Вопрос 24: Рождение первой композиторской школы

Во второй половине XVIII века ярко преобразилась театральная и музыкальная жизнь Петербурга. Ведущим жанром становится опера. Во второй половине XVIII века рождается русская композиторская школа. Основоположники - М.С. Березовский, В.А. Пашкевич и И.Е. Хандошкин.

Из творческого наследия М.С. Березовского сохранилось немногое. Значительная часть его сочинений погибла при пожаре в 1917 году, уничтожившем уникальное собрание церковной музыки Придворной певческой капеллы.

Березовский прибыл в Санкт-Петербург с Украины в 1758 году и был принят на службу к великому князю Петру Федоровичу. За короткий срок он не только постиг основы композиции, но и стал подлинным мастером хоровой музыки, поразившим современников искусным сочетанием итальянской мелодии и греческого пения.

В Петербурге появились высокообразованные, прежде всего итальянские, музыканты, которые привезли новый репертуар, завоевавший сердца российских слушателей.

Профессиональное русское хоровое искусство оказалось изолированным от новой западной светской музыки. Отчасти это было следствием действий императрицы Елизаветы Петровны, которая не разрешала смешения церковной музыки с итальянским стилем.

С восшествием на престол Екатерины II, равнодушной к церковному искусству, русская хоровая музыка получила определенную свободу и стала развиваться в естественном для нее русле. Композиторы смогли активно изучать западноевропейское искусство и, пользуясь полученными знаниями, обновлять и осовременивать средства музыкальной выразительности. Зарождающийся новый стиль хоровой музыки можно считать «высоким барокко». У его истоков стоял Березовский.

Вершиной творческих исканий Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости», созданный во второй половине 1760-х годов. В основу произведения положен текст 70-ого псалма из ветхозаветной Псалтыри. Молитва нашла свое воплощение в четырех частях концерта Березовского. Это монументальное по форме сочинение, где раскрывается многообразный духовный мир человека. Музыка поражает глубиной передаваемых чувств. Особенностью концерта является монотематизм: главная тема, прозвучавшая в первых тактах, становится основой всех прочих образов концерта. Здесь кроется исключительная сила воздействия произведения, заставляющего слушателя сосредоточиться на развитии генеральной мысли: «Не отвержи мене…». Тема финала целиком вырастает из первоначальной мелодии, но перевоплощается в новый образ – это символ неукротимости человеческого духа, его стойкости в вере и мужества перед лицом испытаний. В 60-е годы композитор сочинял не только многочастные концерты, у него есть и Литургия, и отдельные обиходные сочинения.

В 1769 году Березовский отправлен в Италию. Он успешно справился с учебой и получил звание академика. За рубежом композитор пишет оперы-seria. Известность получила его опера «Демофонт».

В Петербурге ему была предоставлена должность капельмейстера Придворной капеллы. Однако дальнейшая творческая жизнь мастера сложилась неудачно. Связано это было с резкой сменой эстетических вкусов двора 70-х годов. Барокко уступает место строгому классицизму.

У слушателей явно ослаб интерес к высоким жанрам – хоровому концерту, опере-seria. При дворе после завершения войны с Турцией утверждается иной, легкий стиль искусства. Эти вкусы пришли в противоречие с творческой индивидуальностью Березовского. Мастер продолжал творить хоровые концерты. В них уже намечены черты перехода от барокко к классицизму, но окончательного шага Березовский сделать не смог.

Человеком яркого таланта был В.А. Пашкевич. В 1763 году его зачисляют в штат придворного оркестра и с этого момента начинается его жизнь как профессионала-музыканта, дирижера, педагога, «капельмейстера большой музыки». Самое ценное его наследие – комические оперы. Успех композитора, сочиняющего оперы, зависит не только от качества самого произведения, но и от возможностей театрального коллектива, осуществляющего постановку. На определенном этапе творческого пути Пашкевичу необычайно повезло – он нашел свой театр. Это был высокопрофессиональный коллектив Книппера-Дмитриевского, который просуществовал с 1779 по 1783 год. Для этого публичного театра Пашкевич создал самые лучшие комические оперы. Первая опера «Несчастье от кареты» была создана на текст Я.Б. Княжнина. Пашкевич проявил себя удивительно одаренным музыкальным драматургом. Он нестандартно и остроумно воплощает антикрепостническую идею оперы. Пашкевич избрал принцип соотношения музыки и разговорных эпизодов, основанный на разграничении образных сфер оперы на два мира: в первом мире живут, любят, страдают крестьяне - Лукьян, Анюта, Афанасий. Им композитор отдает свою музыку. Во втором мире царствуют праздность и барство, породнившаяся с глупостью. Высказывания героев этого мира напоминают анекдоты. Этих «антигероев» Пашкевич лишил музыки, оставив им разговорные диалоги. Премьера оперы прошла с огромным успехом. Просветительская идея сюжета в соединении с талантливой музыкой привлекли внимание современников, осознавших, что с оперой «Несчастье от кареты» родился национальный музыкальный театр.

Лучшим сочинением Пашкевича считается опера «Санкт-Петербургский гостиный двор» (другое название «Как поживешь, так и прослывешь»). Она создана на основе комедии М.А. Матинского. Это первая в истории русской музыки опера, в которой показана жизнь купечества. Нравы купечества не вызывают у авторов особых симпатий. Они осуждают их жадность, склонность к обману, жульничеству, злобность и предательство.

Но есть в музыке оперы и иная сфера, имя которой – народная песня. Здесь композитор раскрывается как знаток старинных народных обрядов. Он использовал в своей музыке свадебные русские песни. Эти хоровые номера резко контрастируют с сатирическими бытовыми зарисовками купеческой жизни, наполняют музыку оперы живым дыханием национального творчества.

Хандошкин И.Е. родился в Петербурге. Он рано освоил искусство игры на скрипке и уже в 1760 году был зачислен в ораниенбаумский оркестр «музыкантским учеником».

Свое предназначение он видел в исполнительстве. В 70 – 80-е годы его слава импровизатора и виртуоза быстро растет. Изо дня в день упорным трудом добивался он высокой исполнительской техники. Специалисты отмечают использование Хандошкиным необычных приемов игры на скрипке. Он дает публичные концерты. Петербуржцы не скупились на восторженные отзывы.

Хандошкин становится знаменитостью Петербурга. Его избрали почетным членом Петербургского музыкального клуба, где собирался цвет художественной интеллигенции столицы. В эти годы Хандошкиным были написаны первые сочинения. Творчество Хандошкина целиком связано с любимым инструментом. Он вошел в историю музыки как основоположник русской скрипичной школы. Большую часть его наследия составляют инструментальные вариации для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом. Вдохновляла творчество Хандошкина русская народная песня, поэтому наиболее ярко раскрылся дар композитора в вариациях на темы русских народных песен. Композитор XVIII века, создающий инструментальные вариации, должен был придерживаться строгих классических правил.

Вначале излагается главная тема. Затем композитор может ею варьировать – расцвечивать орнаментом, менять ритмику, переносить мелодию в иные регистры. Но как бы ни преображался первоначальный музыкальный образ, в финале вариации вновь звучит исходная музыкальная тема.

Придерживаясь классической схемы, Хандошкин был свободен в своих импровизационных фантазиях, рожденных новым для европейской жизни исходным материалом – русской народной песней. Исследователи в области фольклора полагают, что мелодии некоторых напевов, положенных в основу вариаций, были впервые записаны самим композитором. Важно отметить огромный вклад, который внес Хандошкин в формирование национального искусства. В его музыке впервые произошло органичное слияние европейского инструментального языка и русского фольклора. Становление композиторской школы тесно связано с развитием музыкальной фольклористики. Ко второй половине века народная песня завоевывает прочное место в российском быту, имея приверженцев во всех слоях общества.

Фомин Е.И. был воспитанником Академии художеств. Редко кто из ее слушателей избирал музыкальное искусство своей специальностью. К тому же музыка не входила в число «знатнейших художеств», которыми считались архитектура, ваяние, живопись. И все же одаренность Фомина побудила руководство Академии поощрять воспитанника в музыкальном совершенствовании и позднее дать ему возможность завершить учебу в Италии. Получив звание болонского академика, Фомин вернулся на родину. Здесь ему было поручено написать оперу «Новгородский богатырь Боеславич», либретто которой принадлежало Екатерине II. За основу она взяла народную былину, которую переиначила на свой вкус. В опере новгородские вольные посадники покоряются единоначалию богатыря Боеславича и его матери, Амфелы, образ которой должен был напоминать Екатерину II. Опера была написана в рекордно короткий срок, за несколько недель, и уже 27 ноября 1786 года состоялась премьера на сцене Эрмитажного театра. Отношение к народной мелодии у Фомина было исключительно бережное. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки.

Специалисты отмечают зрелое симфоническое мышление композитора, профессионализм его оркестровки. Народно-песенная основа музыки оперы способствовала рождению новых нетрадиционных черт оркестрового письма. Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Написанная для домашнего театра, опера так и осталась неизвестной широкой публике. Замечательным творением композитора стала мелодрама «Орфей» (1792). Музыка мелодрамы – одно из вершин творений русского искусства эпохи Просвещения. Здесь во всей полноте раскрылось симфоническое дарование Фомина. Композитору удалось с поразительным чувством стиля передать трагический пафос древнего мифа. При этом в его музыке глубоко раскрывается мир человека конца XVIII века, трагическое и вместе с тем страстное мироощущение интеллигента «радищевской эпохи».

Долгую творческую жизнь прожил Д.С. Бортнянский. Хоровая церковная музыка сделала композитора популярным во всех слоях российского общества, общественная деятельность заставила считаться с ним власть имущих. В семилетнем возрасте Бортнянский был доставлен из г. Глухова (Украина) в Петербург и отдан на воспитание в Придворную певческую капеллу, с которой бала связана вся его последующая творческая судьба. Продолжил обучение Бортнянский в Италии, где, следуя традиции, писал оперы-seria (до наших дней сохранились две – «Алкид» и «Квинт Фабин»).

Основные творческие достижения Бортнянского в 80-е годы связаны с хоровой церковной музыкой. Создавая богослужебную музыку, он отказался от традиций барочного хорового письма и пошел новой дорогой музыкального классицизма. Бортнянский издает свои духовные сочинения, чего ранее не делал ни один русский композитор.

Композитор оставил огромное хоровое наследие. Музыка Бортнянского быстро распространялась по всей России. Спрос на его сочинения был чрезвычайно велик. Его концерты пели в храмах, на великосветских приемах, в помещичьих усадьбах. Многие россияне знали наизусть легко запоминающиеся мелодии. Сочинения композитора поражают разнообразием чувств и настроений. Есть концерты торжественные, праздничные, эпические. Здесь доминируют мажорный лад и энергичные ритмы. В поэтичных концертах преобладает медленный темп, минорный лад, экспрессивная мелодика.

Одно из самых глубоких и зрелых сочинений мастера – концерт № 32. Его текст взят из 38-го псалма Библии – «Скажи мне, Господи, кончину мою…». Музыка отличается единством настроения и цельностью темы. В ней преобладает тихое, нежное звучание, передающее предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни. Бортнянский сочинял также музыку для церковных служб – многолетия, «Достойно есть» и др.

Особое место в наследии композитора занимают, так называемые, «французские оперы». Это веселые музыкальные комедии, где герои по ходу действия обмениваются репликами на самые злободневные темы. Музыка Бортнянского вполне соответствовала этому жанру, она отличалась классическим благородством, изяществом. Большим успехом пользовалась опера «Сокол» по либретто Лафермьера, в основу которой положен сюжет девятой новеллы «Декамерона» Дж. Боккаччо. Бортнянский наделил буффонские персонажи оперы интонациями фривольных французских песен. Главные же герои получили красивые лирические мелодии.

Лучшим творением композитора в этом направлении считается опера «Сын-соперник, или новая Стратоника». Здесь конфликт любовного чувства и сыновнего долга решен в комедийном плане. Однако Бортнянский создает музыку, раскрывающую искренние, глубокие и далекие от комических переживания своих героев. «Сын-соперник» не уступает «Соколу» по красоте мелодий и отточенности форм, но зато намного превосходит по сложности развития драматургии и глубине музыкальных характеристик персонажей. В музыке оперы много разнохарактерных выразительных арий.

Наследие Бортнянского не ограничено хоровой и оперной музыкой. Им написано большое количество инструментальной музыки, концертные симфонии, романсы.

Главным достоинством музыкального искусства Петербурга XVIII века является то, что оно достаточно быстро освоило светские жанры и формы европейской музыки. Ориентирами в становлении светской музыки служили русская словесность и русская народная песня.

Создатели петербургской композиторской школы отдали предпочтение синтетическим музыкальным жанрам – комической опере и «российской песне», музыкальный язык которых испытал мощное влияние фольклора. Стилевое развитие музыкального искусства во многом совпадало с общехудожественным процессом – с движением от барокко к классицизму и сентиментализму. Особенно ярко это воплотилось в зрелой хоровой храмовой музыке, в творчестве М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского. В эпоху Просвещения композиторы впервые получили возможность творить одновременно и в светских и в церковных жанрах, отдавая дань традиции и открывая пути в будущее.

Вопрос 25: Переход к классическим градостроительным принципам. Генеральный план Петербурга 1769 г.

В начале царствования Екатерины II Петербург «все еще имел вид возникающего города.

Новый подход к застройке города был связан с использованием схем и канонов классицизма.

1. Город начинает мыслиться как завершенная в своем геометрическом построении целостность, рационалистическое начало которой неотъемлемо от системы прямых и четких пространственных связей улиц, площадей, формируемых плоскостями фасадов многоэтажных зданий. Исходя из принципа целостности, можно говорить о новом этапе регулярной застройки – целостно-регулярной.

2. Более жесткое регулирование плана, геометрическая схема которого вносила новый порядок в пространственную композицию. Ориентация основного направления развития города в южную сторону.

3. Максимальное уплотнение (концентрация) застройки, которое стимулировалось необходимостью рационального использования территорий и ростом населения города. Благоустройство улиц и набережных, их мощение и освещение побуждало к экономному использованию территорий. В 1750 году в Петербурге проживало 95 тысяч человек, к середине 80-х население города удвоилось, в 1800 году оно составляло 220 тысяч человек.

4. Функциональное зонирование Петербурга. Происходит постепенное перемещение промышленных объектов от центра к окраинам в силу правительственных указов и увеличивающихся цен на землю. Возрастает роль представительного государственного и общественного секторов архитектуры столицы – парадных зданий, крупных деловых сооружений, жилых домов знати, богатых людей. Аристократическая зона определяет в основном развитие центра города в Адмиралтейской части. Застройка массы беднейшего населения оттесняется на окраины. По санитарно-гигиеническим соображениям на периферию города выносятся бойни, кладбища и тому подобные объекты.

5. Принцип сплошной обстройки улиц. Прямая улица-коридор постепенно становится ведущим элементом города, вытесняя более свободно организованное пространство и значительно сокращая садово-парковые территории.

6. Повышение этажности зданий в центральной части города до 3 – 4 этажей.

7. Резкое возрастание общего объема каменного строительства. Современники отмечают, что Екатерина приняла «Санкт-Петербург деревянный, а оставила каменный».

Окончательный план Петербурга в целом был утвержден в 1769 году (разработан под руководством А. Квасова). Новый план города во многом основывался на проектных предложениях Комиссии о Санкт-Петербургском строении конца 1730-х годов, идеях Еропкина, в значительной мере уже реализованных в застройке.

· Три луча, расходящиеся от Адмиралтейства, были композиционно закреплены как главные элементы, объединяющие всю сеть магистралей Адмиралтейской части.

· В проекте выявлены традиционно складывающиеся полукольцевые магистрали, параллельные рекам Мойке, Кривуше (Екатерининский канал – канал Грибоедова), Фонтанке.

· Развивая идеи еропкинского плана, проект предусматривал за Фонтанкой магистраль Загородного проспекта, переходящего в Литейный.

· Система площадей по Садовой закрепляла за ней профиль торговой магистрали.

· Транспортные магистрали стали ведущим структурным элементом. Их значение подчеркивалось сплошной застройкой, четко выявляющей на плане прямолинейность улиц, их направления и взаимосвязи.

· Предусматривалось объединение малых рек левобережья в единую систему: соединение Фонтанки с речкой Мья (Мойкой) и Кривушей. Отдельные участки рек Мойки, Кривуши, Фонтанки спрямлялись, очищались и одевались в гранит, по обе стороны устраивались транспортные проезды и тротуары.

· Усадебные дома и парки по Фонтанке и Мойке либо ликвидировались, либо отгораживались от реки новыми зданиями.

· Художественная трактовка водных пространств приближалась к пространствам парадных улиц, в конечном итоге их композиция подчинялась классическому стереотипу улицы-коридора.

· Решалась система центра Петербурга. Вновь подчеркивалась идея трактовки центра как развитой структуры, объединяющей на участке широкой части Невы здания и территории у берегов Адмиралтейской части, Стрелки Васильевского острова и Петропавловской крепости.

· Выявлялась эта идея централизованной системой улиц и концентрическим замыканием их вокруг Невы.

Основное внимание при разработке центральных районов уделялось Адмиралтейской части. Преодолевалась дробность композиции этого района: разные по характеру территории объединены в целостное пространство, окружающее Адмиралтейство и четко очерченное линиями сплошной застройки.

Разработанный под руководством А. Квасова проектный план Петербурга заложил принципиальные основы развития города на перспективу, и в течение всей первой половины XIX века он дорабатывался и корректировался лишь в своих элементах. В своей основной части проект Квасова был осуществлен.