double arrow

Методические указания 2 страница


Постимпрессионизм - (от лат. post — после и импрессионизм), условное собирательное обозначение основных направлений французской живописи конца 19 — первых лет 20 вв. Мастера постимпрессионизма, почти все ранее примыкавшие к импрессионизму, с середины 1880-х гг. (времени его кризиса) пытаются найти новые и, по их мнению, более созвучные эпохе изобразительные средства, стремятся преодолеть эмпиризм художественного мышления и перейти от свойственной импрессионизму фиксации отдельных мгновений жизни к воплощению её неких длительных состояний — духовных и материальных. В постимпрессионизме нашли отражение кризисные черты западноевропейской культуры этого времени, её сложный, переломный момент, мучительные и противоречивые поиски художниками устойчивых идейно-нравственных ценностей. Для периода постимпрессионизма характерно активное взаимовлияние направлений и индивидуальных творческих систем. И хотя ряд направлений постимпрессионизма (неоимпрессионизм, символизм, французский вариант «модерна» — «наби») качественно замыкается в указанных временных границах, творчество его ведущих мастеров — П. Сезанна, В. Ван Гога, П. Гогена, А. де Тулуз-Лотрека — своей проблематикой кладет начало истории изобразительного искусства 20 века.




Постживописная абстракция направление в абстрактной живописи, сложившееся в 1950-е гг. как реакция на абстрактный экспрессионизм. Свободный мазок, "растрепанная" фактура последнего сменились здесь ровно закрашенными цветовыми полями, рассчитанными на сильный психологический эффект простых и монументальных форм в состоянии контраста или гармонии. Работы мастеров пост-живописной абстракции (К. Ноланд, Б. Ньюмен, Ад Рейнхардт, Ф. Стелла, США) обозначают также понятием живописи "твердого края", "хардэджа"(от англ. hard edge), подчеркивающим аскетичную линейную четкость этих композиций.

Портрет (франц . portrait), изображение или описание человека или группы людей; в изобразительном искусстве один из жанров (и отдельное произведение), в котором воссоздается облик какой-либо человеческой индивидуальности. Вместе с внешним сходством портрет запечатлевает духовный мир изображаемого человека (модели), создает типичный образ представителя народа, класса, эпохи.

Поп-арт. Движение в искусстве США и Великобритании, которое возникло в 1950-е годы и вдохновлялось образами массовой потребительской культуры. Комиксы, реклама и продукты промышленного производства послужили источником его образного мира. Один из творцов поп-арта - Ричард Хамильтон - определил его содержание следующими словами: <популярный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой Бизнес>. Сиюминутность сюжета в живописи часто подчеркивается с помощью техники, напоминающей эффект фотографии, а в скульптуре -тщательным воспроизведением мелких деталей. см. Питер Блейк, Вессельман, Дайн, Джонс, Джоунс, Китай, Лихтенштейн, Ольденбург, Раушенберг, Розенквист, Сегал, Тибо, Уорхол, Хамильтон, Хокни



Поздний Академизм - (французское academisme) - в изобразительном искусстве, направление, сложившееся в художественных академиях 16-19 вв. и основанное на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Академизм способствовал систематизации художественного образования, закреплению классических традиций, которые им превращались, однако, в систему "вечных" канонов и предписаний. Считая современную действительность недостойной "высокого" искусства, Академизм противопоставлял ей вневременные и вненациональные нормы красоты, идеализированные образы, далёкие от реальности сюжеты (из античной мифологии, Библии, древней истории), что подчёркивалось условностью и отвлечённостью моделировки, цвета и рисунка, театральностью композиции, жестов и поз. Являясь, как правило, официальным направлением в дворянских и буржуазных государствах, Академизм обращал свою идеалистическую эстетику против передового национального реалистического искусства. Первые академии художеств появились в Европе в XVI-XVII вв. Болонская академия основана около 1590 г., французская Королевская академия живописи и скульптуры - в 1648 г., в 1692 г. появляется академия в Вене, в 1694 г. - в Берлине и т. д. В России Академия художеств (официальное название - Академия трех знатнейших художеств) основана в 1757 г. по проекту И. И. Шувалова. В 1764 г. в царствование Екатерины II стала императорской. Тем самым был окончательно закреплен ее статус государственного учебного заведения и правительственного учреждения. В основе деятельности европейских академий лежит строго регламентированная система обучения, направленная в итоге на создание большого стиля, прославляющего государственную власть и правящую династию. В качестве эталона избирается искусство античности и итальянского Возрождения. Отсюда - приверженность к монументальным формам и то внимание, какое в академической системе образования уделяется классическому рисунку, а также умению построить композицию, применяя правильную - итальянскую - перспективу. До тех пор, пока академическая система способствовала формированию художественных национальных школ и воспитанию талантливых кадров, академии справедливо считать явлением прогрессивным. Однако, начиная с середины XIX в. принятая в этих официальных учебных заведениях система ценностей, далекая от реальной жизни, ориентированная на идеальные представления о красоте, пришла в явное противоречие с развитием живого художественного процесса, что и привело к открытым протестам со стороны молодых демократически настроенных художников, вроде "бунта четырнадцати" в Петербургской АХ в 1863 г. Молодежь выступала против обязательных в академической практике тем для программ (дипломных работ), которые полагалось писать на мифологические, исторические или библейские сюжеты, игнорируя события современной жизни как предмет, недостойный искусства. Именно в этот период понятие "академизм" приобрело негативный характер, обозначая совокупность догматических приемов и норм. В настоящее время академическое искусство не является больше официальным, господствующим. Существует наряду с другими направлениями, наиболее последовательно сохраняя и развивая классические традиции национальной школы. Термин "Академизм" понимается и расширительно - как любая канонизация, обращение в непреложную норму идеалов и принципов искусства прошлого. В этом смысле говорят, например, об Академизме некоторых школ эллинистической и древнеримской скульптуры (канонизировавших наследие древнегреческой классики) или ряда художников новейшего времени, стремившихся возродить концепции исторически изживших себя школ и направлений



Пластические искусства (англ. fine arts — пространственные искусства, зрительные искусства, изящные искусства)— виды искусства, произведения которых имеют предметный характер, создаются путем обработки вещественного материала и существуют в пространстве. К пластическим искусствам относятся: изобразительное искусство (графика, живопись, скульптура, архитектура, декоративное и прикладное искусство, дизайн), а также произведения народного искусства изобразительного и прикладного характера. Как и другие виды искусства, пластические искусства осваивают мир в образной форме. Произведения пластических искусств воспринимаются зрением, а иногда и осязанием (скульптура и декоративно-прикладное искусство) и находятся в реальном пространстве. Этим они существенно отличаются от произведений других видов искусств (музыки, литературы), где произведение воспринимается в основном на слух и длятся во времени. Не следует путать пластические искусства с хореографией, в которой большую роль играет пластика человеческого тела. В пространственных искусствах пластика объемов, линий, форм также имеет существенное значение, именно поэтому они и получили свое название. И, кроме того, лепка, по-другому называющаяся пластикой, тоже входит в эту группу искусств. Пластические искусства называются с XVIII в. прекрасными, изящными, и этим подчеркивается их чувственная красота, совершенство образов. Вместе с тем пластические искусства особенно тесно связаны с глубокой древности с материальным производством, обработкой и оформлением среды жизни человека и окружающего его предметного мира, то есть с созданием материальной культуры. Тем самым художественная вещь воспринимается как овеществленное творчество, эстетическое освоение мира. Пластические искусства связаны с идейными и общественными движениями своего времени. Как род художественной деятельности пластические искусства занимают на всех ступенях истории развития человечества важное место в духовном освоении действительности. Пластическим искусствам, особенно живописи, доступен самый широкий круг тем. Пластические искусства тяготеют к синтезу искусств, то есть к слиянию и взаимодействию друг с другом: архитектуры с монументальным искусством, скульптурой, живописью и декоративно-прикладным искусством; живописи со скульптурой (в рельефах); живописи с декоративно-прикладным искусством (в керамических изделиях, вазах) и т. д. Пластические искусства включаются как один из художественных элементов в состав многих синтетических искусств (театр, экранные искусства). Существуют попытки объединения живописи с музыкой (цветомузыка), впервые осуществленные русским композитором А. Скрябиным. В структуру образа пластических искусств (каллиграфия, плакат, карикатура) может входить материал языка (слово, буква, надпись). В искусстве книги графика объединяется с литературой. Пластические искусства могут даже приобретать качества временных искусств (кинетическое искусство, мультипликационные фильмы). Но в основном образная структура произведения пластического искусства строится пластическими средствами (пространство, объем, форма, цвет и др.).

