Развитие образа человека в искусстве Древней Греции

«Человек есть мера всех вещей существующих, что они существуют и не существующих, что они не существуют» заявил в одном из своих диалогов «Теэтет 152а» древнегреческий философ Платон (между 429 и 427 до н. э., Афины — 347 до н. э., там же). Его слова можно перевести так: поскольку человек есть мера всех вещей, а люди отличаются друг от друга, то не существует объективной истины; именно с этого положения начинается поворот от натурфилософии к человеку и становление греческого антропоцентризма [18, C.149-162].

Антропоцентризм сложился из двух слов: греческого άνθροπος, что означает человек, и латинского centrum — центр. Это философское идеалистическое и мировоззренческое представление, согласно которому человек есть средоточие Вселенной и цель всех совершающихся в мире событий.

Человек для элладов был воплощением всего сущего, прообразом всего созданного и создаваемого. Поэтому человеческий облик, представленный самым невообразимым образом, стал эстетической нормой для Древней Греции. Он стал не только главной, но практически единственной темой классического искусства.

Греки считали, что призвание культуры заключается в её содействие гармоническому развитию, духовному и физическому, умственному и профессионально-трудовому (искусство, мастерство) человека, политическому и нравственно-духовному - гражданина.

Именно такого человека и ценили греки, именно такой человек стал их преобладающим объектом и смыслом культуры. Если, например, герой египетской, месопотамской или индийской культуры сильный своей таинственностью, сверхъестественностью, связью с небом и его стихийными силами, то герой культуры Древних Эллинов – реальный человек.

В Древней Греции возник культ тела, они большое значение придавали человеческому телу. Об этом говорят дошедшие до нас произведения искусства – скульптура, вазопись, керамика, на которой изображено много разнообразных, часто стилизованных человеческих типов. В основном красота человека ассоциировалась с его положительными нравственными качествами. Прекрасный мужчина был воплощением твердого духа, интеллектуальной силы и внимательности; прекрасный юноша – символ таланта, поэзии и различных других совершенств; характерны для его возраста. Внешний облик человека как бы ровнялся его внутреннему миру.

Недостойными качествами человека считались: недостаток ума, нравственности, духа, характера.

Тело человека для эллинов служила неким проводников, через которого они воспитывали в себе гармонические духовные качества, находили в нем чувства и ум, которые либо находились в единстве, либо в противоречии.

Древнегреческие мастера не боялись воспевать природные великолепие человека, они охотно работали и с одетой, и с нагой натурой.

Существует легенда, которая хорошо показывает отношение греков к человеческой красоте. Однажды, молодая женщина совершила тяжкое преступление – её вина была доказана. Тогда, чтобы оправдать подзащитную, адвокат прямо в зале суда сорвал с неё хитон и воскликнул: «Разве такую красоту можно заточить в тюрьму?». Гречанку тут же освободили из-под стражи.

В античной Греции процветали различные виды искусства, такие как архитектуре, скульптура, вазопись. Главными особенностями искусства Древних Греков были единство, сдержанность, организованность, тишина, красота форм, рациональность. Искусство носит идеалистический характер, т.к. представляет человека в его физическом и моральном совершенстве. Образ человека в искусстве эллинов – это безупречно ясная, очищенная от случайностей концентрация прекрасных духовных и физических качеств реального человека.

В эволюции древнегреческой культуры обычно выделяют пять периодов:

· Эгейская, или крито-микенская, культура (3000—1000 гг. до н. э);

· Гомеровский период – «темные века» охватывает XI—IX века до н. э. (иногда продлевается до середины VIII века);

· Период архаичной культуры (750—480 гг. до н. э.);

· Классический период (V—IV вв. до н. э.);

· Эпоха эллинизма (336 — 30 г.до н.э.) [19].

Эгейскую культуру часто именуют крито-микенской, так как считают, что ее главными центрами являются остров Крит и Микены. Искусство этого периода характеризует высокое мастерство художников и зодчих Крита.

Особенность эгейского искусство лежало в оригинальном понимании жизни природы и места в ней человека, а также в свободе отношения с древними традициями и предписаниями религиозных ритуалов.

Изображение человека мы можем видеть в найденных фресках, маленьких изделиях и на росписях изделий керамики. Возвеличивание природы и красоты, радость бытия, ликующие восприятие мира показаны в искусстве Крита, считающимся самым изысканным и абсолютно завершенным в своем мастерстве из всех, до и после него существующих. Критянские образы соответствуют их представлениям о мире. Фигура на изображениях всегда тонкие, с осиными талиями, словно готовые переломиться.

Большое многообразие фресок сохранилось в Кноссовском дворце, они изображали причудливые растения, мифических животных, а люди писались практически всегда молодыми и красивыми. Юношей изображали красной охрой с цветами в волосах, белой краской – девушек и женщин в элегантных шёлковых одеждах. Их прически украшены венцами, а руки и шеи – драгоценностями. Каноном фигур было: грудь и плечи даны анфас, а ноги и лицо в профиль, многообразие зооморфных мотивов и цветовое решение – яркие локальные синие, красные, зеленые тона. На фресках дворца не было найдено практически ни одного смеющегося лица. На всех работах лица людей нарочито печальны, их позы строги и величавы, их одежды просты, они исполняют определённый ритуал [Приложение 8].

Одним из шедевров критских мастеров является сохранившийся фрагмент фрески «Портрет парижанки» датированный примерно XVI—XV веками до н. э. На ней изображен профильный портрет женщины с огромными глазами, пухлыми ярко-красными губами и весьма радостным выражением лица.  Хрупкость, изящество, тонкий изыск сочетаются в образе с асимметрией, разного рода преувеличениями, «стихийностью» кисти. Почерк беглый, живой, моментальный. Некрасивое личико с длинными, неправильными по форме носиком и полными красными губами излучает жизни. Копна черных кудрявых волос придает «Парижанке» элегантность, а тонкая, будто акварельная живопись с просвечивающим фоном, наделяет ее воздушностью и грацией [Приложение 9].

Искусство Крита дало миру много нового – изменчивость и движение как основы художественного образа, быстрая смена видений, стремление запечатлеть мгновение [4].

После дорийского вторжения и последующего заката микенской цивилизации наступил период гомеровской эпохи, о нем известно очень мало, он характеризуется упадком культуры и утратой письменности.

Единственным источниками «темных веков» являются поэмы «Илиада» и «Одиссея» легендарного поэта Гомера (VIII век до н. э.). Поэтому этот период и называют «Гомеровским».

Практически все искусство «темных веков» сосредоточено на мифах и их героях. В этот период формируется греческая мифология и эпос. А благодаря преемственности традиций на высоком уровне остается гончарное дело. В последний период «тёмных веков», около 900—700 годов до н. э. складывается так называемый геометрический стиль в вазописи. Среди геометрических фигур также возникают изображения зверей и людей. Их фигуры представлены в виде условных схем, к плоскому, четкому силуэту, подчиненному общему ритму геометрического орнамента. Изображение предельно плоскостное, условное, с головами и ногами в профиль, а верхней частью торса – в фас.

Следом за «темными веками» наступила эпоха Архаики (750 – 480 гг. до н.э.), время конструкции и укрепления античных рабовладельческих городов - государств, греческих полисов.

В этот период развитие скульптуры определялось эстетическими запросами общества. Постоянные вооруженные столкновения народов друг с другом требовали от воинов большой физической силы. Еще с малых лет греки занимались гимнастическими упражнениями, которые развивали крепость тела и стойкость духа. Древние эллины утверждали, что физическая красота свидетельствует о не менее красивом духе. Формированию такого взгляда на мир во многом посодействовали Олимпийские игры, победителей которых считали равными богам. Их всенародно прославляли, в честь них воздвигали статуй.

Архаическое искусство - это поиск новых форм, отражающих эстетический идеал прекрасного тела и духа гражданина полиса. В этот период создаются основные типы монументальной скульптуры - статуи обнажённого юноши-атлета (курос) и задрапированной девушки (кора). Вместе с этим, появляются скульптурные многофигурные композиции и рельефы.

Материалами для изготовления статуй служили известняк, мрамор, терракота, бронза, дерево и редкие металлы. Эти скульптуры – как отдельно стоящие, так и в виде рельефов – служили украшениями для храмов и для надгробных памятников. Скульптуры рассказывали как сюжеты из мифологии, так и повседневную жизнь.

Первая статуя в натуральную величину появилась около 650 г. до н.э.

Образ человека, сложившийся в архаическом искусстве, обладает некоторыми чертами, близкими искусству Древнего Востока: небольшая условность изображения, статичность, торжественность.  

Таким предстает перед нами образ прекрасного человека, нашедшего свое воплощение в статуях (куросах). Практически все подобные статуй однотипные: в большинстве случаев, это фигура в полный рост, имеющая упрощенный геометризированный силуэт. Статичность позы передается особой постановкой ног - выдвинутая вперед левая нога и отставленная назад правая. Подчеркивая атлетичность сложения тела: широкие плечи, узкие бедра, скульптор схематично намечает грудные мышцы, диафрагму и мышцы живота. Углы губ чуть приподняты, что позволило исследователям ввести термин "архаическая улыбка", глаза широко открыты. Четкая фронтальность, подчеркнутые плоскости фаса и профиля, статика позы, разработка волос напоминают древнеегипетские статуи. Но улыбка, устремленный вдаль взгляд создают впечатление жизнерадостности, открытости человека перед миром, счастья познания его, что составляет глубокую гуманистическую идею греческого искусства.

В мужской скульптуре главной задачей было проблема обнаженного тела, а в женской – проблема драпировки.

Корами являлись изображения молодых жриц Афины, которые обычно помещали на Акрополе. Девушек изображали неподвижно стоящими в длинных одеждах, перехваченных поясом. Голову коры с длинными волнистыми волосами мог украшать венок, в ушах были серьги, а в левой руке она держала венок или ветку. Скульптор удивительно передает лицо юной жрицы с миндалевидными глазами, тонкими дугами бровей, неуловимой улыбкой.

Лица куросов и кор не проявляли свою индивидуальность, а обобщались. Мужские фигуры выделялись статикой позы спокойствия, стойкостью, силой. Самообладание, благородство при подчеркнутой женственности, элегантности мы наблюдаем в образах кор. Все это говорит о нравственных идеалах греков в период архаики, а в искусстве той эпохи эстетический и этический идеалы объединялись в одно.

В отличие от гомеровского стиля, росписи на вазах VII в. до н.э. архаики писались темно-коричневым лаком по светлой, розовато-желтой глине, фигуры были даны не просто силуэтом, художники прорисовывают лицо, мускулатуру, детали одежды. Сюжет не меняется, все также изображают сцены из мифов с участием богов и героев, батальные сцены и быт.

Искусство архаики решила проблемы пластики обнаженной мужской и задрапированной женской фигуры, разработало многофигурные композиции в вазописи, все больше стремившееся к изображению реального мира, заложило основу всей художественной системы следующего периода – Греческой классики [9, C.17-48].

Искусство классического времени не зря считают образцом для подражания, так как именно в этот период решается главная задача искусство – правдивое изображение человека, сильного, активного, полного достоинства и равновесия душевных сил – победителя в персидских войнах, свободного гражданина полиса, в котором нравственная красота неотделима от физической.

Классическое искусство Греций делится на два вида – ранняя классика и высокая классика. В эпоху ранней классики полисы Малой Азии лишаются первого места в развитии искусства, которое они до того занимали. Главенствующими центрами деятельности художников, скульпторов, архитекторов становятся Северный Пелопоннес - полуостров в Греции, южная часть Балканского полуострова, соединяющаяся с ним Коринфским перешейком, Афины – столица Греции, располагающееся в исторической области Аттики, и греческий Запад. Искусство этой поры освещено идеями освободительной борьбы против персов и торжества полиса. Отличительной чертой ранней классики принято считать героический характер и большое внимание к человеку-гражданину, сотворившему мир, где он свободен и где уважается его достоинство. Искусство сбрасывает железные оковы, одетые в эпоху архаики, и исшит что-то новое.

На смену двум господствующим типам фигур – куросу и коре – приходят и другие разнообразные типы, например, контрапост; скульптуры стараются передать сложность движений человеческого тела. Задачей ранней классики стало изображение человека в движении, а высокой – передача движения души.

В искусстве в полной мере воплотился идеал человека-героя, совершенного физически и нравственно. К сожалению, большинство скульптур сохранились только в римских копиях. Одной из знаменитых греческих оригиналов считается статуя «Дельфийского возничего», созданная в 478 — 474 г. до н. э. Юноша изображен в полный рост в длинном хитоне, перехваченном поясом на талии, с вожжами в руках. Струящиеся складки его одежды напоминают каннелюры дорической колонны, лицо полно сдержанной силы, спокойствия, торжественности и благородства, линии лба, носа, бровей и губ безупречны по рисунку. Идеально прекрасный образ не лишен, однако, жизненности. В зрачки глаз были вставлены цветные камни, в результате его лицо обретает необычайную живость, одухотворенность. Этот образ, полный гармонии, олицетворяет идеал совершенного человека, равного героям эпоса [Приложение 10].

Самым выдающимся художником ранней классики второй четверть V века является Полигнот (точная дата не известна, родился и умер в V век до н. э.). Древние авторы утверждают, что художник, стремясь показать людей в пространстве, располагал фигуры заднего плана над передними, частично скрывая их на неровностях почвы. На картинах Полигнот писал фигуры очерком и окрашены лишь несколькими красками, которые выделялись на цветном фоне стен. Несмотря на полное отсутствие в них моделирования человеческого тела и перспективы, они представляли собой в истории живописи значительный шаг вперёд, поскольку, по преданию, в них отмечались ритмичность композиции, благородство форм и выразительность — качества, которые отсутствовали в произведениях архаического периода.

Искусство высокой классики, подготовленное творческими исканиями художников предшествующего поколения, имеет одну важную особенность — наиболее значительным центром его развития становятся Афины, и влияние афинской идеологии все более определяет развитие искусства всей Эллады [5].

Высокая классика – это продолжение того, что возникло ранее.

Скульптуру высокой классики невозможно представить без творчества древнегреческих скульпторов Мирона (д.р.  и д.с. V век до н. э.), Фидия (ок. 490 до н. э. — ок. 430 до н. э.) и Поликлета (д.р. и д.с. V век до н. э.).

Мирон закончил искания мастеров прошлого времени, старающихся передать в статуе движение человека. Первой классической скульптурой считается «Дискобол», в ней скульптор решил задачу передачи моментального перехода от одного движения к другому, что означало конец архаикиной статичности.  «Дискобол» - это изображение атлета в момент наивысшего напряжения перед броском диска. Его рука отведена назад, еще момент - и юноша пустит снаряд далеко вперед. Мирон, которого волновала проблема изображения движения, улавливает тот момент, который лежит между замахиванием и самим броском. Это переходное состояние позволяет скульптору не запечатлевать какое-то определенное движение атлета, а передать всю мощь внутреннего напряжения, необходимого для победы. Физическое, а значит, и внутреннее совершенство этих статуй утверждает мысль о человеке как о мериле всего сущего [Приложение 11].

Хоть Мирон и преодолел задачу передачи движения, он так и не смог овладеть искусством выражения духовных чувств. Эта роль досталась Фидию – одному из крупнейших художников высокой классики. Он прославился своими скульптурными изображениями божеств, особенно бога неба Зевса и богини мудрости Афины. Самая знаменитая работа мастера бронзовая статуя Афины Промахос, к сожалению, не  сохранилась, найдены только фрагменты постамента, на котором стояла Афина.

Не последнее место в творчестве Фидия заняло создание скульптур и рельефов для Парфенона. Единство архитектуры и скульптуры, являющееся характерной чертой эллады, находит здесь своё совершенное воплощение. Скульптору принадлежала общая идея скульптурного оформления Парфенона и руководство его осуществлением, им же выполнена часть скульптур и рельефов.

По мнению греков величайшим произведением Фидия является статуя Зевса Олимпийского. Верховный бог изображен восседающим на троне, в правой руке он держал фигуру богини победы Ники, в левой – символ власти – скипетр. С этой статуей Фидий внес в греческую культуру новый образ бога – милостивого. Статую Зевса древние считали одни из чудес света [Приложение 12].

Основной темой творчества другого скульптора этого времени –Поликлета из Аргоса - был идеальный гражданин полиса. Его первостепенным образом считался атлет-победитель в спортивных состязаниях. Самая популярная статуя скульптура – «Дорифора» (юноши с копьем), была создана в 450—440 гг. до н. э. Сохранились только её копии. «Дорифор» - это воплощение физически и духовно совершенного человека/

У Дорифора сложная поза, отличная от статичной позы античных куросов. Он — ранний пример классического контрапоста, ведь его создатель Поликлет первый додумался придавать фигурам такую постановку, чтобы они опирались на нижнюю часть лишь одной ноги. Кроме того, фигура кажется подвижной и оживленной, благодаря тому, что горизонтальные оси не параллельны [Приложение 13].

Дорифор — это не изображение конкретного спортсмена-победителя, а иллюстрация канонов мужской фигуры.

  А IV век до н. э., уже период поздней классики — также оставил в истории несколько имён великих скульпторов, у каждого из которых был свой индивидуальный почерк. Скульптура этого периода предвещала те изменения, которые произошли с наступлением нового исторического периода — эллинизма.

Эпоха кризиса полиса сильно повлияла на развитие греческой скульптуры. Кардинально меняются идеалы, на смену прекрасного и благородного гражданина приходит интерес к человеческой личности. В скульптуре вместо мужественного и сурового образа строгой классики возникает интерес к душевному миру человека, и в пластике находит отражение более сложная и минее прямолинейная его характеристика.

Это время запомнило скульпторов IV в. до н.э.- Праксителя (прибл. 395 до н.э. – прибл. 330 до н.э.), Скопаса (ок. 395 до н. э., Парос — 350 до н. э.), Лисипп (прибл. 390 до н.э. – прибл. 300 до н.э.). Первый прославился тем, что изображал воплощающих идеальную красоту богов, придавая им естественные человеческие эмоций самых различных оттенков. Его известные работы: «Афродита Книдская» (350—330 гг. до н. э.), «Аполлон, убивающий ящерицу» (350 до н.э. и IV в. до н.э.), «Отдыхающий Гермес» и другие. Сохранилась лишь статуя божественного посланника Гермеса, ее создание датируется около 330 г. до н.э. и была найдена в ХIX в. В Олимпии. Скульптор показал прекрасного юношу, небрежно облокотившегося на пень, в состоянии покоя и безмятежности. Задумчиво и нежно он глядит на младенца Диониса, которого держит на руках. Эта статуя знаменует смену мужественной красоты атлета прошлого на красоту немного женственную, элегантную, но и более одухотворенную. Особое место в древнегреческом искусстве занимает другая скульптура Праксителя – статуя Афродиты Книдской, которая считается первым скульптурным изображением нагого женского тела. Мастер изображает  полностью обнажённую женщину, прикрывающую лоно правой рукой. Это относит её к категории Venus Pudica (Венера Стыдливая),куда также входят Капитолийская и Медичейская Венеры. Богиня держит в руках ткань, складки которой спускаются на кувшин (с точки зрения конструкции это становится еще одной дополнительной опорой). Афродита изображена без одежды, так как готовится купаться — принять легендарную ванну, описанную в мифах, благодаря которой каждый день она возвращала себе девственность [Приложение 14].

Скопас продолжил традиции высокой классики, создавая образы монументально-героические. Однако было отличие, его образы носили драматическое напряжение всех духовных сил, например, статуй «Геракл», «Вакханка» и др.

Лисипп, пересмотрев канон изображения человека, творил тела людей с более легкими, удлиненными пропорциями. Скульптор старался изобразить жизненно достоверные статуи, не идеально совершенными, а характерно-выразительными. В портретных бюстах Сократа, Александра Македонского он выразил сложную внутреннюю жизнь человека.

Искусство, характеризующееся сильным развитием всех художественных форм, связанных и с греческими, и с «варварскими» принципами культуры, с развитием науки, техники, философии, религии, с расширением кругозора, появилось в эпоху эллинизма. Это связано как с многочисленными военными походами, торговыми контрактами, так и с научными путешествиями того времени. Мир изменяется, возникают неведомое ранее «чувство мировых просторов». Этот не известный мир, лишенный обычной гармоний, был новым. Его необходимо было увидеть, а значит, и выразить в художественных средствах искусства.

В период эллинизма продолжают развиваться тенденции, наметившиеся в греческой скульптуре  IV в. до н.э. Проявляется повышенный интерес к личности, ее эмоциям, характерные черты скульптуры этого времени – динамичность, выразительность. Именно в эпоху эллинизма появляются всемирно известные рельефы пергамского алтаря Зевса, скульптуры «Афродита Мелосская», «Ника Самофракийская», скульптурные группы «Лаокоон», «Фарнезский бык», скульптурный портрет Демосфена [Приложение 15].

Конечно, скульпторы обращались и к классическим канонам. Например, статуя Афродиты с острова Мелос, известная больше под названием «Венера Мидлсская», отличается от всех других изображений Афродит, созданных в эллинистическую эпоху, всегда подчеркивающих только чувственное начало. Образ же Афродиты с острова Мелос полон высокой нравственной силы, что говорит о глубоком понимании мастером идеалов высокой классики.

Человек со всеми его страстями и реалистичностью становится центром внимания, так как искусство эпохи эллинизма более демократично, свободно, лишено жестких канонов, более правдоподобно и гуманистично.

3. Особенности отражения образа человека в искусстве Древнего Рима

В VI в. до н.э., когда Древняя Греция стала главной силой в восточном и западном Средиземноморье, выросла новая сила на Апеннинском полуострове – молодое римское государство, возникшее в результате сражения.

Философы О.Шпенглер (29 мая 1880 года, Бланкенбург, Германия — 8 мая 1936 года, Мюнхен), А. Тойнби (14 апреля 1889 года, Лондон — 22 октября 1975 года) и др. выдвигали мнение, что римская культура не оригинальна, что римляне не создали ничего существенного, так как они копировали практически все образы греческого искусства.

Без сомнений, греки оказали сильное влияние на Рим в разных сферах культуры. Но, стоит отметить, что римляне не выбирали что-то на бум, они тщательно отбирали то, что отвечало их ценностям, реализовав их в том числе и в «римском мифе», воздвигающих Рим, римские культурные традиции выше других народов. Также римляне обрабатывали инокультурные элементы под себя, в соответствии с римскими традициями, добавляя немало индивидуального.

Культура Древнего Рима – это многоструктурное и разностороннее явление, характеризующееся неоднородностью форм, направлений, что имеет историко-культурные корни. Ведь на территорий современной Италии проживали самые разнообразные народы: латины, оски, умбры, сабины, а также этруски, которые внесли большой вклад в развитие Римской культуры.

Римская скульптура сложилась в результате воздействия разных народов, в большой степени отличились греки и этрусы. В римской империи большую популярность получили исторический жанр, который отражался в скульптурах и скульптурных рельефах. Если Древние Греки проповедовали культ идеального, прекрасного и высоко нравственного человека, то в пластике Древнего Рима этого не было. Главной отличительной чертой римской скульптуры была ее портретность, характеризующееся сильной реалистичностью. Например, скульптурные портреты императоров Нерона (54—68 гг. н. э.), Августа (23 сентября 63 года до н. э., Рим — 19 августа 14 года н. э., Нола) и других. Мастер старался передать облик человека так, как он есть. Скульптурные изображения подчас не просто правдивы, но разоблачительны. Это исторические документы эпохи. Они как бы воспроизводят всю историю Рима с его захватнической политикой, произволом, праздностью и расточительностью римской знати [Приложение 16].

Римляне создали свой жанр портрета в скульптуре - портретные статуи (традиции этрусков). Как самостоятельный жанр он сформировался еще в начале I века до н. э., когда Древний Рим завершил свое укрепление как сильного государства. Это время всплеска натурализма, скульптурные портреты передают индивидуальность человека с удивительной беспристрастностью, обнажая даже уродливые черты изображаемого лица. Здесь и правители, и простой люд. Например, явственно обнаруживается свирепость банкира Л.Ц. Юкунды (60-е годы I в), кровожадность и мнительность императора Каракаллы (4 апреля 188 — 8 апреля 217 гг.). Величайшим образцом римской скульптуры стала конная статуя Марка Аврелия (была создана в 176 году), голова юного Августа (23 сентября 63 г. до н.э., Рим, Италия, РИ - 9 августа 14 г. (75 лет), Нола, Италия, РИ). Его называли философом на троне. Во взгляде, в выражении лица скульптор пытается передать внутреннюю жизнь Августа. Портретная скульптура смыкается с рельефной скульптурой. Ряд триумфальных рельефов украшает Алтарь мира, арку Тита. Изображения на колонне Траяна показывают победоносные войны императора с даками [6].

Отличительными чертами портрета эпохи Республики заключались в том, что внешнее сходство изваяния с оригиналом и особенная внутренняя настроенность, сближавшая все образы, делавшая их похожими друг на друга, а также замкнутость, самостоятельность и погруженность в мир личных чувств и переживаний.

Время правления императора Октавиана Августа стало золотым веком римской культуры. Важным аспектом, повлиявшим на сложение римского искусства этого периода, стало греческое искусство классического периода, чьи строгие формы пришлись кстати при создании величественной империи.

Скульптура этого периода — августовский классицизм — характеризуется простотой и ясностью построения, строгостью, сдержанностью, четкостью форм и стремлением к обобщению, которые сочетаются с традиционным стремлением к документальной точности. Особенно яркие примеры — придворный официальный портрет (Август и его семья), где виден отход от эллинизма (существовавший в республиканском портрете) и проявляется интерес к более раннему классическому искусству V—IV вв. до н. э.

Женский портрет получает более самостоятельное значение, чем ранее. В правление Августа впервые появляются детские портреты. Помимо официального классицистического портрета сохранялась линия и с более реалистической подачей (например, портрет Агриппы). Из всех видов римского скульптурного портрета самыми консервативными были изображения на надгробиях, которые дольше всего сохраняли республиканские традиции (например, надгробие Фуриев в Капитолийском музее, «Катон и Порция»).

Портреты эпохи солдатских императоров развивают строгую линию, намеченную при Александре Севере. На первый план вышла характеристика личности (в отличие от прежнего интереса к живописным проблемам, моделировке поверхности мрамора).

Примерами новой техники, которая получила интенсивное развитие во 2-й четверти III века являются портреты Филиппа Аравитянина (204 г., Шахба, Каменистая Аравия - сентябрь 249 г. (45 лет), Верона, Италия) и Бальбина (ок. 178 — 29 июля 238). Стиль изображения «солдатского» императора Филиппа является практически полным отрицанием живописного стиля эпохи Антонинов, в нем нет ни следа утончённой культуры.

Портрет лишен и идеализации, и традиционности; техника крайне упрощена — волосы и борода показаны короткими насечками, попарно поставленными, черты лица выработаны глубокими, почти грубыми линиями с полным отказом от детальной моделировки, фигура и черты лица асимметричны. Скульптор демонстрирует крайний реализм, используя все возможные средства, практически импрессионистически — с выделением самых важных черт без затемнения их деталями, характеристика несколькими меткими штрихами.

 Начиная с Константина портрет порывает с традициями реализма, лежавшими в основе всего предшествующего развития римской портретной скульптуры. Не без борьбы, реалистические портреты, которые до сих пор создаются, уступают поле боя. Основной характер модели подобного портрета становится суровым и аскетичным, даже религиозно фанатичным; «для выразительности скульптор использует новый арсенал изобразительных средств — строго фронтальную постановку головы, симметричное построение черт лица, графичность и орнаментальность в передаче деталей. Но главными становятся глаза с их неподвижно-пристальным, застывшим взглядом, в котором концентрируется вся экспрессия лица».  

При наследниках Константина классицизм портретов его времени сходит на нет. Совсем явственно акцентируются глаза, которые говорят о том, что все материальное и телесное в портрете подчиняется теперь духовному началу (что естественно для эпохи начала власти христианства). Создается свой собственный стиль, который сочетает обобщенную и стилизованную трактовку человека, лишенную индивидуальных признаков с особым интересом к передаче его внутренней, экзальтированно-духовной сущности. Человеческое лицо теряет индивидуально-конкретные черты, а с ними и своё значение портрета. Оно становится отвлеченным образом, иконой [Приложение 17].

Наряду с портретными бюстами и статуями, широкое распространение получили портреты на монетах, камеяхи т. п., отчасти живописные портреты. Искусство чеканки было так развито, что по профилям на монетах (сопровождаемых надписями) современные исследователи опознают безымянные мраморные головы. Ранние образцы станковой портретной живописи представляют фаюмские портреты (территория эллинистического Египта, I—IV вв. н. э.), исполнявшие функцию погребальных масок. Во многом связанные с традициями древневосточного портрета и с религиозно-магическими представлениями, вместе с тем они создавались под воздействием античного искусства, непосредственно с натуры, несли в себе ярко выраженное сходство с конкретным человеком, а в поздних образцах — специфическую духовность.

 

Заключение

 

 Цивилизации Древнего Рима и Древней Греций переплетались между собой. Что в первой, что во второй базовой составляющей культуры была однотипная античная гражданская община. Она и выделяла главные ценности жизни и культуры. Только, при всей схожести двух античных культур и цивилизации, они ощущаемо различались. Это мы узнали и в формировании образа человека.

Для греков человек был основным объектом и смыслом культуры, он был «центром Вселенной и мерой всех вещей». Человеческий облик, являющийся самым прекрасным образом, стал эстетической нормой для Древней Греции, был не только главной, но почти основной темой классического искусства. В Римской культуре все протекало наоборот, в римской пластике отсутствовал культ идеального человека, они создавали произведения искусства со всеми его изъянами, т.е. делали их реалистичными.

 

Список литературы

1. Аза Алибековна Тахо-Годи. Греческая мифология / Е. В. Федорова, Г. И. Соколова. — М.: ИСКУССТВО, 2019. — С. 23. — 304 с.

2. Блаватский В. Д. История античной расписной керамики. М., 2018.

3. Баумгартен Ф., Поланд Ф., Вагнер Р. 2017: Эллинистическо-римская культура.

4. Большая российская энциклопедия: [в 35 т.] / гл. ред. Ю. С. Осипов. — М.: Большая российская энциклопедия, 2017.

5. Бюттен А. — М. Классическая Греция / Пер. с фр. — М., 2019. — 384 с.

6. Бритова Н. Н., Лосева Н. М., Сидорова Н. А. Римский скульптурный портрет, 2016

7. Валлон А. История рабства в античном мире. Пер. с фр. С. П. Кондратьева. М.: Госполитиздат,2019. 664 с.

8. Зелинский Ф.Ф., Мелиоранский Б. М. Христианство // Энциклопедический  словарь  Брокгауза и Ефрона: в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 2018.

9. Залюбовина Г. Т. Архаическая Греция: Особенности мировоззрения и идеологии. — М., 2017

10. История Древней Греции/Под ред. В.И. Кузищина. М., 2019.

11. История Древней Греции./Под ред. В.И. Авдиева, А.Г. Бокщанина, Н.Н. Пикуса. 2-е изд. М., 2019 (1-е изд.: М., 2015).

12. История древнего мира./Под ред. И.М. Дьяконова, В.Д. Нероновой, И.С. Свенцицкой. 3-е изд. М., 2019. Т. I--III. (1-е изд.: М., 1982).

13. История древнего мира. Древняя Греция/Под ред. С.И. Ковалева. М., 2019. Т. II--III. культура эллада культ грек.

14. Колобова К. М. // Гоголь — Дебит. — М.: Советская энциклопедия, 2018. — (Большая советская энциклопедия: [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров; 1969—1978, т. 7).

15. Кузьмин А. В. Космос Фалеса // Земля и Вселенная. — 2018. — № 6.

16. Куманецкий К. История культуры Древней Греции и Рима / Пер. с польск. В.К. Ронина. — М.: Высшая школа, 2017.

17. Культура древнего Рима. В 2-х томах. — М.: Наука, 2019.

18. Ковельман А.Б., Гершович У. Поэтика сокрытия: «Теэтет» и «Хагига» // Вопросы философии. 2016. № 11

19. Ляпустин Б. С., Суриков И. Е. Древняя Греция. — М., 2017.

20. Мерцалова М.Н.. История костюма. — М.: Искусство, 2019.

21. Сергеев B.C. История Древней Греции./Под ред. В.В. Струве, Д.П. Каллистова. 3-е изд. М., 2019. (1-е изд.: М., 2017; 2-е изд.: М., 2018)

22. А.Е. Савельев. Культура Древней Греции: Учебное пособие. — М.: Высшая школа, 2018. — 464 с. — 3000 экз.

23. Соколов Г. И. Римский скульптурный портрет III века, 2018.

24. Римская мифология Е. М. Штаерман «Мифы народов мира». Энциклопедия. (В 2 томах). «Советская энциклопедия», 2019. Т. II.

25. Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб.2017-2019.