Музыкальное воспитание и образование

В Древнем Риме

 

На исходе античности в музыкальной жизни рабовладельческого общества большую роль играл Древний Рим. В музыкальном искусстве этой огромной империи отразились древность культуры, художественная одаренность народа. Рим жил шумной и роскошной жизнью. Музыкой обставлялись пышные зрелища, создавались огромные оркестры, возникали концертные антрепризы.

Система воспитания древних римлян была противоположна греческому воспитанию, т. к. римляне не имели склонностей ни к красоте, ни к науке. Римляне отличались практическим складом, вели простую жизнь и занимались земледелием. До знакомства с эллинской культурой (примерно III век до н. э.) у них вообще не было такой потребности в образовании, в отличие от греков.

Древние римляне не обладали той музыкальностью, как греки, поэтому они заимствовали достижения стран Древнего Востока, Древней Греции и Древнего Египта. При этом Рим являлся одним из центров музыкальной культуры и образования, сюда приезжало немало иностранных музыкантов-профессионалов. Они не только выступали публично, но и обучали аристократов музицированию.

Обучение музыке начиналось с 7 лет. В богатых семьях дети обучались под руководством домашних учителей, менее состоятельные семьи отдавали детей в частные школы, где девочек и мальчиков учили совместно. Сохранились сведения о музыкальной школе Каврилия, созданной в середине III в. до н. э.

Римляне заимствовали у других народов музыкальные инструменты. У греков они заимствовали кимвал – предшественник современных тарелок, на котором играли и мужчины, и женщины. Из струнных инструментов были популярны лира, кифара, арфа. Флейтисты часто сопровождали выступления ораторов. Римляне также часто использовали флейту Пана и тимпан – ударный инструмент.

С III в. до н. э. греческая культура постепенно стала вливаться в римскую жизнь. Из греческих наук выбрали те, которые имели значение для практики: грамматику и риторику, меньше – математику. «Еще менее благоприятную почву встретила теория музыки, так как занятие музыкальным искусством прямо считалось неприличным». Разница в том, что греки воспитывали юношеский дух на началах гуманности и добродетели, а детей римлян с позиции пользы обществу. Однако римляне были первым народом в мировой истории, который признал и усвоил язык, науку и искусство другого народа.

Первое упоминание о школах в Риме относится к 489 г. до н. э. До тех пор римляне учились у родителей и природы. Сначала римская педагогика ограничилась семейным патриархальным воспитанием, причем главное значение принадлежало матери, которая готовила ребенка к жизни земледельца.

В Древнем Риме обучение ограничивалось сообщением элементарных знаний в чтении, письме и счете, развитием речи и изучением законов государства. Очевидно, что воспитание и образование римлян носило нравственный, гражданский и практический характер, тенденция к всестороннему и гармоническому развитию личности не проявлялась, поэтому римское воспитание было близко спартанскому воспитанию.

В отличие от других стран, в Риме дети рабов тоже могли получать образование. Для них была создана школа «Педагогикум», в рабы которой занимались по той же программе, что и дети свободных граждан. Обучение начиналось с 12 лет и заканчивалось в 18 лет.

Римский оратор, теоретик ораторского искусства Марк Фабий Квинтилиан (около 35 – около 96) считается первым учителем-профессионалом, открывшим государственную школу. Цель школьного обучения заключалась в воспитании оратора, поэтому Квинтилиан особое внимание уделял индивидуальности ребенка.

Квинтилиан считает, что кроме изучения родного и греческого языка будущему оратору необходимо образование в других искусствах и науках. Философ отмечает важность музыкального образования для каждого оратора, т. к. музыка развивает чуткость к изящному расположению слов и правильную модуляцию голоса, воспитывает изящество и ритм в жестах и телодвижениях.

По Квинтилиану, метод обучения должен иметь три основания:

1) подражание (imitato);

2) теоретическое наставление (ars);

3) упражнение (exercitation).

При обучении чтению, изящному стилю, искусству речи, музыке обучение нуждается во всех трех основах. При этом главное значение имеет упражнение, рядом с ним стоит подражание. Кроме общих педагогических и дидактических положений Квинтилиан дает методические указания по обучению языкам и другим предметам.

Квинтилиан выступает против домашнего обучения, поскольку дети в могут развиваться только в коллективе, где присутствует соревновательный характер в обучении. Он утверждал, что нельзя строить полноценный воспитательный процесс без знания музыки, с помощью которой можно научить ораторскому искусству и освоить стихотворные размеры и ритмы. Следовательно, школьное образование Квинтилиан представляет как синтез наук и искусств.

Квинтилиана можно назвать первым и единственным методистом древнего мира, его также называли учителем христианской эпохи. В течение тысячелетия сочинения Квинтилиана пользовались необычайным авторитетом в средневековой школе. Именно он установил те семь свободных искусств, которые легли в основу христианской средневековой школы, а в монастырях и соборных училищах вплоть до XI века обучали по его указаниям.

Таким образом, в первые века нашей эры сформировался устойчивый канон содержания и методов школьного образования. Постепенно складывается программа обучения, состоящая из тривиума (грамматика, риторика, диалектика) и квадривиума (арифметика, геометрия, астрономия, музыка). Музыка изучается наряду с точными науками потому, что еще не получило широкого распространения нотное письмо, и музыкальное искусство изучается как некий феномен, до конца еще не изученный человеком. В соответствии с этой программой строятся различные системы общего и музыкального образования, характерные и для более поздних культурно-исторических эпох, в частности, эпохи средневековья.

Влияние античности на развитие общего и музыкального образования в последующие века трудно переоценить. Классическая древность оставила ряд важных идей:

· гуманитарного образования, которое проводится в школе как самостоятельном образовательно-воспитательном учреждении, имеющей главной задачей образование человека, развитие его духовных и физических сил;

· целостности образования с основным нравственным компонентом и главной целью – воспитанием гармонически развитого человека;

· использования музыки как на средства нравственного и духовного воспитания личности;

· создания теории и методики воспитания и обучения, в которой берет начало разработка частных вопросов дидактики;

· привлечения к образованию значительного граждан разных слоев населения;

· индивидуальной работы с учеником, проявившейся в тщательно продуманной методике обучения;

· создания учебных заведений разного типа (школ, гимназий, лицеев, академий), в которых воспитание и обучение осуществляется в коллективных и индивидуальных формах работы.

 

ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ

1. Дайте характеристику основным тенденциям развития музыкальной культуре античного мира.

2. Назовите музыкальные инструменты, которые получили распространение в Древней Греции и Древнем Риме.

3. Выберите и проанализируйте древнегреческий миф, в котором «главным действующим лицом» становится музыка, музыкальные инструменты.

4. Дайте общую характеристику античных музыкально-педагогических идей древнегреческих философов (Гераклита, Пифагора, Платона и Аристотеля).

5. С каких позиций Платон и Аристотель определяют место музыки в системе воспитания? Проанализируйте два высказывания философов.

Платон: «Не установим ли мы, что первоначальное воспитание совершается через Аполлона и муз? Или как?... Следовательно, если мы установим, что тот, кто не упражнялся в хороводах, - человек невоспитанный, а кто достаточно в них упражнялся, - тот воспитан».

Аристотель. «Первая задача заключается в следующем: должно или не должно помещать музыку в число предметов воспитания?.. Есть ли это предмет воспитания, забава, интеллектуальное развлечение? С полным основанием можно музыку отнести ко всем этим категориям и во всех их она, очевидно, принимает свою долю участия».

1. В чем заключается историческое значение работ Аристоксена?

2. Какой идеал воспитания сложился в Древней Греции?

3. Что означает термин «калокагатия»? Подберите к нему ряд синонимов. Можно ли использовать идею калокагатии в современной системе школьного образования?

4. Каковы отличительные особенности музыкального воспитания и обучения в Древней Греции?

5. Как понимали древние греки сущность нравственного воздействия музыкальных ладов на человека?

6. Дайте характеристику учению об этосе. Кто из философов создает это учение?

7. Сравните систему музыкального образования в Спарте и Афинах. Какая из систем, на ваш взгляд, более продуктивна и почему?

8. В чем вы видите преемственность школьного обучения в Древнем Риме и Эллинской эпохи?

9. С какой целью используют музыку в Древнем Риме?

10. Почему Квинтилиана называют главным методистом античного мира? В чем заключается историческое значение его деятельности?

11. Какие педагогические идеи дала эпоха античности? Какое влияние она оказала на дальнейшее развитие музыкального образования?

 

Понятийно-терминологический словарь: античность, воспитание, калокагатия, культура, миф, музыка, музыкальные инструменты, музыкальное образование, педагог, философ, школа.

 

ЛИТЕРАТУРА

 

1. Безбородова Л.А. Методика преподавания музыки в общеобразовательных учреждениях: учеб. пособие для студ. муз. фак. педвузов. – М.: Издательский центр «Академия», 2002. С. 7-9.

2. Бодина Е.А. История музыкально-эстетического воспитания школьников: Учебное пособие. – М.: МГЗПИ, 1989. С. 8-16.

3. Грубер Р.И. Всеобщая история музыки. Часть 1. – М.: Гос. муз. изд-во, 1960. Раздел третий.

4. Джуринский А.Н. История педагогики: учеб. пособие для студ. педвузов. – М.: Гуманит. изд. Центр ВЛАДОС, 2000.

5. Клячко Н. Теория и практика гармонического воспитания человека в Древней Греции // Из истории музыкального воспитания: Хрестоматия /сост. О. А. Апраксина. – М.: Просвещение, 1990. – С. 6-8.

6. Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года. – М.: Музыка, 1983. С. 6-17.

7. Музыкальный энциклопедический словарь /гл. ред. Г. В. Келдыш. – М.: Советская энциклопедия, 1990.

8. Музыкальная энциклопедия /под ред. Ю.В. Келдыша [электронный ресурс]. М., 2006.

9. Надолинская Т.В. История музыкального образования: от древности до конца XVIII века: учебник для бакалавров. магистров педагогических институтов и университетов [электронный ресурс]. Таганрог, 2016.

10. Риман Г. Музыкальный словарь /пер. с 5-го немецкого издания Б. Юрген­сона [электронный ресурс]. М.: Директмедиа Паблишинг, 2008.

11.Терентьева Н. А. Музыкальная педагогика и образование. История и теория развития от истоков до современности. – СПб., 1997. (Глава 2).

12.Ямвлих. О пифагорейской жизни // Искусство в школе. – 1993. – № 4. – С. 65-66.

 

 

 

Музыкальная культура и образование эпоху средневеко­вья

 

Эпоха средневековья начинается с 476 г., когда Римская империя пала под натиском немецких племен. С этого времени начинается новый период в истории Европы, известный как средневековье (конец V – середина XVII вв.). Для этого периода характерно зарождение, развитие и разложение феодальных общественных отношений.

Эпоха феодализма унаследовала от Римской империи христианскую религию, поэтому церковь стала главной идеологической силой в культуре и просвещении. Вершиной мысли о человеке стала теология – наука о боге. В христианстве представления о человеке радикально изменяются. Личность больше не рассматривается как один из элементов космической гармонии. На нее распространяется идеальное представление как о существе, обладающем низшими качествами. Для средневекового мировоззрения всякая красота имела осуждающий смысл. Отвергая античные эстетические идеалы и провозглашая единомыслие, нравственность, церковь не отрицала чудотворности воздействия хорового искусства, но решительно отвергала светскую музыку.

В средние века отношение к музыкальному искусству определяется догматами церкви. Характерной особенностью раннего средневековья было преобладание вокальной музыки: гимнов, псалмов, антифонов, респонсорий, сопровождавших церковную службу. Она в большинстве случаев представляла собой одноголосный распев, близкий к речитативу (псалмы) либо более развитую мелодию, когда на последней гласной в слове пелось несколько нот – юбиляция (преимущественно «аллилуйя», «амен»).

Сохранились немногочисленные сведения о том, что средневековая музыкальная культура была менее богатой, чем в эпоху античных цивилизаций. Четкой границы между народной и профессиональной музыкой в тот время не было. В VIII-XI веках складывается светское искусство, появляются новые музыкальные формы и жанры.

Поиск новых средств музыкальной выразительности привел к появлению разных инструментов. Они начинают играть главную роль и как сольный инструмент аккомпанемент к пению, и как. В музыкальной практике средневековья получило широкое распространение несколько видов инструментов: ударные (барабан, тамбурины, тимпаны, колокола), духовые (флейты, дудка, свирель, волынка) и струнные (фидель, предшественница виолы и скрипки).

Фидель – предшественник виолы и скрипки. Древнейшее изображение фиделя (также обозначение группы струнных смычковых инструментов в странах Европы) относится к VIII-IX векам. На книжном переплете из слоновой кости в Утрехской псалтири, находящейся в Лувре, воспроизведен фидель, или как его еще называли в средние века, виела, виуэла или виола.

С X века фидель стал менять форму и корпус принял гитарообразную форму. В XIII-XV встречаются инструментальные ансамбля из одних струнных инструментов, преимущественно фиделей. В странах Западной Европы в ансамблях жонглеров, менестрелей и других бродячих музыкантов часто играли на ребеке. В период средневековья стал складываться оркестр.

В средние века возникло сословие рыцарей, которое принесло собственные нравы и понятия. Вера и честность – главный девиз рыцарей. Средневековый рыцарь – блистательный участник многочисленных турниров. Каждый, кто вступал под своды феодального замка в Западной Европе, должен был непременно играть на лютне, слагать стихи в честь богатого покровителя или дамы сердца.

Несмотря на свой блеск, рыцари не имели постоянных школ, большинство ограничивалось домашним воспитанием. Богатые представители сословия посылали детей во дворцовую школу, а большинство – в монастырскую или церковную школу. Музыка и искусство становятся обязательной частью образования рыцаря.

Трубадуры – средневековые поэты-певцы, авторы песен, были первыми представителями светского искусства. Их творчество охватывает период XI–XIII веков, а расцвет приходится на XII – начало XIII века. Трубадуры сочиняют свои стихи на провансальском, разговорном языке части Франции. Обычно они знают музыкальную грамоту, поэтому до наших дней сохранились 264 песни трубадуров с нотной записью.

Трубадур сам исполнял свои песни или поручал их исполнение состоявшему у него на службе жонглеру. Для аккомпанемента трубадуру служили виола, арфа или цистра.

Часто трубадуров сопровождали жонглеры, которые состояли на службе у трубадура. Жонглеры – средневековые бродячие артисты, которых либо путешествовали из города в город в странах Западной Европы в X-XIII веках. Их также называли шпильманами, вагантами или скоморохами. Жонглеры были замечательными драматическими артистами, акробатами, танцорами, певцами, сочиняли стихи и музыку. Они виртуозно играли на разнообразных музыкальных инструментах, в первую очередь на виоле, ротте и ребеке. Жонглеры были главными носителями народных музыкальных традиций, являлись постоянными участниками ярмарок, праздников и карнавалов.

Карнавал стал важной частью музыкально-художественной практики средневековья, дал толчок к развитию синкретичного искусства, характерного для античного мира. Наиболее ранние упоминания о карнавалах относятся к IX—X векам в Италии (Венецианский карнавал), Франции, Германии. Они всегда сопровождаются народными гуляньями с уличными шествиями и театрализованными представлениями, выступлениями бродячих артистов – жонглеров, гистрионов, вагантов, скоморохов.

Под влиянием лирики трубадуров развивается поэзия труверов и миннезингеров. Труверами называли поэтов-певцов Северной Франции конца XII-XIII вв. Большое место у них заняло подражание стилю и форме народных танцевальных песен (рондо, балладе и др.). До середины XII в. романсы или «ткацкие песни», плясовые и весенние песни труверов носят анонимный характер, а их содержание по форме и сюжету приближается к народной поэзии. Эти песни дошли до нас в поздних списках уже в измененном виде.

Миннезингерами называли немецких средневековых певцов-поэтов, исполнявших произведения рыцарской лирики. Большинство миннезингеров состояло на службе в замках. Свои песни они сопровождали игрой на струнных инструментах, которые были проникнуты жизнелюбием, воспевали рыцарские обычаи и любовь к даме. Их благородные песни были проникнуты жизнелюбием, воспевали любовь к прекрасной даме и были близки, как и творчество труверов, песенной народной лирике.

На развитие средневековой теории музыки в европейских странах, на Ближнем и Среднем Востоке оказало решающее влияние музыкальное наследие античности. В трудах арабских философов и теоретиков Аль-Фараби, Ибн Сины (Авиценны) находят отражение идеи древнегреческого учения об этосе, представления Аристотеля и Аристоксена о звуковом строе и интервалах.

Карнавал стал важной частью музыкально-художественной практики средневековья, дал толчок к развитию синкретичного искусства, характерного для античного мира. Наиболее ранние упоминания о карнавалах относится к IX—X векам в Италии (Венецианский карнавал), Франции, Германии. Они всегда сопровождались народными гуляньями с уличными шествиями и театрализованными представлениями, выступлениями бродячих артистов – жонглеров, гистрионов, вагантов, скоморохов.

Новое понимание сущности музыки связано с именем знаменитого ученого Средней Азии Ибн-Сины (980-1037) – самого известного и влиятельного философа-ученого средневекового мира. В энциклопедическом труде «Книга исцеления» есть глава, посвященная музыке. В ней философ выступает против мифологического и космологического понимания музыки, и утверждает, в основе чувственного восприятия лежит звук. Благодаря арабским философам христианские теоретики музыки постепенно освобождаются от числовой символики в понимании музыки.

В период раннего Средневековья главными очагами культуры в Западной Европе были бенедиктинские монастыри, которые играли важную политическую, экономическую и культурную роль в обществе. Почти все выдающиеся деятели, о которых упоминает история музыки, были монахами-бенедиктинцами. Крупные аббатства являлись главными очагами западноевропейской культуры, в них сохранялись и переписывались рукописи, велись хроники, обучались люди, проводились ярмарки.

Многие бенедиктинские монахи были философами, богословами, теоретиками и историками музыки, композиторами. К ним относится и монах Беда Достопочтенный (ок. 672-735) – автор трактата «Практическая музыка», в котором уделяется большое внимание вопросам теории и музыкальной практики.

Христианский теолог Августин Блаженный (354-430) утверждал, что нравится должна не музыка сама по себе, а божественная идея, которая в ней заключена. С другой стороны, отец церкви Иоанн Златоуст признает эстетическую силу воздействия музыки.

Итальянский богослов Фома Аквинский (1225-1274) в своем учении, построенном не только на богословии, но и логике Аристотеля, рассматривал музыку как область познания. Он делил музыку на «мировую» и «человеческую». Последняя делится на теоретическую, связанную с познанием мира, и практическую, которая привлекает верующих к богослужению.

Отцы церкви отрицали светскую и инструментальную музыку, особенно виртуозную игру на музыкальных инструментах. Инструментальная музыка признавалась ими только как сопровождение к духовному пению. Резкую критику встретило и драматическое искусство – жест, танец, пантомимика, т. е. то, что в эпоху античности воспринималось как часть музыкального искусства.

Среди отцов церкви выделяется Иоанн Дамаскин (700-760), который был не только выдающимся поэтом, певцом, композитором, но и музыкальным теоретиком. Вопреки церковному сану, он сочинял каноны и гимны, проникнутые любовью к человеку. Он оставил знаменитый «Октоих» – восьминедельный цикл церковных песнопений, в который добавил свои гимны и сгруппировал их по восьми ладам (гласам). При их наименовании он заимствует древнегреческие названия (дорийский, лидийский, фригийский, миксолидийский).

Стиль церковной музыки сложился в IV-VII вв. В это время развивается церковная псалмодия – чтение духовного текста нараспев с повышением и понижением интонации. Важное место псалмодия занимает в григорианском пении, утвержденном в начале VII в. Весь круг песнопений католической церкви объединялся понятием «григорианский хорал», который становится единственным руководством для церковного пения.

Григорианский хорал – общее наименование одноголосных песнопений римско-католической церкви. Отбор текстов и напевов были начаты в конце VI века при папе Григории I, прозванного Великим. Григорианский хорал окончательно сложился в VIII-IX веках. Согласно преданию, он составил антифонарий – круг песнопений, распределенных в пределах церковного года. Песнопения были диатоническими, одноголосными, исполнялись мужским хором в унисон или соло на латинском языке.

Мелодии строились в 8 средневековых ладах: 1) дорийский; 2) гиподорийский; 3) фригийский; 4) гипофригийский; 5) лидийский; 6) гиполидийский; 7) миксолидийский; 8) гипомиксолидийский.

Названия ладов средневековые теоретики музыки переняли у древнегреческих музыкантов. Первый из ладов – дорийский – воспринимался как подвижный, ловкий, пригодный для выражения любого чувства; второй – гиподорийский – как серьезный и плачевный; третий – фригийский – казался стремительным и возбужденным. Из восьми средневековых ладов до настоящего времени сохранились эолийский (минор) и ионийский (мажор).

Для григорианской музыки была создана специальная система записи песнопений с помощью различных невм. В переводе с латинского невма («neuma») означает «знак». Невмы – первые знаки нотного письма, которые помогали певцам понимать общее направление движения мелодии. Они помещались над словесным текстом и показывали лишь общее направление движения мелодии в известных ему песнопениях. Знаки невменной нотации были заимствованы от древнегреческих обозначений речевых акцентов – повышений и понижений интонаций речи.

В X веке появились дополнительные знаки, уточняющие мелодию, ритм и темп в вокальном исполнении. Наиболее употребительными стали знаки «а» (от “altus” – выше), «с» (от “cito” – быстро), «е» (от “equaliter” – так же). В это же время появляется и буквенное обозначение музыкальных звуков: а,в,с,d,е,f,g. Первоначально ими назывались определенные лады, позднее – названия самих музыкальных звуков.

Средневековая культура, философия, теория музыкального воспитания носила религиозный характер. Отношение к музыке служителей церкви было разным. Музыка понимается теоретиками и практиками музыки не как искусство, а как наука. Она изучается в составе семи «свободных искусств», и признается одной из математических дисциплин наряду с арифметикой, геометрией и астрономией.

В выработке единой теории музыки большую роль играет христианство. Использование латинского языка не только в богослужебных текстах, но и в музыкальной литературе в течение полутора тысяч лет, помогло дальнейшему развитию музыкальной теории. Рассуждения о нравственном воздействии музыки – главный элемент большинства трактатов. В них пишется о том, что музыка может воспитывать характер, исцелять болезни и дух.

Первоначальные сведения по теории музыки следует искать в Италии, культура которой оказалась связующим звеном между цивилизацией Древней мира и христианством. В течение многих веков Италия остается центром теоретической мысли, т. к. унаследовала культурные традиции Древнего Рима, и явилась первой страной, поставившей вопрос о возрождении его традиций. Именно отсюда в течение многих веков исходили нововведения, связанные с именами Боэция, ГвидоАретинского и других.

Боэций (480-524) – римский философ и музыкальный теоретик на работы которого ссылаются почти все западноевропейские авторы средневековья и Возрождения. Его главный труд «О музыкальном установлении» был написан в 500-507 гг. Трактат представляет собой наиболее полное изложение основных положений теории музыки, которые разрабатывались в Древней Греции на протяжении тысячи лет, а затем перешли в культуру Древнего Рима. Большинство теоретиков музыкального искусства средних веков, Ренессанса и даже позднего времени в своих трудах ссылаются на Боэция, его влияние прослеживается во всех странах Западной Европы.

Трактат Боэция носит сугубо теоретический характер. Он подробно останавливается на рассмотрении звукорядов, возрождает сведения о диатонике, хроматике. Изложенные в нем мысли – основа для последующего развития музыкальной практики, как в плане формирования гармонических созвучий, так и осмысления ритма. Звуковая система, изложенная Боэцием, в XI веке была усовершенствована Гвидо Аретинскими – одним из крупнейших средневековых итальянских музыкальных теоретиков.

Представления древнегреческих философов об универсальной гармонии мира, порождающей «космическую музыку», продолжают жить в средние века и эпоху Ренессанса. Ярким примером средневековой символики является анонимный трактат конца XIII – начала XIV века под названием «Сумма музыки» (“Summa musicae”). Совершенство музыки автор трактата связывает с библейскими представлениями о сотворении мира – шесть слоговых обозначений нот соотносятся с шестью днями создания мира. Музыка также согласуется с Вселенной, четырьмя стихиями, с делением года, месяца и дня на четыре стадии.

Следовательно, музыкальная культура, философия и теория музыки в средние века носила религиозный характер. В ней одновременно новые жанры духовной музыки, появился инструментарий основных групп (ударные, духовые, струнные) и система записи церковных песнопений.

 

Реформа нотного письма Гвидо Аретинского

 

В начале XI века в Италии возникла слоговая система обозначения звуков, тесно связанная с возникновением линейной нотации. Эти изобретения связывают с именем известного музыканта XI века Гвидо Аретинского (Гвидо из Ареццо) (992 –1050) – монаха, теоретика музыки, преподавателя хорового пения, реформатора музыкальной практики средневековья.

Гвидо много работал в певческих школах Феррары и Ареццо, руководил детским хором кафедральной школы, где и пришел к мысли об усовершенствовании невменной нотации. Слух об этом дошел до Рима. Папа Иоанн XIX вызвал Гвидо к себе, и лично ознакомился с новой системой. Он попробовал петь по ней мелодии, и нашел ее очень удобной. После этого изобретение Гвидо из Ареццо быстро распространилось в большинстве стран Европы, в том числе во Франции, Германии, Польше.

Гвидо Аретинский впервые объединил буквенную, линейную и невменную систему обозначения высоты звука. Он ввел в употребление систему относительной сольмизации (сольфеджио) – именно этим целям служил изобретенный им подвижный гексахорд (шестиступенный диатонический звукоряд). Его методика обучения сольфеджио сохраняла свое значение в Западной Европе примерно 800 лет. Такие понятия, как сольмизация, гексахорд, мутация, бемоль и диез понятия, заключенные в пособиях до конца XVI века, – идут от Гвидо из Ареццо. Он расширил основной звукоряд, доведя его до звука ми второй октавы, изобрел нотный стан – параллельные линии, количество которых в то времена варьировались. Он стал располагать невмы на четырех линиях и между ними, что гораздо точнее обозначало высоту звуков. Четырехлинейная система стала прообразом современной нотной записи, основанной на пяти линиях.

