Крещение Христа Дама с цветами

В статуе Давида (бронза, 1473—75,), отличающейся анатомической точностью и тщательностью моделировки, ювелирной тонкостью отделки, острой и изящной угловатостью линий, воплотил новый, аристократически утонченный идеал красоты.

Скульптор почти повторил позу "Давида" Донателло, также отставившего назад левую ногу, подбоченившегося левой рукой и сжимающего меч в правой. И все же статуя Верроккьо производит совсем другое впечатление: торжествуя победу, его герой как бы позирует перед восторженными зрителями, любуясь собою. Эта откровенность - главное, что отличает его от самоуглубленного, размышляющего Давида Донателло. Наш мастер добивается такого впечатления довольно просто: его герой смотрит прямо перед собой, полуулыбаясь навстречу зрителю. Лицо как бы освещается изнутри радостью. Вся фигура излучает довольство собой и уверенность. Верроккьо показывает тело "Давида" просвечивающим сквозь одежду. Зная анатомию намного лучше предшественника, он подходит к изображению фигуры уже с конкретностью ученого, основанной на глубоком изучении натуры. Однако не стоит считать, что Верроккьо изобразил здесь конкретного юношу, позировавшего ему. Созданный им образ все же является и идеальным, и вполне отражает представление о красоте, сложившееся во второй половине XV столетия.

50. Живопись Средней и Северной Италии. Творчество Пьеро делла Франческа, Мантеньи.
Открытия в области передачи объема, пластики, живописи, ее перспективных построений, сделанные флорентийскими художниками, вскоре становятся достоянием мастеров других областей, где дольше держались готические традиции. К середине 15 века происходит формирование ренессансной живописи в областях Средней и Северной Италии.

Пьеро делла Франческа. В распространении ренессансных принципов очень большую роль сыграл Пьеро делла Франческа (около 1410/1420 — 1492) — один из крупнейших монументалистов и теоретиков живописи раннего Возрождения. Он работал во многих городах Средней Италии: Ареццо, Урбино, Ферраре, Риме. Его искусство, полное эпического спокойствия и просветленной героики, оказало большое воздействие на развитие ряда видных мастеров умбрийской и многих других итальянских школ. В своем творчестве он соединил интерес к проблеме света и цвета с поисками строгой пропорциональности фигур, ясности правильных объемов и перспективных построений. Отбрасывая второстепенное, укрупняя и обобщая реалистические формы, он создавал типические образы, полные сдержанности, чувства собственного достоинства, веры в нравственную чистоту и совершенство разума человека. Единый ритм объединяет архитектурные фоны и пластически проработанные фигуры. Часто художник вводит профильные изображения, предпочитает закругленные силуэты, плавные контуры, четкие членения. Написанные поразительными по прозрачности нежно-розовыми, лимонно-желтыми, лиловыми, синими, изумрудно-зелеными красками композиции художника Пьеро делла Франческа составляют единую лучезарную гармонию, обогащенную оттенками различной светосилы.

Герцог Урбинский Федериго да Монтефельтро и его супруга Баттиста Мантенья «Парнас» Моление о чаше,

Мантенья Андреа (Mantegna Andrea) (1431-1506) Итальянский живописец и гравер эпохи Раннего Возрождения. Искусству Мантенья, ведущего мастера падуанской школы, присущи героическое, проникнутое пафосом утверждения достоинства человеческой личности мироощущение, приверженность к четкой архитектонической композиции. Живописная манера художника Андреа Мантенья отличается чеканностью форм и рисунка, эмалевым блеском красок. Стиль Андреа Мантенья, как и стиль других ренессансных мастеров, сформировался под воздействием древнегреческой и древнеримской скульптуры. Многие из его произведений действительно исполнены как гризайль - живописная имитация мраморного или бронзового рельефа. Андреа Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 столетия: увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей, передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.

51. Архитектура Высокого Возрождения в Италии. Браманте – основоположник нового стиля в архитектуре. (Антонио да Сангалло – завершает эволюцию палаццо; Виньола; Палладио).
Браманте Донато (Bramante Donato) (1444–1514) Крупнейший представитель итальянского зодчества эпохи Высокого Возрождения. Собственно, настоящее имя итальянского архитектора Паскуччо д'Антонио (Рascuccio d'Аntonio). Постройки Браманте (церковь Санта-Мария прессо Сан-Сатиро с сакристией и капеллой, хор и клуатр церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане; фасад палаццо Канчеллерия и двор Бельведера в Ватикане в Риме) отличаются стройным величием, гармоничным совершенством пропорций, ясностью монументальных пространственных решений, творческим использованием классических форм.

Двор Палаццо Канчеллерия в Риме Двор церкви Сапта-Мария долла Паче Ниша двора Бельведера Храм Темпьетто Церковь Санта-Мария прессо Сан-Сатиро

В римской архитектуре эволюцию палаццо завершает Антонио да Сангалло (1483 - 1456 гг.). В палаццо Фарнезе он оставляет руст по углам и в оформлении парадного подъезда, оштукатуренные стены декорирует горизонтальными поясами, даёт различные обрамления окон каждого этажа, сообщая зданию торжественность и нарядность. Настоящим учеником Браманте был также Антонио да Сангалло Младший (собственно Кордиани, 1483-1546), который причисляется Вёльффлином уже к основателям стиля барокко вследствие особых причуд его в духе времени, вроде фасада с наклоном вперед в Цекка веккиа (Банко ди Спирито), дугообразно выведенного цоколя его палаццо Фарнезе и увеличения числа углов в рамах окон аттика его модели для собора св. Петра в Риме. В общем он все-таки принадлежит еще к представителям чистого ренессанса. Для этого следует только взглянуть на его изящно расчлененные капеллы в Сан Джакомо дельи Спаньоли в Риме и в соборе в Фолиньо, на его целомудренно-чистый палаццо Линотте, ранее приписывавшийся Перуцци. Классической в общем является и его сохранившаяся деревянная модель собора св. Петра, изданная еще Летарульи. Расчлененная снаружи на дорические, ионические и коринфские этажи, она внутри удерживает центральное расположение, но прибавляет спереди пристройку в виде фасада, слабо вяжущуюся с таким планом. Главная светская постройка его - упомянутый уже палаццо Фарнезе (после 1534 г.) имеет поверхность фасада, испещренную гранями рустики, с воротами в рустику, но уже без расчленения посредством пилястров, а лишь при посредстве окон, очень близко пробитых одно подле другого, причем в обоих верхних этажах они обрамлены колонками и покрыты плоскими треугольными полукруглыми фронтонами. Джулиано да Сангалло (собственно Джамберти, Giamberti), архитектор, инженер и скульптор. Развивая традиции Ф. Брунеллески, он придавал ясным по композиции постройкам легкость и изящество (вилла в Поджо-а-Каяно, с 1485); построил церковь Санта-Мария делле Карчери в Прато (1484-1495), один из первых ренессансных центрально-купольных храмов, а также многочисленные укрепления (в том числе, в Поджо-Империале, с 1488, Ареццо, 1502-1503, Пизе и Ливорно, 1509-1512). Как скульптор Джулиано да Сангалло был близок Донателло.

Палаццо Фарнезе (итал. Palazzo Farnese) — один из самых известных и самых замечательных римских дворцов (палаццо), считается одним из лучших образцов ренессансного стиля. Уже больше ста лет во дворце размещается посольство Франции. Создание палаццо Фарнезе связано с именами Антонио да Сангалло Младшего, Микеланджело и Виньолы. До 1546 года строительство вёл Антонио да Сангалло. Он построил величественное трёхэтажное здание, через парадный вход которого, расположенный в центре, открывался вид на прекрасный внутренний дворик, а оттуда — через аркаду лоджии — на Тибр.

