Автор Маргарита Шульпина

В своей книге «Пути кураторства» Ханс Ульрих Обрист описывает практический опыт организации выставок кураторов из разных стран. Следуя его примеру, в аттестационной работе важно проанализировать опыт кураторства в отечественной практике на примере прошедшей в музее современного искусства Гараж весной 2017 года Триеннале российского современного искусства.

Кураторами этого масштабного проекта стали Андрей Мизиано, Ильмира Болотян, Татьяна Волкова, Екатерина Иноземцева, Снежана Кръстева и Александра Обухова.

За время подготовки проекта кураторский состав посетил более тридцати городов страны, разделенных между шестью назначенными кураторами. В результате исследования работ более чем двухсот художников от 19 до 69 лет, а также тесной работы в сотрудничестве с местными экспертами современного искусства, были отобраны работы 68 художников и творческих объединений, созданных в основном после 2012 года, таким образом, указывая на то, что произведения не только передают дух времени, но и дают возможность оценить многообразие социальных тенденций, формирующих современную российскую арт-сцену.

Идея масштабного кураторского проекта появилась в ходе путешествия директора музея Антона Белова с главным куратором Кейт Фаул, которые должны были отправиться с рабочим визитом в Японию и по дороге заехали во Владивосток. В ходе разговоров с местными представителями современной арт-сцены родилась идея полностью оценить масштаб страны, находящейся в интересной художественной ситуации. Целью первого триеннале российского искусства была обозначена демонстрация эстетических традиций разных регионов страны, что в результате позволило зрителям получить всеобъемлющую информацию о культурной жизни в России.

Каждый куратор проекта обладает своей методикой поиска интересного материала, однако в связи с большими расстояниями и ограниченностью времени, поиск совершался благодаря интернету, с помощью которого кураторы связывались с коллегами и художниками с просьбой консультации о состоянии региональных художественных сцен, далее назначалась встреча, просматривались портфолио и собиралась вся нужная информация, которая обрела свой окончательный вид и был составлен полный список участников лишь по возвращению в Москву.

Надо понимать, что формат триеннале — это тематическая периодическая выставка, которая подразумевает компромиссную логику включения и исключения художественных работ, построенную на множестве смысловых перипетий, которая граничит с научной академической практикой. В данном случае кураторы руководствовались программными задачами события — представить в выставочном пространстве свое исследование, разбив его на тематические разделы-векторы и выстроить определенную драматургию. Определив сюжеты выставки – кураторы проанализировали как непосредственно опыт активных российских художников, так и их социальные функции и соотнесенность с международной художественной практикой.

«Авторские мифологии» представили художников, которые живут в созданных ими самими автономных художественных системах и исследуют русские и советские мифы о России и русскости. Название отсылает одному из разделов выставки «Документа 5», сделанной в 1972 году Харальдом Зееманом. Используя новое понятие «индивидуальная мифология», Зееман выводит художественную практику за пределы любых стилевых ограничений и закрепляет за художниками право автономного существования в созданной ими самими эстетической системе.

В рамках «Авторских мифологий» на выставке была представлена уже презентованная в мире видеоработа Дмитрия Венкова «Krisis» длительностью 32 минуты. Этот фильм – театральная реконструкция дискуссии в «Фейсбуке», развернувшейся между российскими и украинскими художниками по поводу сноса памятника Ленину в Киеве в 2013 году. Подчеркнутая игра актёров «по системе Станиславского» определяет ситуацию, в которой любая историческая правда крайне относительна и всегда поддается интерпретации, оставаясь недостижимой.

«Верность месту» презентовала художников, занятых локальной тематикой и осмыслению окружающей действительности, то есть ландшафтными, этническими, историческими и прочими особенностями региона, что на самом деле приобретает универсальный характер и выходит на уровень универсального рассуждения. В работах данной тематики прослеживается неподдельный интерес к образному богатству внешнего мира, художники обращаются к красоте повседневности, анализируют феномены локальных культур, а также вскрывают травмы, которые таит в себе история городов.

Евгений Иванов – автор фотосерий о современной художественной жизни Сибири. Представленные на выставке фотоработы «Мой друг уличный музыкант» фиксируют моменты из жизни уличного музыканта Олега Фомина, что актуализирует метафору «уличный музыкант – душа города». Художник акцентирует внимание на необычном и ярком жилище автора, а также его отношениях с окружающим пространством. Далее серия работ была дополнена фотографиями квартиры без музыканта и далее при новых жильцах, таким образом, художник показывает, как быстро исчезает память о человеке и как неизбежно пропадает быт, которым он окружал себя при жизни.

«Искусство действия» собрало весь художественный протестный опыт. К 2010-м годам в России сформировался круг художников-активистов, для которых характерна новаторская трактовка публичного пространства, которое они используют для побуждения общества к действию. Художник-активист является катализатором социальных процессов и выразителем общественного мнения, для которого улица – гласная сцена художественного высказывания. Частью искусства действия является феминистское искусство, которое существует в альтернативных форматах и распространяется через социальные сети и самиздат.

В перформансе «12-часовой рабочий день» кооператив Швемы (Санкт-Петербург) воспроизводит ситуацию максимально приближенную к реальному рабочему дню на швейной фабрике. Художницы кооператива шили одно и то же изделие, разделяя между собой обязанности: быстрая работа, 15-минутный перерыв на обед, 3 похода в туалет и разговоры только о работе. Каждое изделие, созданное в процессе перформанса, было продано за 44 рубля – сумма, сопоставимая с оплатой труда обычных фабричных работниц. Своей акцией художницы хотели привлечь внимание к теме условий труда в современном мире, не отвечающим даже основным потребностям человека.

 «Мастер-фигура» объединила персонажей, чье влияние на ту или иную локальную арт-сцену или целое направление в искусстве оказывается решающим. Художников этого раздела выставки можно назвать носителями «авторитетного художественного языка». Они влияют на практики в регионах, формируют идеалы и тенденции в искусстве и демонстрируют примеры успешной карьеры.

«Золотой автопортрет» Анатолия Осмоловского в образе первосвященника свидетельствует о его новом этапе в творческой эволюции и декларирует об окончательном застывании жанра политического перформанса. Автопортрет художника дополнен документацией ранних акций художника, а также читки пьесы об Осмоловском, написанной для «Театр.doc», что указывает на частичную канонизацию Осмоловского художниками нового поколения и на оправданность самоироничного и внушительного памятника.

«Морфология улиц» показывает разнообразие уличного искусства в стране. В последние годы стрит-арт, как важная форма самовыражения, распространился во всех регионах страны, став одной из самых заметных городских субкультур.

Дуэт «ТОЙ» из Нижнего Новгорода предложила для выставки альтернативную форму организации городского ландшафта в парке Горького. Команда создала для триеннале скульптуру «Клумба» из огромной автопокрышки и двух берез, высаженных внутри., что отсылает к обустройству пространства своих дворов во многих городах бывшего СССР. Следуя традициям граффити, художники расписали скульптуру орнаментами, повторяющихся инициалов своих имен.

«Общий язык» знакомит с художниками, усвоивших универсальный и международный язык искусства по средством различных медиа – кино, скульптура, инсталляция, фотография, живопись и обращаются к темам широкого спектра проблем, включая коллективную память, искусственный разум, человеческое сознание, медиакоммуникации и др.

В десятиминутном видео «Очередь» Саши Пироговой (Москва) в котором художница тщательно переводит на язык движений речь участников очереди из одноименного романа Владимира Сорокина, который передает ее характер при помощи вопросительных реплик, замечаний и криков. Однако, образный язык и одежда героев далеки от эпохи, описанной в романе, что помогает обрести универсальный вневременной характер.

«Локальные истории искусства» ставило главной целью разрушить изнутри монополию центров на описание и осмысление художественной жизни в регионах. Было организованно шесть сессий, на которых художники, философы, кураторы, музейные работники из разных городов страны могли выступить, чтобы дополнить панораму художников, представленных на триеннале и дать возможность зрителям узнать о художниках, чьи работы не вошли на выставку. Способ презентации участники могли выбирать сами: лекция, перформанс, кинопоказ.

В рамках первой триеннале российского современного искусства шестью приглашенными кураторами было проведено колоссальное исследование сегодняшней художественной ситуации в стране. Была выстроена концепция, согласно которой вся выставка была разделена на шесть тематических блоков с участием как известных художников с мировым признанием, так и дебютировавших артистов и художественных объединений. Помимо самой выставки в течение двух месяцев работы триеннале в лектории музея Гараж регулярно организовывались лекции и круглые столы, на которых представители региональной сцены могли поделиться личным опытом и наблюдениями, что дало зрителям более глубокое понимание контекста выставки, а участникам дало возможность найти единомышленников и начать сотрудничать вместе. Результат проекта показал огромный интерес публики к новому и вместе с тем настоящему некоммерческому искусству, которое имеет как общие тенденции с мировой художественной практикой, так и личные наработки. По окончанию выставки была сформирована электронная площадка, на которую кураторы выгрузили информацию про все использованные в ходе выставки работы, что теперь является ценным ресурсом для дальнейших исследований русского искусства. Таким образом, первое триеннале российского современного искусство показало пример серьезной групповой работы, что усилило художественную кооперацию между регионами, объединило разрозненные и рассеянные по всей территории страны арт-явления и укрепило культурные связи.