Вопрос 12. Готическое искусство: скульптура и живопись

Скульптура

Основной вид изобразительного искусства.

Сюжеты: из истории, литературы, Священного Писания; жития святых; темы материнства, нравственного страдания, мученичества, душевной стойкости человека - жертвы насилия.

Особенности.

Господствует круглая пластика (в отличие от романики, где рельеф)

Подвижность фигур (нет застылости, замкнутости), обращение друг к другу и к зрителю

Глубокая человечность образов религиозной тематики

Располагаются на фасадах соборов и алтарных преградах

Интерес к реальным природным формам, к физической красоте, к чувствам человека

Современные костюмы на исторических персонажах

Лица индивидуальны

Увеличилась роль светских сюжетов

Роль портрета

Первые памятники круглой пластики появляются еще в середине 12 в. Однако, лишь с началом 13 в. готическая скульптура вступает в пору зрелости. В 30-40-х гг. начинается период ее наивысшего расцвета.

Скульптура собора расположена в соответствии теологической наукой, по которой собор - это собранная в фокусе структура вселенной. На западе (сторона заката) обычно находились сцены Страшного суда. Вверху Христос указывал на свои раны, по сторонам Мария и евангелист Иоанн, вокруг ангелы с орудиями страданий Христа и апостолы. Под ними - взвешивающий добрые и дурные дела архангел Михаил. Слева от зрителя - праведники, вступающие в рай. Справа - демоны, завладевающие грешниками и сцены мучений в аду. Еще ниже - разверзающиеся гробницы и воскресение мертвых. По сторонам входов посетителей собора встречают статуи Христа и апостолов.
Правый портал (вход) посвящался обычно Марии, здесь изображались сцены "Успения", "Воскресения", "Коронования" (собор в Страсбурге, 1230 г.). Левый портал - чтимому местному святому, и на нем изображались сцены из легенд его жизни. Южная сторона была посвящена сюжетам Нового завета, северная сторона посвящалась персонажам из Ветхого завета. Как система мироздания готический собор включал изображения реального мира и его понятий: времена года в виде знаков зодиака или сцен сельскохозяйственных работ, аллегорические фигуры "свободных искусств" - грамматика, диалектика, риторика, арифметика, геометрия, астрономия и музыка. 
Многочисленные изображения королей, рыцарей, прелатов, ремесленников, крестьян отражали иерархичную структуру феодального общества.

Франция

Сюжеты: Страшный суд.

Разномасштабность

Фигуры более высокие и изящные

Доминирует S-образный изгиб

Стремление к индивидуализации

Скульптурный портрет Карла V в Париже. Индивидуальные черты (e.g. сутулые плечи).

«Встреча Марии и Елизаветы», Реймский собор, 1230-1233 гг. Мы видим конкретные личности, конкретные судьбы, конкретную красоту этих двух замечательных женщин (Мария родила Христа, Елизавета - Иоанна Предтечу). Реймский собор занимает значительное место в истории средневекового искусства, его иногда называют готическим Парфеноном.

«Реймская улыбка», западный фасад Реймского собора, 1230-1233 гг. Улыбающийся ангел. Эта улыбка ангела еще робка, чуть смущенная, жеманная, но уже пленительная, истинно весенняя. Она очаровательна своей недосказанностью.

 

Германия

Материал: камень, бронза, дерево.

Немцы часто учились у французов, но были оригинальны. Германский мир - это переплетение "варварского" начала и наследия античной цивилизации. Если французская скульптура украшала интерьер и фасады (декоративная функция), то германская скульптура фантастична, остро выразительна, гиперболизирована. Ее образы индивидуализированы, даже портретны.

Статуи располагаются внутри зданий

Выражение страдания, перелома

«Бамбергский Всадник», XIII век, Бамберг. Конная статуя. Перед нами идеальный образ борца за правое дело, героя, каким себе его представляли в ту пору (скульптурный образ перекликается с образом Зигфрида, "Песнь о Нибелунгах"). Мы верим, что такие мужи коленопреклоненно славили своих дам и сражались с их именем на рыцарских турнирах. Нам кажется, что этот сеньор не способен на насилие, на притеснение обездоленных.

Тимо фон Кистриц – основатель Наумбургского собора. 12 статуй в хоре. Это феодальные властители, при которых был заложен собор. Неизвестный великий художник создал типичные образы, но в то же время сугубо индивидуализированные и конкретные. «Эккегард и Ута». Статуи выполнены по описаниям хроник, т.к. посмертны. Это супружеская чета маркграфов (граф, правитель области - марки с правами императорского князя). Их образы индивидуализированы и прекрасны. Эти образы захватывают нас своей правдивостью. По-детски выразителен взгляд Уты, очарователен жест ее руки, прижавшей к шее воротник длинного плаща, спадающего гармоничными складками. Ее супруг пожилой, с невозмутимым видом, с большим мечом.