Джакомо да Виньола (Jiakomo da Vignola) (1507–1573)

Итальянский архитектор эпохи Позднего Возрождения. Собственно, настоящее имя мастера Бароцци (Barozzi). Учился в Риме с 1534 у Б.Перуцци и А. да Сангалло Младшего; работал в Риме, во Франции (1541–1543) и Болонье (1543–1546). Для творчества Виньолы характерно стремление к торжественной монументальности и сложным пространственным решениям, к созданию новых типов дворца, загородной виллы, культового здания. Виньола построил первую овальную в плане церковь Сант-Андреа на Виа Фламиниа в Риме. Образцом для многих храмов эпохи барокко послужила главная церковь ордена иезуитов Иль Джезу в Риме с залитым солнечным светом средокрестием и пластически выразительным фасадом, на котором ярусы композиционно связаны крупными волютами (1568–1584, закончена Джакомо делла Порта). Церковь Джезу, построенная Виньолой в Риме в качестве главного храма ордена иезуитов, оказала большое влияние на последующее развитие церковной архитектуры и вне Италии. Виньола развил намеченное еще Альберти сочетание широкого и высокого главного нефа с неглубокими боковыми капеллами, достигнув большой выразительности и цельности главного пространства. Фасад церкви, выполненный в несколько переработанном виде Джакомо делла Порта (1575), предопределил развитие церковных фасадов в эпоху барокко. Виньола известен также как крупный теоретик архитектуры, автор трактата “Правило пяти ордеров архитектуры” (1562, русский перевод 1939). Необычайная ясность и сжатость расположения и истолкования материала в трактате сделали его удобным учебным пособием и в XVII–XVIII веках способствовали распространению классицизма в европейской архитектуре.

Иль Джезу Вилла Джулия Вилла Фарнезе Пять ордеров на иллюстрации из трактата Виньолы.

Палладио Андреа (Palladio Andrea) (1508-1580) - Итальянский архитектор позднего Возрождения. Основоположник палладианства и классицизма. Андреа Палладио получил всестороннее гуманистическое и архитектурное образование. Для обмера античных памятников архитектуры Палладио ездил в Верону, Рим, Сплит в Хорватии, город Ним во Франции. Архитектурное творчество Палладио, основанное на глубоком изучении античного и ренессансного зодчества, - одна из вершин искусства Позднего Возрождения. Уже в ранних постройках (так называемая Базилика в Виченце, перестроена в 1549 из дворца, Раджоне, 13 век) Палладио органически сочетал римское величие и представительность с венецианской свободой и богатством декора. Многочисленные палаццо, созданные Палладио в Виченце (Тьене и Кьерикати, оба начаты в 1550; Вальмарана, начат в 1566; так называемая лоджия дель Капитанио, 1571), обычно представляют собой кирпичные постройки с оштукатуренными фасадами; ордерная система их декора служит для Палладио материалом для многообразных композиционных вариаций, с удивительной гибкостью учитывающих конкретные условия строительства. Преодолевая характерный для палаццо эпохи Возрождения контраст целостного фасада и расчлененного аркадами внутреннего двора, Палладио добивался естественной связи фасада с планом, а всего здания в целом - с городской средой. Умение гармонически связать архитектуру с окружающим ландшафтом. Палладио сумел соединить мотив античного портика на фасаде с архитектурным типом базилики. Одним из первых Палладио создал проект театрального здания нового времени, в котором классическая форма амфитеатра сочетается с оптически иллюзорными декорациями сцены.

Базилика Сан-Джорджо Маджоре Вилла Корнаро Вилла Ротонда, Виченца

52. Искусство Высокого Возрождения. Творчество Леонардо да Винчи.
Высокое Возрождение (1490-е годы - первая треть 16 века). Искусство Высокого Возрождения приходится на конец 15 и первые три десятилетия 16 столетия. «Золотой век» итальянского искусства хронологически был очень кратким, и только в Венеции он продлился дольше, вплоть до середины столетия. Но именно в это время были созданы замечательные творения титанов Возрождения. Отличительной особенностью культуры Высокого Возрождения было необычайное расширение общественного кругозора ее создателей, масштабность их представлений о мире и космосе. Меняется взгляд на человека и его отношение к миру. Сам тип художника, его мировоззрение, положение в обществе решительно отличаются от того, которое занимали мастера 15 века, еще во многом связанные с сословием ремесленников. Художники Высокого Возрождения — не только люди огромной культуры, но творческие личности, свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов.

В центре их искусства, обобщенного по художественному языку, образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовно, не отвлеченный от действительности, но наполненный жизнью, внутренней силой и значительностью, титанической мощью самоутверждения. Важнейшими очагами нового искусства наряду с Флоренцией в начале 16 века становятся папский Рим и патрицианская Венеция. С 1530-х годов в Средней Италии нарастает феодально-католическая реакция, а вместе с ней распространяется упадочное направление в искусстве, получившее название маньеризма. И уже во второй половине 16 столетия возникают тенденции антиманьеристического искусства.

В этот поздний период, когда сохраняют свою роль лишь отдельные очаги ренессансной культуры, именно они дают наиболее значительные по художественным достоинствам произведения. Таковы поздние творения Микеланджело, Палладио и великих венецианцев.

Леонардо да Винчи. Мадонна в гроте Микеланджело Потоп. Рафаэль. Святое семейство

Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) (1452-1519), итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер. Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения, Леонардо да Винчи сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккьо во Флоренции. Методы работы в мастерской Вероккьо, где художественная практика сопрягалась с техническими экспериментами, а также дружба с астрономом П.Тосканелли способствовали зарождению научных интересов молодого да Винчи. Художник, развивая традиции искусства Раннего Возрождения, подчеркивал плавную объемность форм мягкой светотенью, иногда оживлял лица еле уловимой улыбкой, добиваясь с её помощью передачи тонких душевных состояний. Фиксируя результаты бесчисленных наблюдений в набросках, эскизах и натурных штудиях, исполненных в различных техниках (итальянский и серебряный карандаши, сангина, перо и др.), Леонардо да Винчи добивался, прибегая иногда к почти карикатурному гротеску, остроты в передаче мимики лица, а физические особенности и движение человеческого тела юношей и девушек приводил в идеальное соответствие с духовной атмосферой композиции. он выполнил стенную роспись “Тайная вечеря” (1495-1497; из-за особенностей примененной во время работы Леонардо да Винчи над фреской техники - масло с темперой - сохранилась в сильно повреждённом виде. Занимаясь архитектурой, Леонардо да Винчи разрабатывал различные варианты “идеального” города и проекты центрально-купольного храма, оказавшие большое влияние на современное ему зодчество Италии. В портрете “Моны Лизы” или “Джоконды” (около 1503-1505, Лувр, Париж) он воплотил возвышенный идеал вечной женственности и человеческого обаяния; важным элементом композиции стал космически обширный пейзаж, тающий в холодной голубой дымке. Как ученый и инженер он обогатил почти все области науки того времени. Яркий представитель нового, основанного на эксперименте естествознания Леонардо да Винчи особое внимание уделял механике, видя в ней главный ключ к тайнам мироздания; его гениальные конструктивные догадки намного опередили современную ему эпоху (проекты прокатных станов, машин, подводной лодки, летательных аппаратов). Собранные им наблюдения над влиянием прозрачных и полупрозрачных сред на окраску предметов привели к утверждению в искусстве Высокого Возрождения научно обоснованных принципов воздушной перспективы. Изучая устройство глаза, Леонардо да Винчи высказал правильные догадки о природе бинокулярного зрения. В анатомических рисунках он заложил основы современной научной иллюстрации, занимался также ботаникой и биологией. И как контраст с этой полной высшего напряжения творческой деятельностью — жизненная судьба Леонардо, его бесконечные скитания, связанные с невозможностью найти в тогдашней Италии благоприятные условия для работы.

Мона Лиза (Джоконда) Дама с горностаем Мадонна Литта Реставрационная копия фрески Тайная вечеря

53. Искусство Высокого Возрождения. Творчество Рафаэля Санти.
Зарождение и развитие принципов архитектуры Высокого Возрождения происходит в Риме, где на почве исканий предшествующего периода складывается единый общенациональный стиль. Исполненный величественности, монументальности и благородной сдержанности, он основывается на более смелом и свободном использовании классических ордеров античности. В Риме находит завершение архитектурный образ здания с центрально-осевой симметричной композицией, с пространством замкнутым и всесторонне развитым, этот образ как бы воплощает идеи героизма и величия страны.

Представление о самых светлых и возвышенных идеалах гуманизма Возрождения с наибольшей полнотой воплотил, в своем творчестве Рафаэль Санти (1483—1520). Младший современник Леонардо, проживший короткую, чрезвычайно насыщенную жизнь, Рафаэль синтезировал достижения предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа. Нежный лиризм и тонкая одухотворенность отличают одно из ранних его произведений — «Мадонну Конестабиле» (1502, Санкт-Петербург, Эрмитаж), просветленный образ молодой матери, изображенной на фоне прозрачного умбрийского пейзажа. Умение свободно расположить фигуры в пространстве, связать их друг с другом и с окружением. Рафаэль получает заказ на росписи парадных комнат (так называемых станц) Ватиканского дворца. Эта работа, продолжавшаяся с перерывами с 1509 по 1517 год, выдвинула Рафаэля в число крупнейших мастеров итальянского монументального искусства, уверенно решавших проблему синтеза архитектуры и живописи Возрождения.

Мадонна Конестабиле Сикстинская мадонна, Афинская школа Диспута

Объединение в росписях образов христианской религии и языческой мифологии свидетельствовало о распространении в среде гуманистов того времени идей примирения христианской религии с античной культурой и о безусловной победе светского начала над церковным. Даже в «Диспуте» (споре отцов церкви о причастии), посвященном изображению церковных деятелей, среди участников спора, можно узнать поэтов и художников Италии — Данте, Фра Беато Анджелико и других живописцев и писателей. О торжестве гуманистических идей в ренессансном искусстве, о связи его с античностью говорит композиция «Афинская школа», прославляющая разум прекрасного и сильного человека, античную науку и философию. Роспись воспринимается как воплощение мечты о светлом будущем. Из глубины анфилады грандиозных арочных пролетов выступает группа античных мыслителей, в центре которой величавый седобородый Платон и уверенный, вдохновенный Аристотель, жестом руки указующий на землю, основатели идеалистической и материалистической философии. Внизу, слева у лестницы, склонился над книгой Пифагор, окруженный учениками, справа — Эвклид, и здесь же, у самого края, Рафаэль изобразил рядом с живописцем Содомой самого себя. Это молодой человек с нежным, привлекательным лицом. Все персонажи фрески объединены настроением высокого духовного подъема, глубокой мысли. Они составляют нерасторжимые в своей цельности и гармоничности группы, где каждый персонаж точно занимает свое место и где сама архитектура в ее строгой размеренности и величественности способствует воссозданию атмосферы высокого подъема творческой мысли.

54. Кульминация Высокого Возрождения в творчестве Микеланджело Буонарроти
Кульминацией Высокого Возрождения и в то же время отражением глубоких противоречий культуры эпохи явилось творчество третьего из титанов итальянского искусства — Микеланджело Буонарроти (1475—1564). Даже по сравнению с Леонардо и Рафаэлем, поражающими своей разносторонней одаренностью, Микеланджело отличается тем, что в каждой из областей художественного творчества он оставил произведения грандиозные по масштабам и силе, воплощающие наиболее прогрессивные идеи эпохи. Микеланджело был гениальным скульптором, живописцем, архитектором, рисовальщиком, военным инженером, поэтом, и в то же время он был борцом за высокие гуманистические идеалы, гражданином, с оружием в руках отстаивавшим свободу и независимость своей родины.

Великий художник и борец неразделимы в представлении о Микеланджело. Вся его жизнь — непрестанная героическая борьба за утверждение права человека на свободу, на творчество. На всем протяжении долгого творческого пути в центре внимания художника находился человек, действенный, активный, готовый к подвигу, охваченный великой страстью. В его произведениях позднего периода отражено трагическое крушение ренессансных идеалов.

Античность открывает перед ним гигантские возможности, таящиеся в скульптуре. В Риме была создана мраморная группа «Пьета» (1498—1501, Рим, собор святого Петра) — первое большое оригинальное произведение мастера, пронизанное верой в торжество гуманистических идеалов Возрождения. Драматическую тему оплакивания Христа Богоматерью скульптор решает в глубоко психологическом плане, выражая безмерное горе наклоном головы, точно найденным жестом левой руки мадонны. Нравственная чистота образа Марии, благородная сдержанность ее чувств раскрывают силу характера и переданы в классически ясных формах, с поразительным совершенством. Обе фигуры скомпонованы в нерасторжимую группу, в которой ни одна деталь не нарушает замкнутого силуэта, его пластической выразительности.

В отличие от Донателло и Верроккьо, изображавших Давида после победы над врагом, Микеланджело представил его перед боем. Он сосредоточил внимание на волевой собранности и напряженности всех сил героя, переданных пластическими средствами. В этой колоссальной статуе ясно выражена особенность пластического языка Микеланджело: при внешне спокойной позе героя вся его фигура с могучим торсом и великолепно моделированными руками и ногами, его прекрасное вдохновенное лицо выражают предельную собранность физических и духовных сил. Все мускулы кажутся пронизанными движением. Искусство Микеланджело вернуло наготе тот этический смысл, каким она обладала в античной пластике. Образ Давида приобретает и более широкое значение, как выражение творческих сил свободного человека. Уже в те времена флорентийцы поняли гражданственный пафос статуи и ее значение, установив ее в центре города перед зданием палаццо Веккьо как призыв к защите отечества и к справедливому правлению.

Найдя убедительную форму решения статуи (с опорой на одну ногу), мастерски ее моделировав, Микеланджело заставил забыть о тех трудностях, которые пришлось преодолеть ему в работе с материалом. Статуя была высечена из глыбы мрамора, которую, как все считали, испортил один неудачливый скульптор. Микеланджело сумел вписать фигуру в готовый блок мрамора так, чтобы она укладывалась в нем предельно компактно.

Давид Пьета Мадонна с младенцем Потоп Страшный суд Сикстинская капелла фрагмент

Фреска «Страшный Суд» Сикстинская капелла Развернутая панорама росписи Микеланджело Буонарроти свода капеллы

умирающий раб.

55. Особенности искусства позднего Возрождения на примере творчества Тинторетто и Веронезе.
Особенности Венецианской школы живописи. Джорджоне. Тициан.

Усиливающийся кризис ренессансных идеалов остро дает о себе знать в творчестве последнего великого художника эпохи Возрождения — Тинторетто. Созданные им произведения по глубине, значительности, мастерству по уступают самым крупным явлениям эпохи Возрождения. Его бунтарское искусство, полное страстности, титанической мощи, пронизано необузданной фантазией, одухотворенностью, динамикой, выражающей эмоциональные порывы. Тинторетто дерзко ниспровергал привычное для Возрождения обобщенно-идеальное восприятие мира, отойдя от традиционной трактовки религиозных тем, усилив жанровую и психологическую выразительность, которые сочетаются с экстатической приподнятостью. Жизнь воспринимается им во временном потоке, в движении. Сын красильщика шелка («тинторетто» — «красильщик», отсюда его прозвище), Тинторетто на всю жизнь сохранил яркий демократизм своего искусства. Человек высоких моральных качеств, бескорыстный и скромный, он ценой громадного напряжения воли создавал грандиозные по размаху декоративные росписи и целые циклы фресок, алтарные картины, объединенные в ансамбли, портреты своих современников. По динамичной спиралевидной линии строится композиция «Введение Марии во храм» (около 1555, Венеция, церковь Санта-Мария дель Орто), в которой подчеркнуто развитие действия, ощущение высокого духовного подъема. Изящная фигурка Марии, поднимающейся по лестнице, четким силуэтом выделяется па светлом фоне неба, а неожиданно сильные ракурсы второстепенных персонажей, вынесенных на передний план, смещают все представления о стройной логике построений. Драматичное, полное эмоциональной силы искусство Тинторетто не только завершает этап позднего Возрождения, но намечает пути дальнейшего развития европейского искусства. Бурное движение пронизывает большую многофигурную композицию «Чудо святого Марка» (1548, Венеция, Галерея Академии), где охваченная смятением толпа народа созерцает чудо — появление с иеба святого Марка, который останавливает казнь несправедливо осужденного человека. Но не отдельный герой, а вся толпа людей привлекает внимание художника. Стремительное падение сверху фигуры святого, бурная жестикуляция присутствующих, мощная моделировка форм и, самое главное, словно горящие краски — алые и вишневые рядом с зелеными и золотом — сообщают сцене повышенно-эмоциональный характер. Быстрый темп работы, смелые и свободные приемы письма, то, что Тинторетто в значительной степени был самоучкой, создали у многих его современников представление о якобы беглой, поверхностной и небрежной манере его живописи. Однако именно Тинторетто, в отличие от всей предшествующей практики венецианской живописи, чрезвычайно большое значение придавал рисунку. Тинторетто любил говорить, что «краски можно купить на Риальто, тогда как искусство рисования достигается лишь упорной работой».

