время техника его существенно усложнилась. Различают горячий и холодный батик в зависимости от того, какую обработку проходит ткань. Процесс нанесения рисунка на полотно может быть одинаковым в обоих случаях, но затем в технике горячего батика расписанное изделие подвергают обработке горячим паром в специальных устройствах («запаривают»). Это делается для того, чтобы закрепить краски, и батик можно было стирать. Современные красители позволяют достигнуть эффекта простым проглаживанием горячим утюгом ткани с обратной стороны. Различают два основных способа нанесения краски в технике батика: свободная кистевая роспись и выполнение рисунка с помощью нанесения специальными инструментами резервирующего состава для достижения четкой графики линий. Возможно множество вариантов применения смешанной техники изготовления батика. Например, сочетание четкого рисунка и узелкового орнамента, который получается в результате того, что на ткани крепко завязывают несколько узлов разного размера, а затем опускают в краску. Она не может проникнуть в складочки узлов, в результате чего получаются красивые круги. Художники используют много специальных приемов для получения разнообразных красочных эффектов. Они покрывают воском достаточно большие участки, затем мнут ткань так, чтобы образовались на воске трещинки, в которые потом будет Затекать краска. В результате красивая сеточка линий покроет изображение. Такой узор имеет специальное название «кракле». Чтобы осветлить цветовой тон, можно непросохшую краску сбрызнуть водой или посыпать крупной солью. Так можно достигнуть эффектов, подобных акварельной живописи. Благодаря своим богатым декоративным возможностям техника батика применяется при росписи одежды, платков, занавесей, панно и т. п.

Батальный жанр(от фр. bataille — битва) — жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны, битв, походов и эпизодов военной жизни. Главным образом этот жанр характерен для живописи, отчасти также графики и скульптуры. Он может быть составной частью исторического и мифологического жанра, а также изображать современную художнику жизнь армии и флота. Батальный жанр может включать в себя элементы других жанров — бытового, портретного, пейзажного, анималистического (при изображении конницы), натюрморта (при изображении оружия и других атрибутов воинской жизни). Формирование батального жанра начинается в эпоху Возрождения (Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициан, Тинторетто), он переживает свой расцвет в XVII—XVIII вв. (Д. Веласкес, Рембрандт, Н. Пуссен, А. Ватто) и особенно ярко передает трагедию войны в период романтизма в 1-й половине XIX в. (Ф. Гойя, Т. Жерико, Э. Делакруа). Художники-баталисты, как правило, стремятся передать героическую готовность к борьбе, воспевают воинскую доблесть, торжество победы, но порой в своих произведениях они разоблачают античеловеческую сущность войны, проклинают ее (П. Пикассо «Герника», картины В. Верещагина, М. Грекова, А. Дейнеки, Е. Мои-сеенко, Г. Коржева и др.).

БароккоСвоего наивысшего расцвета стиль барокко достиг в начале XVII века в Риме, откуда он затем распространился по всей Европе и просуществовал вплоть до XVIII столетия. Название стиля происходит от итальянского слова barocco - причудливый или потешный. Искусство барокко легко отличить по его избыточному драматизму и открытому эмоциональному обращению к зрителю. Типичная для барокко религиозная композиция показывает святых или Мадонну в окружении ангелов в вихре взметнувшихся драпировок и курчавых облаков. Популярные в эту эпоху сюжеты из классической мифологии изображались в столь же преувеличенной манере. Не все искусство барокко было, однако, пышным и лучезарным - мрачный драматизм художников, подобных Караваджо, также принадлежит этому стилю. см. Бернини, Веласкес, Гверчино, Джентилески, Кальф, Караваджо, Кейп, Рембрандт, Рени, Рубенс, Санчес-Котан, Сурбаран

Барбизонская школаВ первой половине XIX века группа французских художников часто работала близ небольшой деревни Барбизон в шестидесяти километрах к юго-западу от Парижа у окраины леса Фонтенбло. Удалясь от шума городской жизни, художники ставили мольберты на открытом воздухе и писали с натуры. Они изображали неброские пейзажи и работающих в полях крестьян, изучая эффекты скользящего света и атмосферных явлений в окружающей природе. Многие из художников барбизонской школы были незаслуженно забыты, а их открытия приписаны импрессионистам, использовавшим впоследствии новаторскую технику их живописи. см. Добиньи, Коро, Курбе, Милле, Теодор Руссо

Базилика(от гр. basilike — дом базилевса) — прямоугольное в плане, как правило, вытянутое здание, разделенное на несколько продольных проходов-нефов рядами колонн или столбов. Средний неф бывает, как правило, выше и шире боковых и освещается через окна над боковыми частями. С утверждением христианства базилика стала одним из основных типов храмов, центральный неф которого завершается ориентированной на восток апсидой, в которой находится алтарь. Постепенно базилики приобрели в плане форму латинского креста.

Art InformelФранцузское слово informel обозначает бесформенный, а вовсе не <неформальный>. В 1950-е годы художники направления Art Informel были заняты поиском новых путей создания образов, не прибегая к узнаваемым формам, которыми пользовались их предшественники (см. кубизм, экспрессионизм). Их целью было открытие нового художественного языка в результате отказа от геометрических и фигуративных форм. Формы и методы воз- никали в процессе импровизации. Творчество представителей Art Informel крайне разно- образно, их объединяет свободный живописный мазок и густое наложение краски. Подобно абстрактному экспрессионизму, существовавшему параллельно в США, Art Informel является очень широким движением и включает в себя живописцев как фигуративной (Жан Фотрие), так и абстрактной (Ханс Хартунг) ориентации. Хотя центром этого направления был Париж, оно получило распространение и в других странах Европы, особенно в Испании, Италии и Германии. см. Бурри, Дюб.юффе, Риопель, Де Сталь, Сулаж, Тапиес, Фотрие, Хартунг

Архаика(от гр. archaikos — древний) — этим термином чаще всего обозначается ранний этап развития древнегреческого искусства (VII и VI вв. до н. э.). Возможно применение слова «архаичный» к другим по времени явлениям искусства, что будет означать их неразвитость, недостаточную сформированность художественного стиля. Для эпохи архаики характерны массивные, монументальные каменные'постройки и условные, словно застывшие в одинаковых позах, каменные статуи. Основные типы скульптуры — фигура обнаженного юноши-атлета (курос) и фигура девушки, изящно задрапированная складками одежды (кора). Загадочная «архаическая» улыбка оживляет их лица. В это время были созданы основной тип древнегреческого храма — периптер (прямоугольное в плане здание с колоннадой вокруг него) и архитектурный ордер как средство создания образной выразительности сооружения. Древнегреческая архитектура характеризуется богатством скульптурных украшений. Архаика — время расцвета вазописи (черно-фигурного и краснофигурного стилей).