Плакат (от фр. placard — объявление, афиша; англ. poster) — вид графики, лаконичное броское изображение, рассчитанное на всеобщее внимание, как правило, сопровождаемое текстом. Нередко плакаты выполняются не только графическими, но и живописными средствами, многие плакаты выполняются в единственном экземпляре для выставки или для вывешивания на улице, в общественном месте. Современный плакат является обычно полиграфическим воспроизведением созданного художником оригинала. Специфика художественного языка плаката определяется тем, что он должен восприниматься на большом расстоянии, выделяясь среди разнообразных средств информации. Плакат воздействует ярким, условным, лаконичным графическим и цветовым строем, броской декоративной выразительностью. Цветовое решение плаката имеет принципиальное значение. Как правило, используется ограниченное количество цветов. Художник создает особый колорит, уравновешивает цвета не только изображения, но и шрифта. В плакатном искусстве огромная роль принадлежит символике цвета, силе его эмоционального воздействия. Специфические средства плаката —плоскостное изображение, общепонятные символы, изобразительные метафоры, эффектные сопоставления образов, масштабов, точек зрения, степеней условности, обобщенные, а подчас и сатирические образы. Плакат широко использует силуэты, экспрессивные формы, контуры и фотографический материал. Плакаты выполняются в агитационных, политических, рекламных, учебных целях.

Перформанс, перфоманс (англ. perfor mance — выступление, исполнение, игра, представление)— форма современного искусства, одна из разновидностей акционизма, входящего в концептуализм 1960-х годов. Перформанс — короткое представление, исполненное одним или несколькими участниками перед публикой художественной галереи или музея. Акции перформанса заранее планируются и протекают по некоторой программе. Возможна организация и проведение таких акций на открытом воздухе — пейзажный перформанс. Коренное отличие перформанса от театра состоит как раз в том, что исполнитель или участник художественной акции совершает абсолютно реальные действия, которые ничего, кроме них самих, не изображают. Причем в противовес хэппенингу с его импровизационностью и спонтанностью перформанс осуществляется группой лиц по предварительному сговору, и основной смысл его опять же не в нем самом, а в пространстве глубоко индивидуальных, эстетических и событийных переживаний очевидцев и соучастников. Качественным параметром перформанса является «чистота», то есть свобода от прямых и близких ассоциаций, демонстративная элементарность сюжета и изобразительных средств. Перморманс в отличие от живописи не требует специальной подготовки для адекватного восприятия, даже наоборот, он предполагает отказ от привычных ожиданий и подходов к нему как произведению искусства. Наиболее правильной здесь окажется незаинтересованная оценка случайного прохожего, который воспринял увиденное как обычное жизненное впечатление, странный случай, не успел встать на позицию потребителя эстетических ценностей и потерять самостоятельность суждения и незамутненность чувства. Например, московская группа художников «Коллективные действия» (КД) в июне 1977 г. в лесу у реки провела акцию «Шар». Они предварительно сшили из пестрого ситца оболочку «шара» диаметром 4 м и купили 500 надувных шаров. Зрителей никаких не было. Они надули шары и набили ими оболочку, положили в «шар» включенный электрический звонок с батарейкой, завязали и пустили по течению реки. Они стояли и любовались, как красиво плывет «шар» по живописной извивающейся реке и вписывается в пейзаж. Перформанс в наиболее обостренной форме демонстрирует ориентацию концептуализма на сознание, не замутненное идеологией и стереотипами. Как правило, концептуальный перформанс работает с чисто абстрактными категориями: временем, пространством, человеческим телом в пространстве, позицией созерцания, расстоянием, длительностью и т. д. Перформанс условно можно назвать театром визуальных искусств, поскольку в него включаются элементы пантомимы, танца, музыки, поэзии, видео, кино.плакаты.

Передвижники— художники, входившие в российское демократическое художественное объединение «Товарищество передвижных художественных выставок» (ТПХВ), созданное в 1870 г. по инициативе И. Крамского, Г. Мясоедова, Н. Ге и В. Перова. Первая выставка состоялась в 1871 г. Передвижники испытали воздействие общественных и эстетических взглядов В. Белинского и Н. Чернышевского. Большую роль в формировании их творческой программы сыграл критик В. Стасов. П. Третьяков материально поддерживал передвижников, приобретая их произведения для своей галереи. Передвижники были убежденными реалистами, а выдвинутая ими программа народности искусства выражалась в изображении типических сторон и многогранных характеров социальной жизни, часто с критической тенденцией («Земство обедает» Г. Мясоедова, 1872 г., «Встреча иконы» К. Савицкого, 1878 г.). Передвижники показывают не только бедность, но и красоту народного быта («Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» В. Максимова, 1875 г.), не только страдание, но и стойкость перед лицом жизненных невзгод, мужество и силу характеров («Бурлаки на Волге» И. Репина, 1873 г.), богатство и величие родной природы (пейзажи А. Саврасова, И. Шишкина, И. Левитана), героические страницы национальной истории (картины В. Сурикова) и освободительного народного движения («Арест пропагандиста», 1892 г.; «Отказ от исповеди», 1885 г.; «Не ждали», 1888 г., И. Репина). Большое значение в их творчестве приобретают социально-бытовой портрет («Курсистка» Н. Ярошенко, 1883 г.), пейзаж, а позже — историческая живопись, где главным действующим лицом выступает народ («Утро стрелецкой казни» В. Сурикова, 1881 г.). Образы русской народно-сказочной фантазии оживают на полотнах В. Васнецова. Произведения В. Сурикова, И. Репина, Н. Ге, В. Васнецова, И. Шишкина, И. Левитана, представляющие собой вершины передвижнического реализма, отличаются свободной, широкой манерой письма, передачей световоздушной среды с помощью рефлексов, цветных теней, свободой и разнообразием композиционных решений. Последняя 48-я выставка ТПХВ состоялась в 1923 г.

Первобытное искусство (англ. primitive art) — собирательное обозначение различных форм искусства первобытно-общинного строя. Формирование первобытного искусства относится к позднему палеолиту (около 33 тысяч лет до н. э.). Искусство палеолита отражает главные жизненные интересы первобытного человека — охоту и рыболовство. Настенные изображения палеолитического искусства {рельефные, графические и живописные) поражают реализмом и жизненностью, яркостью образов. Жизнь и благосостояние палеолитического человека во многом зависели от знания животных и их повадок, от умения выследить их, поэтому меткость и острота наблюдений помогали ему в охоте. Художественное творчество человека позднего палеолита вдохновлялось окружающей природой, богатым животным миром и было посвящено главным образом охоте. Например, полные движения и жизни фигуры животных украшают пещеры Ласко во Франции. Изображение явилось незаменимым средством фиксации и передачи из рода в род комплекса духовной культуры. Возникновение искусства означало огромный шаг вперед в развитии человечества. Тесно связанное с первобытными мифологическими воззрениями искусство основывалось на одухотворении сил природы (анимизм) и культе животных — прародителей рода (тотемизм). В течение тысячелетий совершенствовалась техника изображения. Например, в росписях пещеры Альтамира (Испания) появились объемные изображения мамонтов, оленей, бизонов в характерных позах и движении. Люди постепенно овладевали различными строительными материалами, зарождались зачатки архитектуры. Широкое развитие получили мегалитические сооружения: менгиры, дольмены кромлехи. В поздний период первобытного общества развивались художественные ремесла: ткачество; изготовлялись керамика, золотые и серебряные украшения, изделия из бронзы, мелкая пластика. В искусстве получил широкое развитие орнамент. На рубеже бронзового и железного веков скотоводческие племена Азии и Восточной Европы создали металлические изделия в «зверином стиле».

Пейзаж (франц . paysage, от pays местность), вид, изображение какой-либо местности; в живописи и графике жанр (и отдельное произведение), в котором основной предмет изображения - природа. Часто изображаются виды городов или архитектурных комплексов (архитектурный пейзаж, ведута), морские виды (марина).

Панно (фр. panneau — доска, щит) — в искусстве оформления интерьера часть стены или потолка (плафон), выделенная лепной рамой или ленточным орнаментом и заполненная живописью. Панно может исполняться на холсте обычными живописными средствами, а затем уже прикрепляться к стене или потолку для украшения интерьера общественных зданий. Декоративное панно может быть также рельефное, резное, изразцовое, текстильное и др. Роспись по дереву и по металлу в народном и декоративно-прикладном искусстве может украшать панно не только больших, но и достаточно небольших размеров, предназначенных для оформления интерьеров жилых помещений.

Орнамент (от лат. ornamentum — украшение) — узор, построенный на ритмическом чередовании и организованном расположении элементов. В зависимости от характера мотивов различают следующие виды орнаментов: геометрический, растительный, зооморфный и антропоморфный. Геометрический орнамент может состоять из точек, линий (прямых, ломаных, зигзагообразных, сетчато-пересекающихся), кругов, ромбов, многогранников, звезд, крестов, спиралей и др. Сложные орнаменты типа меандр, встречающиеся в искусстве Древней Греции, тоже можно отнести к геометрическому орнаменту. Растительный орнамент составляется из стилизованных листьев, цветов, плодов, веток и т. п. (лотоса, папируса, пальмы и др.). Наиболее часто встречающийся у всех народов мотив «Дерево жизни», который может изображаться и как цветущий куст, и более декоративно-обобщенно, является растительным орнаментом. Зооморфный орнамент изображает стилизованные фигуры или части фигур реальных и фантастических животных. Иногда подобный орнамент называют звериным стилем. Декоративные изображения птиц и рыб также относятся к этому виду орнамента. Антропоморфный орнамент в качестве мотивов использует мужские и женские стилизованные фигуры или части лица и тела человека. Нередки в орнаментах сложные комбинации мотивов разных видов, например геометрических и растительных . Не всякий узор можно считать орнаментом. Узор, свободно заполняющий плоскость, таковым не является. По характеру композиции можно выделить такие типы орнамента: ленточный, имеющий семь разных видов симметрии {фриз, бордюр, кайма), орнамент в круге (розетта), орнамент в квадратной или прямоугольной фигуре, сетчатый (может быть семнадцать принципиально разных типов сеток, на которых располагаются элементы орнамента). Свойства орнамента также зависят от назначения, формы, структуры и материала той вещи, которую он украшает. Орнамент является частью народного, декоративного и прикладного искусства. Он служит для украшения зданий, одежды, предметов быта (утвари, мебели, инструментов и т. д.), оружия, широко применяется в книжной и прикладной графике, плакате и т. п. Орнамент можно нарисовать графическим материалом и написать красками, вышить или выткать из ниток, вырезать по дереву или вычеканить по металлу и др. Орнамент может стать вещью, если его сплести в виде кружева (салфетка, воротник, скатерть и т. п.), циновки или выковать из металла (светильник, поставец, ограда, ворота и др.). Орнамент может быть многоцветным (полихромным) и одноцветным {монохромным), выполнен на поверхности предмета выпукло, рельефно или, наоборот, углублен. Общие стилистические признаки орнаментального искусства определяются особенностями и традициями изобразительной культуры каждого народа, обладают определенной устойчивостью на протяжении длительного исторического периода и имеют ярко выраженный национальный характер. Поэтому можно сказать, что орнамент является стилем эпохи, надежным признаком принадлежности произведения к данному времени и к данной стране (см. готика, барокко, модерн и др.). В народном творчестве мотивы орнамента запечатлели фольклорно-поэтическое отношение к миру (солярные знаки: солнечные, знаки Земли, Воды, Огня и др.). С течением времени древние орнаментальные мотивы утрачивали свой первоначальный смысл, теряли магическое значение, роль оберегов от злых сил, сохраняя декоративную выразительность. Например, вязь — любимый древнерусский орнамент, используемый для украшения книг,— искусно вплетает фигурки людей, силуэты животных и птиц в кружевную сетку узора.

Ордер (фр. order, от лат. ordo — строй, порядок, система) — в классической архитектуре порядок соотношения несущих и несомых частей здания, представляющий собой архитектурно-художественный образ стоечно-балочной конструкции. В архитектуре Древней Греции сложились ордера, различавшиеся по стилю: дорический, ионический, коринфский, римляне добавили к ним тосканский и композитный. Ордер делится по вертикали на три основные части: опору, несущую и несомую системы. Опора может присутствовать в виде многоступенчатого стилобата, подия или ряда пьедесталов под колоннами, может и отсутствовать (в таком случае ордер называется неполным). Несущая система также может реализовываться с различной степенью полноты — от стены до ряда свободно стоящих колонн. Только отсутствие несомой системы — антаблемента и особенно такой его важной части, как карниза, лишает постройку всякой ордерной идеи. Поэтому из всех деталей ордера карниз был всегда наиболее постоянен и сохранялся даже в постройках, в которых не было ни подножия, ни колонн. Тосканский ордер — самый прочный и тяжелый на вид из пяти ордеров римской системы (правила его построения изложены у Витрувия, I в. до н. э.) в греческой системе ордеров отсутствует. Часто рассматривается как вариант дорического ордера, к которому близок по форме и пропорциям. Форма тосканского ордера заимствована из архитектуры этрусков (тусков), откуда и происходит его название. Он символизировал физическую мощь и силу, а потому применялся главным образом в хозяйственных и военных постройках. Тосканскому ордеру уделялось место в первом этаже, где он зримо демонстрировал сопротивление тяжести, лежащей сверху. Дорический ордер — самый прочный и тяжелый на вид из трех архитектурных ордеров в греческой системе, откуда он берет начало; второй по прочности после тосканского в римской системе ордеров. В архитектурно-теоретических трактатах со времен Витрувия дорическую колонну было принято интерпретировать как образ героя, а сам ордер — как выражение его силы, духовной и физической. Такая символика обычно ограничивала употребление дорического ордера в постройках, назначение которых с нею гармонировало. Сочетаясь на одном фасаде с другими ордерами, дорический ордер как «тяжелый ордер» помещался преимущественно внизу. Ионический ордер — один из ордеров, общих для греческой и римской систем. В градации по степени тяжести и легкости занимает среднее положение между более сильным и тяжелым дорическим и более стройным и легким коринфским ордерами. У Витрувия ионическую колонну принято было интерпретировать как образ прекрасной зрелой женщины, а ионический ордер — как выражение ее грации. Эта символика ограничивала применение ионического ордера. Сочетаясь на одном фасаде с другими ордерами, ионический ордер, будучи ордером средней тяжести, располагался выше тосканского и дорического, но ниже коринфского и композитного ордеров. Коринфский ордер — самый легкий и стройный из трех ордеров греческой системы. Менее определенным по признаку тяжести и легкости является его место в римской системе. Во времена Витрувия коринфскую колонну было принято интерпретировать как образ прекрасной девушки, а сам ордер — как выражение ее нежности и чистоты. Поэтому его применяли в постройках, чье назначение прямо или косвенно связывалось бы с таким символическим содержанием. В многоэтажных постройках легкий коринфский ордер занимал преимущественно верхнюю позицию. Композитный ордер — архитектурный ордер, разработанный в Древнем Риме в дополнение к уже существовавшим греческим ордерам. Его пропорции во всем совпадают с коринфским ордером. Капитель коринфского стиля может быть дополнена четырьмя ионическими волютами, иногда в нее вводятся рельефные детали, скульптурные изображения. В более широком смысле композитными называют любые смешанные ордера. В архитектурной практике, начиная с античности и особенно в последующие эпохи, различные ордера свободно сочетались друг с другом, их пропорции и детали варьировались, изменялись. В основе оформления фасадов и интерьеров памятников архитектуры классицизм

Оп-арт (англ. op art, сокращ. от optical art — оптическое искусство) — направление в искусстве 20 века, получившее широкое распространение в 1960-х годах. Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением ритмических повторов, резких цветовых и тональных контрастов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции (см. кинетическое искусство). Иллюзии струящегося движения, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте только в ощущении зрителя. Направление продолжает техницистскую линию модернизма.

«Новые дикие» направление в изобразительном искусстве 1980-90-х. Возникло на волне новой моды на экспрессионизм и фовизм (отсюда само название, напоминающее о фовистах как "старых диких"). Тяготели к импульсивной эмоциональности самовыражения, противостоящей концептуальному искусству или гиперреализму. Живопись, графика и скульптура "новых диких" (Г. Базелиц, А. Кифер, А. Пенк в Германии, И. Борофский, Дж. Шнабель в США) обычно сохраняя фигуративность, отличаются своеобразным "варварским лиризмом"(близким новейшим течениям поп-музыки), включает массу загадочных знаков, поэтому в Италии работы мастеров этого плана (Ф. Клементе, Э. Кукки, М. Палладино) обозначают обычно как "искусство-шифр" (arte cifra). Нередко смыкается со стилем граффити.

Нео (неоклассицизм, неоэкспрессионизм, неоромантизм) Приставка нео - (новый) означает возрождение направлений или идеалов искусства предшествующих эпох. Например, неоклассицизм - движение, возникшее во второй половине XVIII столетия - стремился вернуть классические ценности и воскресить благородный стиль древних греков и римлян. В живописи и архитектуре он характеризовался повышенным вниманием к линии и рисунку, уравновешенной композицией, а также частым обращением к сюжетам античности. Неоэкспрессионизм - это тенденция в творчестве определенных художников США и Европы, особенно Германии, возникшая в конце 1970-х годов. Художники вновь обратились к выразительным возможностям экспрессионизма, создавая каждый раз глубоко индивидуальный стиль, часто заряженный агрессией и нервным напряжением. Неоромантизм обозначает сильно театрализованное направление в живописи XX века, соединяющее в себе черты романтизма и сюрреализма. см. (Неоклассицизм) Альма-Тадема, Жак Луи Давид, Канова, Лейтон, Менгс, Пауэре, Прюдон, Энгр; (Неоэкспрессионизм) Ауэрбах, Базелиц, Бойд, Бомберг, Кифер, Клементе, Шнабель, Фринк; (Неоромантизм) Пайпер, Нэш

Натюрморт (франц . nature morte, букв. - мертвая природа), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), посвященный изображению неодушевленных предметов (утварь, плоды, битая дичь, букеты цветов, атрибуты какой-либо деятельности и т. д.).

Народное искусство (фольклор) — создаваемые народом на основе коллективного творческого опыта, национальных традиций и бытующие в народных массах поэзия (предания, сказки, эпос), музыка (песни, наигрыши, пьесы), театр (драмы, театр кукол, сатирические пьесы), танец, архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство. Народное искусство является частью художественной культуры. Произведения народного искусства имеют духовную и материальную ценность, служат красоте и пользе. Народное искусство имеет по преимуществу декоративное и прикладное значение. Народные мастера создают свои произведения из разнообразных материалов. Наиболее распространены художественная керамика, ткачество, кружевоплетение, вышивка, роспись, резьба по дереву или камню, ковка, литье, гравирование, чеканка и др. Расписной посудой, кружевными салфетками, деревянными резными досками, вышитыми полотенцами и многими другими произведениями народного искусства мы можем пользоваться в быту. Большое значение в народном искусстве отводится орнаменту, который украшает предмет (вещь) или является его структурным элементом. Мотивы орнамента имеют древние мифологические корни. В народном искусстве можно выделить два направления: городское художественное ремесло и народные художественные промыслы. Например, произведениями традиционных художественных промыслов являются: роспись по дереву (Хохлома, Городец) и по фарфору (Гжель), глиняную игрушку (Дымка, Филимоново), матрешек (Сергиев Посад, Семенов, Полхов-Майдан), подносы (Жостово), лаковые миниатюры (Федоскино, Палех, Мстера, Холуй), платки (Павловский Посад), резная деревянная игрушка (Богородское), ювелирные изделия (Кубачи) и др. Народное искусство живет веками. Навыки технического мастерства и найденные образы произведений переходят из поколения в поколение, сохраняясь в руках и памяти народных художников. В силу этого закрепляемая веками традиция отбирает только наилучшие творческие достижения







Сейчас читают про: