Автоматизм (искусство)

Автомати́зм (англ. Surrealist automatism) — акт создания художественного произведения, определяемый подсознательно через свободную ассоциацию, сновидение или состояние транса.

Автоматизм играет основную роль в сюрреализме, представители которого облекают в живописную, литературную или музыкальную форму исходящие из подсознания творческие импульсы.

Данный метод применяется также и абстракционистами, например, он применялся канадскими автоматистами 1940-х годов, а также известным абстрактным экспрессионистом Джексоном Поллоком.

Сюрреалистический автоматизм имеет своё основание в автоматизме медиумическом, от которого, собственно, этот термин и произошёл

Эксперимента́льная му́зыка

(англ. Experimental Music) — музыкальные произведения, использующие необычный инструментарий или новые композиционные принципы. Характеризуется неустоявшейся эстетикой, которая с точки зрения перспектив и ценности является достаточно неопределённой и спорной^[1].

Термин «экспериментальная музыка» используется в музыкальной критике для характеристики образцов той новой музыки, эстетика которой явным образом нарушает существующие в музыкальном искусстве традиционные нормы и правила.

Авангардная музыка

Аванга́рдная му́зыка, музыка́льный аванга́рд (англ. Avant-garde music) — вид современной музыки, некоторые элементы эстетики которой являются радикально инновационными. Предполагается, что подобная музыка в эстетическом отношении опережает своё время.

Как и в случае с «экспериментальной музыкой», термин «музыкальный авангард» зачастую используется для характеристики радикальных композиторов и их работ. По мнению некоторых музыковедов авангардная музыка занимает экстремальные позиции в пределах традиции, в то время как экспериментальная музыка лежит за её пределами.

Термин «авангардная музыка» используется в музыковедении для обозначения радикальных инноваций со стороны музыкальных модернистов и композиторов Новой венской школы («Авангард — I», вплоть до гибели в 1945 году Антона Веберна), а также последующего периода (вплоть до начала XXI века) с его не менее радикальными инновациями со стороны представителей различных направлений музыкального постмодернизма («Авангард — II»)

Сегодня же термин «авангардная музыка» может быть применён к любой неэкспериментальной музыке, эстетика которой радикально инновационна по отношению к эстетическим новациям музыки «Авангарда — I» и «Авангарда — II»

Сюрреалисти́ческая му́зыка (англ. Surrealist music) — направление в музыке, сформировавшееся к началу 1920-х годов во Франции.

Сюрреалистическая музыка характеризуется парадоксальным сочетанием различных музыкальных форм и стилей, а также использованием неожиданных звуковых аллюзий.

Теодор Адорно определяет сюрреалистическую музыку как «совмещение исторически девальвированных музыкальных фрагментов посредством такого их монтажа, который позволяет придать им смыслы в рамках нового эстетического единства»

В качестве наиболее характерных эстетических атрибуций сюрреалистической музыки критики чаще всего упоминают чистый психический автоматизм, неидиоматическую импровизационность и коллажность.

  ВИД ИСКУССТВА -      БАЛЕТ  

  ИСПОЛНИТЕЛЬСКОЕ ИСКУССТВО В ХОРЕОГРАФИИ

Балет – 1) вид сценич.ис-ва(нач.форма в Европе в 16в., расцвет во 2-ой пол.19в.) основан.на танце, содержание кот.раскрыв. в танц.-муз.образах.

       2) театр.представление, состоящ.из танцев и пантомимы, сопровождаемых музыкой. Класс.балеты: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» П.И.Чайковского, «Жизель», «Корсар» А.Адана, «Баядерка», «Дон Кихот» Л.Минкуса, «Ромео и Джульетта», «Золушка» С.С.Прокофьева, «Раймонда» А.Глазунова и др.

Восточная тематика в русском балете Х1Хв.:

«Становл. и оформл.бал.театра в России приходилось на эпоху Романтизма. Основой для бал.либретто стан.произв-ия писат.-романт-в, сказки, легенды, но и темы экзотич., загадочн.Востока. В 1836г. у нас произошло отдел-е драм.от муз.театра. Балету покровит.высок.придворные особы и сам Николай 1. К нам приезж. известн.балетмейстеры. Балет «Восстание в Серале»(комп.Т.Лабар) о маврит.присутствии в Испании, балетм.А.Д.Титюс, кот. перенёс лучш.постан-ки Парижск.оперы на сцену Большого театра С-Петерьурга. В балете много ярк.и малоправдоп.сцен наполн.восточн.танцами, томной эротикой, сцен-ми у бассейна, но это позволило передать пластику, ритмы, картины иной вымышлен.жизни.(балет ушёл из реп-ра во 2-ой пол.19в.). Балет А.Адана «Корсар», балетмейс.Ж.Перро, декорации А.Роллера поставл.в 1858г., (до этого успешн.постановка «Эсмеральды»1848, «Питомица Фей»1850, «Фауст»1854) стал поворотн.в истор.мир.хореографии. В «Корсаре» танцует молод.М.Петипа, и в 1863г. ставит этот же балет в собств.постновке. Восточн.мотивы здесь не только в декорац-х, но и в очень интересн.танц.рисунке (партия Конрада: Мариус Петипа…М.Барышников, Р.Нуриев, Н.Цискаридзе) эта партия сочет.стилиз.восточн.элементы и традиции класс.И. Далее в 1840-ые гг. появл.восточн.танцы к «Руслане и Людмиле»М.И.Глинки (турецк., арабск. и лезгинка) – балетм-р А.Титюс ставит изумит.танец девочек, арапчат и на мотив легинки. В лезгинке возникла неукрот.стремит-ть движения танца и неотраз.привлекательная терпкость звучания оркестра Не забываем и про шедевр Бородина «Половецкие пляски». Тема Востока в творч.изв.балетмейстеров, ИСПОЛНИТЕЛЕЙ расширяла и обогащ.пластику бал.театра. Этот образ Востока привлек.европ-цев откров.эротизмом, красотой наложниц, негой и роскошью дворцов. В дальнейш.проникн.вост.темы имело больш.знач-е для школы академ.балета, исполнен.характерн.танцев в класс.балетах стан.неотъемл.частью хореографии».[1]

      ИСТОРИЯ БАЛЕТА

Вряд ли мастера танца, развлекавшие государей эпохи Возрождения роскошными представлениями, могли предположить, что сеют семена искусства, которым в грядущие века будут наслаждаться миллионы людей во всем мире.

Балет зародился в конце XV века в Италии, где владетельные князья нанимали профессиональных мастеров танца для постановки пышных зрелищ, чтобы произвести впечатление на знатных гостей. Помимо элементов драмы, эти представления включали величавые танцы, шествия в исполнении придворных дам и кавалеров. Став супругой французского короля, итальянка Екатерина Медичи привезла во Францию и моду на диковинные придворные балеты.

Популярность придворных балетов клонилась к закату, когда в 1643 г. на французский престол взошел Людовик XIV. Новый король не только возродил угасающую традицию, но и принимал живое участие: в спектаклях, пока не слишком растолстел для танцев. Даже его льстивое прозвище пришло из балета "Ballet de la nuit", где он выступил в роли Короля-Солнца.

Парижская опера

При Людовике XIV балеты давались часто и обставлялись с невиданной пышностью. Примерно тогда же появилось разделение танцовщиков на любителей и профессионалов. В 1661 г. Людовик учредил Королевскую академию танца "в целях совершенствования сего искусства", а спустя 10 лет - Королевскую академию музыки. Так был заложен фундамент будущей Парижской оперы.

Именно в Парижской опере в 1681 г. впервые появились профессиональные танцовщицы. Спустя 32 года при театре открылась балетная школа, чтобы обеспечить постоянный приток молодых танцовщиков в ставшие особо популярными оперы-балеты. Для многих балет стал профессией. Тогда же были заложены основы балетной техники и появились первые знаменитости. К их числу принадлежат балерины Мари-Анн де Камарго и Мари Салль, а также танцовщик Луи Дюпре.

Прочь оковы

В те времена танцевальная карьера начиналась с ранних лет и завершалась гораздо позже, чем сейчас. Балет и в малой доле не требовал такой отдачи сил, как в наши дни, а чтобы скрыть от публики свои стареющие лица, танцовщики выступали в масках.

Долгое время техника и стиль танца оставались неизменными - до той поры, когда в практику начали внедряться идеи французского танцовщика и хореографа Жана-Жоржа Новерра. Он нарядил актеров в легкие, не стеснявшие движений костюмы, запретил надевать маски и требовал от них не только танцевального, но и драматического мастерства.

В 1789 г. многое из того, что проповедовал Новерр, нашло воплощение в балете Жана Доберваля "Тщетная предосторожность". Никаких речей, никаких сказок о похождениях богов и богинь, никаких масок, пения и корсетов. Зритель увидел незатейливую историю о полюбившей красивого молодого крестьянина деревенской девушке, которую мать хотела выдать за богатого, но глупого сынка местного помещика. Танец обрел свободу и естественность движений.

Романтический балет

В начале XIX в. все виды искусства, в том числе и балет, оказались под мощным влиянием романтизма, как художественного течения. Возродился интерес к фольклору и фантазии. Ярким проявлением романтизма в балете стали спектакли "Сильфида" и "Жизель". Примерно тогда же балерины начали танцевать на кончиках пальцев - встали на пуанты. Не имея балетных туфель с жестким носком, как у нынешних танцовщиц, они держались на пуантах лишь какую-то долю секунды.

Одной из первых начала танцевать на пуантах итальянская балерина Мария Тальони, отец которой поставил для нее в 1832 г. "Сильфиду" на сцене Парижской оперы.

В 1836 г. Огюст Бурнонвиль поставил в Копенгагене свою "Сильфиду" по воспоминаниям от спектакля с участием Тальони. Он создал для танцовщиков особенный, легкий и воздушный, стиль, который по сей день отличает мастеров датского Королевского балета.

Героиня другого романтического балета, юная крестьянка, лишается разума и умирает, узнав, что ее возлюбленный, дворянин Альберт, не сможет на ней жениться. После смерти она превращается в призрак и спасает Альберта от смерти. Премьера "Жизели" состоялась в 1841 г. на сцене Парижской оперы с Карлоттой Гризи в заглавной партии.

Романтический балет был по преимуществу искусством женского танца. Ко времени постановки па-де-катра пик популярности романтического балета уже миновал, и Париж как центр классического танца стал понемногу угасать.

Классический балет

В 1847 г. французский танцовщик Мариус Петипа был приглашен ведущим солистом в балетную труппу Санкт-Петербургского театра. К тому времени он успел поставить несколько балетов в Западной Европе, но только в 1862 г. осуществил первую балетную постановку в России - "Дочь фараона". Дебют оказался настолько успешным, что ему тотчас предложили должность балетмейстера, на которой он достойно прослужил 40 лет.

Петипа создал свыше 50 многоактных балетов, в том числе "Раймонду", фрагмент которой Рудольф Нуриев поставил в Лондоне в 1966 г., и "Баядерку", с ее знаменитым "Актом теней" и виртуозным па-де-де, которое по сей день с блеском исполняется в балетных концертах.

Русские сезоны

Шли годы, и несколько петербургских танцовщиков взбунтовались против строгих правил классического стиля, установленных стареющим Петипа. Они жаждали новых интересных сюжетов, мечтая танцевать под современную музыку в современных декорациях.

В числе недовольных петербургскими порядками был танцовщик Михаил Фокин, которого Сергей Дягилев пригласил поработать один сезон в балетах русской антрепризы, которые ставились в Париже в 1909 г. Дягилев был центральной фигурой большой группы театральных художников, композиторов и других творческих личностей, захваченных поиском новых направлений в своих видах искусства. Фокин с радостью ухватился за открывшийся шанс.

Триумф Дягилева

Парижский сезон увенчался подлинным триумфом. Дягилевская труппа "Русский балет" в свое время вызвала множество споров, но ее огромное влияние на балет XX века не вызывает сомнений. Фокин поставил "Шопениану", "Видение Розы", "Жар-птицу", "Петрушку" и ряд других балетов, ставших классикой XX века.

В составе труппы выступали выдающиеся танцоры. Подлинным открытием для Запада стала Анна Павлова, сделавшая этюд "Умирающий лебедь" одним из самых популярных сольных номеров в истории балета, а также Вацлав Нижинский, возможно, величайший танцовщик всех времен, а позднее хореограф, поставивший "Послеполуденный отдых фавна".

Дягилев заказывал декорации Пикассо и Кокто, музыку - Стравинскому, Дебюсси и Равелю. Он сделал балет средоточием всего нового.

По стопам Дягилева

Дягилев умер в 1929 г. Со временем распалась и его труппа. Один из ее членов, Джордж Баланчин, имевший за плечами петербургскую школу, поселился в Нью-Йорке, где основал Школу американского балета, на основе которой сформировалась труппа "Нью-Йорк Сити Балле". Баланчин стал одним из самых влиятельных хореографов XX века. Другой протеже Дягилева, Серж Лифарь, возглавил балетную труппу Парижской оперы и долгое время был самой влиятельной фигурой во французском балете.

Влияние Дягилева ощущается до наших дней и в Великобритании. С его труппой выступали такие английские балерины, как Мари Рамбер, Алисия Маркова и Нинетт де Валуа. Рамбер создала собственную труппу "Балле Рамбер", ныне одну из ведущих в мире современного балета. Маркова вместе со своим танцевальным партнером Антоном Долиным основала труппу "Лондон Фестивал Балле", нынешний "Английский национальный балет". Нинетт де Валуа основала "Вик-Уэллс Балле" и балетную школу, которая в числе прочих учениц привлекла девочку по имени Пегги Хукхэм. Годы спустя Пегги стала величайшей балериной своего времени под именем Марго Фонтейн, а труппа "Вик-Уэллс" - "Королевским балетом".

Русские сезоны в Париже - хотя и косвенно - решили судьбу еще одного прославленного артиста. В 1917 году некий юноша был так потрясен увиденным в Эквадоре танцем Анны Павловой, что решил стать танцовщиком. Он отправился в Лондон, где стал учеником еще одного дягилевского протеже, Леонида Мясина, а позднее - Мари Рамбер, всячески поощрявшей его пробы сил в хореографии. К тому времени юноша сменил имя, и Уильям Мелландейн стал Фредериком Аштоном. В его постановке увидели свет многие популярные балеты, в том числе "Сон", созданный им для двух солистов Королевского балета, которые стали впоследствии мировыми звездами, - Энтони Дауэлла и Антуанетт Сибли.

Из всех европейских балетных трупп, пожалуй, только Королевский датский балет не испытал влияния Дягилева и Русских сезонов, сохранив верность строгому формату шедевров Бурнонвиля.

Снова в СССР

Тем временем в России все оставалось по-прежнему. Ленинградский Кировский и московский балет Большого театра, благополучно пережив революцию, процветали при коммунистическом режиме.

В 1956 г. Большой театр впервые приехал на гастроли в Лондон. Привезенный им балет "Ромео и Джульетта" пользовался огромным успехом. Спустя пять лет в гастрольный тур по Европе отправился Кировский балет и повсюду получил восторженный прием. России было суждено в очередной раз оказать сильнейшее влияние на балетный мир, когда танцор Кировского театра, находясь в Париже, отказался подняться на борт самолета, вылетавшего в Россию. Его имя - Рудольф Нуриев. Из Парижа он перебрался в Лондон, где долгое время танцевал в паре с Марго Фонтейн, став мировой знаменитостью.

Но Нуриев, а спустя несколько лет Михаил Барышников, бежавший из труппы Большого театра в 1974 г. во время гастролей по Северной Америке, были не только блестящими мастерами танца. Они стали открывателями нового направления в балете, доказав, что мужчина-танцовщик может быть звездой, равной балерине.

Известные балерины и танцовщики: Ф.Эльслер, А.И.ИстоминаЕ.И.Андреанова, Е.А.Санковская, М.Ф.Кшесинская, В.Ф.Нижинский, О.О.Преображенская, М.Т.Семёнева, А.Дункан, Г.С.Уланова, А.М.Мессерер, В.М.Чабукиани, О.В.Лепешинская, К.М.Сергеев, Н.М.Дудинская, М.Лиепа, М.М.Плисецкая, Н.И.Бессмертнова, Р.Х.Нуриев, М.Н.Барышников, В.В.Васильев, Е.С.Максимова, Д.Вишнева, У.В.Лопаткина, Ф.С.Рузиматов, Н.М.Цискаридзе…

Танцевальная импровизация (англ. Dance improvisation) родилась из народных обрядов, игр и празднеств, а в современных танцах включается в профессиональном искусстве.

  ВЕЛИКИЕ МАСТЕРА ТАНЦА:

                         БАЛЕТ

Айседора Дункан(амер.)(1878-1927) - величайшая танцовщица и актриса, покорившая поклонников балета в Европе и Соединенных Штатах, и даже "завоевавшая" Красную Россию, а вместе с ней и сердце ее замечательного поэта Сергея Есенина, обещала быть необыкновенной с самого начала. В автобиографии она так говорит о своем рождении: "Характер ребенка определен уже в утробе матери. Перед моим рождением мать переживала трагедию - "божественной" Айседоры Дункан. Её судьба лавирует между превратностями артистической карьеры и безумствами частной. Жизнь знаменитой американской танцовщицы Айседоры Дункан окружена легендами. Необычайно одаренный человек, она создала новый стиль в танце, отрицала класс.школу балета, использовав язык пластики и жестов, приблизив танец к пантомиме. Её яркая, своеобразная личность привлекала к себе самых разных людей.

Анна Павлова (1882-1931)- с 1906 прима Мариинск.театра в С-Петербурге, с 1909 в Париже в «Русском балете С.П.Дягилева» - недолго, новаторство группы ей противоречило, созд.собств.труппу (Европа, Америка), «Умирающий лебедь»Сен-Санса поставл. М.Фокиным спец-но для неё;

Вацлав Нижинский(поляк по нац., русск.)(1890-1950) - с 1907 в Мар.театре, с 1909 в труппе С.Дягилева, ведущ.танцовщик постановок М.Фокина,знам.партии в балетах: Петрушка, Весна священная (на муз.Стравинского), Послепо.отдых фавна и Игры (на Дебюсси); «проложил путь к соврем.хореогр-ии: развил хореограф.видение-абсол.независим.от классич.гениальности его собств.виртуозн-ти, в кажд.нов.работеон методично искал возможн-ть выразить на языке движ-ий хар-р танца, не обращаясь ни к традиции, ни к своему собств.виртуозн.мастерству» - Джон Ноймайер.

Галина Уланова(1910-1998)

Галина Сергеевна Уланова —это целая эпоха в истории русского балета, его национальная гордость. Гениальная, великая, неповторимая Уланова, которую сравнивают с Венерой Боттичелли и Мадонной Рафаэля. Трогательная, прекрасная и трагическая Принцесса-Лебедь — бессмертный образ, созданный Галиной Улановой, яркий, неповторимый, удивительно живой, который невозможно забыть. Она сумела достичь удивительной гармонии внешней и внутренней пластичности. Момент озарения и душевного сдвига, который испытывает в одной из сцен спектакля Джульетта, стоя перед зеркалом, испытала и Галина Уланова. Когда она еще училась в школе. Уланова отдыхала вместе с друзьями на даче. Во время утренней прогулки по тенистой аллее она внезапно оказалась на просторе, залитом солнечным светом. Потрясенная внезапной переменой, она закричала и бросилась бежать, не помня себя и не отдавая себе отчета в том, что с ней происходит. Это странное и удивительное ощущение рождалось у нее снова и снова, уже во время спектакля, когда Уланова-Джульетта стояла перед зеркалом, тревожно всматриваясь в свое будущее.

На сцене Кировского театра была осуществлена постановка балета «Бахчисарайский фонтан», партия Марии создавалась с учетом особенностей исполнительницы. Свою Марию, трогательную и бесконечно печальную, Галина Уланова наделила огромной внутренней силой,

Репертуар Улановой удивительно многообразен. «Я во всех своих ролях провожу какую-то единственную линию, придерживаясь какой-то большой глубины человеческих чувств, отношений, самопожертвования — ради большого, глубокого, чистого и светлого...»

Майя Плисецкая(род.1925) В пластике Майи Плисецкой танцевальное искусство достигает высокой гармонии^[1].Наиболее известные партии: Одетта-Одиллия в «Лебедином озере», Аврора в «Спящей красавице» (1961), Раймонда в одноимённом балете Глазунова, Хозяйка медной горы в «Каменном цветке» Прокофьева, Мехмэнэ-Бану «Легенде о любви» Меликова, Кармен (Кармен-сюита Родиона Щедрина).После ухода со сцены Галины Улановой в 1960 году Плисецкая стала примой балета Большого театра. В советской киноверсии «Анны Карениной» сыграла княгиню Тверскую. В 1971 году Родион Щедрин написал балет на ту же тему, где Плисецкая танцевала главную партию и впервые попробовала свои силы в качестве хореографа.

Специально для Плисецкой кубинский балетмейстер Альберто Алонсо поставил балет «Кармен-сюита». Другими хореографами, ставившими для неё хореографические партии, были Юрий Григорович,  Ролан Пёти^[5], Морис Бежар В 1980-х годах Плисецкая и Щедрин проводили много времени за границей, где она работала художественным руководителем Римского театра оперы и балета (1983—1984), а также Испанского национального балета в Мадриде (1988—1990). Оставила сцену в возрасте 65 лет; после длительное время участвовала в концертах, ведёт мастер-классы. На день своего 70-летия дебютировала в специально написанном для неё номере Бежара «Аве Майя». С 1994 года Плисецкая является председателем ежегодного международного балетного конкурса, носящего имя «Майя» (Санкт-Петербург)

Константин Сергеев (1910—1992) — русский советский артист балета, балетмейстер, педагог. Народный артист СССР (1957). По окончании Ленинградского хореографического училища (1930) был принят в ЛАТОБ имени С. М. Кирова, где работал до 1961 года. Обладая благородной внешностью и высочайшим актёрским мастерством, Сергеев с блеском исполнял ведущие партии классического репертуара, трактуя их в глубоко психологическом, правдивом ключе. Первый исполнитель партий: Ленни («Тропою грома» К. А. Караева; 1958), Евгений («Медный всадник» Р. М. Глиэра и др. В 1930—1940 годах выступал вместе с Г. С. Улановой, их дуэт считается одним из лучших в истории русского балета. Именно Сергеев и Уланова были первыми исполнителями заглавных партий в первой постановке балета С. С. Прокофьева «Ромео и Джульетта» 11 января 1940 года. Исполнил также партии Альберта («Жизель» А. Адана), Принца («Золушка» С. С. Прокофьева). После войны Сергеев танцевал в дуэте с женой Н. М. Дудинской.

1960—1970 — главный балетмейстер ЛАТОБ имени С. М. Кирова. Осуществил первые постановки ряда современных советских балетов («Гамлет» Н. П. Червинского; 1970), а также новые редакции классических спектаклей, среди которых наиболее известны «Спящая красавица» П. И. Чайковского, «Раймонда» А. К. Глазунова, «Золушка» С. С. Прокофьева (1945, 1964) и многие другие. Ставил балеты в других театрах (Музыкальный театр имени Станиславского и Немировича-Данченко, а также за рубежом: «Жизель» (1967, Варшава; 1991, Осака), «Лебединое озеро» (1987, Варшава; 1973, Прага; 1988, Бостон; 1991, Токио), «Золушка» (1978, Прага; 1990, Осака). Автор сценария нескольких телефильмов-балетов, сам снимался в таких постановках, вёл цикл передач об истории русского балета.

Надежда Павлова (род. 15 мая 1956, Чебоксары) — советская и российская балерина, балетмейстер, педагог. Народная артистка СССР (1984). В 1966 году её заметила комиссия из Пермского хореографического училища, приехавшая в Чебоксары в поисках одаренных детей, и Наде предложили учиться в Перми. В конце 1960-х гг. исполняет все существующие детские партии в спектаклях Пермского театра оперы и балета. В 1970 году во время гастролей театра в Москве Надя Павлова привлекает особое внимание рецензентов. В 15 лет Надежда Павлова становится лауреатом первой премии Всесоюзного конкурса балетмейстеров и артистов балета, а год спустя, в 1973 году, завоёвывает Гран-при II Международного конкурса артистов балета в Москве. В эти годы Надежда Павлова особенно часто гастролирует по стране и за рубежом, покоряя зрителей Италии, Японии, Китая, Австрии, Германии, Франции и США лёгким дыханием своего танца. По окончании училища в 1974 году — солистка Пермского академического театра оперы и балета им. П. И. Чайковского, В сентябре 1975 года Надежда Павлова — солистка Большого театра. Её постоянным партнером на протяжении этого десятилетия остается Вячеслав Гордеев, ставший её мужем. С 1983 года в репертуаре Н.Павловой появляются миниатюры М. Бежара и Д. Баланчина, опусы хореографов-современников. Окончив балетмейстерское отделение ГИТИСа как педагог-репетитор в 1984 году, она проводит мастер-классы во Франции, Германии, Японии, Финляндии. В 1999 году Надежда Павлова принимает участие в открытии Российского культурного центра в Вашингтоне, становится лауреатом фестиваля «Звезды мирового балета» в Донецке. В 1998—1999 гг. как приглашённая звезда выступала в спектаклях труппы «Русский балет». С 2009 года — балетмейстер-репетитор в Государственном академическом театре классического балета под руководством Н. Д. Касаткиной и В. Ю. Василева. Преподаёт в Российской академии театрального искусства (РАТИ) (профессор). Является самой молодой артисткой, носящей звание «Народный артист СССР» (удостоена в 28 лет).

Вячеслав Гордеев (род. 3 августа 1948(19480803), Москва) — советский и российский солист балета, балетмейстер, хореограф, театральный режиссёр^[1], педагог. Народный артист СССР (1984)^[2]. В 1968 году окончил Московское хореографическое училище. В 1968—1989 — солист балета Большого театра. В 1981 году дебютировал как балетмейстер, поставив хореографические миниатюры «Пассакалия» на музыку Г. Ф. Генделя и «Встреча» на музыку М. Таривердиева. В 1982 году поставил номер «Гусляр» на музыку В. Кикты, в 1983, совместно с балетмейстером Борисом Барановским — две миниатюры для своих творческих вечеров с Надеждой Павловой — «Слепая» и «Каприччио на цыганские темы» на музыку С. Рахманинова. В 1984 году возглавил «Ансамбль классического балета (Московский балет)» Московской областной филармонии, преобразованный в дальнейшем в Московский областной государственный театр «Русский балет», которым руководил до 1995 года и в 1997—2007. В 2005 году открыл Школу-студию классического и современного танца при театре «Русский балет». В 1995—1997 — художественный руководитель балета Большого театра, в 2003—2006 — художественный руководитель балета Екатеринбургского театра оперы и балета.

Марис Лиепа (латыш. Māris Rūdolfs Liepa; 27 июля 1936, Рига — 26 марта 1989) — советский латвийский солист балета, балетмейстер, балетный педагог, актёр кино. Народный артист СССР (1976). Мариса отдали в рижское хореографическое училище. 2 сентября 1953 года 17-летнего рижанина приняли в Московское хореографическое училище. И в конце первого полугодия заработал «пятёрку» по классическому танцу. Ему разрешили подготовить два па-де-де — из «Щелкунчика» и «Дон Кихота». 1 мая 1955 года на выпускном вечере Марис Лиепа станцевал спектакль «Щелкунчик» целиком. В рецензии значилось: «из мужского состава выделяется Марис Лиепа, танцовщик с прекрасными внешними данными и отличной техникой, одинаково сильный и в сольном танце, и в дуэте». Однако отличника не приняли в Большой театр, разъяснив, что национальные кадры должны закрепляться на местах. И Лиепа вернулся в Ригу. Юноша понравился Майе Михайловне Плисецкой; принял участие в Днях культуры СССР в Венгрии. В Будапеште Лиепа танцевал заветную партию Зигфрида в «Лебедином озере». Прямо в Сочи главный балетмейстер В. Бурмейстер принял Лиепу на работу с окладом премьера в 2000 рублей. Московские балетоманы начали ходить «на Лиепу». Участие в конкурсе во время VI Всемирного фестиваля молодёжи и студентов принесло Лиепе золотую медаль. Председателем жюри была Г. С. Уланова.

Летом 1960 года Марис Лиепа вместе с коллективом Большого театра побывал на гастролях в Польской Народной Республике, где танцевал с Ольгой Лепешинской. После гастролей последовало приглашение в легендарную труппу. Позже Лиепа узнал, что решил свою судьбу, задав главному балетмейстеру Лавровскому вопрос: «Что я буду танцевать», не спросив ни о зарплате, ни о квартире. Официальный дебют состоялся в начале сезона 1960/1961 годов в партии Базиля в балете «Дон Кихот»; вскоре Лиепа перетанцевал почти весь тогдашний репертуар. В роли Ромео Марис Лиепа впервые выступил в Лондоне на сцене Ковент-Гардена в 1963 году; в том же году его пригласили преподавателем в Московское хореографическое училище. «Уча других, я учился сам», — заявит артист позднее.

В 1964 году в Большой театр пришёл новый главный балетмейстер Ю. Н. Григорович. Поначалу сотрудничество складывалось удачно; в балете «Легенда о любви» Марис Лиепа станцевал Ферхада. В «Спартаке» он получил партию заглавного героя, но вскоре Григорович перепоручил ему роль Красса и работал над ней, ориентируясь на индивидуальность актёра. Успех превзошёл все ожидания: триумфальные гастроли по всему миру, масса поклонников. Английская критика нарекает Мариса Лиепу «Лоуренсом Оливье» в балете. В 1971 году за исполнение роли Альберта в «Жизели» Серж Лифарь вручил Лиепе премию имени Вацлава Нижинского.

Но благополучная биография неожиданно обрывается. Нелицеприятные высказывания Лиепы об уровне хореографии в новых балетах не понравились Григоровичу, а статью, опубликованную в «Правде» в декабре 1978 года, балетмейстер не простил никогда. Он не находит Лиепе места в новых версиях «Лебединого озера», «Ромео и Джульетты», в «Иване Грозном», в «Ангаре». За 14 последних лет в Большом театре Лиепа танцует лишь четыре новые партии: В 1963-80 преподавал в Московском хореографическом училище.

Он пытается найти себя в новом деле, благо, опыт был. В кино Лиепа впервые снялся в 1969 году, станцевав Гамлета в одноименном фильме-балете. Несомненная удача — роль Хиггинса в фильме-балете «Галатея» по пьесе Шоу «Пигмалион» и целый букет забавных образов в «Бенефисе Людмилы Гурченко». Свое 40-летие Марис Лиепа отмечает в Афинах, впервые исполняя партию Хозе в балете «Кармен-сюита» на сцене античного театра. В 1977 году в Дании Лиепа танцует Гирея в «Бахчисарайском фонтане», а в Исландии Клавдио в балете «Любовью за любовь». В Австралии Лиепа выходит на сцену Гансом в Жизели. Творческие вечера в Москве по-прежнему собирают огромную аудиторию. Год Лиепа работает с балетмейстером Борисом Эйфманом, танцуя Рогожина в балете «Идиот» и Солиста в «Автографах». Первое исполнение Рогожина состоялось на сцене Дворца Съездов в июне 1981 года; в этот же день Андрис Лиепа удостаивается золотой медали на IV Международном конкурсе артистов балета.

Но перед отъездом в Софию Лиепа последний раз выходит на сцену Большого. 28 марта 1982 года он танцует Красса, его последний партнёр-Спартак — техничный, молодой и мощный Ирек Мухамедов. Последний триумф завершается решением художественного совета о профнепригодности танцора. Коллеги не желают или не могут противостоять всесильному Григоровичу.

Осенью 1986 года Марису Лиепе не доверяют вакантный пост балетмейстера в Рижском оперном театре и не позволяют создать в Риге новый театр балета на Тихой улице. Министр культуры Латвии Раймонд Паулс вмешаться не хочет, зато Моссовет принимает решение: создать Театр Мариса Лиепы в столице. В «Советской культуре» 4 марта 1989 года появляется объявление о конкурсе в театре «Балет Мариса Лиепы». Он должен состояться 15 марта. А 27 марта 1989 года газеты публикуют некролог о смерти накануне Мариса Лиепы. В Москве говорят: охранник не впустил его в Большой театр и отобрал пропуск; вот сердце и не выдержало.

Лиепа работает над всеми элементами мужского танца вплоть до мелких связующих па, оттачивая технику до виртуозности. А роль заглавного героя в балете «Спартак», поставленном Якобсоном в 1962 году, приносит Лиепе медаль имени Станиславского за выдающееся актёрское мастерство. В Нью-Йорке писали, что такой герой способен разить врага не мечом, а испепеляющим взглядом.

К гастролям 1963 года в Англии Лиепа готовит роль Ромео. «Ромео с головы до ног», «абсолютный Ромео» оценит его английская критика. А сам Лиепа скромно заметит, что самой сложной задачей было обучение тела шекспировскому языку. Техническая сторона партии была отработана без малейших скидок.

В «Сказке о Солдате и Черте», Он перевоплощался на сцене вместе с Чертом, прикидываясь Старухой, Генералом, Певцом, Министром, Хозяином…А танцуя под волшебную скрипку Солдата, Черт не мог остановиться и прыгал все выше с криками: «Подождите!» Как Лиепе удавалось сохранять ритм дыхания, непостижимо!

В 1964 году в Большой театр приходит Юрий Григорович. Марису Лиепе он поручает роль Ферхада в «Легенде о любви». На репетиции «Спартака» Григорович неожиданно увидел, как Лиепа показывает коллеге кусочек «текста», предназначенного для Красса. И тут же предлагает «порепетировать немножко Красса». 9 апреля 1968 года Марис Лиепа вышел на сцену в доспехах римского полководца. Ни один из последующих исполнителей партии Красса не мог даже приблизиться к уровню Мариса Лиепы, а неплохих Спартаков было немало. За 14 лет Лиепа сразился со всеми Спартаками Большого театра. Творческая победа была отмечена Ленинской премией, врученной 9 июня 1970 года. В костюме Красса написал портрет Лиепы Александр Шилов.

В 1978 году Марис Лиепа выступает Первым танцовщиком в балете Владимира Васильева «Эти чарующие звуки» на музыку композиторов XVIII века. Лиепа танцует в «Кармен-сюите» партию Хозе, несколько «потеснившего» заглавную героиню в постановке Александра Лемберга. Позже танцовщик включит «Кармен-сюиту» в программу своих творческих вечеров в Москве. Известно балетное изречение: «Приходит опыт — уходит прыжок». Но за великими танцорами интересно наблюдать, даже если они пешком ходят по сцене. Таких ролей в балетном репертуаре мира немало. Одно время Марис Лиепа надеется на приглашение Мориса Бежара, намекавшего на совместную работу. Приглашения не последовало. На нетактичные вопросы: «Долго ли ещё думаете танцевать?» Лиепа отвечает: «Пока не умру прямо на сцене во время спектакля».

В марте 1982г. была София, где состоялось 4501-е выступление Мариса Лиепы и отмечалось 30-летие его творческой деятельности. Большой театр, сцену которого Лиепа считал балетной сценой мира № 1, юбилея «не заметил»

Наталья Бессмертнова (1941-2008) — выдающаяся советская и российская балерина, балетмейстер — педагог. Народная артистка СССР (1976). В 1961 году окончила Московское хореографическое училище. В 1961 году была принята в труппу Большого театра, где танцевала до 1988 года. Прима-балерина Большого театра, она станцевала все ведущие партии классического и современного репертуара. Была первой исполнительницей многих партий в балетах своего мужа, Главного балетмейстера Большого театра Ю. Н. Григоровича.

В 1988—95 годы — педагог-репетитор (по контракту) Большого театра, покинула театр, в день назначения художественным руководителем Большого театра В. В. Васильева. C 1995 до 2007 года была ассистентом балетмейстера в спектаклях, которые Ю. Н. Григорович ставил в театре «Кремлевский балет» («Ромео и Джульетта» — 1999 год, «Иван Грозный» на музыку С. Прокофьева — 2001 год), Большом театре («Лебединое озеро» П. Чайковского — 2001 год, «Легенда о любви» А. Меликова — 2002 год, «Раймонда» А. Глазунова, — 2003 год, «Золотой век» Д. Шостаковича — 2006 год) и в зарубежных странах.

Неизменно поражали её идеальные пропорции и красота линий, экзотичность, некая скрытая тайна, точёная голова на изящно выгнутой шее. При строгой приверженности к классическим балетным традициям она никогда не была закована в рамки классической условности, сохраняя свою неповторимую индивидуальность, оставаясь живой, современной и естественной. Утончённая внешность и внутренний лиризм в сочетании с предельной естественностью сделали неповторимой её Жизель.» Михаил Барышников

 

Михаил Барышников (1948) — советский и американский артист балета, балетмейстер.

Заниматься балетом начал в Рижском хореографическом училище Продолжил обучение в Ленинградском хореографическом училище В 1967—1974 годах танцевал в Ленинградском театре оперы и балета имени Кирова.

В 1974 году, во время гастролей в составе труппы Большого театра в Канаде, получив приглашение от своего давнего знакомого Александра Минца в труппу «Американского театра балета», становится «невозвращенцем». В 1974—1978 в труппе «Американский театр балета» (в 1980—1989 годах директор, балетмейстер и Премьер балета), — оказал существенное влияние на американскую и мировую хореографию.

С 1990 по 2002 год возглавлял труппу «Проект белый дуб» (Флорида), которую он основал вместе с Марком Моррисом^[2].

С 2005 года является художественным руководителем «Центра искусств имени Михаила Барышникова».

Поэт Иосиф Бродский посвятил Барышникову несколько стихотворений: «Классический балет есть замок красоты…» (из сборника «Часть речи») и «Раньше мы поливали газон из лейки…» (из книги «Пейзаж с наводнением»).

Михаил Барышников является владельцем ресторана «Русский самовар» в Нью-Йорке, который он открыл вместе с Бродским. Известно, что Барышников вложил в ресторан скопленные деньги с выступлений, а Бродский — Нобелевскую премию по литературе.

Людмила Семеняка (р. 1952) — советская и российская балерина, балетмейстер, хореограф, балетный педагог, актриса. Народная артистка СССР (1986). Лауреат Государственной премии СССР (1977). Родилась 16 января 1952 года в Ленинграде. В 10 лет поступила в Ленинградское Академическое хореографическое училище им. Вагановой, в 12 — дебютировала на сцене Театра оперы и балета имени Кирова в сольной партии маленькой Мари в балете «Щелкунчик».

С 1970 по 1972 годы работала в Театра оперы и балета имени Кирова. В 1972 году Юрий Григорович пригласил её в Большой театр. В том же году артистка успешно дебютировала в спектакле Большого театра «Лебединое озеро». В 1976 году она завоевывает 1-ю премию и золотую медаль I Международного конкурса артистов балета в Токио, а в Париже Серж Лифарь вручает ей Премию имени Анны Павловой Парижской академии танца. В Большом театре выступала с 1972 по 1998 (в 1972–92 — в штате, в 1992—98 по контракту), исполнив центральные партии во многих балетах.

В 1986 году Людмила Семеняка получает в Лондоне престижную английскую премию «Evening Standart» за лучшие достижения в области хореографического искусства.

В 1990—1991 годах годах балерина работала по контракту в труппе Английского национального балета. В 1992 году Людмила Семеняка с большим успехом танцевала в «театре Колон» в Аргентине.

В 1990–91 Людмила Семеняка работала по контракту в труппе Английского национального балета, Людмила Семеняка стояла у истоков возрождения благотворительного движения в России. Наряду со сценами из классических балетов и спектаклей Большого театра, Семеняка впервые в России представила фрагменты спектаклей «Сильвия» Л. Делиба (балетм. Дж. Баланчин) и «В поисках утраченного времени» на музыку Г. Форе (балетмейстер Р. Пети), а также па-де-де из балета «Эсмеральда» (ред. Дж. Гилпин и Н. Берёзов). В том же 1989 году

В 2000–04 годах выступала как драматическая актриса в Московском театре «Школа современной пьесы» в ролях Полины Андреевны (2000, «Чайка» А. П. Чехова) и Леры (2001, «Прекрасное лекарство от тоски» С. И. Злотникова; оба — реж. И. Л. Райхельгауз, балетм. М. Л. Лавровский).

С 2002 года Людмила Семеняка — педагог-репетитор Большого театра. В 2008 году стала обладательницей приза «Душа танца» (номинация «Мэтр танца»), ежегодно присуждаемой журналом «Балет».

Валерий Ковтун (род.1944г.) в городе Ясиноватая Донецкой области, Украина.

Окончил Киевское хореографическое училище (1965, педагоги И.М.Булатова и Е.В.Зайцев), балетмейстерское отделение Московского театрального института (1984, педагог Р.Захаров).

1965—1968 — артист Харьковского театра оперы и балета,

1968—1985 (по 1987 год согласно [3]) — артист Киевского академического театра оперы и балета им.Т.Г.Шевченко,

В театре с 1969 г. сложился творческий дуэт Валерия Ковтуна и солистки балета Татьяны Таякиной.

Важную роль в творческой биографии танцовщика и последующей широкой концертной востребованности сыграло участие в международных балетных конкурсах:

С 1973 — по приглашению Майи Плисецкой выступал ее партнером на телесъемках, в зарубежных гастрольных спектаклях и в спектаклях Большого театра.

Гастролировал в Англии, Индии, Венгрии, Италии, Германии, Болгарии, Чехии, Словакии, Югославии, Хорватии, Польше, Франции, США, Аргентине, Японии, Швейцарии, Колумбии, Коста-Рике, Венесуэле, Никарагуа, Испании, Панаме, Норвегии, Швеции, Дании и других странах.

Ирина Колпакова (1933) — выдающаяся советская и российская балерина, балетмейстер и хореограф, педагог. Народная артистка СССР (1965), В 1951 году окончила Ленинградское хореографическое училище, будучи последней ученицей выдающегося балетного педагога А. Я. Вагановой.

В течение многих лет была прима-балериной Кировского театрастав одной из выдающихся исполнительниц партий классического репертуара: Раймонды (в одноимённом балете на музыку А. К. Глазунова), Жизели (в одноимённом балете на музыку А. Адана), Сильфиды (в одноимённом балете на музыку Х. С. Лёвенскьольда) и особенно Авроры (в балете «Спящая красавица» П. И. Чайковского).

Образ Авроры — одно из самых совершенных созданий балерины. Здесь счастливо соединились достоинства природные и воспитанные. Утончённость юного облика и светлый лиризм, инструментальность танца и тяга к обобщению — всё слилось, чтобы вызвать к жизни образ поразительной цельности. Виртуозная танцовщица, Колпакова уверенно поднялась на вершину академизма, утверждённого девятнадцатым веком и усовершенствованного техникой двадцатого. Основное же достижение балерины — в раскрытии музыкально-хореографического содержания балета. Её образный танец воплощает прекрасный и нежный, как юность, идеал, вечно живущий в сознании человека, его немеркнущее под натиском тёмных сил сияние, его конечное торжество и бессмертие.

— Марина Ильичёва. «Ирина Колпакова». «Солисты балета». Л.: Искусство, 1986

Колпакова также стала первой исполнительницей многих партий современного репертуара: Катерины и Ширин в балетах Ю. Н. Григоровича «Каменный цветок» и «Легенда о любви», и многих других.

С 1971 года — педагог-репетитор Театра им. Кирова. Поставила балеты: «Жизель» А. Адана (1987), «Спящая красавица» П. И. Чайковского (1990) — в Минске; «Шопениана» на музыку Ф. Шопена, «Тени» (из балета «Баядерка» Л. Минкуса), «Пахита» Л. Минкуса (1988), «Сильфида» Х. С. Лёвенскьольда (1989) — в Софии (Болгария).

С 1995 года преподавала в Академии русского балета имени А. Я. Вагановой (профессор кафедры классического танца). В 1990-х годах в течение нескольких сезонов работала балетмейстером-репетитором Американского театра балета в Нью-Йорке.

Проживает в Толстовском доме^[2], а также в США, в Нью-Йорке, в Верхнем Манхэттене, рядом с музеем-замком Клойстерс, филиалом Метрополитен-музея.

Муж — известный артист балета В. Г. Семёнов (1932), народный артист СССР (1983).

Михаил Лавровский (наст. фамилия - Иванов, род. 1941) — советский и российский артист балета, балетмейстер, хореограф, балетный педагог, актёр. Народный артист СССР (1976). В 1952 году Лавровский поступил в Московское хореографическое училище, учился у педагогов О. К. Ходот и Н. И. Тарасова. После окончания училища в 1961 году, поступил в труппу Большого театра, став солистом театра в 1963 году. Среди первых ролей Лавровского были партии в балетах «Страницы жизни» (1961), «Спартак» (1962), «Пламя Парижа» Б. В. Асафьева (1962).

Среди наиболее известных работ Лавровского того времени — партия Альберта в балете «Жизель» (1963), где его партнёршей стала Н. И. Бессмертнова.

C 1983 года по 1985 год — художественный руководитель ГрАТОБ имени З. П. Палиашвили.

В 2005—2008 году возглавлял балетную труппу МАМТ имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко. Является председателем Творческого совета «Дягилевъ Центра». По мнению самого Лавровского роль Спартака в одноимённом балете была переломной в его творческой карьере и стала своего рода звездным часом и визитной карточкой артиста^[2].

В 2006 году основал Московское государственное хореографическое училище им. Л. М. Лавровского — школу балета имени своего знаменитого отца^[3].

С 2010 года является художественным руководителем Московской государственной академии хореографии^[5][6].

Был женат на Л. И. Семеняке (род. 1952), балерине, народной артистке СССР (1986)^[7].

Михаил Лавровский о спектакле «Порги и Бесс» Дж. Гершвина

«Музыка оперы Гершвина удивительно сочная, мелодичная, в которой пульсируют ритмы "века джаза". В моём балете соединены элементы современного танца и классической хореографии».

Николай Фадеечев (р. 1933) — советский российский артист балета, педагог. Народный артист СССР (1976), лауреат Премии имени Вацлава Нижинского Парижской академии танца (1958).

Окончил Московское хореографическое училище в 1952 году Был принят в Большой театр, где быстро начал получать сольные и ведущие партии. Как вспоминает Марина Кондратьева: «Коля быстро выделился благодаря своим уникальным данным, таланту и работоспособности… Партнёра более удобного трудно себе представить. Он прекрасно „держал“, иногда даже не руками, а одним пальцем. И никогда не надо было волноваться за пируэты или обводки. Николай всегда выигрышно представлял балерину, оттеняя её своим исключительным благородством». Благодаря хорошим природным данным, прекрасной школе, врожденной деликатности и чуткости в дуэтном танце, оказался незаменимым партнёром для всех ведущих балерин своего времени. В разные годы он танцевал с Г. С. Улановой, М. М. Плисецкой, Р. С. Стручковой, Н. В. Тимофеевой, М. В. Кондратьевой, Н. И. Бессмертновой, Е. С. Максимовой, Л. И. Семенякой.

В 1956 году был участником первых гастролей Большого театра в Лондоне, где дебютировал в балете «Жизель» с Галиной Улановой. В 1971 году Фадеечев вместе с Майей Плисецкой стали первыми советскими приглашёнными солистами Опера де Пари, где исполнили главные партии в балете «Лебединое озеро». По отзывам Майи Плисецкой: «Танец Николая Фадеечева отличается редким чувством стиля. Здесь сказывается такое драгоценное качество этого артиста, как умение видеть себя со стороны, до конца продумывать всю линию своего сценического поведения, вплоть до мельчайших деталей, ракурсов, той или иной позы».

Оставил сцену в 1977 году и стал педагогом-репетитором Большого театра. По словам Николая Цискаридзе: «Он стал одним из тех самых важных в моей жизни людей, кто воспитал меня в театре, сделал из мальчика артиста. Фадеечев не позволяет мне „вариться в собственном соку“, заставляет думать и развиваться».

О Николае Фадеечеве:

«Фадеечев принадлежит к редкому типу „воздушных“ танцовщиков. Лёгкость как бы замедленного в воздухе прыжка, „бесшумность“ приземлений создают впечатление, что он может свободно и безмятежно парить в воздухе.

— Борис Львов-Анохин

В „Лебедином озере“ весь зал смотрел вовсе не на танцующие на переднем плане пары: все смотрели на Зигфрида — Николая Фадеечева, который сидел в глубине сцены и всего лишь неторопливо, пальчик за пальчиком, безумно элегантно снимал перчатки! А позже он оказался блестящим педагогом!»

— Екатерина Максимова

Никита Долгушин (1938-2012) — российский артист балета, балетмейстер, хореограф, педагог^[1]. Народный артист СССР (1988).

В 1959 году окончил ЛАХУ имени А. Я. Вагановой. Никита Долгушин работал в ЛАТОБ имени С. М. Кирова (ныне — Мариинский театр), где исполнил ведущие партии практически во всех классических балетах, — однако, в определенный момент его интерес к современной хореографии оказался важнее сотрудничества с известнейшей труппой СССР и мира, скептически относившейся к художественным экспериментам. В 1961-66 гг. — ведущий танцовщик Новосибирского театра оперы и балета, где с успехом разрабатывал музыкальные и хореографические произведения XX века, сотрудничал с Петром Гусевым, Юрием Григоровичем и другими видными деятелями искусств.

В 1971 году поставил балет Ромео и Джульетта, в котором сам исполнил партию Ромео.

С 1983 по 2001 гг. Никита Долгушин заведовал кафедрой хореографии Санкт-Петербургской консерватории им. Н. А. Римского-Корсакова (профессор). В 1990-е был художественным руководителем Театра оперы и балета при Санкт-Петербургской Консерватории. На протяжении нескольких последних лет работал в Михайловском театре, где являлся репетитором солистов.

В 2007 году выступил хореографом-постановщиком новой редакции балета «Жизель», реализованной на сцене Михайловского театра.

Н. А. Долгушин скончался 10 июня 2012 года после тяжёлой болезни^[2]. Похоронен на Смоленском православном кладбище в Санкт-Петербурге.

Джон Ноймайер(род.в США, 1942), с 1963-солист балета в Штутгарте, с 1969-дир-р балета в Франкфурта, с 1973-худ.рук. «Гамбург-балета», сохран.балетн.трад-ии, добавляя соврем.драматургич.форму, работал и ставил балеты во многих театрах мира, в 2011 создал 1-ую в Германии группу «Молодой балет»(из 8чел.). Его творч-во связ. С мультикультурной сутью бал.И.втор.пол.ХХвека, его спектакли о Человеке, о вечн.аспектах бытия –Любви, Жизни, Смерти. Тяготеет к крупн.балетн.форме. Его постановки: «Одиссей», «Артус-сага», «Парсифаль», «Сильвия», «Смерть в Венеции», «Русалочка», «Лилиом». Хореограф Невысказанного. Его Учитель – Джон Крэнко.

Морис Бежар (фр.)(1928)- дебютировал как танцовщик в 1945г. В 1954 участв.в созд.бал.труппы «Звёзды Парижа», позже ставшей изв. Как «Театр балета Мориса Бежара». Из-за своего эклетичн. и нонконформистского стиля стал одним из главных новаторов танца. Ставит на музыку от Берлиоза, Верди до Стравинского и Пьера Генри.

 

Рудольф Нуреев(русск.)(1938-1993)-танц-к и балетмейстер, в 1958 вед.солист Ленингр.театра им.С.М.Кирова, в 1961 эмигрировал в Англию, солист Лондонс.королев.балета, изумит.владение техникой, обширн.репертуар, как балетмейстер: «Баядерка»Минкуса, «Леб.озеро»Чайковского, «Ромео и Джульетта»Прокофьева;

Екатерина Максимова (1939 — 2009) ― выдающаяся советская и российская балерина, балетмейстер, хореограф, балетный педагог. Народный артист СССР (1973) В 1958 году окончила Московское хореографическое училище (класс Е. П. Гердт^[2]), поступила в труппу Большого театра, где работала до 1988 года.

В 1957 году победила на Всесоюзном конкурсе артистов балета в Москве, в том же году дебютировала в партии Маши (балет П. И. Чайковского «Щелкунчик» в хореографии В. И. Вайнонена).

С 1978 года выступала в зарубежных труппах, исполняла ведущие роли в балетах Мориса Бежара, снималась в кинофильмах-балетах («Анюта», «Старое танго» и др.). С 1980 года выступает в спектаклях ансамбля «Московский классический балет». Многие балетные партии Максимова готовила под руководством Г. С. Улановой.

Воспитанная в лучших традициях академической школы, Максимова обладала лёгким, упругим прыжком, стремительно-чётким вращением, природной грацией, изящной мягкостью линий. Её танец был отмечен элегантностью, технической виртуозностью, филигранно отточенными деталями.

В 1980 году окончила ГИТИС по специальности «педагог-балетмейстер». С 1982 года преподавала на кафедре хореографии Государственного института театрального искусства имени А. В. Луначарского (ГИТИС, ныне Российская академия театрального искусства. С 1990 года Максимова являлась педагогом-репетитором театра «Кремлёвский балет», а с 1998-го — балетмейстером-репетитором Большого театра. Последний раз выступила на балетной сцене в 1999 году.

Была замужем за В. В. Васильевым, с которым в течение многих лет выступала в дуэте.

О Е. С. Максимовой

 «Она ― балерина потрясающая, намного обогнавшая своё время по эстетике танца. И в исполнении классики, и в современной хореографии. Грандиозно талантливый танец Максимовой и Васильева очищал зрителей, каждому становилось понятно, что не всё в жизни уродливо и плохо, есть надежда, что хорошее всё же будет».

— Михаил Лавровский

 

Владимир Васильев (р.1940) — советский и российский артист балета, балетмейстер, хореограф, театральный режиссёр и актёр, педагог. Народный артист СССР (1973). В 1958 году окончил МАХУ по классу М. М. Габовича, 26 августа 1958 года стал солистом балетной группы Большого театра, где проработал больше тридцати лет.

Дебютировал в 1959 году в партии Данилы («Каменный цветок» Прокофьева), год спустя стал первым исполнителем роли Иванушки в балете Родиона Щедрина «Конёк-горбунок».

В совершенстве овладев искусством танца, за годы карьеры Васильев станцевал практически все ведущие партии классических и современных балетов, среди которых ― Базиль («Дон Кихот» Л. Ф. Минкуса, 1961), Петрушка (одноимённый балет И. Ф. Стравинского, 1964), Щелкунчик (одноимённый балет П. И. Чайковского, 1966), Спартак (одноимённый балет А. И. Хачатуряна, 1968), Ромео («Ромео и Джульетта» С. С. Прокофьева, 1973), принц Дезире («Спящая красавица» П. И. Чайковского, 1973) и многие другие. Выступал также в балетах зарубежных постановщиков ― Р. Пети, М. Бежара, Л. Ф. Мясина. Васильев создал яркие, запоминающиеся образы, зачастую предлагая новое их прочтение. Артист обладает высочайшей техникой танца, даром пластического перевоплощения и большим актёрским мастерством.

С 1971 года Васильев выступает в качестве хореографа, поставил ряд балетов на советской и зарубежной сцене, а также телебалеты «Анюта» и «Дом у дороги» на музыку В. А. Гаврилина. Снимался в фильмах-балетах. В 1982 году окончил балетмейстерское отделение ГИТИСа, в 1982—1995 гг. преподавал там же хореографию (с 1989 г. — профессор).

В 1995—2000 гг. В. В. Васильев работал художественным руководителем балетной труппы и директором Большого театра.

Муж и постоянный сценический партнёр Е. С. Максимовой.

В 1990—1995 гг. был председателем жюри, с 1996 года стал художественным руководителем Открытого конкурса артистов балета «Арабеск» («Пермь»), с 2004 года — председатель жюри ежегодного Международного детского фестиваля «Танцолимп» («Берлин»)^[1].

о В. В. Васильеве:

Васильев — это как раз тот артист, который сможет раскрыть самые дорогие мне в образе Спартака качества. В первую очередь это олицетворение высокого античного духа, стремление к свободе, интеллект. Васильев понял, почувствовал дух спектакля, он стал не просто исполнителем моих предложений, но и единомышленником, процесс постановочной работы с которым доставил мне большое удовлетворение».

— Юрий Григорович

 «Спартак Владимира Васильева... В 28 лет он сделал роль, которая сразу встала в тот избранный, имеющий общекультурное и вневременное значение ряд, где Лебедь Анны Павловой, Джульетта Галины Улановой, Кармен Майи Плисецкой. Та же в ней высота постигнуть мир и танцем, пластикой выразить это постижение. Васильев и на репетициях прекрасен и неистов. Он заражает, электризует окружающих своей духовной энергией, своей неистовой волей».

— Асаф Мессерер

 «Вот когда „летит“ Владимир Васильев — это поэзия, ибо здесь порыв духа. Артист, обладающий совершенной техникой и ощущением музыки, подчиняет себе сценическое пространство, живописуя его своим свободным штрихом, как художник кистью. Умение вот так „разговаривать“ и есть смысл артиста».

— Игорь Моисеев

Ульяна Лопаткина (1973) — русская балерина, прима Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Народная артистка РФ.

Окончила Академию русского балета им. А. Я. Вагановой (класс профессора Наталии Дудинской). В 1991 году была принята в труппу Мариинского театра, в 1995 году назначена примой-балериной. Из-за травмы на несколько лет покинула сцену, однако в феврале 2003 года балерина решилась на операцию, после которой вновь смогла вернуться на сцену^[3].

Каждый дюйм ее невероятно гибкого тела создает безукоризненную форму. Более, чем кому-либо еще, ей свойственны абсолютная точность – результат обучения, а также инстинктивное достоинство и музыкальность

The Telegraph

Госпожа Лопаткина с невероятным чувством собственного достоинства исполнила партию чувственной цыганки. Царственная стать госпожи Лопаткиной сквозила во всех поворотах корпуса. Идеальной гармонии не разрушали и резкие знаменитые «плисецкие» взмахи ног в жестких волевых батманах: они были пронизаны мягкостью и едва ли не нежностью чарующей женственности.

«Коммерсантъ»

Великая танцовщица современности, ставшая олицетворенным символом понятия «русский балет».

«Коммерсантъ»

Диана Вишнёва (род. 1976) — российская прима-балерина, Народная артистка России. В шестилетнем возрасте начала заниматься в хореографическом кружке во Дворце пионеров, в 1987 году поступила в Академию русского балета им. Агриппины Вагановой, ученица Л. В. Бельской и Л. В. Ковалёвой.

В 1994 году получила золотую медаль на конкурсе Prix de Lausanne, исполнила номер «Кармен», специально поставленный для неё И. Д. Бельским. В 1995 году окончила училище и была принята в балетную труппу Мариинского театра, с 1996 года — его солистка. В 1996 году исполнила партию Джульетты в спектакле, посвящённом Г. С. Улановой «Ромео и Джульетта»,

В 2001 году выступила в Staatsballett в Мюнхене («Манон» Кеннета Макмиллана) и в «Ла Скала» в Милане (Аврора — «Спящая красавица» в версии Рудольфа Нуреева). С 2002 года — приглашенная солистка Staatsoper Berlin. C 2005 года — приглашённая солистка в Театре американского балета («Лебединое озеро», «Раймонда»).

В 2002 году состоялся дебют Дианы Вишнёвой в Ковент-Гарден в партии Китри в балете «Дон Кихот» версии Р. Нуреева с премьером труппы Хосе Мартинесoм (José Martínez), затем выступала в составе труппы Мариинского театра на сцене Метрополитен-опера в балетах «Баядерка» (возобновление С.Вихарева), «Дон Кихот» и «Рубины».

В 2007 году, в возрасте 30 лет, удостоена звания народной артистки России.

Неоднократно выступала в крупнейших театрах мира: в Баварской опере, в «Ла Скала», в парижском театре «Гранд Опера», в «Метрополитен-Опера», в Большом театре^[2].

В том же году снялась вместе с Ренатой Литвиновой в короткометражном фильме Рустама Хамдамова «Бриллианты».

Вишнёва неоднократно создавала сольные проекты при поддержке агентства «Ardani Artists». В их числе «Красота в движении» с использованием хореографии Мозеса Пендлтона, Дуайта Родена и Алексея Ратманского, проект «La la la human steps» совместно с труппой Эдуарда Лока, а также проект «Диалоги», в которой вошли произведения Марты Грэм, Джона Ноймаера, Пола Лайтфута и Соль Леон.

В декабре 2013 года в рамках московского фестиваля современной хореографии Context, вдохновительницей которого явилась балерина, выступила в новом для себя репертуаре. Впервые в жизни исполнила хореографию Иржи Килиана — дуэт «Облака» с Марсело Гомесом, поставленный на музыку Дебюсси, из остроактуальной пластики станцевала также номер М.Бигонцетти «Vertigo».

В ноябре в Калифорнии, в Сегерстрем-центре, состоялась премьера третьего сольного проекта Дианы Вишневой - «Грани» в постановке двух крупнейших хореографов современности - Жана-Кристофа Майо и Каролины Карлсон.

7 февраля 2014 года участвовала в Церемонии открытия зимних Олимпийских игр 2014 в Сочи, где исполнила танец голубки мира. Комментаторами прямой трансляции церемонии Вишнёва была представлена телезрителям как одна из величайших балерин современности

27 августа 2013 года Диана Вишнёва вышла замуж за своего продюсера Константина Селиневича,

 

Одним из создателей объединения «Мир искусства» С. П. Дягилевым были организованы Русские сезоны в Париже – выступления артистов русского балета в 1909-1911годах. В состав группы вошли М. М. Фокин, А. П. Павлова, В. Ф. Нижинский и другие. Фокин был балетмейстером и Художественным руководителем. Оформляли спектакли известные художники А.Бенуа, Н.Рерих. Были показаны спектакли «Сильфиды» (музыка Шопена), Половецкие пляски из оперы «Князь Игорь» Бородина, «Жар-птица» и «Петрушка» (музыка Стравинского) и так далее. Выступления были триумфом русского хореографического искусства. Артисты доказали, что классический балет может быть современным, волновать зрителя. Лучшими постановками Фокина были «Петрушка», «Жар-птица», «Шехерезада», «Умирающий лебедь», в которых музыка, живопись и хореография были едины.