В начале линии мог ставиться знак, указывающий, с какой ноты мелодия должна начаться. Это было прообразом современной системы ключей: скрипичный ключ – это витиевато написанная буква G (звук соль), басовый ключ – буква F, и третий знак – это ключ C, используемый для записи партий альтов, виолончелей и других инструментов. От одной линейки, фиксирующей высоту главного звука, легко было сделать следующий шаг к системе нескольких линеек. Диезы и бемоли добавили, чтобы обозначить хроматические ноты, не принадлежащие основному ладу или тональности, в которой звучит мелодия.

Постепенно с помощью разного вида написания нот (квадратные, затем круглые) и пауз стала достижима передача точной ритмической структуры мелодии. Мелодия стала делиться на такты – группы нот и пауз, соответствующих одинаковому числу метрических единиц. Постепенно в практику входит тактовая черта, которую ставят перед каждым сильным ударом в группе.

Гвидо д^,Ареццо изобрел систему обучения хоровому пению (собственно говоря, всей музыке) с помощью новых названий нот, которые широко применяется и сейчас во всех теоретических и практических дисциплинах. Названия нот являются начальными слогами первых слов каждой из шести строк латинского гимна Павла Диакона в честь св. Иоанна (по легенде покровителя певцов). Этот гимн Гвидо выбрал для технических целей обучения.

Ut quaent iaxis Ut (ут)

Re sonare fibril Re (ре)

Mi ra qestorum Mi (ми)

Fa muli tuorum Fa (фа)

Sol ve polluti Sol (соль)

La bil rearum La (ля)

S ancte I oannes (си).

 

В переводе на русский язык латинский текст означает: «Святой Иоанне! Разреши осуждение скверных уст, чтобы рабы твои могли свободно возглашать дивные дела твои». Впоследствии малоудобное для пения ut было заменено на до. Так произошли общеизвестные названия семи основных звуков гаммы. Суть методики сольфеджио у Гвидо Аретинского сводилась к тому, чтобы ученик научился правильно интонировать тоны, полутон и все остальные интервалы, содержащиеся в гексахорде – своеобразном эталоне звуковысотных отношений ут-ре-ми-фа-соль-ля.

Гвидо приписывается изобретение Гвидоновой или Гармонической руки – метода демонстрации звуковой системы, получившего известность на рубеже XI-XII веков. Все употребительные в то время звуки условно размещаются на суставах и кончиках пальцев левой руки.

Практика обучения певцов пению вплоть до середины тысячелетия основывалась на традициях, заложенных Гвидо Аретинским. Реформа нотного письма стала важной предпосылкой для современной точной записи музыкальных произведений, сыграла важную роль в развитии композиторского творчества и певческого искусства.

Тем не менее, запись музыкальных звуков, созданная в Гвидо в самом начале XI века, долгое время оставалась невостребованной. Только в XVI веке после изобретения равномерной темперации, стали применять придуманную Гвидо Аретинским систему записи нот.

 

Обучение музыке в школах и университетах

В первые пять веков почти не было школ. От античной школы средневековая школа унаследовала учебники, учебный план и христианство. В церковных и монастырских школах использовались методы обучения, унаследованные от греко-римской школы. Большой толчок количеству светских школ был дан императором Карлом Великим, который стремился к развитию образования.

О христианских школах сохранилось мало сведений. Начальные школы с элементарным курсом обучения чтению, письму, церковному пению открываются при приходских церквях, соборах, монастырях и епископских кафедрах. Школы были не только образовательными, но и воспитательными учреждениями, при которых нередко устраивают общежития.

Теология была главной целью учебных занятий. Все другие предметы занимают по отношению к ней служебное положение. Общим языком преподавания был латинский. В основе изучения каждого предмета было преклонение перед каким-либо авторитетом. Главный принцип обучения – пассивное восприятие и усвоение по памяти.

В основе обучения лежит богословие и система изучения «семи свободных искусств», включавшая два цикла: тривиум и квадривиум. Тривиум включает грамматику, риторику и диалектику. Квадривиум включает арифметику, геометрию, музыку и астрономию, и имел гораздо меньшее значение, чем тривиум. Музыка мыслится не как искусство, а как наука, сродни математическим дисциплинам. Известно несколько определений музыки: музыка как «наука, говорящая о числах», «наука о правильных модуляциях» и т. п.

Средневековая школа была латинской, родной язык не преподавался до XV в. В ней особое внимание уделяли тому, чтобы ученики много читали и запоминали наизусть церковные песнопения. Пение играло видную роль в системе средневекового образования. Религиозное наставление состоит в изучении библии, молитв, пении псалмов.

Некоторые школьные программы прямо утверждали, что само знание латинского языка ценно только в той мере, в какой оно нужно для церковного пения. В то время пение было прибыльным делом, т. к. множество школьников кормилось от пения в церквях за особую плату, часто перед дверьми они находили кусок хлеба. Если ученик не усваивал учебный предмет, его наказывали. Розги и палки – символ школы до XVI века в монастырских, соборных, городских школах и университетах.

Положительные черты школьного строя средневековья – важность и серьезность образования, строгая дисциплина, однородность образовательной системы и предметов: и для церковно-приходских (при церквях и епископских кафедрах – предметы тривиума), и для монастырских, которые устраивались монастырскими орденами (Бенедиктинским, Францисканским, Доминиканским), школ для светских людей, городских школ (возникли по инициативе городских властей со времени крестовых походов), и для университетов.

Официальным учреждением, в котором осуществлялось музыкальное воспитание в его религиозном варианте, была схоластическая школа. Слово «схоластика» заимствовано из греческого языка и в переводе означает «школа». Занятия искусством здесь не предусматривались, а сводились к церковному пению. Во время хорового пения были недопустимы проявления личного вкуса, творческой инициативы.

Основные методы обучения в схоластической школе – многократное повторение, заучивание наизусть, письмо под диктовку. Использование схоластических методов сочеталось с суровой дисциплиной. Положительным явлением стало внимательное отношение к ученику, терпение, последовательность и методичность в преподавании. Именно в схоластической школе соединились церковные догматы, прогрессивные тенденции в развитии искусства и рационалистические методы их освоения.

В XII веке возникли первые частные школы. Одним из первых организаторов частной школы становится французский философ-схоласт, теолог, поэт и музыкант Пьер Абеляр (1079-1142). В своей школе он обращал внимание своих учеников на мудрость античного наследия, утверждая, что не существует грани между античностью и средневековьем.

Основной принцип философских и педагогических поисков П. Абеляра был сформулирован не в традиционных теологических представлениях. Он звучал как «Познай самого себя», что было новаторским для времени Средневековья. В своей автобиографической книге «История моих бедствий» он впервые выводит образ благочестивого человека, который сохраняет ум, пылкость чувств и способность воспринимать красоту окружающего мира.

В XI-XII веках духовенство разрешает магистрам и учителям создавать свои собственные школы, относительно свободные от их влияния. Первые университеты появляются в XII-XIII вв. в Италии, Испании, Франции, Англии. В XI веке был открывается Болонский университет, изначально представлявший собой школу.

Спустя столетие на основе нескольких монастырских школ, в том числе и знаменитой соборной школы Нотр-Дам, создается Парижский университет, в XIII веке – Кембриджский университет. Университеты становятся ведущими центрами светского музыкального воспитания. Начиная с XII века, в университетах создаются певческие школы. Студенты были обязаны изучать григорианское пение, хорошо знать церковный музыкальный обиход. В Германии в 1386 году в Гейдельберге был организован университет, в котором изучалась музыкальная теория.

В VIII в. Германии возникли первые женские монастыри и с христианскими образовательными задачами, т. е. было положено начало систематическому образованию женщин. Примером одной из образованных женщин может стать Макрина, сестра Василия Великого. Школа стала прочнее с XI-XIII веков, когда городские общины стали организовывать светские школы.

В средние века было положено несколько важных педагогических идей:

· всеобщего музыкального воспитания и образования;

· тесной связи церкви и государства в образовании детей и юношества;

· создания разного типа школ и университетов;

· систематического образования женщин.

Эпоха средневековья подготовила благоприятную почву для дальнейшего развития музыкальной культуры народного, светского и профессионального направления, системы музыкального воспитания и образования, инструментального и вокального музицирования и форм обучения в последующие несколько веков, включающие период Возрождения и Просвещения.

 

ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ

1. Дайте характеристику музыкальной культуре средневековья. Чем она отличается от музыкальной культуры античности?

2. Какие новые музыкальные жанры и формы вокальной музыки появились в Западной Европе?

3. Назовите группы музыкальные инструменты, которые появились в средние века.

4. На каких музыкальных инструментах исполняли музыку трубадуры, жонглеры, труверы, шпильманы, миннезингеры?

5. Что такое григорианский хорал? В чем заключаются особенности его исполнения? Как записывается григорианское песнопение?

6. Назовите выдающихся ученых и теологов средневековья. Почему в их мировоззрении преобладает мифологическое и космологическое понимание музыки?

7. В чем заключается историческое значение музыкально-теоретических работ Боэция? Остаются ли идеи философа актуальными в наше время?

8. Согласны ли вы с тем, как отец церкви Иоанн Златоуст определяет силу эстетического воздействия музыки? Докажите свою точку зрения.

Иоанн Златоуст: «Слух неотступно и неумолимо устремлен лишь на одно: он внимает полному благозвучию и духовности напева, власть которого над душой, однажды ей предавшейся, столь велика, что человек, увлеченный мелодией, с радостью откажется от еды, питья, от сна».

1. Проанализируйте высказывание Ибн-Сины из «Книги исцеления». Выскажите свою собственную точку зрения.

Ибн-Сина: «Мы не будем уделять внимание уподоблениям небесных сфер и нравственных качеств души соотношениям небесных сфер и нравственных качеств души соотношениям музыкальных интервалов, ибо это в обычае лишь тех, кто не отличает одну науку от другой».

1. Почему музыка играла важную роль в воспитании сословия рыцарей?

2. Как повлияла теология на развитие музыкально-педагогических идей эпохи Средневековья? Какие педагогические идеи средневековья остаются актуальными в наши дни?

3. Почему в средние века теоретики и практики изучали музыку как математическую науку, а не как искусство? Чем это было обусловлено?

4. Назовите разные способы записи нот, которыми пользовались теоретики и практики. Когда возникла необходимость реформы нотного письма?

5. В чем заключается сущность реформы нотного письма Гвидо Аретинского? Какие музыкальные термины он ввел в употребление?

6. Проанализируйте особенности системы музыкального воспитания и церковных и монастырских школах. Какова его цель?

7. Какие формы и методы обучения применялись в школах и университетах?

8. Дайте сравнительную характеристику разным типам учебных заведений Средневековья. Что в них общего и различного?

9. Какие важные педагогические идеи оставила эпоха Средневековья?

1. Прочитайте тестовое задание и выберите правильный ответ:

1. В первые века начальные христианские школы изучали музыку одновременно с чтением и письмом (тривиум);

а) да; б) нет; в) не знаю.

2. В период средневековья школьный строй имел однородную образовательную систему:

а) да; б) нет; в) не знаю.

3. Методы и формы обучения музыке церковно-приходских школах, в монастырских школах, в университетах и городских школах были едиными:

а) да; б) нет; в) не знаю.

4. Труды какого теоретика музыки пользовались высшим авторитетом на протяжении всего периода средневековья:

а) Марка Аврелия; б) Боэция; в) Кассиодора.

 

Ключ к ответам: 1) б; 2) а; 3) а; 4) б.

Понятийно-терминологический словарь: средневековье, философия, теология, отцы церкви, теория музыки, григорианский хорал, музыкальные инструменты, музыкальная культура, нотная запись, рыцарство, школа, университет.

ЛИТЕРАТУРА

1. Бодина Е.А. История музыкально-эстетического воспитания школьников: Учебное пособие. – М.: МГЗПИ, 1989. С. 17-21.

2. Джуринский А.Н. История педагогики: учеб. пособие для студ. педвузов. – М.: Гуманит. изд. Центр ВЛАДОС, 2000.

3. Ливанова Т. История западноевропейской музыки до 1789 года. – М.: Музыка, 1983. – С. 18-48.

4. Музыкальный энциклопедический словарь /гл. ред. Г. В. Келдыш. – М.: Советская энциклопедия, 1990.

5. Музыкальная энциклопедия /под ред. Ю. В. Келдыша [электронный ресурс]. – М., 2006.

6. Надолинская Т.В. История музыкального образования: от древности до конца XVIII века: учебник для бакалавров. магистров педагогических институтов и университетов [электронный ресурс]. Таганрог, 2016.

7. Риман Г. Музыкальный словарь /пер. с 5-го немецкого издания Б. Юрген­сона [электронный ресурс]. – М.: Директмедиа Паблишинг, 2008.

8. Музыкальная эстетика западноевропейского средневековья и Возрождения. – М., 1966. [электронный ресурс]: Режим доступа: http://yanko.lib.ru/

9. Розеншильд К.К. История зарубежной музыки. Вып. 1. – М., 1973. Глава вторая.

10.Тельчарова Р.А. Музыкально-эстетическая культура и марксистская концепция личности: Учебное пособие. – М., 1989.

11.Терентьева Н.А. Музыкальная педагогика и образование. История и теория развития от истоков до современности. – СПб., 1997. Глава 3.

 

Музыкальная культура и образование в эпоху Возрождения и Про­свеще­ния

 

Возрождение – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре средних веков в XV–XVI вв., в Италии – в XIV-XVI вв. К этому времени относятся расцвет городской культуры, великие географические открытия, крестьянские восстания, мощное движение протестантства, образование и укрепление крупных государств, подъем науки, расцвет литературы, музыки, живописи, скульптуры и зодчества, которые определили поворотную роль периода Ренессанса в мировой истории. Важным моментом становится процесс коренной ломки средневековой системы взглядов на мир и формирование гуманистической идеологии, которые находят отражение в музыкальной эстетике и образовании.

В отличие от средневековья, эпоха Возрождения сохранила имена многих творцов. Крупнейшие художники Возрождения – универсальные личности, раскрывшие свои таланты в философии, литературе, живописи, музыке. Среди них – Ян Гус и Мартин Лютер, Томаззо Кампанелла и ЭразмРоттердамский, Шекспир и Лопеде Вега, ЛеонардодаВинчи и Тициан. Передовые мыслители и художники этого периода стали уделять внимание изучению культуры древнего мира, основательно забытой в средние века.

Музыканты Возрождения обращаются к художественным идеалам античности. При этом следовать конкретным образцам было невозможно, так как сохранившиеся нотные записи с античных времен не были расшифрованы. Музыкальное искусство эпохи было отмечено сложным переплетением различных национальных школ, стилей, направлений. Музыкальное любительское и профессиональное творчество в разных странах развивалось неравномерно, хотя между ними установились широкие культурные связи.

Переход от средневекового аскетизма привел к новому идеалу – гармонически развитой личности, ее индивидуальной точки зрения на явления жизни, интерес к познанию окружающего мира. При этом творчество понималось не как освоение профессии художника, а как стремление к универсальности развития. Эстетической основой культуры эпохи Возрождения становится гуманизм. Идеалом художника становится творческая личность, которая стремится к красоте и гармонии. Произведения Палестрины, Клемана Жанекена, Жоскино Депре, Орландо Лассо и многих других композиторов Возрождения раскрывают внутренние переживания человека, его реальную жизнь.

В XIV веке во Франции и Италии зарождается «новое искусство» (Ars nova) – прогрессивное направление в музыке, которое получило свое название в противовес Ars antiqua («старинное искусство») – церковной полифонии средневековья. Название течения приписывают французскому поэту-гуманисту, композитору, математику и теоретику музыки Филиппу де Витри (1291–1361), который в 1300 году написал трактат «Ars nova» («Новое искусство»)

Ars nova – самое раннее профессиональное искусство, представленное светскими вокально-сценическими жанрами. Среди французских композиторов Ars nova выделяется французский поэт и композитор Гильом де Машо (1300–1377) – последний из труверов, автор многочисленных песен, баллад и рондо.

Музыка Ars nova была тесно связана с народными истоками и испытывала влияние идей итальянского гуманизма. В ней новым стала и мелодика, более певучая, чем у средневековых мастеров, и инструментальные тембры лютни, виолы. Самые распространенные жанры «нового искусства» – качча («охотничьи песни» народного склада), баллата (танцевальная песня или танец), мадригал. Это были двух- или трехголосные песни, с ритмически подвижным верхним голосом. Мадригал как аристократический жанр характеризуется изысканностью поэзии и музыкального языка.

Яркими представителями Ars nova были итальянские мастера – Иоанн Флорентийский, Якопо из Болоньи, Гирардело. Особенно прославился слепой виртуоз-органист Франческо Ландино (1325–1397) – разносторонне одаренный человек, поэт, музыкант и ученый. Композиторы оставили множество инструментальных произведений лирического и лирико-бытового жанра для пения в сопровождения лютни и других струнных инструментов, и для инструментальных ансамблей.

О необычайной распространенности музыки в социальной и культурной жизни всех слоев населения свидетельствует живопись того времени. В многочисленных картинах встречаются сотни людей, поющих и играющих на музыкальных инструментах.

Итальянский художник, архитектор, мыслите и поэт Буонаротти Микеланджело говорил: «Хорошая живопись – это музыка, это мелодия». У художников Яна ван Эйка, Рембрандта, Яна Вермеера, Караваджо и многих другихмузыка звучала с полотен, рождая много ассоциаций.

Переход от средневековой традиции к Возрождению отмечен интенсивным развитием музыкально-теоретической мысли. Появляется целый ряд выдающихся мыслителей, теоретиков и композиторов, внесших значительный вклад в развитие музыкальной теории Ренессанса. Они утверждают новое эстетическое мировоззрение, отказываются от средневековых авторитетов. В трактате Испанский теоретик Рамиса да Пареха (ок. 1440-1490) написал трактат «Практическая музыка» («Musica practica», 1482), в котором обращается не только к музыкантам-профессионалам, но и к самой широкой публике: «Пусть никто не устрашится не величия философии, ни сложности арифметики, ни запутанности пропорций, ибо всякий, хотя и несведущий, но не вовсе лишенный сообразительности и склонный преклонять слух к науке, может стать стоящим и настоящим музыкантом».

Наряду с критикой средневековой традиции постепенно появляется практический интерес к музыке, связанный с обновлением нотации, взаимоотношением слова и музыки, основами гармонии и лада. Новый этап в развитии музыкальной теории связан с именами фламандца Й. Тинкториса, итальянцев Дж. Царлино, В. Галилеи.

Йоханнес Тинкторис (ок. 1446–1511) вошел в историю музыки как один из крупнейших музыкальных теоретиков. Именно ему принадлежит первый музыкальный словарь под названием «Определитель музыки», который был напечатан в 1472 году. Историческая важность словаря заключается в том, что он содержит около 300 музыкальных терминов, и раскрывает трактовку многих понятий («канон», «гармония», «лад», «фуга»).

Джозеффо Царлино (1517–1590) создает труд «Установление гармонии», в котором пишет о важности всестороннего образования и необходимости изучения языков, математики, грамматики, истории и музыки. Вслед за ним Якопо Пери обращает внимание на то, что музыка должна подражать смыслу речи, поэтому стремится в своей первой опере «Дафна» к подражанию интонаций речи. Этот античный принцип подражания повлиял на развитие профессионального музыкального искусства.

Итальянский музыкант и теоретик Винченцо Галилеи (ок. 1520–1591) сочинял музыку на стихи Данте, декламируя их под аккомпанемент виол, считая такую музыку подражанием музыке древних греков. Так, о сам исполнял «Песню графа Уголино» на стихи из «Божественной комедии» Данте в сопровождении виол в доме мецената Дж. Барди, где собирались члены Флорентийской камераты.

В. Галилеи обнаружил ценные музыкальные памятники Древней Греции, в том числе гимны поэта Месомедеса, а в 1581 году написал труд «Диалог о древней и новой музыке». Винченцо один из первых поставил перед собой задачу научиться наблюдать и различать речевые интонации, требуя от музыки выражения мысли, художественного обобщения. Он выступал против многоголосия в вокальной музыке и применял принципы гомофонии в написанных им произведениях.

Содружество гуманистов-философов, поэтов, музыкантов и любителей музыки под названием «Флорентийская камерата» возникла около 1580 года во Флоренции по инициативе композитора и мецената графа Джованни Барди. Среди самых известных членов Флорентийской камераты – поэты О. Ринуччини, Г. Кьябрера, П. Строцци, певцы и композиторы Дж. Каччини, Я. Пери, В. Галилеи. Видные деятели искусства и науки стремятся возродить античное музыкальное искусство, с которым были знакомы только по литературным источникам. Именно здесь рождается идея создания нового музыкально-театрального жанра, который первоначально назывался «Драма на музыке». В нем органически сочетаются сценическое действие с сольным пением. В 1639 году появилось новое понятие – «опера», которые стало вытеснять прежнее название «Драма на музыке».

Первую оперу под названием «Дафна» сочинил Якопо Пери. Она была поставлена в 1592 году в доме Корси, но до наших дней не сохранилась. Первый известный и сохранившийся образец оперной музыки – его опера «Эвридика», которая была поставлена в 1600 году в палаццо Питти по случаю бракосочетания Марии Медичи и французского короля Генриха IV. Так деятельность Флорентийской камераты подготовила один из наиболее важных событий в истории музыки – переход от полифонического стиля к гомофонному, и положил начало развитию не только жанру оперы, но также оратории и кантате.

В XVII веке были созданы первые классические образцы оперы – «Орфей» и «Ариадна». Их автор – итальянский композитор Клаудио Монтеверди, утвердивший некоторые принципы Флорентийской каме раты. Ему принадлежит создание первой оперной увертюры и первого оперного дуэта. Клаудио Монтеверди первый осуществил связь полифонии и монодии в оперном творчестве, ввел декламационные сцены, дуэты и ансамбли, народно-песенные жанровые сценки, кантилену и лейтмотивы – именно из этих элементов состоят лучшие образцы оперного искусства.

В XV–XVII веках сформировались несколько полифонических школ. Первенство здесь принадлежит нидерландской школе, оказавшей сильнейшее воздействие на музыкальную жизнь Европы. Нидерландская школа включала несколько поколений композиторов, работавших в разных европейских странах. Используя песенное народное творчество, нидерландская школа обобщила достижения европейского многоголосия и создала универсальную систему законов полифонии – сложный контрапункт строго стиля. Композиторы этой школы отличались искусной техникой контрапункта, достигая виртуозности в создании многоголосных произведений (доводили их число до 30 самостоятельных голосов). Среди ведущих мастеров этой школы – Г. Дюфаи, Ж. Депре, О. Лассо.

В XV веке зарождается английская школа. Одним из значительных мастеров церковной полифонии был Джон Данстейбл. XVI век характеризуется разнообразием творческих устремлений и ярких индивидуальностей. В Италии выделяются две школы – римская во главе с Палестриной и венецианская во главе с Андреа и Джованни Габриели. Выдающихся мастеров выдвигают Франция (К. Жанекен), Германия (Г. Изак, Г. Л. Хаслер), Испания (А. Кабесон, К. Моралес), Англия (Т. Таллис, У. Берд).

Из жанров церковной музыки особого расцвета в XIV–XVI веках достигают полифоническая месса и мотет. Первоначально месса была одноголосной, и исполнялась на латинском языке. В XIV веке появляются многоголосные обработки сначала отдельных частей, затем и всех частей мессы. Первая дошедшая до нас четырёхголосная месса была создана 1364 году Гильомом де Машо.

Мотет как жанр многоголосной вокальной музыки возник во Франции и до середины XVI века оставался важнейшим жанром западноевропейской духовной и светской многоголосной музыки. Множество мотетов создали К. Жанекен, Г. Дюфаи, Ж. Депре, Палестрина, О. Лассо.

В Германии церковная реформа Мартина Лютера приводит к возникновению протестантского хорала – духовное песнопение на немецком тексте. Лютер и его помощники К. Рупф и И. Вальтер полностью заменили богослужение на латинском языке пением всей общиной немецких гимнов и псалмов, и создали для этого цикл католических песнопений. Во многих случаях использовались григорианские напевы, и мелодии, приближенные к языку народной немецкой песни.

Наряду с церковными получают широкое развитие светские жанры. Среди них – вилланелла и фроттола в Италии, вильянсико в Испании, шансон во Франции, баллада в Англии. Особую популярность в большинстве стран приобретает мадригал, выдающиеся образцы которых созданы в Италии, Англии, Нидерландах.

Полную самостоятельность обретает инструментальная музыка, связанная с лютней, органом, клавесином. Для лютни была создана обширная музыкальная литература. Часто сами авторы произведений являлись исполнителями. Среди наиболее крупных композиторов-лютнистов можно назвать итальянцев Франческо да Милано и В. Галилеи.

Современный вид орган приобрел в XVI веке. В Италии для органа писали венецианец Ф. да Пезаро, флорентийцы Д. да Качча и Ф. Ландино. Расцвет венецианской школы связанный с именами органистов Венецианского собора А. и Д. Габриелли и К. Меруло.

В светских формах музицирования проявляется характерное стремление к эмоциональному исполнению, выражению внутреннего богатства человеческой личности, неприемлемому в средние века. В этот период зарождаются жанры фантазии, вариаций, канцоны, прелюдии, токкаты.

Развитие музыкальной культуры эпохи Возрождения показал прогресс, который совершился в содержании, жанрах и формах вокального и инструментального исполнения церковной, народной и профессиональной музыки, музыкальном сознании и творчестве композиторов и исполнителей.