В период готики был распространен культ богоматери. Если романский скульптурный образ Богоматери - это чаще всего лишь символ, религиозная идея, запечатленная в камне, то готическая богоматерь уже юная мать, которую ваятель любит изображать играющей с младенцем.
Средневековый ваятель обычно происходил из народа и считал себя и считался ремесленником. Поэтому готическая скульптура глубоко народна, несмотря на то, что церковь требовала от изобразительного искусства наглядной картины богословского истолкования мироздания. В народном стиле изображен реймский "Христос - странник", - в простой широкополой крестьянской шляпе, а также грандиозный рельеф собора в Наумбурге "Тайная вечеря". И Христос, и собравшиеся вокруг него ученики - это крестьяне, люди физического труда, с видным удовольствием подкрепляющиеся в час отдыха какими-то очень простыми кушаньями. 
Народность проявляется и в немецкой фантазии, далекой от культа, благочестие нередко сочетается в готическом искусстве с самым озорным гротеском. На рельефах Руанского собора мы видим кентавра в монашеском капюшоне, философа с головой свиньи, учителя музыки - полупетуха и т.д. Народное начало нашло, пожалуй, самое цельное отражение в календарных циклах - аллегориях месяцев. Это небольшие рельефы, украшающие соборы в Париже, Амьене, Санлисе и многие скромные сельские церкви готической поры. Эти аллегории отражают каждодневную жизнь простых людей, что собирались под их сводами.

 

Живопись

Мозаика (Франция)

«Библия для неграмотных»

«Богоматерь», «Хождение по воде». 1150-55 гг. Нотр-Дам де Шартр. Доминируют синий и красный цвета.

Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. В Англии и Франции переход от романского стиля к готическому произошел около 1200 г., в Германии — в 1220х гг., а в Италии позднее всего — около 1300 г.

Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее — наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.

На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для домашнего употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый «Великолепный часослов герцога Беррийского» (около 1411—1416).

Развивается жанр портрета — вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами.

С последней четверти XIV века в изобразительном искусстве Европы господствует стиль, названный позднее интернациональной готикой. Этот период явился переходным к живописи Проторенессанса.

 

Билет 13

 

Итальянское Возрождение

Французское название-Ренессанс (термин употреблён Джордже Вазари в 16 веке, итальянское название - ринашименто)

Обусловленность: ранняя степень буржуазных отношений в Европе

Начало-14-15 века (иногда указывается конец 13 века)

Объяснение название: попытка “возродить античность”, обращение, в отличие от Средневековья, не к небесному, а к земному, но! При этом – попытка соединить земное и небесное в одну гармонию. Самая совершенная форма в природе – человеческое тело.

Значение: открытие перспектив развития западной культуры Нового времени.

 

Художник в ренессансную эпоху воспринимается прежде всего как индивидуум, как личность, как таковой.

 

Сроки: Хронологические рамки итальянского Возрождения охватывают время со второй половины XIII по первую половину XVI столетия. Внутри этого периода Возрождение подразделяется на несколько этапов: вторая половина XIII—XIV в.— Проторенессанс (предвозрождение) и Треченто; XV в.— раннее Возрождение (Кватроченто); конец XV—первая треть XVI в.—Высокий Ренессанс (реже в науке употребляется термин Чинквеченто). В 1527 г. Рим был разграблен немецкими ландскнехтами, с 1530 г. Флоренцияиз свободного города-государства, города-коммуны становится обыкновенным центральным городом феодального герцогства. Начинается феодально-католическая реакция (Контрреформация), и 1530 год по праву можно считать конечной датой развития Возрождения.

 

Опыт

Изменения в искусстве Италии прежде всего сказались в скульптуре. Они были подготовлены скульптурными работами мастера Никколо Пизано (рельефы кафедры баптистерия в городе Пизе), в которых прослеживается явное влияние античности. Затем в монументальной живописи — в мозаиках и фресках Пьетро Каваллини (римские церкви Санта Мария ин Трастевере и Санта Чечилия ин Трастевере). Но подлинное начало новой эпохи справедливо связывается с именем живописца

Джотто ди Бондоне (1266?—1337). Из работ Джотто лучше всего сохранились фрески Капеллы дель Арена, или Капеллы Скровеньи (по имени заказчика) в городе Падуя (1303—1306). Более поздние работы Джотто—росписи в церкви Санта Кроче во Флоренции (капелла Перуцци и капелла Барди). В капелле дель Арена фрески расположены в три ряда по глухой стене. Интерьер простой однонефной капеллы освещается пятью окнами на противоположной стене. Внизу на живописно имитированном цоколе из розовых и серых квадратов размещены 14 аллегорических фигур пороков и добродетелей. Над входом в капеллу расположена роспись «Страшный суд», на противоположной стене — сцена «Благовещение». 38 сцен из жизни Христа и Марии Джотто связал в единое стройное целое, создав величавый эпический цикл.

Вместо разобщенности отдельных фигур и отдельных сцен, свойственной средневековой живописи, Джотто сумел создать связный рассказ, целое повествование о сложной внутренней жизни героев. Благодаря строгому отбору деталей он сосредоточил внимание на главном. Вместо условного золотого фона византийских мозаик Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры, хотя они еще массивны и малоподвижны, обретают объем и естественность движения. Появляется трехмерное пространство, которое достигается не перспективным углублением (решение перспективы было еще делом будущего), а определенным расположением фигур в отдалении друг от друга на плоскости стены («Явление ангела св. Анне»). Однако желание верно передать анатомию человеческой фигуры уже было налицо («Тайная вечеря», «Рождество Христово»). И если в византийской живописи фигуры как бы парили, висели в пространстве, то герои джоттовских фресок обрели твердую почву под ногами («Отправление Марии в дом Иосифа»).

Джотто был не только живописцем: по его проекту была построена замечательная колокольня Флорентийского собора, которая и по сей день украшает Флоренцию своим легким сквозным силуэтом.

 

 

Один из знаменитых мастеров сиенского Треченто — Симоне Мартини (1284—1344). Возможно, длительное пребывание в Авиньоне сообщило его искусству некоторые черты северной готики: фигуры Мартини удлинены и, как правило, представлены на золотом фоне.

 

Кватроченто

Признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период Кватроченто. Это поистине век гуманизма. Кроме того, это эпоха, полная веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма.

 

Годом рождения новой скульптуры Кватроченто можно считать 1401 год, когда цеховой организацией купцов был объявлен конкурс на скульптурное оформление дверей крещальни (баптистерия) Флорентийского собора.

 

Было лишь признано, что образцы Брунеллески и Гиберти намного превосходят образцы остальных конкурсантов, и им предложили работать в дальнейшем над дверями «на равных». От такого предложения Брунеллески отказался и заказ полностью перешел к Гиберти. Лоренцо Гиберти (1381—1455), прославленный в искусстве и как теоретик, автор трех книг «Комментариев» —первой в истории искусства Возрождения, создал сложные многофигурные композиции на библейские сюжеты, которые разворачиваются на пейзажном и архитектурном фоне. В манере исполнения немало готических влияний. Искусство Гиберти по духу аристократично-утонченно, полно внешних эффектов, что пришлось более по вкусу заказчику, чем демократическое, мужественное искусство Кверча.

 

Наиболее прославленным произведением Гиберти являются вторые, восточные, двери баптистерия, обращенные к входу в храм, известные как Райские врата (1425–1452). Рельефы посвящены сюжетам Ветхого завета. Десять больших квадратных рельефов, в которых иногда объединяются несколько эпизодов. Гиберти достигает слияния фигур, пейзажа, архитектуры, создавая иллюзию глубины, пространства, в котором группы фигур свободно расположены среди пейзажа и архитектурных строений, образуя с ними единый ансамбль. Для усиления пространственного впечатления он повышает рельеф фигур переднего плана, постепенно смягчая их контуры по мере удаления в глубину. Тающие дали, воздушность, игра светотени напоминают эффекты живописи (живописный рельеф). Более богатым становится декоративное обрамление: растения, зверьки, портреты участников работы, небольшие ниши с фигурами ветхозаветных персонажей (см. также СКУЛЬПТУРА).

Гиберти создал несколько бронзовых гробниц (надгробие Леонардо Дати (1423–1427) в церкви Санта Мария Новелла), бронзовые раки с мощами мучеников, обрамил золотом большую сердоликовую гемму, некогда принадлежавшую императору Нерону, изготовил митру из золота, жемчуга и драгоценных камней для папы Евгения IV (1431–1447).

Гиберти, один из самых образованных людей своего времени, он написал «Комментарии» (1447–1448) – первую известную нам автобиографию художника Возрождения, которая сопровождалась сведениями об истории искусств, теории пропорций, перспективы.

 

Скульптором, которому выпало в искусстве на целые столетия вперед решить многие проблемы европейской пластики —круглой скульптуры, монумента, конного монумента, —был Донато ди Никколо ди Бетто Барда, известный в истории искусства как Донателло (1386?—1466). Творческий путь Донателло был очень непрост. В его искусстве наблюдаются и готические реминисценции, как, например, в фигуре мраморного Давида (ранняя работа скульптора). В фигуре апостола Марка для флорентийской церкви Орсан-Микеле (10-е годы XV в.) Донателло решает проблему постановки человеческой фигуры в рост по законам пластики, разработанным еще в античные времена Поликлетом, но преданным забвению в средневековье. Апостол стоит опираясь на правую ногу, а левая отодвинута назад и согнута в колене, лишь слегка поддерживая равновесие фигуры. Это движение подчеркнуто складками плаща, спадающими вдоль правой ноги, и сложным узором гибких линий этих складок, рассыпающихся по левой.

алистическое начало искусства Донателло полностью выразилось в образах пророков для колокольни Джотто (1416—1430), которые он исполнил с конкретных лиц, что сделало эти образы, по сути, портретами современников. Занимался Донателло и специально портретом. Одним из первых портретных бюстов, типичных для Возрождения, справедливо считают портрет Никколо Удзано, политического деятеля Флоренции тех лет, исполненный Донателло в терракоте.

Поездка Донателло в 1432 г. с Брунеллески в Рим, изучение там античных памятников вдохновили Донателло на целый ряд произведений, языческих по духу, близких по форме античной пластике, как, например, мраморные ангелы на певческой трибуне Флорентийского собора. Сложное сочетание античных влияний (в трактовке форм, складок одежды) и высокоторжественного, глубоко религиозного настроения являет собой рельеф «Благовещение» из церкви Санта Кроче во Флоренции.

В бронзовом «Давиде» (30-е годы) Донателло вновь возвращается к античным традициям, но уже поздней греческой класски. Простой пастух, победитель гиганта Голиафа, спасший жителей Иудеи от ига филистимлян и ставший потом царем, Давид стал одним из излюбленных образов искусства Возрождения. Донателло изобразил его совсем юным, идеально прекрасным, как праксителевский Гермес. Но Донателло не побоялся ввести такую бытовую деталь, как пастушеская шляпа — знак его простого происхождения.

Для венецианской площади у церкви Сан Джованни е Паоло Вероккио исполнил конный монумент кондотьера Коллеони. В позе всадника, в гарцующей поступи коня есть некоторая театральность. Кондотьер Вероккио — это не столько образ определенного человека, сколько обобщенный тип, характерный для той эпохи.

 

Ведущая роль в живописи флорентийского Кватроченто выпала на долю художника Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи Гвиди, известного под именем Мазаччо (1401—1428). Можно сказать, что Мазаччо решил те насущнейшие проблемы живописного искусства, которые поставил за столетие до этого Джотто. Уже в двух главных сценах росписи в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине — «Подать» («Il tribute») и «Изгнание Адама и Евы из рая» — Мазаччо показал себя художником, для которого было ясно, как помещать фигуры в пространстве, как связывать их между собой и с пейзажем, каковы законы анатомии человеческого тела.

Между фигурами создается как бы воздушная среда. Фрески Мазаччо с момента их появления способствовали тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились поколения художников, вплоть до Микеланджело, испытавшего несомненное влияние Мазаччо.

 

Особой изысканности флорентийское искусство достигает в конце века, в правление внука Козимо —Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным (1449—1492). Трезвый и даже жестокий политик, настоящий тиран.

 

Умбрийская школа XV в. На Северо-Восток от Тосканы расположены земли Умбрии. Здесь в XVв. не было таких крупных городов, большие пространства занимали помещичьи угодья, поэтому и в искусстве дольше жили и ярче были выражены феодальные, средневековые традиции. Придворный, рыцарственный характер искусства Умбрии XIV в. очень близок сиенскому.

 

Падуанская школа XV в. Творчество падуанских мастеров развивается под знаком преклонения перед античным искусством. Андреа Мантенья: Все композиции поражают смелостью пространственных решений. Падуя испытала и большое влияние флорентийской школы. Здесь работали Джотто, Учелло, Донателло, Ф. Липпи.

 

Кватроченто в Венеции начинается именами таких художников, как Пизанелло и Джентиле де Фабриано, которые вместе расписывали Дворец дожей.

 

Билет 14

Билет № 14

Высокий Ренессанс. Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан

 

С конца XV столетия Италия начинает испытывать все последствия невыгодного для нее экономического соперничества с Португалией, Испанией и Нидерландами. Северные города Европы организовывают ряд военных походов на разрозненную и теряющую свое могущество Италию. Этот трудный период вызывает к жизни идею объединения страны, идею, которая не могла не волновать лучшие умы Италии.

«Золотой век» итальянского Возрождения — так называемый Высокий Ренессанс, наивысшая точка расцвета итальянского искусства.

Леонардо да Винчи (1452—1519) явился первым художником, наглядно воплотившим это отличие. Он родился в Анкиано, около селения Винчи; отец его был нотариусом, перебравшимся в 1469 г. во Флоренцию. Первым учителем Леонардо был Андреа Вероккио. Фигура ангела в картине учителя «Крещение» уже отчетливо демонстрирует разницу в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная одухотворенность образа. От 80-х годов XV в. сохранились две неоконченные композиции Леонардо: «Поклонение волхвов» и «Св. Иероним».

 

Первым большим произведением, которое он исполнил в Милане, была «Мадонна в скалах» (или «Мадонна в гроте»). Это первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса, интересная еще и тем, что в ней в полной мере выразились особенности леонардовской манеры письма. Создал в изображении мадонны с младенцами Христом и Иоанном и ангелом образ обобщенный, собирательный, идеально прекрасный при сохранении всех черт жизненной убедительности.

 

Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достижением его искусства была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайной вечери» (1495—1498). В отличие от многих работ Кватроченто в росписи Леонардо нет никаких иллюзионистических приемов, позволяющих реальному пространству переходить в изображаемое. Но расположенная вдоль стены трапезной роспись подчинила себе весь интерьер. И это леонардовское умение подчинить себе пространство в большой степени проложило путь Рафаэлю и Микеланджело. 1499 г. начинаются годы скитаний Леонардо: Мантуя, Венеция и, наконец, родной город художника — Флоренция, где он пишет картон «Св. Анна с Марией на коленях», по которому создает картину маслом в Милане (куда возвратился в 1506 г.).

В портрете Моны Лизы достигнута та степень обобщения, которая, сохраняя всю неповторимость изображенной индивидуальности, позволяет рассматривать образ как типичный для эпохи Высокого Ренессанса. Во Флоренции Леонардо начата живописная работа: портрет жены купца дель Джокондо.

 

Рафаэль Санти родился в 1483 г. в городе Урбино, одном из центров художественной культуры Италии

Ранний период творчества Рафаэля прекрасно характеризует небольшая картина в форме тондо «Мадонна Конестабиле», с ее простотой и лаконизмом строго отобранных деталей (при всей робости композиции) и особым, присущим всем работам Рафаэля, тонким лиризмом и чувством умиротворения. Поиски совершенного гармонического образа. На протяжении всей жизни Рафаэль ищет этот образ в мадонне.

«Сикстинская мадонна» — позднее произведение Рафаэля. До этого, в 1509 г., Папа Юлий II приглашает молодого художника в Рим для росписи личных папских комнат (станц) в Ватиканском дворце. В начале XVI в. Рим становится главным культурным центром Италии.

Искусство развивается под знаком национального единства (ибо папы мечтали об объединении страны под своей властью), питается античными традициями, выражает идеологию гуманизма. Общая идейная программа росписи папских комнат — служить прославлению авторитета католической церкви и ее главы — Папы.

Рафаэль расписывает первые две станцы. В станце делла Сеньятура (комнате подписей, печатей) он написал четыре фрески-аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и юриспруденции. Для искусства средневековья и раннего Возрождения было свойственно изображать науки и искусства в образе отдельных аллегорических фигур. Рафаэль решил эти темы в виде многофигурных композиций.

Во второй комнате, называемой «станца Элиодора», Рафаэль написал фрески на исторические и легендарные сюжеты, прославляющие римских пап.

Рафаэль исполнял работы самых разных жанров. Его дар декоратора, а также режиссера, рассказчика полностью проявился в серии из восьми картонов к шпалерам для Сикстинской капеллы на сюжеты из жизни апостолов Петра и Павла («Чудесный улов рыбы», например).

Микеланджело — намного пережил Леонардо и Рафаэля. Первая половина его творческого пути приходится на период расцвета искусства Высокого Ренессанса, а вторая — на время Контрреформации и начало формирования искусства барокко.

Микеланджело Буонарроти (1475—1564) родился в Капрезе, в семье подеста (градоправителя, судьи). Его рельеф «Битва кентавров» по внутренней гармонии уже произведение Высокого Возрождения. В 1496 г. молодой художник уезжает в Рим, где создает свои первые принесшие ему славу произведения: «Вакх» и «Пьета». Буквально захваченный образами античности, Микеланджело изобразил античного бога вина обнаженным юношей, как бы чуть пошатывающимся, обратившим взор на чашу с вином. Обнаженное прекрасное тело отныне и навсегда для Микеланджело становится главным предметом искусства. Вторая скульптура — «Пьета» — открывает целый ряд работ мастера на этот сюжет и выдвигает его в число первых скульпторов Италии.

В 1504 г. Микеланджело (как уже упоминалось в связи с Леонардо) начинает работать над росписью «Зала пятисот» в палаццо Синьории, но рисунки и картоны к его «Битве при Кашине» не сохранились, как и произведение Леонардо.

В 1505 г. Папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим для сооружения себе гробницы. Замысел скульптора был грандиозным: он хотел создать колоссальный памятник-мавзолей, украшенный сорока фигурами более чем в натуральную величину.Замысел не воплотился.Воплотилась роспись Сикстинской капеллы. Над росписью плафона Сикстинской капеллы Микеланджело работал один, с 1508 по 1512 г., расписав площадь около 600 кв. м (48х13 м) на высоте 18 м.

Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная от сотворения мира.

С 1520 по 1534 г. Микеланджело работает над одним из самых значительных и самых трагических скульптурных произведений — над гробницей Медичи (флорентийская церковь Сан Лоренцо), выражающей все переживания, выпавшие в этот период на долю и самого мастера, и его родного города, и всей страны в целом.

для Венеции весь XVI век проходит еще под знаком Чинквеченто. Венеция, сумевшая сохранить свою независимость, дольше хранит и верность традициям Ренессанса.

Из мастерской Джанбеллино вышли два великих художника Высокого венецианского Возрождения: Джорджоне и Тициан.

 

Тициан Вечеллио (1477?—1576) —художник венецианского Возрождения. Он создал произведения и на мифологические, и на христианские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование исключительно, композиционная изобретательность неисчерпаема, а его счастливое долголетие позволило ему оставить после себя богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков. Тициан родился в Кадоре, маленьком городке у подножия Альп.

Венеция этих лет — один из центров передовой культуры и науки. Тициан становится ярчайшей фигурой художественной жизни Венеции, вместе с архитектором Якопо Сансовино и писателем Пьетро Аретино он составляет некий триумвират, возглавляющий всю интеллектуальную жизнь республики.

Богатые венецианские патриции заказывают Тициану алтарные образа, и он создает огромные иконы: «Вознесение Марии», «Мадонна Пезаро» (по имени заказчиков, изображенных на первом плане) и многое другое — определенный тип монументальной композиции на религиозный сюжет, исполняющей одновременно роль не только алтарного образа, но и декоративного панно.

На протяжении всей своей жизни Тициан занимался портретом. В его моделях (особенно в портретах раннего и среднего периодов творчества) всегда подчеркнуто благородство облика, величественность осанки, сдержанность позы и жеста, создаваемых столь же благородным по гамме колоритом, и скупыми, строго отобранными деталями (портрет молодого человека с перчаткой, портреты Ипполито Риминальди, Пьетро Аретино, дочери Лавинии).

К концу жизни Тициана его творчество претерпевает существенные изменения. Он еще много пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Пастух и нимфа», «Диана и Актеон», «Юпитер и Антиопа»), но все чаще обращается к темам христианским, к сценам мученичеств, в которых языческая жизнерадостность, античная гармония сменяются трагическим мироощущением («Бичевание Христа», «Кающаяся Мария Магдалина», «Св. Себастьян», «Оплакивание»),

Огромное влияние Тициана сказалось на живописи следующего столетия, его в большой степени испытали Рубенс и Веласкес.

Трагическое мироощущение проявилось в творчестве другого художника — Якопо Робусти, известного в искусстве как Тинторетто (1518—1594) («тинторетто»—красильщик: отец художника был красильщиком шелка). Тинторетто очень недолго пробыл в мастерской Тициана, однако, по словам современников, на дверях его мастерской висел девиз: «Рисунок Микеланджело, колорит Тициана».

 

 

Билет 15

 

 

Высокий Ренессанс

Города Северной Италии были более зависимы от крупного синьора, чем южные. Однако северные города принимали участие в сложной социально-политической борьбе, которая характерна для всей истории Северной Европы XV—XVI вв.

Искусство Северного Возрождения нельзя понять без учета движения Реформации, влияние которого на него было прямым и очевидным. В ощущении ничтожества человека перед Богом, его несоизмеримости Богу Реформация отвергла в какой-то степени и искусство; в протестантской церкви нет ни резьбы, ни скульптуры, ни витражей, а есть только голые стены, скамьи и крест.

Интересно отметить, что первые ростки нового искусства Возрождения в Нидерландах наблюдаются в книжной миниатюре, казалось бы, наиболее связанной со средневековыми традициями.

Нидерландское Возрождение в живописи начинается с «Гентского алтаря» братьев Губерта (умер в 1426 г.) и Яна (около 1390—1441) ван Эйков, законченного Яном ван Эйком в 1432 г. Гентский алтарь (Гент, церковь св. Бавона) представляет собой двухъярусный складень, на 12 досках которого (в раскрытом виде) представлено 12 сцен. Вверху изображен Христос на троне с предстоящими Марией и Иоанном, поющими и музицирующими ангелами и Адамом и Евой; внизу на пяти досках — сцена «Поклонения агнцу».

Из многочисленных мадонн Яна ван Эйка наиболее известна «Мадонна канцлера Роллена» (около 1435), названная так потому, что перед мадонной изображен поклоняющийся ей донатор — канцлер Роллен.

Ян ван Эйк много и успешно занимался портретом, всегда оставаясь достоверно точным, создавая глубоко индивидуальный образ, но не теряя за деталями общую характеристику человека как части мироздания («Человек с гвоздикой»; «Человек в тюрбане», 1433; портрет жены художника Маргариты ван Эйк, 1439).

Искусство братьев ван Эйков, занимавших исключительное место в современной им художественной культуре, имело огромное значение для дальнейшего развития нидерландского Возрождения. В 40-е годы XV в. в нидерландском искусстве постепенно исчезает пантеистическая многокрасочность и гармоническая ясность, свойственная ван Эйку. Но человеческая душа раскрывается глубже во всех ее тайнах. Многому в решении подобных проблем нидерландское искусство обязано Рогиру ван дер Вейдену (1400?—1464). В конце 40-х годов Рогир ван дер Вейден совершил поездку в Италию. Ученый и философ Николай Кузанский называл его величайшим художником, его работы высоко ценил Дюрер. «Снятие с креста» — типичное произведение Вейдена. Композиция построена по диагонали. Рисунок жесткий, фигуры представлены в резких ракурсах.

Общественная жизнь Нидерландов второй половины XV— начала XVI в. была полна острых социальных противоречий и конфликтов. В этих условиях родилось сложное искусство Иеронима Босха (1450—1516), создателя мрачных мистических видений, в которых он обращается и к средневековому аллегоризму, и к живой конкретной действительности. Демонология уживается у Босха со здоровым народным юмором, тонкое чувство природы — с холодным анализом человеческих пороков и с беспощадной гротескностью в изображении людей («Корабль дураков»).

В произведениях позднего Босха («Св. Антоний) усиливается тема одиночества. Творчеством Босха кончается первый этап великого искусства Нидерландов — XV век, «пора исканий, прозрений, разочарований и блестящих находок».

Вершиной нидерландского Ренессанса было, несомненно, творчество Питера Брейгеля Старшего, прозванного Мужицким (1525/30—1569). Он учился в Антверпене.

В раннем творчестве Брейгеля заметно влияние Босха («Кухня тощих», «Кухня тучных» —в их едкой иронии, острой наблюдательности и недвусмыленности приговора). С именем Брейгеля связывается окончательное сложение пейзажа в нидерландской живописи как самостоятельного жанра. Его эволюция художника-пейзажиста (как в живописи, так и в графике) прослеживается от пейзажа-панорамы, фиксирующего мелочные подробности в стремлении показать бесконечность и грандиозность мира, к пейзажу более обобщенному, лаконичному, философскому по осмыслению. Особую славу у потомков заслужил «Зимний пейзаж» из цикла «Времена года» (другое название — «Охотники на снегу», 1565). В начале 60-х годов Брейгель создает ряд трагических произведений, превосходящих по силе выразительности все фантасмагории Босха(«Вифлеемское избиение младенцев» (1566), «Слепые» (1568): Пять обреченных судьбой страшных калек, не понимая, что с ними происходит, летят в овраг вслед за оступившимся вожаком)

В нидерландском Возрождении было и итальянизирующее течение, так называемый романизм. Художники этого направления следовали (по возможности) традициям римской школы и прежде всего Рафаэлю. В творчестве таких мастеров, как Я. Госсарт, П. Кук ван Алст, Я. Скорелль, Ф. Флорис и др. удивительно сочетались стремление к идеализации, к итальянской пластичности форм с чисто нидерландской любовью к подробностям, повествовательности и натурализму.

Германия

Тезисы будущего главы немецкой Реформации Мартина Лютера против продажи индульгенций в 1517 г. «оказали воспламеняющее действие, подобное удару молнии в бочку пороха». Движение в Германии потерпело поражение уже к 1525 г., но время крестьянской войны было периодом высокого духовного подъема и расцвета немецкого гуманизма, светских наук, немецкой культуры. С этим временем совпадает творчество самого крупного художника немецкого Возрождения Альбрехта Дюрера (1471—1528).

В творчестве Дюрера как бы слились искания многих немецких мастеров: наблюдения над природой, человеком, проблемы соотношения предметов в пространстве, существования человеческой фигуры в пейзаже, в пространственной среде.

. Дюрер — философ, но философия его лишена непосредственной жизнерадостности и бодрого оптимизма итальянского Возрождения. В середине 90-х годов Дюрер в первый раз едет в Италию, в Венецию, изучает античные памятники.Из современных художников наибольшее впечатление на него оказывает Мантенья с его четким рисунком, выверенностью пропорций, с его трагическим мироощущением. В конце 90-х годов Дюрер исполняет серию гравюр на дереве на темы Апокалипсиса, в которой средневековые образы переплетаются с событиями, навеянными современностью; несколько позже создает Малые и Большие (по величине досок) « Страсти Христовы» и несколько живописных автопортретов. Дюрер первый в Германии плодотворно разрабатывает проблемы перспективы, анатомии, пропорций.Путешествует. В картине «Праздник четок» (другое название — «Мадонна с четками», 1506 ) при некоторой перегруженности многофигурной композиции на колорите в полной мере сказалось влияние венецианцев.

По возвращении домой Дюрер несомненно под воздействием итальянского искусства пишет «Адама» и «Еву» (1507), в которых выражает свое национальное понимание красоты и гармонии человеческого тела. Но прямое следование классическому канону — не путь Дюрера. Ему свойственны более остроиндивидуальные, драматические образы.

В 1526 г. он создает свое последнее живописное произведение — «Четыре апостола», станковое по форме и назначению, но истинно монументальное по величавости образов.

Как и в нидерландском искусстве, реалистические тенденции наблюдаются прежде всего в миниатюре как богословских, так и светских книг. Первый крупный художник французского Возрождения—Жан Фуке (около 1420—1481), придворный живописец Карла VII и Людовика XI.

Билет 16

16 билет

 

Рембрандт Харменс ван Рейн. 1606-1669. Крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Для его творчества характерно стремление к философскому осмыслению жизни, интерес к духовному миру человека.Ему не было равных в работе с эффектами светотени.В России самая большая коллекция картин Рембрнадта (в Эрмитаже). Самые известные его работы: «Возвращение блудного сына», «Даная», «Портрет Саскии в образе Флоры», «Портрет старика в красном», «Давид и Урия»

Ян Вермер. 1632-1675. Нидерландский мастер бытовой живописи и жанрового портрета. Состоял деканом гильдии дельфтских художников.Испытал значительное влияние К. Фабрициуса. Самые известные работы: «Девушка с жемчужной серёжкой», «Кавалер, угощающий даму вином», «Офицер и смеющаяся девушка», «Астроном».

 

 

Билет 17

 

17.Западноевропейское искусство XVII в. Италия. Караваджо. Карраччи. Бернини. Центр развития барокко 16-17в.-Рим.Архит-ра барокко-включает в арх.ансамбль не только отдельные сооружения и площади,но и улицы.Начало и конец-архит.или скульпт.акцент(площадь,памятник). Доминико Фонтана- впервые примен.трехлучевую систему улиц(от площади дель Пополо,-свзяь глав.въезда с осн.ансамблями Рима).На смену статуе – обелиск, а еще чаще-фонтан,украшенные скульптурой.Барочныее фонт.- фонт.Бернини: фонт.Тритона на площ.Барберини и фонт.Четырех рек и Мавра на площ.Навона. Ран.барокко -усилен декорат.элемент(усложнен декор порталов,внимание внутр.двору,саду)Размах в арх.вилл(сады,парки- принципы осевого постр-я).В парках- гроты,скульпт,фонт. Зрел.барокко –более пышн.архитдекор. Украш.стены со стор.сада,из парад.вест.-мразу в сад.Выразит-ть и динамичн-ть.Прямые плоск-ти смен-ся выгнутыми->пластич.эффект.Разные матер-лы(мрамор,резьюа по камню,дер,лепнина). Скульптура: украш.фасады и интер.церкв,вилл,порки,фонт,надгроб. Иногда невозм.отделить архит.и скульпт. Джованни Лоренцо Бернини(1598-1680) (придворн.арх и скуль).Много церкв.,в Ватиканском дворце-лестница,связ.папский дворец с собором.,Колонада соб.св.Петра и оформл.площ. у этого соб.Как скульптор обращ.к антич.,христ.сюж.Давид-бунтарь,губы сжаты,глаза сузил.Сочет.разн.матер.(и по факт,и по цвету).Барочн. портрет:изобр.парадное,декоративн,театрализ,но облик реален(портрет Люд 4). Живопись: 2 1)направл-тв-во братьевАннибале и Агостино Каррачиоснов.в Болонье Академию направленных на ист.путь.Пол.назв. «болонский академизм»Самый тал. Аннибале Каррачи изуч.натуту,считал ее несоверш,хотел преобразить.Создатель героич.пейзажа(идеализированного, т.к.природа тоже несоверш) –темные тени, цвета расп по схеме.Бр.Карр-мастера монуме-декорат.живописи. Роспись галер.палаццо Фарнезе в Риме на сюж.овид. Метамарфоз.2) Микельанджело Меризи,прозв.Караваджо(1573-1610). Источн-окруж.действит=реалистичность,против академизма.Необычн.перс:картежн-ки,шулеры,гадалки).Главн.-религ.темы.-алтарные образа(с жизн.дост-ю). «Евангелист Матвей с ангелом»-апостл похож на крест. Резкая светотень,контраст,крупн.планы,динамичн-ть=>напряж-ть,взволн-ть,искр-ть. Соврем.одежды,простая обстан-ка.=реалистичн-ть.Его иск-во пол.назв. «караваджизм».

 

 

Билет.

 

Хосе де Рибера. 1591-1652. Прозвище Спаньолетто. Испанский караваджист эпохи барокко. Наиболее значительный испанский гравёр, работавший до Гойи.Был избран членом римской академии Святого Луки. Стилевая манера Риберы строится на контрасте света и тени. Самые известные работы: «Прометей», «Мученичество Св. Филиппа»

Диего Веласкес.1599-1660. Испанский портретист, творивший в стиле испанского барокко. Его покровителями были король Испании Филипп Четвёртый и граф Оливарес. Самые известные работы: «Поклонение волхвов», «Кузница Вулкана», «Портрет инфанты Марии Терезы», «Портрет инфанты Маргариты»

Бартоломе Эстебан Мурильо.1617-1682. Знаменитый испанский живописец, глава севильской школы. Был принят в Братство Милосердия. Помимо портретов занимался пейзажной и ландшафтной живописью. Самые известные работы: «Мальчик с собакой», «Святой Исидор Севильский», «Святой семейство с Иоанном Крестителем».

 

Билет.

 

Никола Пуссен.1594-1665. Французский художник, стоявший у истоков живописи классицизма. Практически все его картины – на историко-мифологические сюжеты. Мастер чеканной, ритмичной композиции. Одним из первых оценил монументальность локального цвета. Самые известные работы: «Великодушие Сципиона», «Пастухи Аркадии», «Танкред и Эрминия».

Клод Лоррен.1600-1682. Знаменитый французский живописец и гравёр пейзажей. Настоящая фамилия Желле. Лоррен всегда выходил за рамки метафизического пейзажа.В его работах очень важное значение имеет свет. Первый, кто всерьёз заинтересовался светонасыщенностью атмосферы. Самые известные работы: «Морская гавань», «Ночь(Борьба Иакова с ангелами)», «Асканий, охотящийся на оленя Сильвины».

Билет 20