Введение Марии во храм Чудо святого Марка Благовещение

Творчество Веронезе. Младший современник великого Тициана, прирожденный живописец Паоло Кальяри, прозванный Веронезе (1528—1588), автор блестящих по колориту, грандиозных по размаху алтарных картин и декоративных росписей. Веронезе обращается к более непосредственному отображению современной ему жизни. В религиозных и аллегорических композициях Веронезе словно оживала праздничная, шумная аристократическая Венеция с любовью к расточительной роскоши. Жизнь для Веронезе — праздничное красочное зрелище. Человек запечатлевается в конкретной социальной среде. Образы наделяются индивидуальной яркостью, подчас портретной неповторимостью. Веронезе — величайший художник красочной «инструментовки» картины. Веронезе строит колорит на чередовании насыщенных цветовых пятен и нежнейших оттенков, но при этом предпочитает холодную серебристую красочную гамму, в которой находит поразительное множество вариантов. Некоторая театральная приподнятость и увлеченность решениями декоративных задач снижают значительность образов Веронезе, лишая их полноты и многогранности характеристик, того величия и духовной мощи, того героизма, которые были присущи созданиям титанов Высокого Возрождения. Излюбленные темы его произведении — изображения искрящихся весельем торжественных пиров и празднеств, которыми славилась в то время аристократическая Венеция.

Венецианка Умерщвление святого Георгия Марс и Венера Марс и Нептун

Венецианская школа, одна из основных живописных школ Италии с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы – областей материка, прилегающих к Венеции). Для Венецианской школы характерны преобладание живописного начала, особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению чувственной полноты и красочности бытия. Тесно связанная со странами Западной Европы и Востока, Венеция черпала в иноземной культуре все то, что могло служить ее украшению: нарядность и золотой блеск византийских мозаик, каменную антуражность мавританских сооружений, фантастичность храмов готики. При этом здесь был выработан свой оригинальный стиль в искусстве, тяготеющий к парадной красочности. Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм. Наибольшего расцвета Венецианская школа достигла в эпоху Раннего и Высокого Возрождения, в творчестве Антонелло да Мессина, открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи, создателей идеально - гармонических образов Джованни Беллини и Джорджоне, величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие. В работах мастеров Венецианской школы 2-й половины 16 столетия виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам и многоликой толпе соседствуют с явным и скрытым драматизмом, тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания (живопись Паоло Веронезе и Якопо Тинторетто). В 17 веке традиционный для Венецианской школы интерес к проблемам колорита в работах Доменико Фетти, Бернардо Строцци и других художнико сосуществует с приемами живописи барокко, а также реалистическими тенденциями в духе караваджизма. Для венецианской живописи 18 столетия характерен расцвет монументально-декоративной живописи (Джованни Баттиста Тьеполо), бытового жанра (Джованни Баттиста Пьяццетта, Пьетро Лонги), документально - точного архитектурного пейзажа - ведуты (Джованни Антонио Каналетто, Бернардо Белотто) и лирического, тонко передающего поэтическую атмосферу повседневной жизни Венеции городского пейзажа (Франческо Гварди). Художников интересует теперь не только человек, но и его окружение, пейзаж. Великолепный колорит северо-итальянской живописи, яркость, насыщенность и праздничность цветов картин, гармоничность и мягкость большой палитры тонов превращали работы венецианских мастеров в усладу для глаз зрителей.