Стиль барокко в истории мировой культуры и искусства

Термин «барокко» переводят как «причудливый, странный, вычурный». Формирование исторического стиля Барокко, прежде всего, связано с кризисом идеалов Итальянского Возрождения в середине XVI в. и стремительно меняющейся «картиной мира» на рубеже XVI-XVII вв. Вместе с тем, новое искусство стиля Барокко выросло на формах Классицизма эпохи Возрождения. Предыдущее столетие в Италии было в художественном отношении настолько сильным, что его идеи, несмотря на все трагические коллизии, не могли исчезнуть внезапно, они продолжали оказывать значительное влияние на умы людей. А шедевры искусства «Высокого Возрождения» - произведения Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля - казались недосягаемыми. В этом - суть всех противоречий «эпохи Барокко». Знать и церковь нуждаются в том, чтобы их силу и состоятельность увидели все. Денег на постройки палаццо не было, знать обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию могущества и богатства. Популярным становится стиль, который может возвысить, вот так в XVI в. на территории Италии возникает Барокко. Отличительными чертами барокко являются пространственный размах, пышность, великолепие и роскошь. В 17 в. Рим был столицей мира в области искусства, привлекал художников всей Европы, поэтому Барокко искусство скоро распространилось за пределы «вечного города». В каждой стране Барокко искусство подпитывалось местными традициями. Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (Фландрии), Нидерландах, России, Франции.

В изобразительном искусстве этого периода преобладали сюжеты, в основе которых был заложен драматический конфликт, - религиозного, мифологического или аллегорического характера. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Особенность барокко - несоблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Большое значение приобрели композиционные эффекты, выраженные в смелых контрастах масштабов, цветов, света и тени. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - Рубенс, Караваджо.

Караваджо. Драматическая жизнь Караваджо, полная приключений, соответствовала бунтарскому духу его творческой натуры. Уже в первых выполненных в Риме работах он выступает как смелый новатор, он бросил вызов главным художественным направлениям той эпохи — маньеризму и академизму, противопоставив им суровый реализм и демократизм своего искусства. Период творческой зрелости открывает цикл монументальных полотен, посвященных св. Матфею. В первом и самом значительном из них — «Призвание апостола Матфея», — перенеся действие евангельской легенды в полуподвальное помещение с голыми стенами и деревянным столом, сделав его участниками людей из уличной толпы, Караваджо в то же время выстроил эмоционально сильную драматургию великого события — вторжения света Истины в самые низы жизни. «Погребной свет», проникающий в тёмное помещение вслед за вошедшими туда Христом и св. Петром, высвечивает фигуры собравшихся вокруг стола людей и одновременно подчеркивает чудесный характер явления Христа и св. Петра, его реальность и одновременно ирреальность, выхватывая из темноты лишь часть профиля Иисуса, тонкую кисть его протянутой руки, жёлтый плащ св. Петра, в то время как фигуры их смутно проступают из тени.

Рубенс Питер Пауль (1577-1640) - фламандский живописец, рисовальщик, глава фламандской школы живописи барокко. Создал неповторимый стиль, в котором удивительным образом слиты природное и сверхъестественное, действительность и фантазия, ученость и духовность. Его эпические полотна, таким образом, определяют масштаб и стиль живописи зрелого барокко. Изображение столь насыщенного бытия с таким размахом требовало расширения арены действия, предоставить которую могло только барокко с его театральностью - в лучшем смысле этого слова. Чувство драматизма было присуще Рубенсу. «Воздвижение креста» - первый крупный алтарный образ, свидетельствует, как многим он был обязан итальянскому искусству. Мускулистые фигуры, детально проработанные, чтобы продемонстрировать их физическую силу и страстность чувств, а в манере освещения картины есть что-то от Караваджо. Рубенс - столь же внимательный к жизненным подробностям фламандский реалист, что видно по таким деталям, как изображение листвы, доспехов и собаки на переднем плане. Эти разнообразные элементы, сведенные воедино с высочайшим мастерством, образуют композицию огромной драматической мощи. Неустойчивая, угрожающе покачивающаяся пирамида из тел в типично барочной манере разрывает пределы рамы, создавая у зрителя ощущение со участия в этом действе. «Союз Земли и воды», «3 грации», «Версавия» ( Тема картины взята из библии, где рассказывается о царе Давиде, влюбленном в жену своего военноначальника Урии. В картине несколько действующих лиц, каждый из которых на свой лад выражает восторженное отношение к красавице Вирсавии. Это и негритенок, принесший любовное письмо царя, и служанка, расчесывающая дивные золотистые волосы, и Давид, свешивающийся с балкона дворца, чтобы лицезреть купающуюся Вирсавию, и даже собачка, заботливо ее охраняющая. Но не меньшим участником сцены становится сам художник, любующийся прекрасной женской наготой. Свое любование Вирсавией Рубенс раскрывает в острочувственных сопоставлениях цветов, форм и поверхностей: нежной, теплой ноги и холодного твердого камня, пушистой черной шубки и гладкой светлой кожи, горение алых лент в волосах и румянца на щеках, льющихся струй воды фонтана и скользящих меж пухлых пальцев хрупких зерен жемчужного ожерелья. Декоративность цветовой аранжировки слабеет перед силой выраженного яркого эмоционального состояния – проснувшаяся жажда любви, надежды на счастье озарившей улыбкой лицо Вирсавии. С языческой щедростью художник утверждает человеческое право на чувственные радости бытия».Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как:

Веласкес работает при дворе Филиппа IV, написал его 34 портрета. «Портрет Филиппа IV ла фрага» (В военном костюме, его поза не выразительна, он был безвольным, вялым). «Портрет папы Иннокентия X»( прежде всего как человек, а потом уже должность). Он не ставил обличительные задачи, он был правдив. «Инфанта Маргарита» (5-ти летняя девочка лишоннная детства, показана ее печаль. «Менины» ( Ателье Веласкеса в королевском дворце в Мадриде. Художник пишет портрет Филиппа IV и его супруги Марианны, которые видны отраженными в зеркале, висящем на дальней стене его ателье. В центре сцены стоит пятилетняя инфанта Маргарита, которая по всей видимости только что вошла в комнату со своей свитой. Свет, так же как и взгляды родителей, направлен на девочку. Веласкес создает впечатление семейного счастья, богатства и блестящего будущего, персонифицированных в лице маленькой принцессы.) «Венера с зеркалом» (единственный, кто изобразил обнаженное тело, она спиной, лицо отражается в зеркале.)

Рибера «Портрет философа Диогена», «Святая Инесса и ангел, укрывающий её покрывалом» ( Основу наиболее выдающихся творений Хосе де Риберы составляет глубина человеческого переживания. По преданию, юная христианка Инесса должна была быть выставлена обнажённой перед толпой за отказ поклоняться языческим богам. Но произошло чудо: внезапно выросшие волосы скрыли её наготу, а сошедший с небес ангел накинул на неё покрывало. У Риберы образ Инессы, её тонкая фигура подростка, исполненное прелести лицо с большими сияющими глазами, волнистые пряди волос, кисти рук, прозрачно-розовые от пронизывающего света — воплощение чистой, трогательной и светлой юности. Считается, что этот образ написан с дочери художника.)

Сурбаран В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело и Караваджо (вследствие чего был прозван «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями.. Картина «Молитва Святого Бонавентуры» посвящена истории о том, как святой разрешил спор кардиналов по поводу избрания Папы Римского и указал им достойного кандидата. Главной темой здесь стал диалог молящегося Бонавентуры с ангелом, который открывает ему имя избранника. Свет от фигуры ангела широкими полосами ложится на тёмное одеяние святого, обволакивает его одухотворённое лицо, наделяет мягким сиянием сомкнутые руки. Цветовую гамму дополняют золотистый блеск тиары (папского головного убора) и пере кличка двух красочных пятен — красной скатерти на столе и пурпурных одежд кардиналов, чьи фигуры видны сквозь арочное окно.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Ф.Халса — в Харлеме,(«Групповой портрет регентов дома для присторелых», «портрет цыганки»). Рембрандта — в Амстердаме, («Флора», «Даная») (Вермеера — в Делфте. («девушка читающая письмо», «Кружевница») В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни.

Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Архитектура барокко тяготеет к торжественному «большому стилю», к подчеркнутой монументальности, основывается на представлении о сложности, многообразии, изменчивости мира, отражает величие Папы Римского и католической церкви, а также могущество и роскошь монархов и крупной аристократии. В это время возводят католические храмы, городские и загородные дворцово-парковые ансамбли - площадь перед собором Св. Петра в Риме, загородные виллы в Италии.

Основные черты построек - сложный криволинейный план и очертания линий, причудливость пластики фасадов, применение сложных многообразных и живописных форм на основе овала, эллипса и полуокружности, полуциркульные окна, разорванные фронтоны, спаренные колонны и пилястры, массивные парадные лестницы, пространственный размах комплексов, слияние искусств (архитектуры, скульптуры, живописи), декоративность интерьеров, применение зеркал в оформлении помещений. Ордер применяется как декоративно-пластическая форма наравне со скульптурой. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко - теламон (атлант), кариатида, маскарон.

Дж.Л. Бернини (1598-1680). Крупнейшая архитектурная работа Бернини - окончание многолетнего строительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним (1656-1667).

Сооруженные по его проекту два могучих крыла монументальной колоннады замкнули обширное пространство площади. Расходясь от главного, западного фасада собора, колоннады образуют сначала форму трапеции, а затем переходят в громадный овал, подчеркивающий особую подвижность композиции, призванной организовывать движение массовых процессий. «Экстаз Святой терезы» (Скульптура посвящена святой Терезе, испанской монахине и католической святой, жившей в XVI веке. В одном из писем святая Тереза рассказала, как однажды во сне «к ней явился ангел в плотском образе» и пронзил ей чрево золотой стрелой с огненным концом, отчего она испытала «сладостную муку».[1] Бернини воплотил это мистическое видение в мраморе.)

Барокко в России. В России элементы барокко появились позднее, чем в Европе, – во второй пол. 17 в. – в росписях церквей, в декоративно прикладном искусстве, в постройках т. н. нарышкинского барокко, традиции которого развил в своём творчестве И. П. Зарудный («Меншикова башня» в Москве, 1704—07). Активное проникновение стиля в русскую культуру происходит с началом петровских преобразований в первые десятилетия 18 в.; в 1760 е гг. барокко сменяется классицизмом. По приглашению Петра I в Россию приезжает множество иностранных мастеров: архитекторы Д. Трезини, А. Шлютер,, скульпторы Н. Пино, Б. К. Растрелли, и др.

В соответствии с личными вкусами Петра, приезжие и отечественные художники ориентировались в основном на более сдержанный вариант барокко, сложившийся в Голландии; русскому искусству осталась чуждой мистическая экзальтация произведений итальянских мастеров. В России барокко соседствовало (а часто и переплеталось) не с классицизмом, как это было в Европе, а с нарождавшимся рококо. Ведущим жанром живописи стал портрет. Стилистика барокко пронизывала всю систему оформления праздников и торжеств начала 18 в., сложившуюся в царствие Петра I (иллюминации, фейерверки, возводившиеся из временных материалов триумфальные арки, обильно украшавшиеся декоративной живописью и скульптурой). Ведущим барочным скульптуром в России был итальянец Б. К. Растрелли. В его портретах и памятниках торжественная приподнятость образа, сложность пространственной композиции сочетаются с ювелирной тонкостью в исполнении деталей. Яркий образец барочного натурализма – созданная Растрелли «Восковая персона» Петра I (1725). В русской живописи Петровской эпохи (И. Н. Никитин,»портрет канцлера Головкина» А. М. Матвеев «автопортрет с женой») влияние барокко ощущается в особой приподнятости, повышенной внутренней энергии портретных образов. В творчестве русских мастеров ведущим жанром оставался портрет. В произведениях А. П. Антропова «портрет Екатерины II» барокко воплотилось в насыщенных мощью и силой образах портретируемых, контрасте внутренней энергии и внешней неподвижности, застылости, в натурной достоверности отдельных, тщательно выписанных деталей, в яркой, декоративной красочности

Расцвет барокко в России пришёлся на царствование Елизаветы Петровны (1741—61). Самым ярким воплощением стиля в архитектуре стали торжественные, полные жизнеутверждающего пафоса постройки, созданные Б. Ф. Растрелли (Зимний дворец, 1732—33; дворцы М. И. Воронцова, 1749—57, и С. Г. Строганова, 1752—54, в Санкт-Петербурге). В грандиозных садово парковых ансамблях в Петергофе (1747—52) и Царском Селе (1752—57) в полной мере воплотился синтез архитектуры, скульптуры, живописи, декоративно-прикладного и ландшафтного искусства. Яркие – голубые, белые, золотые – краски дворцовых фасадов; водные каскады и фонтаны в парках с их неумолчным шумом и непрестанным движением падающей воды, отражающей днём солнечные блики, а ночью призрачные огни фейерверков, – всё создавало праздничное зрелище. В церковной архитектуре Растрелли соединились традиции европейского барокко и древнерусского зодчества (Смольный монастырь в Санкт-Петербурге, 1748—54).

Нарышкинское барокко (или московское барокко)

Под «нарышкинским стилем» подразумевают группу зданий (особенно храмов), выстроенных боярским родом Нарышкиных, и в целом комплекс московской архитектуры конца XVII – начала XVIII в. К ним относят церквь Покрова в Филях, церковь Бориса и Глеба в Зюзине. Для зданий «нарышкинского стиля» него характерны смешение противоречивых тенденций и течений, внутренняя напряженность, разнородность структуры и декоративной отделки. В них присутствуют черты европейского барокко и маньеризма, отголоски готики, ренессанса, романтизма, слившиеся с традициями русского деревянного зодчества и древнерусской каменной архитектуры.

Элементы наружной отделки типично маньеристического стиля использованы не для расчленения и украшения стен, а для обрамления пролетов и украшения ребер, как было принято в традиционном русском деревянном зодчестве. Противоположное впечатление производят элементы внутреннего декора. Традиционный русский растительный узор приобретает барочную пышность.

Характерное для европейского барокко непрерывное движение, динамика перехода лестниц от наружного пространства к внутреннему, в нарышкинском стиле не получило столь явного воплощения. Лестницы его скорее нисходящие, чем восходящие, изолирующие внутреннее пространство зданий от наружного. В них видимы скорее черты традиционного народного деревянного зодчества.

Для зданий нарышкинского стиля характерен двойственный масштаб - одного гигантского, вертикально устремленного, и другого – миниатюрно-детального. Эта особенность нашла воплощение во многих архитектурных поектах в Москве в течение всей первой половины XVIII в. Многие традиции нарышкинского стиля можно обнаружить в проектах И.П.Зарудного (Меньшикова башня), Баженова и Казакова


Понравилась статья? Добавь ее в закладку (CTRL+D) и не забудь поделиться с друзьями:  



double arrow
Сейчас читают про: