Вопрос № 28. Барбизонская школа

Искусство Франции XIX века поражает расцветом пейзажа. Вероятно мир, потрясенный жестокостью гражданских войн и революций, которые так и не смогли научить человеческое общество жить по законам добра и справедливости, человек обратился к природе как к воплощению некой высшей истины, источнику вечных нравственных ценностей

Важную роль в формировании живописи реализма и импрессионизма играли художники так называемой барбизонской школы, возникшей в деревне Барбизон близ Фонтенбло. Барбизонцы Г. Руссо, Ж. Дюпре, К. Тройон основали национальную школу пейзажной живопис и, отказавшись от традиционного классицистического пейзажа Пуссена с обязательными руинами, аллегорическими фигурами, строгим композиционным построением.

Барбизон, маленькая деревушка на окраине Фонтенбло, загородной королевской резиденции близ Парижа, ничем особенным не примечателен. Изображение обыкновенной природы, лишённой драматических эффектов, стало своеобразным манифестом этих художников, для которых жёсткие, консервативные и далёкие от жизни требования академии были неприемлемы и мешали творческому развитию.

Художников барбизонской школы объединяло прежде всего то, что они стремились создать национальный французский пейзаж, хотели быть, как сказал ТеоHYPERLINK "https://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/533-russo-barbizon.html"дор Руссо, «художниками своей страны». Именно поэтому их не удовлетворял ни условный пейзаж классицистического направления, изображавший, как правило, виды Италии, ни романтический пейзаж, в котором часто встречаются экзотические мотивы Востока. Художники школы опирались на традиции, заложенные голландскими (Якоб ван Рейсдаль, Ян ван Гойен, Мейндерт Хоббема) и французскими (Никола Пуссен и Клод Лоррен) пейзажистами. Непосредственными предшественниками их были П.Юэ и Бонингтон.

Влияние на творчество барбизонцев оказывали также их современники, не принадлежавшие группе, — Коро, Курбе, Делакруа.

В основу своего творчества они положили «пейзаж настроения», изображение родной природы и ее постоянно меняющегося состояния. Барбизонцев объединял общий художественный стиль, состоящий в передаче взаимодействия цвета и света, предмета и пространства, и общий художественный метод, заключающийся в зарисовках непосредственно с натуры.

Характерным приемом барбизонской школы, предвосхитившим импрессионизм, было создание этюда на пленэре с последующим окончательным завершением работы в ателье.

Утверждая эстетическую ценность национального ландшафта, барбизонцы особенно интересовались приемами передачи вибрации света и цвета, что позволяло передавать смену состояний природы, смене дня и ночи, времен года, достигли высокого мастерства в использовании валеров, т.е. нюансов цвета и света в границах одного тона.

Барбизонская школа является переходным этапом от романтизма к реализму и создает предпосылки для появления импрессионистического пейзажа. Благодаря барбизонцам появляется понятие работы художника на пленэре. До этого художники делали зарисовки, этюды на натуре, картины же создавали в мастерской. Художники-барбизонцы имели большое значение в развитии всего западноевропейского, американского, русского пейзажа.

С 37 года пейзаж становится официпальным жанров в салоне.

Основателем и вдохновителем школы был Пьер-Этьен-Теодор Руссо (1812—1867).

Если для одних художников участие в политике, отражение актуальных проблем действительности и социальных контрастов становилось стержнем их деятельности, то для других идеализация сельской жизни и тишины была следствием разочарования в плодах, которые принесли буржуазные революции.

Руссо ввёл понятие «интимного пейзажа», мотивы для которого предоставлял в основном лес Фонтенбло. При простоте и натуральности изображённого главную роль в нём призван играть общий колорит картины, сильно и поэтично передающий настроение, создаваемое в душе художника природой в тот или другой момент времени. Основной принцип его живописи: подчинение деталей главному, идеи композиции, показывая деталь материально, объемно. Он любил изображать широкие просторы, его привлекало в природе могучее и устойчивое: огромные дубы с мощными стволами и пышными кронами.

В 1850 закончил картину «Выход из леса Фонтенбло. Закат» (Лувр). «Выход из леса Фонтенбло со стороны Броль. Заходящее солнце» (1848—1850 гг.)

Неприхотливый лесной вид написан мерцающими жемчужными красками. Вписанный в арку из деревьев, охватывающую пространство картины, пейзаж поражает свежестью и интимностью образа. Фигуры коров в дымке утреннего тумана отбрасывают смутные отражения на серебристую поверхность лужицы, из которой пьют воду. Руссо с большой тонкостью изображает пропитанный сыростью лес и бледный изменчивый свет зари. Огромные деревья образуют тёмное овальное обрамление, сквозь которое виден светлый второй план — в водах болота отражается растительность и бродят коровы. По мнению художника, здесь ему удалось передать ощущение, что деревья погружены в тихую беседу. На Всемирной выставке 1855 г. Руссо за эту картину получил золотую медаль, что означало признание и творческую победу.

В 1852 написал «Дубы в Апремоне» (Лувр). В его искусстве часто встречается мотив дороги. Композиции, как правило статичны.

Он знаменит так же как мастер рисовать деревья. – портретист деревьев, так его называли. Он пишет много заметок, как рисовать деревья.

Руссо воспринимал природу не в статике, а в динамике: часто писал одно и то же место в разное время дня, в разное время года. Он одним из первых обратился к мотиву весны в пейзаже, показывая ее свежесть и блеск. Первым стал писать пейзажи при полуденном свете.

Произведения Теодора Руссо обычно отмечены гармонической уравновешенностью композиционных решений (что связано с манерой мастера замыкать средний план, акцентируя центр композиции). Используя сдержанную тональную гамму и стремясь к убедительному воплощению материальности предметов, Руссо тонко передавал различные состояния природы, световоздушной среды и во многом способствовал развитию принципов живописи пленэра. изменено положение пейзажа в системе жанров

Дюпре Жюль (1811–1889)

«Большой дуб» (1844-1855). На этой картине, отразившей своеобразную творческую программу художника, показан простой сельский вид с пастухом и коровами, идущими на водопой. Над ними возвышается громада старого дуба. Всё в мире связано -люди, животные, растения, вода и небо. Более того, природа, по мнению Дюпре, важнее и значительнее человека.

В Салоне 1852 года выставил знаменитый «Пейзаж с коровами» (1850) — простой по композиции и эмоциональный по настроению.

Работы Дюпре были представлены на крупных выставках в 1860 и 1883 года, на Всемирной выставке в Париже в 1867 году.

В последние годы жизни Дюпре писал в основном этюды с натуры. Для него характерны внимательное изучение и эмоциональная трактовка сложных и драматичных явлений природы, тяга к звучности и насыщенности тона, контрастам света и тени (“Большой дуб”, Лувр, Париж; “Дубы у дороги”, 1850-е годы, “Морской отлив в Нормандии”, около 1870, – оба в Государственном музее изобразительных искусств, Москва), включение в пейзаж жанровых мотивов (“Пейзаж с коровами”, 1850-е годы, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). «Осень

Нарсис Виржиль Диаз де ла Пенья
(Diaz de La Pena) (1808–1876)

Сын испанского революционера, В начале своего творчества молодой художник писал картины с романтическими сюжетами; примкнув с середины 1840-х годов к барбизонской школе, Диаз создавал небольшие по формату пейзажи, отличающиеся довольно энергичной манерой письма, романтическими эффектами цвета и освещения (“Цыгане, слушающие пророчества молодой гадалки”, 1848; “Пейзаж”, 1863 – оба в Государственном Эрмитаже, Санкт-Петербург). Мотивы для своих картин художник часто находил в лесу Фонтенбло близ Парижа (“Осень в Фонтенбло”, 1872; “Приближение грозы”, 1871, – обе картины в Государственном музее изобразительных искусств, Москва).
Нарсис Виржиль Диаз де ла Пенья скончался 18 ноября 1876 года в Ментоне.

Его произведения отличаются сияющим колоритом и особым интересом к передаче эффектов солнечного света, пробивающегося сквозь густую листву. Часто он включал в свои пейзажи человеческие фигуры.

Конста́н Тройо́н Лучшие свои работы художник создал между 1850 и 1864 годах. Поздние произведения, созданные на побережье Нормандии, в которых Тройон уделяет особое внимание эффектам освещения, динамично меняющимся в зависимости от состояния неба, позволяют поставить имя мастера в один ряд с предтечами импрессионизм. Скончался он в 1865 году в состоянии душевного расстройства. Всю жизнь оставался холостяком. Увлечение Голландией – бытовые сюжеты, экспрессия.

Шарль-Франсуа Добиньи (Charles-François Daubigny) (15 февраля 1817, Париж — 19 февраля 1878, там же) — французский художник, участник барбизонской школы.

Добиньи стремился освободить пейзаж от поэтических и субъективных компонентов, которыми по его мнению наделяли его романтики Нарсис Виржиль Диас Де Ла Пенья, Жюль Дюпре и Теодор Руссо, и отображать природу непосредственно и без прикрас. Личное восприятие художника, считал Добиньи, не должно участвовать в отражении виденного. Несмотря на это, Добиньи был очень дружен со своими коллегами по барбизонской школе.

Публика и художественная критика называли эскизные акварели Добиньи «прелестными, привлекательными и поэтичными». Хотя Добиньи к этому и не стремился, пейзажи, созданные на основе этих предварительных эскизов, также были признаны «поэтичными». Добиньи не пытался привнести в них поэтического настроения, и чтобы, в конце концов, избавиться от подозрений в намеренной поэтичности, он стал выбирать самые непривлекательные и невзрачные мотивы, стремясь только к абсолютной правдивости.

Примечательными были старания Добиньи сохранить в своих произведениях спонтанность и непосредственность пленэра. За это он, в свое время, получил как похвалу, так и суровую критику. Но Добиньи остался верным своей технике письма, его объёмное нанесение красок и резкие мазки кистью тем самым оказали в 60-х гг. XIX в. влияние на импрессионистов. Художник часто писал в лодке

«Вид на собор Парижской богоматери и остров Сен Луи».

Один из лучших пейзажей Добиньи 1850-х годов — «Весна» (1857, Париж, Лувр), в котором необычайно ярко выражено непосредственное ощущение весны. Критик Эдмон Абу точно выразил свое впечатление от картины: «Как будто через окно видишь улыбку весны».

Пейзаж «Запруда в долине Оптево» (1855 г.) был показан на Всемирной выставке в Париже, и его высоко оценила критика. Более, чем его предшественники, Шарль Добиньи стремится к непосредственности видения пейзажа. О плавании по Уазе Добиньи рассказал в серии великолепных офортов 1862 года, названных им «Путешествие в лодке». И конечно, во время плавания на лодке-мастерской Добиньи выполнил массу этюдов маслом, которые довольно широко представлены в российских музеях.

Однако наряду с тенденциями, близкими импрессионизму, в конце 1860-х годов в живописи Добиньи можно отметить и другие черты. Продолжая почти ежегодно работать над этюдами в лодке-мастерской, Добиньи мечтает вместе с тем создавать обобщенные монументальные образы, полотна «большого» стиля и «большого» содержания. «Я хочу писать сельские пейзажи с фигурами», — признается он в одном из писем. В таких картинах, как «Сбор винограда» (1863. Париж. Лувр), Добиньи близок уже не столько к импрессионистам. сколько к Франсуа Милле. Пейзаж в этой картине Добиньи — лишь место действия, он также скуден и подчеркнуто прозаичен, как у Милле. А главное, пейзаж оживлен присутствием и трудом человека. Меняется и характер живописи: если в этюдах преобладают светлые тона, то поздние картины Добиньи отличаются темным насыщенным колоритом.

Выдающийся художник-пейзажист Жан Батист Камиль Коро (1796-1875) не был в строгом смысле барбизонцем, но именно его искусство стало по колориту и живописной технике связующим звеном между классической традицией и импрессионизмом. Сам он не считал себя барбизонцем, хотя очень много писал пейзажей. Начинает как классицист.

В конце 1820-х предпринял несколько поездок по французской провинции, посетил Нормандию, Бретань, Руан и Шартр, много работал в лесу Фонтенбло.

Одним из средств передачи лирического содержания пейзажа становится световоздушная среда. Меняющееся в зависимости от времени суток освещение, окутывающее ветви деревьев, легкая туманная дымка размывают контуры, придавая предметам призрачную невесомость.

Коро постепенно отходит от темной живописи, используя более светлую палитру и систему валёров - различных по светосиле "пятен" одного цвета. Невероятно широкий диапазон валёров включает в себя до двадцати градаций одного и того же тона. Особое настроение и определенный ритм пейзажу придают соотношение темных и светлых "пятен", композиционное расположение деревьев и ветвей, расстояние между ними и различный наклон стволов

"Колокольня в Аржантёе", 1858-1860, ГМИИ, Москва;

"Бурная погода. Берег Па-де-Кале", ГМИИ, Москва;

"Воз сена", 1860-е, ГМИИ, Москва; ъ

"Вечер", 1860, ГМИИ, Москва;

"Порыв ветра", несколько вариантов, созданных в середине 1860-х- начале 1870-х гг.)

Его пейзажи немого сказочные, Сложные моменты природы выбирает – утро, туман. Он король «король валеров». Часто бывают и жанровые цены.

Воспоминания о Мортфонтене (1864) - это придуманная картина – в этом его различие с барбизонцами. Вводит в пейзаж Ню.

К. Коро оказал большое влияние на творчество импрессионистов своей великолепной передачей световоздушнои среды, богатством колорита и созерцательностью, выработанными упорной работой на пленэре, а также стремлением передать впечатление от пейзажа в целом

Жан Франсуа Милле́

Милле родился в семье зажиточного крестьянина из маленькой деревушки Грюши на берегу пролива Ла-Манш близ Шербура. Отец его был церковным органистом, родственники отца так же были служителями церкви.

Жанровые картины - женщины, кормящие кур, или жены рыбаков, потерявшие надежду, - предваряют первую монументальную фигура крестьянина, которая появляется в его композиции " Веяльщик " (Салон 1848,Лондон, Нац. гал.).она, как нельзя лучше отвечала новым требованиям. Позже Милле написал еще два варианта «Веяльщика», эти копии и были известны. Красный головной убор, белая рубашка и синие штаны крестьянина соответствуют цветам французского республиканского флага. Лицо веяльщика находится в тени, делая анонимной и как бы обобщенной фигуру этого, занятого тяжелым трудом человека.
По контрасту с лицом веяльщика, его правая рука сильно освещена. Это рука человека, привыкшего к постоянному физическому труду.
Подбрасываемое зерно образует золотое облако и резко выделяется на темном фоне. Процесс просеивания приобретает на картине символический смысл: зерно новой жизни отделяется от плевел.

«Мы собираемся пробыть тут какое-то время», - писал Милле вскоре после прибытия в Барбизон. В результате он прожил в Барбизоне всю оставшуюся жизнь (не считая периода франко-прусской войны (1870-71), когда Милле укрывался с семьей в Шербуре).

ДО конца своих дней в Барбизоне он конца писал поэтически обобщённые сцены крестьянской жизни. Изображая людей на фоне пейзажа, подчёркивал связь крестьянина-труженика с природой, наделяя его величием и достоинством, часто вкладывая в сюжет морализующий смысл.

«Сеятель» Лицо широко шагающего человека в красной рубахе наполовину скрыто, его черты грубы из-за постоянного физического напряжения. Справа от него еле видна управляемая другим крестьянином упряжка из двух волов, выглядящая почти монолитом - Милле сделал всё для того, чтобы взгляд фокусировался на главной фигуре, олицетворяющей собой сам труд. "Сеятель" был отмечен в Салоне, но приобрели картину не французы, а американцы. В 1881 году Винсент Ван Гог сделал карандашный рисунок "Сеятель подражание Милле)", ныне хранящийся в Государственном музее Нидерландов.

"Сборщицы колосьев", 1857, Три женщины склонились на поле в низком поклоне - только так им удастся собрать оставшиеся после жатвы колосья.

Вечерняя молитва("Анжелюс ") Неяркая палитра включает в себя мягко сбалансированные красновато-коричневые, серые, голубые, синие и фиолетовые оттенки. В сюжете отражена одна из патриархальных традиций французов – дважды в день по сигналу церковных колоколов крестьяне прекращали работу и замирали в благостной позе, произнося про себя слова старинной молитвы "Анжелюс", предполагающей поминовение умерших. Исследование картины рентгеновскими лучами показало закрашенный прямоугольник между двумя фигурами - гробик с телом их умершего ребёнка.

Произведения Милле свойственны торжественная простота и монументальность композиции, богатый валёрами землистый колорит. Ряд произведений Милле имеет социально- критическую направленность, но отмечен также некоторой идеализацией патриархальных устоев.

Человек с мотыгой. 1860—62 Холст, масло. 80 x 99 см Музей Гетти, Лос-Анджелес Человек с мотыгой (1863) показывает, каких пределов достиг реализм Милле: здесь изображен крестьянин, доведенный до полного физического истощения

Последняя работа Милле, «Зима», так и не была закончена. Солнце пробивается сквозь относимые прочь грозовые облака, заставляя молодую листву играть всеми оттенками изумрудного цвета. Живое освещение, простота и непринужденность композиции создают волнующую атмосферу свежести, присущую всякой весенней поре. Цветущие фруктовые деревья блестят на солнце и словно перекликаются с деревьями Ван Гога, которые будут написаны им в 1888 году. Живой фон картины будто движется и меняется каждую секунду.

Милле никогда не писал с натуры, предпочитая гулять в лесу и делать маленькие зарисовки, после по памяти воспроизводя понравившийся мотив. Подбирая цвета для картин, художник стремился не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита.

Вопрос 29. Жан Франсуа Милле