Арт-деко (Art Deco, Арт Деко)- Стиль Art Deco получил распространение в 1918-1939 гг. во Франции, отчасти в других европейских странах и США. Толчком к стремительному развитию этого стиля послужила парижская выставка 1925 г., где показывались последние достижения в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла, керамики. Для этой выставки знаменитый французский архитектор Ле Корбюзье, один из основателей конструктивизма и функционализма, спроектировал и построил павильон «Эспри Нуво» (франц. «Esprit Nouveau» - «Новый дух»); знаменитый художник Р. Лалик - фонтан из цветного стекла со световыми эффектами и «стеклянный интерьер» павильона Севрской фарфоровой мануфактуры. Если для архитектора Ле Корбюзье его произведение знаменовало отход от конструктивизма к идеям, позднее получившим название «неопластицизма», то для ювелира Р. Лалика - эволюцию от прихотливо изогнутых линий и флореалъных стилизаций Ар Нуво к более простым геометрическим формам. В целом стиль «Art Deco» можно рассматривать как последнюю стадию развития искусства периода Модерна или как переходный стиль от Модерна к послевоенному функционализму, дизайну «интернационального стиля». В искусстве Art Deco продолжаются излюбленные темы и мотивы Модерна - точнее стиля Ар Нуво, - извилистые линии, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных бледных женщин с распущенными волосами. Во всем чувствуется какая-то усталость, пресыщенность, но кроме этого и устремленность к использованию геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета. Именно эти качества отличают интерьеры, оформленные по проектам Ж. Деламара, архитектурно-дизайнерские разработки Р. Малле-Стевенса, ювелирные изделия мастеров парижской фирмы Картье. С искусством Модерна рубежа XIX-XX веков стиль Art Deco объединяет и желание многих художников (исполняющих волю богатых заказчиков) создать иллюзию благополучия и «роскошной жизни» в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами. Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое. Духовная растерянность и смешение эстетических критериев, будто предвещавших ужасы второй мировой войны и пустоту первых послевоенных лет, заслонялись сознательной, программной эклектикой ретростилей. В ход пошли элементы Ампира, архаики египетского и крито-микенского искусства, соединялись находки декораторов Русских Балетных Сезонов в Париже, живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского и примитивного африканского искусства. Открытие искусства Амар-ны, гробницы египетского фараона Тутан-хамона (1922), оказывали на вкусы людей столь же сильное воздействие, как и обтекаемые формы новейших локомотивов и автомобилей. Интерьеры, оформленные в стиле Art Deco, производят впечатление не композиции, а суммы отдельных компонентов, группировки «стильных вещей» - мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника». Такие интерьеры создавались «с шиком» 1920-х годов, дорогих отелей и ресторанов и потому иногда их стиль называют «стилем Риц» (англ. Ritz Style). Показательно, что первая выставка художников-сюрреалистов состоялась в Париже в том же 1925 г. В декоративных росписях Art Deco и вновь вошедших в моду витражах и мозаике изображались женские «извращенные фигуры» в экспрессионистски изломанных движениях, деформированные - с фантастически развитой «мужской» мускулатурой. Все это свидетельствовало о кризисе вкуса. В «эпоху потерянного поколения» особенно ценились дорогие экзотические материалы: слоновая кость, черное - эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, даже «шкурки ящериц» и кожа крокодила. В поздних формах стиль Art Deco сближается с геометрическим конструктивизмом. Недаром считают, что проектировщики Art Deco - наследники венской архитектурной школы - оказали влияние на формирование программы немецкого Баухауза (см. также «Венские Мастерские»). В Италии и Германии элементы стиля Art Deco, соединяясь с формами Неоклассицизма, перерастали в архитектуру «нового Ампира» - фашистского стиля третьего Райха. Art Deco оказал влияние на художников французского стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. К этому же стилю иногда причисляют наивного живописца Р. Дюфи. Наиболее известные художники французского Art Deco: Ж. Де-ламар, М. Дюфрен, Я. Котера, Р. Лалик, П. Легрен, П. Ириб, Л. Зак, К. Клэрис, Р. Малле-Стевенс, А. Мартен, Ж. Пруве, П. Пуаре, Ж. Пюифорка, А. Рато, Ж.-Э. Рюль-манн, Л. Сю, Р. Эрте, П. Янак (рис. 347-350; цв. табл. 12). Art Deco называют «последним из художественных стилей», соединявшим несоединимое. Может быть как раз этим он и оказал значительное влияние на дальнейшее развитие многих видов искусства. В 1930-1950-х годах отмечают и существование «советского Art Deco». В качестве характерных примеров приводятся работы скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной - произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы, а также «пышная, вызывающая декоративность набивных ситцевых тканей», украшенных, тем не менее, советской агитационной атрибутикой (см. «агитационное искусство»; социалистический реализм). В конце XX столетия смелые контрасты обобщенной, геометризованной формы и яркого цвета, открытые стилем Art Deco, возрождаются в дизайне и моде: оформлении интерьеров, ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике

Заказать ✍️ написание учебной работы
Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой

Сейчас читают про: