Конный памятник кондотьеру Гаттамелате

В искусство Кватроченто возвращается совершенство прекрасного обнаженного тела. Бронзовый "Давид" художника тому подтверждение. Новизна решения образа заключена его трактовке. Перед нами юноша-подросток, а не царь Израиля, умудренный старец. Сила юного Давида в его наготе, которая защищает лучше всяких доспехов. Одухотворенность переживания, наряженное состояние сосредоточенности роднит юного героя Донателло с прекрасными статуями античности.

«Давид»

Андреа Вероккио (1436-1488) - ученик Донателло, учитель Леонардо, живописец и скульптор. Живописные работы Вероккио незначительны. Среди скульптурных работ наиболее характерной для вкусов времени стал бронзовый "Давид". Давид Вероккио - юный мальчик, полный движения, беспокойства. Он изящен, утонченно красив, как бы позирует перед зрителем, любуясь собой, в отличие от донателловского Давида, самоуглубленного и погруженного в себя.

«Давид»

Конная статуя кондотьера Коллеони, поставленная в Венеции около церкви Сан-Джованни, представляет неистового, охваченного жаждой сражения военачальника. Знаменитый командующий войсками Венецианской республики Коллеони завещал все свое имущество республике с условием, что Венеция воздвигнет ему бронзовый монумент. Для выполнения заказа был приглашен Вероккио как самый знаменитый скульптор своего времени. Памятник воплощает выражение неудержимой энергии и самоутверждение героической воли.

Архитектура

  Брунеллески суждено было стать первым архитектором-реформатором, он вернул архитектуре соразмерность человеческому бытию, создав спокойное пространство, возвратив стенам, несущим и несомым конструкциям перекрытий тектонические функции. В 1404 г. Брунеллески выигрывает конкурс на создание проекта перекрытия купола Флорентийского собора. Восьмигранный купол диаметром 43 м гордо взметнулся над средневековым собором, утверждая энергию и мощь нового времени. Используя опыт готической архитектуры, Брунеллески создает сложную каркасную конструкцию двойного купола, внутреннего и внешнего, на восьми несущих ребрах.

Следующей постройкой Брунеллески стала капелла Пацци, которая отличается ясностью и простотой конструкции, античной соразмерностью. Эти черты будут присуще архитектуре Возрождения в дальнейшем.

 

 

Капелла Пацци

 

Полностью реализовать свои новые идеи архитектор смог в строительстве Воспитательного дома (для внебрачных детей). Это было полностью светское строение, архитектурная концепция которого сочетала утилитарность и демократичность.

 

 Брунеллески получает заказ на перестройку старой церкви Сан-Лоренцо, где совершенно по-новому решает пространство интерьера.

 

 

Церковь Сан-Лоренцо

Во Флоренции в XV в. появляется образ светского городского дворца - палаццо - трехэтажного, выложенного из грубого камня (отсюда схожесть с крепостью), но с ясной и четкой конструкцией. Палаццо Питти.

Палаццо Питти.

Высокое Возрождение

Конец XV и начало XVI вв. называют Высоким Возрождением. Характерные черты реализма итальянского Возрождения:

1) классическая ясность;

2) человечность образов;

3) их пластическая сила;

4) гармоническая выразительность.

Этот период  длился недолго, всего 30 лет, но называют его Высоким Возрождением, или "золотым веком". В начале XVI в. (Чинквеченто) центром художественной жизни Италии становится Рим. Стремясь к объединению Италии под властью Рима, папы пытались превратить его в подлинную столицу. С этим связана меценатская политика пап. Основным заказчиком становится Ватикан. При Юлии II и Льве X в Рим стали стекаться лучшие художники Италии. Имена гениев, которым "золотой век" обязан своим названием, известны всему человечеству: Леонардо, Рафаэль, Микеланджело. Художники "золотого века" выросли на традициях предшествующих поколений мастеров, которые решили глобальные живописно-пластические проблемы, подготовили почву, на которой достойно была воплощена главная идея эпохи - человек-герой. После них начнется маньеризм, годы подражания.

Искусство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от Раннего.

Леонардо да Винчи (1452-1519) стал первым художником, наглядно воплотившим это отличие. Вечный экспериментатор: его творческая судьба начиналась во Флоренции, в мастерской Андреа Верроккьо, а закончилась во Франции, в замке Клу, под покровительством короля Франциска I.  Во Флоренции он начинает решать свою главную живописную проблему - проблему света как основного фактора пластического единства, как средства органического слияния фигур с пространством, которое потом разовьется в знаменитое леонардовское сфумато и станет основой его живописной концепции. Но Флоренция (Лоренцо Великолепного) проповедовала иные идеи, была под влиянием утонченного и линейного искусства Боттичелли, и Леонардо уезжает в Рим, а затем в Милан. В Милане он прожил 17 лет и создал свои законченные шедевры "Мадонну в скалах" и фреску "Тайная вечеря" для трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие.

"Мадонна в скалах"

"Тайная вечеря"

Покинув Милан, Леонардо вновь возвращается во Флоренцию, где пишет "Мону Лизу" и алтарную картину "Святая Анна".

 Первым учителем Леонардо был Андреа Верроккьо. Ко времени ухода из мастерской Верроккьо исследователи относят "Мадонну с цветком" ("Мадонна Бенуа", как она называлась раньше, по имени владельцев).

 

"Мадонна Бенуа"

В этот период Леонардо, несомненно, некоторое время находился под влиянием Боттичелли. Его "Благовещение" по детализации еще обнаруживает тесные связи с Кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса.

"Благовещение"

Воплощением леонардовского идеала женской красоты, олицетворением высокой материнской любви стал созданный в технике темперы образ "Мадонны Литта". Лаконичность и уравновешенность композиции - фигуры изображены на фоне симметричных проемов окон, за которыми синеет горный пейзаж, - лишь усиливает впечатление от прекрасного одухотворенного лица Марии и детской живости младенца.

«Мадонна Литта»

Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достижением его искусства была расположенная вдоль стены трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие фреска на сюжет "Тайной вечери" (1495-1498). Роспись с центральной фигурой Иисуса подчинила себе весь интерьер трапезной.

Композиция росписи традиционно проста: за столом Христос и ученики. Драматизм события передан за счет контраста молчания Христа и бурного смятения всех без исключения учеников. Что стремился передать интеллектуал Леонардо, работавший два года над росписью, написавший фигуры апостолов, в полтора раза превышающие человеческий рост? Леонардо стремился в художественной форме  показать драму характеров. Подтверждение тому - большое количество рисунков, относящихся к этому периоду, в которых Леонардо пытался зафиксировать различные психические состояния людей.

Портрет Моны Лизы (Джоконды) - шедевр портретного искусства. Это не портрет-документ, а портрет-концепт". Трудно представить, что судьба этого портрета была далеко не безоблачной. Не согласившись с заказчиком, Леонардо оставил портрет у себя и увез его во Францию, где он долroe время хранился в запасниках сначала дворца Фонтенбло, а затем Версаля, не вызывая особого интереса. И только в 1851 г. портрет был вывешен в зале Лувра. Композиция портрета вполне типична для Раннего Возрождения: человек главенствует над Вселенной. Нереальный, фантастический пейзаж на заднем плане придает таинственную неуловимость образу. В Джоконде нет внутренней скованности, она абсолютна свободна. Она все знает про вас и все понимает. Так умеют смотреть только умные и красивые женщины. Это портрет самой жизни.

Автопортрет

За пять лет до смерти Леонардо нарисовал автопортрет. Рисунок выполнен сангиной. Мы видим старца, уставшего от жизни и растерявшего все иллюзии. Леонардо был величайшим художником своего времени, гением, открывшим новые горизонты искусства. Он оставил после себя немного произведений, но каждое из них явилось этапом в истории культуры.

Рафаэль де Санти(1483-1520)  

Рафаэль де Санти  - великий художник умбрийской, а затем и римской школы. Гений, соединивший в своем творчестве традиции античности и дух христианства. Рафаэль достиг поразительной свободы в изображении пространства и движения в нем человеческой фигуры, безукоризненной гармонии между средой и человеком. Он был гением композиции и мадонн. Его искусство стало основой для всех будущих академий.

Творческая биография Рафаэля связана с тремя городами: Перуджо, где он написал "Обручение Марии" под влиянием своего учителя, умбрийского художника Псруджино, и первую свою мадонну ("Мадонна Конестабиле"), где обозначились особенности образной трактовки: тонкий лиризм и гармония, а также Флоренцией и Римом.

"Мадонна Конестабиле"

На протяжении своей короткой жизни Рафаэль был занят поисками идеального, гармоничного образа, чтобы воплотить его в мадонне. Он сумел выразить все тончайшие оттенки чувств в идее материнства, так понятного всем. Его мадонны не требуют никакого объяснения, их надо покорно созерцать как чудесное явление. Он напишет много мадонн: "Мадонна в зелени", "Мадонна со щегленком", "Мадонна в кресле"; все они разные по композиции, но каждый раз образ неизменно сочетает в себе величие и незащищенность.

Одно из самых совершенных произведений Рафаэля - "Сикстинская мадонна" - было написано в 1516 г. для бенедиктинского монастыря Сан-Систо в Пьяченце и теперь находится в Дрездене. Это алтарная картина, на которой изображены Мария с младенцем, св. Варвара и папа Сикст П. Фигуры четко вырисовываются на фоне светлого неба. Рафаэль изобразил Марию с младенцем не на земле, как всех своих мадонн, а идущую по небесам. Богоматерь, юная и прелестная, предстает перед нами как чудесное явление. Занавес открыт, Мария, окруженная золотистым сиянием, несет на руках сына, одновременно прижимая его к себе и отдавая.

"Сикстинская мадонна"

Величайший талант Рафаэля как мастера монументальной живописи проявился, когда он получил от папы Юлия II заказ на роспись личных папских покоев (станс) в Ватикане. Темой фресок были избраны четыре духовные силы, на которых держится христианская культура, - богословие  (теология), философия, поэзия и юриспруденция (правосудие).  В росписи, именуемой "Афинская школа", представлено собрание философов и ученых античности. В центре композиции Платон и Аристотель, по сторонам на ступенях широкой лестницы расположились мудрецы древности.

"Афинская школа"

 Несмотря на то, что основная идея этих росписей должна была заключаться в прославлении христианства, художественная реализация этой программы Рафаэлем - человеком своего времени - вылилась в победу светского начала над церковным.

Рафаэль был замечательным портретистом. В его портретах есть стремление раскрыть сложный мир личности, делающей историю.