Тема №2. Русская музыка 18-первой половины 19 века

 

18 век был очень важным этапом в истории России. Это было время коренных преобразований во всех областях русского общества. Реформы Петра I коснулись и русской культуры. В первую очередь, они способствовали расцвету светского, а не церковного искусства. В этом веке в России рождались новые формы музицирования и новые жанры.

По приказу Петра I, во всех русских армиях были созданы духовые оркестры. Они играли на торжественных парадах и празднествах. В честь побед русского оружия звучали хоровые песни – «приветственные», или «виватные», канты. Любовные канты в любительских домашних концертах пели под аккомпанемент арфы, гитары, клавесина. На ассамблеях в царском дворце танцевали аллеманду, менуэт, гавот – танцы, пришедшие из Европы.

В это время очень популярными стали крепостные оркестры, создаваемые в усадьбах русских помещиков. Особой известностью пользовались роговые оркестры. В наше время о подобном оркестре говорить не приходится, так как их давно не существует. Появились они в России в середине 18 века, просуществовали примерно сто лет и исчезли. Ни в одной другой стране подобных оркестров не было. Роговые оркестры состояли из охотничьих рогов различной величины. Самые большие из них лежали на специальной подставке. Каждый рог издавал только один звук, поэтому для исполнения самой простой пьесы требовалось около 50 музыкантов. Рогов в некоторых оркестрах было столько, что составлялся большой звукоряд, и можно было исполнять довольно сложные произведения.

Играть в роговом оркестре было не только трудно, но даже мучительно. Музыкант переставал быть человеком и превращался как бы в клавишу, на которую нажимает капельмейстер: ведь он должен был играть только один- единственный звук, причем нужно было его издавать абсолютно точно: вовремя и указанной длительности. Конечно, добровольно играть в таком оркестре никто не стал бы. Поэтому состояли роговые оркестры исключительно из крепостных музыкантов и принадлежали знатным вельможам. Так, в начале 19 века славился роговой оркестр князя К.С. Нарышкина.

Не меньшей популярностью в то время в России пользовались крепостные театры. Первые из них появились в конце 17 века. Через сто лет их насчитывалось уже больше 170. Вначале крепостные театры обслуживали лишь небольшое число «избранной» публики, позже, став общедоступными, они открыли свои двери для широких слоев народа и приносили своим хозяевам немалые доходы. Но многие крепостные театры так и остались на уровне барского развлечения, хотя были весьма совершенными: в них с глубоким знанием дела исполнялись сложные спектакли.

Особенно славились крепостные театры Н. Шереметьева, П. Позднякова, И. Ржевского, С. Апраксина. Некоторые из них отличались вызывающей роскошью своих постановок, не уступали по уровню исполнения и оформления придворным театрам. В 18 веке еще не было четкого деления театра на драматический и оперный. Эти театры стали подлинными очагами музыкально- театрального искусства благодаря великолепным творческим силам, подобранным из народа. Во многих помещичьих усадьбах были школы крепостных актеров, некоторым из них удавалось получить образование за границей. Крепостным актерам приходилось выступать во многих качествах, среди них были и прекрасные артисты, и выдающиеся певцы. Достаточно вспомнить трагическое дарование замечательной артистки и певицы театра графа Шереметьева Прасковьи Жемчуговой.

Впоследствии часть этих крепостных трупп влилась в казенные театры, заложив основу их дальнейшего развития.

Надо сказать, что театр в России был одним из самых популярных видов искусства, и именно с театром было связано зарождение и развитие национальной композиторской школы. Ее формирование было главным итогом развития русской музыки 18 века. Это столетие выдвинуло целую плеяду русских композиторов, не уступавших по уровню своего профессионализма многим европейским музыкантам. Среди них надо назвать имена Евстигнея Фомина (1761-1800), Дмитрия Бортнянского (1751-1825),, Ивана Хандошкина (1747- 1804).

Еще одним толчком для развития национальной композиторской школы стал интерес к фольклору.

Народное пение было очень популярным в тот период. Его допускала сам императрица Екатерина II. В Царском Селе она ходила смотреть хоровод сельских девок, которые пели песни. Во дворце фрейлины, наряженные в сарафаны, тоже водили хороводы и распевали народные песни. Все это воспринималось как диковина- даже русские бабы в кокошниках превращались в маскарадное зрелище.

Конечно, это было чисто внешнее проявление интереса к фольклору. Гораздо важнее было то, что именно в это время началось регулярное изучение и собирание народных песен, появились первые сборники народных песен. Практически, с изучения народной песни в России началось развитие профессионального композиторского творчества. Только в этом веке русские песни стали записывать, разрабатывать и изучать. Появились первые печатные сборники В. Трутовского, Н. Львова, И. Прача и другие.

Большой интерес к фольклору проявился во многих видах русского искусства той эпохи. Передовые художники ощутили необходимость правдиво отражать в своем творчестве жизнь русского народа. И здесь они нашли неисчерпаемые сокровища народного искусства. Обращаясь к быту городского мещанства, купечества, крестьянства, они находили общие черты в самом укладе жизни и быта этих сословий. Фольклор вносил в их произведения стихию народной жизни. Это делало их сочинения популярными у широких слоев зрителей.

Все, о чем мы сейчас говорили, проявилось в русской литературе, драматургии, а также в музыкальном жанре, который зародился в России в конце 18 века,- комической опере. В ней проявилось стремление русских авторов к реализму. Основой для нее послужила литературная комедия. Русская комическая опера обязана своим рождением, прежде всего, литераторам. Это А. Сумароков, М. Херасков, Я. Княжин, А. Аблесимов, И. Крылов, В. Капнист, Н. Львов и др. Видите, круг писателей, откликнувшихся на веяния времени, очень широк. Композиторская школа в России этого времени еще только формировалась, и жанр комической оперы в момент его рождения рассматривался больше как явление литературы.

В первых откликах на комическую оперу в прессе даже не упоминалось имя композитора. Автором считался либреттист- драматург.

Первые оперы представляли собой чередование разговорных диалогов и песенных номеров. Образцом для многих народно- бытовых опер конца 18 века послужила песенная опера М.М. Соколовского «Мельник- колдун, обманщик и сват» (1779). В этой опере веселый и хитрый Мельник одурачивал простодушных героев, выманивал у них деньги и содействовал общему благополучию, выступая в роли свата. Комедийное действо было тесно связано с сатирой.

Большой вклад в развитие русской комической оперы внес В.А. Пашкевич. Если годы жизни Соколовского мы вообще не знаем, о Пашкевиче мы можем сказать лишь то, что он родился около 1742 г. О жизни его сохранились очень скудные сведения. Известно, что в 60-х годах он служил скрипачом в придворном оркестре, а затем был дирижером «бальной музыки» при дворе. Работал он и в Придворной певческой капелле, а также преподавал в Академии художеств.

Как композитор, Пашкевич находится в ряду самых талантливых музыкантов этого века- основоположников оперного жанра в России. До наших дней дошло несколько партитур Пашкевича.

В 1779 г. в Санкт- Петербургском Эрмитажном театре была поставлена его опера «Несчастье от кареты». Либретто написал Я. Княжин – один из самых прогрессивных писателей 18 века. Его вольнодумную трагедию «Вадим Новгородский» по приказу Екатерины II сожгли.

Сюжет сводится к следующему: помещик Фирюлин хочет купить дорогую парижскую карету. Он вообще обожает французскую моду. Чтобы купить карету, ему нужно продать в рекруты крепостного Лукьяна, которому от этого грозит разлука с любимой невестой. Молодых людей выручает приятель Лукьяна - Афанасий. По его наущению, Лукьян, который когда- то затвердил несколько французских слов, обращается к барину по- французски. Помещик от умиления даже проливает слезу: крестьяне, простые люди, оказывается, не чужды европейского просвещения! Он освобождает Лукьяна и разрешает ему жениться на Анюте. Под видом наивной бытовой комедии здесь выступает вполне реальная картина крепостнических нравов.

Кроме того, им написаны оперы «Как поживешь, так и прослывешь, или Санкт- Петербургский гостиный двор» (1782), «Скупой» (1782), сказочная опера «Февей» (1786), а также музыка к исторической пьесе императрицы Екатерины «Начальное управление Олега»(1790). Это было «большое историческое представление в пяти действиях, с хорами, свадебными песнями, игрищами и балетами». С этой оперой связано большое событие в нотоиздательском деле России: ее партитура – первая, напечатанная в России в 1791 г.

Среди произведений Пашкевича выделяется своими достоинствами и необычной судьбой опера «Санкт- Петербургский гостиный двор». Ее премьера состоялась в 1782 г. первый вариант музыки не сохранился, и долгое время считалось, что автором музыки и текста первой редакции является М. Матинский (переводчик, драматург, учитель математики и географии). До наших дней дошла вторая редакция оперы 1792 г. Сегодня точно известно, что музыку обеих редакций написал В. Пашкевич. Ведь Матинский не был музыкантом. В своем либретто он лишь указал народные песни для музыкальной обработки пьесы.

Одной из крупнейших фигур русской музыки 18 века является Е.И. Фомин.

Е. Фомин родился в 1761 г. в Петербурге. Его отец был солдатом –канониром Тобольского полка. В 6 лет мальчика отдали учиться в академию художеств, где он получил музыкальное образование. Академию он закончил блестяще. Сохранились документы, в которых сказано, что за превосходные успехи в музыке Фомин, в виде исключения, получил денежную награду, хотя, по Уставу академии, наград музыкантам не полагалось. В 1782 г. он был направлен для продолжения образования в Италию. В Болонье он учился у прославленного композитора и теоретика падре Мартини. Талант Фомина получил достойную оценку за рубежом: на его долю выпала редкая честь быть избранным по конкурсу в члены Болонской филармонической академии. Такого звания незадолго до этого получил 14- летний Моцарт.

В 1785 г. молодой композитор, только что получивший звание академика, вернулся на родину. В Петербурге он начал свою деятельность с создания по заказу и на либретто Екатерины II оперы- балета «Новгородский богатырь Боеслаевич».

Но музыка Фомина, в прямом смысле слова, пришлась «не ко двору» в России. Наверное, императрице не понравилось то, что молодой музыкант очень свободно обращался с ее текстом и написал в опере яркие народные сцены, которые сама она в опере не планировала. Так получилось, что на многие годы имя Фомина исчезло из прессы, документов. Об опальном музыканте не сохранилось никаких сведений. Как он жил, где работал, чем зарабатывал на пропитание, мы сегодня можем только предполагать. Достоверно известно только то, что уже после смерти императрицы Екатерины он получил скромное место репетитора оперных партий и преподавателя музыки в театральном училище. В 1800 году Фомин безвременно скончался, не дожив до сорока лет.

Только в 19 веке имя Фомина привлекло внимание историков. Вокруг него сложились легенды. Перу его приписывали более 30 опер. Конечно, это количество преувеличено. Точно установлено, что им написано 9 крупных произведений. К сожалению, все его партитуры не сохранились. Целиком до наших дней дошли оперы «Ямщики на подставе», «Американцы», мелодрама «Орфей», а также фрагменты «Новгородского богатыря» и оперы «Золотое яблоко». Но центральными в его творчестве являются «Ямщики на подставе» и «Орфей». Это- пример воплощения двух противоположных контрастных жанров. С большим талантом композитор показал в них сферу трагического и комического, возвышенных образов античности и современного бытового сюжета.

В основу оперы «Ямщики на подставе» (1787) композитор положил подлинные народные мелодии. Но его отношение к подлинной народной песне не отличалось от позиции всех предшественников: он не просто обрабатывает ее, а развивает в сложной хоровой форме. Эту оперу называю первой русской хоровой оперой.

Текст был написан известнейшим поэтом и драматургом той поры Н. Львовым. Эта одноактная опера, которой автор дал название «Игрище невзначай», представляет собой картину из жизни русских ямщиков. Вот ее сюжет: на почтовой станции (подставе) собрались ямщики. Среди них -первый удалец Тимофей и его жена, Фадеевна. Злой недруг Тимофея- вор и пройдоха Филька Пролаза- пытается незаконно сбыть его в рекруты. С помощью проезжего офицера дело разъясняется. Вместо Тимофея в рекруты попадает сам Филька. Опера заканчивается радостной хоровой сценой. Вот в таком простом сюжете композитор стремился воплотить обобщенный образ народа, выразить в песне особенности народного характера.

Фомин мастерски разработал в опере очень известные народные песни: «Не у батюшки соловей поет», «Высоко сокол летает», «Ретиво сердце молодецкое», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из -под вяза», «Во поле береза бушевала» и др.

Высоким достижением Фомина стала мелодрама «Орфей» (1792).

Мелодрама- особый вид музыкально- театрального спектакля, в котором литературный текст произносился с сопровождением симфонической музыки. Монологи актеров, которые читались речитативом, чередовались с музыкальными вставками и только иногда «накладывались» на оркестровый фон. Основой мелодрамы были сюжеты трагического характера. Поэты и композиторы 18 века видели в этих «музыкальных трагедиях» новый возвышенный строй чувств. Музыка в мелодраме поддерживала речь актера, усиливала ее драматические эмоции. В таких спектаклях охотно участвовали крупные трагические актеры той эпохи, пленяя зрителей певучей выразительной декламацией.

Музыкальный язык мелодрамы Фомина, написанной на текст А. Княжина, близок произведениям Моцарта, Глюка и других европейских композиторов. В пламенной, страстной и трагической музыке Фомин передал главную идею древнегреческого мифа о преданной любви Орфея и Евридики, сумевшей победить смерть. Он выразил в ней протест Орфея против слепой воли судьбы и подчеркнул мысль о великой силе искусства и любви.

Мелодрама Фомина стала одним из самых совершенных классических образцов этого жанра. В ней композитор решил одну из важнейших задач, стоящих перед русской музыкой того времени: ему впервые удалось овладеть большой трагической темой. Этим произведением он показал, что русская музыка уже не ограничивалась жанрово- бытовой тематикой, а смело вторгалась в мир больших идей и глубоких чувств.

Самым универсальным композитором своего времени стал Д.С. Бортнянский. Он- классик хоровой музыки, автор трех опер, произведений для фортепиано, инструментальных ансамблей.

Украинец по происхождению, Бортнянский родился в 1751 г., в городе Глухове, который был крупным центром хоровой культуры. Здесь была создана специальная школа, готовившая певчих для русского двора. В 7 лет мальчик был зачислен в Придворную капеллу и сразу же поразил слушателей своими выдающимися музыкальными данными и прекрасным голосом. С десяти лет он принимал участие в придворных концертах, пел ведущие партии в оперных спектаклях. В 1769 году он был отправлен для обучения в Италию, где провел около 10 лет. Написанные им итальянские оперы «Креонт» (1776), «Алкид» (1778), «Квинт Фабий» (1779) с успехом ставились в крупных оперных театрах Италии.

Когда в 1779 г. Бортнянский вернулся в Россию, он был назначен капельмейстером при малом дворе наследника Павла. Это был небольшой круг знати, вдали от пышного двора Екатерины. Именно здесь композитор написал лучшие свои оперы «Празднество синьора», «Сокол», «Сын- соперник», камерные инструментальные сочинения.

В 1796 г. Бортнянский получил место директора придворной капеллы и с тех пор посвятил себя исключительно хоровой музыке. Под его руководством капелла превратилась в крупнейшую хоровую организацию, в которую привлекались лучшие силы. Большое внимание он уделял музыкальному образованию юных певцов, потому что в своих учениках он видел не только певцов- исполнителей, но и будущих хоровых дирижеров, хорошо образованных музыкантов, способных нести музыкальное просвещение в глухие села и города России.

Проработав в качестве директора капеллы почти 30 лет, Бортнянский умер в Петербурге в 1825 г.

По характеру своего таланта Бортнянский был лириком. Его можно считать создателем лирической линии в русском музыкальном театре. Свои оперы он писал для домашних спектаклей, исполняемых группой любителей- певцов из среды аристократов.

Все, о чем мы с вами говорили, свидетельствует о том, что русская опера шла разными путями. Это и народно- песенная опера Фомина, и его мелодрама «Орфей», и комедийная сатира опер Пашкевича, и светлая лирика опер Бортнянского.

Надо отметить и то, что русская опера помогала развитию и других жанров русской музыки – симфонизма, хоровой классики, вокальной лирики. Именно развитие оперы в 18 веке обусловило ту роль, которую она будет играть в творчестве композиторов- классиков. Но, прежде чем перейти к знакомству с их творчеством, мы вспомним еще одного композитора, внесшего большой вклад в развитие музыки 18 века,- И.Е. Хандошкина.

По сохранившимся данным, Хандошкин родился в 1747 г., в семье портного, исполнявшего также обязанности придворного музыканта в оркестре Петра III. В 15 лет молодой музыкант был принят в придворный оркестр и сразу же зарекомендовал себя одним из лучших исполнителей. Вскоре он стал первым камер- музыкантом, а затем, и капельмейстером оркестра. Параллельно он преподавал в Академии художеств и театральной школе при «Вольном театре» Книппера. В 1785 г., по приказу князя Потемкина, он уехал в Екатеринослав, где князь открывал музыкальную академию. Но проект Потемкина так и не осуществился, и в 1789 г. Хандошкин вернулся в Петербург, где и умер в 1804 г.

Этого музыканта можно считать первым крупным русским исполнителем, основоположником скрипичной школы в России. Много лет он выступал в концертах, причем был не только лучшим скрипачом своего времени, но и владел также альтом и гитарой. Он создал 50 циклов вариаций, сонаты. В своих вариациях на народные темы он свободно трактовал народную мелодию, обогащал ее, раскрывал образное содержание. Эти произведения- развернутые концертные пьесы с тонко разработанной виртуозной фактурой. Творчество Хандошкина стало ценным вкладом в русскую музыку.

Один из наиболее любимых видов музыкального искусства в конце 18- первой половины 19 века – романс. Многие из романсов того времени были тесно связаны с тогдашней городской бытовой песней. По своему строению они мало чем отличались от народных песен, нередко сохраняя куплетную форму (строфическую форму). Исполнялись эти «песенные романсы» под аккомпанемент фортепиано, арфы или гитары. В романсе, как и в народной песне, отразились думы, настроения и переживания простых людей. Лучшие из них распространялись устно, свободно варьировались и постепенно превращались в народные песни.

Важную роль в развитии русского романса первой половины 19 века сыграли композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский, Булахов. Видное место занимает жанр романса и камерной песни также в творчестве композиторов- классиков: Глинки и Даргомыжского.

А.А. Алябьев (1787-1851) родился в г. Тобольске. Как и многие из дворянских детей, он не посещал школы и обучался дома, а затем – в Московском университете. Служил он по горному ведомству.

Во время Отечественной войны 1812 г. Алябьев добровольно вступил в русскую армию и прошел с ней боевой путь до Парижа. Участвовал в сражениях, был ранен и награжден за боевые заслуги орденом. Вернувшись после окончания войны в Петербург, он сблизился с передовыми представителями русской интеллигенции (Грибоедовым, Одоевским, будущими декабристами Мухановым, Бестужевым- Марлинским). Идеи декабристов оказали влияние на формирование взглядов композитора. В Петербурге Алябьев начал серьезно заниматься сочинением музыки для театра, опер, романсов, квартетов и трио. Широкую известность завоевывает в середине 20-х годов его песня «Соловей» на слова А. Дельвига. Она и ныне звучит на концертной эстраде, пользуясь заслуженной любовью.

Жизнь Алябьева была полна превратностей. В 1825 г. он несправедливо был обвинен в убийстве во время карточной игры и арестован. Три года он находился в тюрьме, а затем был отправлен в ссылку в Сибирь с лишением всех дворянских прав. Тяжелые испытания не сломили Алябьева. В Сибири он много работает, организует военный духовой оркестр, участвует в концертах, сочиняет романсы и песни, симфонические и камерные произведения.

Спустя несколько лет Алябьев получил разрешение выехать лечиться на Кавказ, где создал ряд произведений на кавказские темы («Грузинская песня, «Кабардинская песня», мелодрама «Кавказский пленник» на сюжет поэмы Пушкина), работал над сборником украинских народных песен. И позднее, в Оренбурге, где ему пришлось поселиться, Алябьев продолжал работу над изучением и собиранием народных песен – на этот раз башкирских.

Последние годы Алябьев нелегально жил в Москве. Он написал на стихи поэта – революционера Огарева несколько замечательных песен: «Кабак», «Изба», «Деревенский сторож». В них отразилась тяжелая судьба русского народа. Умер Алябьев в 1851 г. в Москве.

«Соловей» - одна из любимых и наиболее распространенных песен Алябьева. Все в ней скромно и просто. Песне предшествует оживленное фортепианное вступление в духе гитарного наигрыша. С первых же интонаций вокальной партии развертывается пленительно мягкая, задушевная мелодия. Широкая и плавно закругленная, она сразу же захватывает и покоряет своей строгой красотой. Обычное в русских народных песнях отклонение из минора в параллельный мажор (ре минор- фа мажор) придает звучанию более светлый оттенок. Оживленный припев звучит контрастно. Он построен на музыке инструментального вступления.

А. Е. Варламов (1801-1848) родился в Москве, в семье мелкого чиновника, отставного поручика. С раннего детства мальчик играл по слуху на скрипке и на гитаре. Десяти лет его отдали в Придворную певческую капеллу в Петербурге. Отличный голос и яркие способности мальчика заинтересовали Бортнянского – директора капеллы. Он стал отдельно заниматься с маленьким певцом. Окончив учение в капелле, Варламов стал учителем пения в русской посольской церкви в Гааге (Голландия), но вскоре вернулся на родину. С 1829 г. он живет в Петербурге. Знакомится с Глинкой, бывает на музыкальных вечерах в его доме. Со временем получает должность помощника капельмейстера московских императорских театров.

В 30-е годы романсы и песни Варламова постепенно завоевывают широкую известность. По содержанию они разнообразны. Есть среди них широкие раздольные песни, похожие на народные протяжные («Ах ты время, времечко»), задумчиво – сосредоточенные («Горные вершины», «Тяжело, не стало силы»), энергичные, разудалые («Вдоль по улице метелица метет», «Песня разбойника», «Вверх по Волге»).

Песни Варламова, искренние и простые, правдиво отражали те настроения, которые переживали русские люди в 30-е годы 19 столетия: неудовлетворенность действительностью, надежды на лучшее будущее и стремление к борьбе.

Таков его песенный романс «Белеет парус одинокий» (на сл. Лермонтова). В музыке композитор очень хорошо передал настроение стиха- стремительный порыв, жажду счастья, готовность к борьбе за него. Сопровождение романса написано в энергичном ритме болеро- испанского танца.

Варламов создал более 150 романсов и песен, концертные обработки русских народных песен, Школу для пения.

А.Л. Гурилев (1803-1858) родился в Москве. Отец его был крепостным музыкантом графа Орлова и руководил крепостным оркестром. Первым учителем Гурилева был его отец. Мальчик с детства играл в крепостном оркестре на скрипке. Вместе с детьми графа Орлова он брал уроки фортепианной игры у знаменитого ирландского пианиста и композитора Джона Фильда, много лет жившего в России. Учился он и у композитора Геништы.

Унизительное положение крепостного и суровая юность наложили свой отпечаток на характер Гурилева. Только в 1831 г. он и отец получили вольные. Молодой музыкант много сочиняет, дает уроки, выступает на концертах. Большое значение для Гурилева имела дружба с Варламовым, теплое участие которого во многом скрасило его одинокую жизнь. На мелодию варламовской песни «На заре ты ее не буди» Гурилев сочинил блестящие фортепианные вариации. Жизнь Гурилева сложилась нелегко. Трудные жизненные обстоятельства были причиной тяжелой психической болезни, от которой он умер в 1858 г.

Наибольшей известностью пользовался Гурилев как автор русских песен и романсов. Все произведения Гурилева – будь то «русские песни», обработки народных песен или пьесы для фортепиано – отличаются задушевностью, искренностью, теплотой. Особенную любовь и признание завоевали песни «Матушка- голубушка», «Вьется ласточка сизокрылая», «Разлука», «Колокольчик».

Многие романсы и песни Гурилева основаны на танцевальных ритмах – мазурки, польки, вальса. Так, мелодия песни «Домик- крошечка» - в характере задорного игрового вальса. Напротив, мелодиям песен «Колокольчик» и «Вьется ласточка сизокрылая» свойственны задушевные интонации и плавный ритм элегического вальса.

Песня «Колокольчик» стала народной. Она поэтична, согрета искренним чувством. Далека и необозрима дорога, раскинувшаяся перед глазами, грустна и задумчива песня ямщика, однообразен звон колокольчиков. Мелодия развивается в ритме вальса. Плавная и задумчивая в начале, она достигает в конце драматической кульминации.

Творчество Алябьева, Варламова, Гурилева- ценный вклад в сокровищницу русской музыки. Лучшие их песни и романсы входили в концертный репертуар певцов и хоров, они с любовью поются в народе и в наше время.

 

Вопросы.

1. Назови новые формы музицирования и жанры русской музыки 18 века.

2. Что такое роговый оркестр?

3. Что послужило толчком для развития русской национальной композиторской школы?

4. Назови ведущий жанр русской музыки последней трети 18 века.

5. Перечисли известные тебе комические оперы.

6. Назови имена и годы жизни ведущих русских композиторов 18 века.

7. Перечисли авторов популярных романсов и песен первой половины 19 века.

8. Расскажите о романсах «Соловей» Алябьева, «Колокольчик» Гурилева, «Белеет парус одинокий» Варламова.