Студопедия


Авиадвигателестроения Административное право Административное право Беларусии Алгебра Архитектура Безопасность жизнедеятельности Введение в профессию «психолог» Введение в экономику культуры Высшая математика Геология Геоморфология Гидрология и гидрометрии Гидросистемы и гидромашины История Украины Культурология Культурология Логика Маркетинг Машиностроение Медицинская психология Менеджмент Металлы и сварка Методы и средства измерений электрических величин Мировая экономика Начертательная геометрия Основы экономической теории Охрана труда Пожарная тактика Процессы и структуры мышления Профессиональная психология Психология Психология менеджмента Современные фундаментальные и прикладные исследования в приборостроении Социальная психология Социально-философская проблематика Социология Статистика Теоретические основы информатики Теория автоматического регулирования Теория вероятности Транспортное право Туроператор Уголовное право Уголовный процесс Управление современным производством Физика Физические явления Философия Холодильные установки Экология Экономика История экономики Основы экономики Экономика предприятия Экономическая история Экономическая теория Экономический анализ Развитие экономики ЕС Чрезвычайные ситуации ВКонтакте Одноклассники Мой Мир Фейсбук LiveJournal Instagram

III. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА РОССИИ XIX ВЕКА




В истории развития художественной культуры России XIX век — это период очень насыщенный событиями. Хронологически он распадается как бы на два самостоятельных периода: искусство первой и искусство второй половины XIX века, представляющие собой относительно самостоятельные периоды развития.

Новое столетие по сравнению с предшествующим временем было более динамичным в социально-культурном отношении. «Мы зреем не веками, а десятилетиями», - писал Н.М. Карамзин, один из классиков отечественной культуры. Формами проявления общественной деятельности в первые десятилетия XIX века были широко распространенные разнообразные легальные и тайные общества, кружки, салонные собрания.

Огромное влияние на общественно-культурную жизнь первой половины XIX в. оказали два события в истории страны - отечественная война 1812 года и движение декабристов. Они стали факторами, серьезно повлиявшими на сознание людей, политику правительства в отношении культуры, и прежде всего просвещения. Они не прошли бесследно также и для многих областей художественной культуры.

В русском искусстве первой половины XIX в. продолжалось бурное развитие всех видов искусств, начатое в прошлом столетии. И особенно плодотворно развивалисьархитектура, скульптура и живопись. Начало нового этапа в развитии зодчества в первые десятилетия XIX века связано с творчеством А.Н. Воронихина.

Андрей Никифорович Воронихин (1759— 1814) — крепостной графа А. С. Строганова, получивший «отпускную» в 1786 году, — один из крупнейших зодчих своей эпохи. Значительнейшим произведением Воронихина является Казанский собор в Петербурге (1800 — 1811). В этом сооружении отразилось то новое, что характеризует зодчество первой трети XIX века: новое отношение к человеку, новое понимание задач с точки зрения оформления города в целом и создания обширных городских ансамблей.

Казанский собор принадлежит к типу однокупольных храмов с планом в виде латинского креста. В противоположность многим произведениям позднего классицизма Казанский собор отличает ясное соответствие внешних объемов и внутреннего пространства. Четкие отношения объемов здания не обманывают зрителя, когда он попадает внутрь собора. Общее впечатление стройности всего сооружения, которое создается у обходящего собор человека, соответствует тому, что он видит, войдя в его светлое, полное воздуха и солнца внутреннее помещение.

Входы в собор имеются с трех его сторон — с запада, севера и с юга, где их оформляют торжественные портики, образуя перед собором полукруглую площадь. От северного его портика отходят к Невскому проспекту две великолепные колоннады из 108 стройных колонн коринфского ордера. Аналогичную колоннаду архитектор задумал и с южной стороны здания, но она не была осуществлена.




Казанский собор представляет собой тесно связанное с городом, с его общей планировкой сооружение, и здесь Воронихин как архитектор проявил большой такт.Он не стремится «перебить» вновь устроенной площадью устремленность Невского проспекта к Адмиралтейству как центральному, основному зданию города. С этой целью, чтобы подчеркнуть линию улицы, проходящей мимо собора, архитектор дает плоскостное решение фасадов проездов, которые обращены к проспекту.

Спустя несколько лет после начала строительства Казанского собора Воронихину была поручена другая значительная работа, а именно — перестройка здания Горного кадетского корпуса. Несколько некрасивых, не связанных между собой зданий было решено объединить одним общим фасадом, обращенным к Неве. Подобное решение было очень характерно для зодчества первой половины XIX в., в период, когда происходили одновременно и быстрый рост городов и их перестройка с целью создания целостного организма с более или менее единообразным архитектурно-художественным решением улиц, площадей и целых городских ансамблей. Воронихин блестяще решил эту архитектурную задачу, придав зданиям Горного кадетского корпуса легкость, динамичность, пропорциональность.

Другим крупнейшим представителем русской архитектуры начала XIX века былАндрей Дмитриевич Захаров (1761—1811), воспитанник Петербургской Академии художеств, впоследствии руководитель архитектурного класса Академии. Захаров был автором многочисленных проектов, большинство из которых остались по тем или иным причинам неосуществленными. Единственным сохранившимся сооружением его является здание Главного Адмиралтейства, памятник искусства мирового значения. По своей смелости, гениальности решения и исключительной силе художественной выразительности Адмиралтейство Захарова представляет собой вершину классицистического русского зодчества.



Правда, необходимо заметить, что история Главного Адмиралтейства восходит еще к началу XVIII в., ко времени основания Петербурга. Старое здание Адмиралтейства было одним из первых сооружений города. Заложенное Петром I осенью 1704 г., оно представляет в начале - корабельную верфь, в дальнейшем оно неоднократно достраивалось и перестраивалось, превратившись в общественно-правительственное здание. В 1735 г. архитектором Иваном Коробовым была построена трехъярусная центральная башня Адмиралтейства, которая завершилась высоким золоченым шпилем. Однако свой окончательный классицистический вид оно принимает только после того, как было, по существу, заново перестроено Захаровым.

Захаров прекрасно учел конкретные условия месторасположения здания как важнейшего сооружения города-порта. Общий идейный замысел Адмиралтейства выражает силу и могущество русского военно-морского флота, среди скульптурных произведений Адмиралтейства мы встречаем изображение Петра Великого.

В соответствии с той ответственейшей, решающей ролью, которую играет центральная часть Адмиралтейства как в композиции и общем виде самого сооружения, так и в ансамбле всего города, наиболее богатое и значительное по идейно-художественным достоинствам скульптурное оформление получает башня.

К башне Адмиралтейства сходятся, как лучи, три центральных проспекта города, в том числе Невский проспект. Будучи видима с очень большого расстояния, башня с высоким золотым шпилем, увенчанным эмблемой Адмиралтейства — изображением парусного корабля, образует стройный величавый силуэт. Постепенно приближающийся к Адмиралтейству зритель различает объем окруженного колоннами параллелепипеда второго яруса башни. По осям колонны, четко рисуясь по углам на фоне неба, высится ряд статуй. Подходя еще ближе, зритель переходит к восприятию и основания башни. Это мощный куб, углы которого акцентированы статуями сидящих воинов.

Громадную роль в создании неповторимого облика Петербурга сыграла многолетняя плодотворная деятельность замечательного зодчего Карла Ивановича Росси (1775—1849), в молодости ученика и помощника архитектора Бренны.

Одним из первых крупных сооружений Росси был загородный дворцовый ансамбль на Елагином острове. Следомзаним Росси обращается к своему наиболее прославленному ансамблю зданий Главного штаба и министерств на Дворцовой Площади в Петербурге. Замысел Росси состоял в противопоставлении изящно-пышному зданию Зимнего дворца величаво грандиозного сооружения, состоящего, собственно, из двух зданий, соединенных аркой и образующих огромное полукружие.

Почти одновременно с сооружением Главного штаба на Дворцовой площади Росси приступил к постройке ансамбля Михайловского дворца (1819—1825; ныне здания Русского музея), а затем Александрийского театра.

Последним крупным общественным сооружением, созданным по проекту Росси, явились здания Сената и Синода. Работая над проектом, Росси учитывал сложное взаимодействие, своего сооружения с расположенным на той же площади боковым фасадом Адмиралтейства, решенным в строгих классических формах, и с сооружаемым Исаакиевским собором. В Сенате и Синоде ясно проявляется стремление к декоративной пышности. Широко используются приемы, создающие игру светотени и подчеркивающие богатство форм.

В развитие русской архитектуры первой половины XIX столетия значительный вклад сделан также такими зодчими, как В. П. Стасов, О. И. Бове, Д. И. Жилярди, А. Г. Григорьев.

Василий Петрович Стасов (1769—1848) известен как автор ряда значительных ансамблей Петербурга и его окрестностей: Конюшенного двора на набережной реки Мойки, Павловских казарм на Марсовом поле, Преображенского и Троицкого соборов. Ему же принадлежат проекты и осуществление двух триумфальных ворот в Петербурге — Нарвских и Московских.

Деятельность архитектораОсипа Ивановича Бове (1784— 1834), равно какАфанасия Григорьевича Григорьева(1782 – 1868)и Дементия Ивановича Жилярди(1788 – 1845), была целиком связана с Москвой, которая начала интенсивно отстраиваться после опустошительного пожара 1812 г. Сын петербургского художника-резчика, Бове учился в Москве. Впоследствии Бове становится крупнейшим московским зодчим, разрабатывающим планы восстановления и строительства послевоенной Москвы. Начав с восстановления части стены и башен Кремля, пострадавших от наполеоновских войн, Бове переходит затем к сооружению Торговых рядов на Красной площади и созданию законченного ансамбля Театральной площади. Бове проектировал и построил Тверские Триумфальные ворота (1827—1834) в Москве, которые служили торжественным оформлением дороги, соединяющей Петербург и Москву. А.Г. Григорьев и Д.И. Жилярди строили особняки в стиле ампир, разнообразные по фасаду и декору: дом Луниных на Никитском бульваре (ныне Музей восточного искусства), дом Хрущевых и Лопухиных на улице Пречистенке (ныне музеи А.С. Пушкина, Л.Н. Толстого) и др.

Из периферийных городов России особенно быстро строились, а главное, получили превосходную планировку города Одесса, Полтава, Керчь, интенсивно отстраивалась Тверь.

В первые десятилетия XIX века велики и достижения русскойскульптуры, особенно монументальной пластики. Почетное место среди мастеров русской скульптуры этого периода занимаетИван Петрович Мартос (1754—1835) — наиболее выдающийся представитель русского классицизма в пластике. Мартос родился на Украине. В 1764-м году он был зачислен в Академию художеств и по окончании послан в Рим, где пробыл с 1774 по 1779 год. Для творчества Мартоса особенно характерна работа над мемориальной скульптурой. Он явился одним из создателей своеобразного типа русского надгробия эпохи классицизма. В числе первых дошедших до нас произведений Мартоса выделяется надгробие С. С. Волконской (1782 г.). В надгробиях скульптора обычно находит заражение большое внутреннее благородство человеческой скорби, в них нет подавляющего человека ужаса смерти.

Еще с 1804 г. начинается долголетняя работа скульптора над созданием для Москвы памятника Минину и Пожарскому, которому суждено было стать не только наиболее значительным произведением Мартоса, но и одним из величайших творений русской монументальной скульптуры. Открытие памятника состоялось в 1818 году, то есть уже после событий Отечественной войны 1812 г. Заложенная в памятнике идея гражданского долга и подвига во имя родины как нельзя более отвечала делам и чувствам русского парода. Памятник был установлен против Кремля, несколько ближе к вновь отстроенным после пожара Москвы Торговым рядам (в настоящее время памятник передвинут на новое место у храма Василия Блаженного).

Среди поздних монументальных произведений Мартоса выделяется художественными качествами памятник Ришелье в Одессе (1823—1828). Мартос стремился подчеркнуть благородную простоту образа. Примечателен свободный легкий жест правой руки, указывающий на раскинувшийся внизу порт. За полувековой период преподавания в Петербургской Академии художеств Мартос воспитал не один десяток молодых мастеров. «Фидий 19-го века», как называли его современники, почетный член многих европейских Академий, Мартос является одним из крупнейших представителей не только русской, но и мировой скульптуры.

Наиболее значительными мастерамимонументально-декоративной скульптуры былиВасилий Иванович Демут-Малиновский (1779— 1846) иСтепан Степанович Пименов (1784—1833). Оба они были питомцами Академии художеств. Совместная с архитекторами работа скульпторов начинается с Казанского собора Воронихина; активно сотрудничали с К. И. Росси, приняв участие в скульптурном оформлении Елагинского и Михайловского дворцов. Демут-Малиновскому суждено было пережить своего товарища. Он умер в 1846 году в звании ректора Академии по скульптуре. Наибольшей известностью из последних его работ пользуется памятник Ивану Сусанину в Костроме.

Связь скульптуры начала и второй трети века осуществлялась деятельностью скульпторов И.П. Витали и П.К. Клодта. Иван Петрович Витали (1794—1855) начинал работать в Петербурге. В конце 20-х начале 30-х годов он переезжает в Москву, где создает многофигурные композиции на антиках зданий Технического училища и Тверской заставы. Ряду портретов Витали присуща романтическая трактовка образа, что заметно отличает его от остальных скульпторов этого времени.

Петр Карлович Клодт (1805—1867) — сын генерала, участника Отечественной войны 1812г., родился в Петербурге. В 1833 г. он начинает работу над моделями первых двух групп «Укротителей коней» (из числа четырех), установленных на Аничковом мосту в Петербурге.

Следующей его работой был памятник баснописцу И. А. Крылову, законченный отливкой в 1855 г. и в том жегоду установленный в Летнем саду.

Очень много внимания Клодт уделял, так называемой, малой пластике — небольшим скульптурным группам и статуэткам. Во многих работах, вроде «Казацкой лошади с артиллеристом», «Мертвой лошади и воина», явно чувствуется уже повествовательность, свидетельствующая о предварении жанровой скульптуры XIX века.

В целом в русском изобразительном искусстве первой половины XIX века по сравнению с XVIII веком развивается новый, более демократический взгляд на ценность человеческой личности, и в частности, человека из народа, простолюдина и представителя средних общественных слоев. Интерес к человеческой личности, яркой силе и поэтичности ее духовного мира, общий дух романтического свободолюбия естественно определяют передовое русское искусство, в особенности живопись, как своеобразный вариант прогрессивного романтизма. В области живописи в эти годы, получают свое развитие те живописные формы и жанры, которые как бы приближают зрителя к человеку, его внутреннему, духовному миру, наконец, к его частной жизни. Наиболее ярко эти тенденции проявляются в портрете, передающем характер человека, живое своеобразие его духовного мира. Типичная для предшествующего столетия форма парадного портрета постепенно деградирует. В пейзаже усиливаются элементы лирические, связывающие природу с жизнью человека, зарождаетсябытовой жанр как самостоятельный вид живописи. Стремление к непосредственному отражению действительности выразилось и в обращении ряда художников к систематическому изучению натуры в гораздо более высоком смысле этого слова, нежели это было ранее. Натурный этюд как этап работы над картиной завоевывает широкое признание — это характерная черта данного этапа развития русского реалистического искусства, как и общеевропейского. Русская живопись постепенно подходит к решению проблем пленэра.

Вместе с тем переходный характер эпохи отразился в тяготении кисторической картине, создающей, правда, чаще всего романтически отвлеченный образ народа в роковые, переломные моменты бытия.

Тенденция реалистической живописи XVIII века — раскрытие этической и эстетической ценности изображаемой действительности — остается ведущей и в первой половине нового столетия. Под влиянием изменившейся исторической обстановки особенное внимание обращается теперь на те черты русской жизни, которые носят характер народный и национальный. Утверждение героического и прекрасного в реальной действительности для русского искусства этого времени было, в конечном счете, своеобразной формой выражения романтического протеста передового, прогрессивного мировоззрения эпохи против реакционных, уродливых явлений социальной действительности.

Значительнейшим достижением русской живописи первой трети XIX века былпортрет.

Наиболее ярко черты портретного искусства проявляются в творчествеОреста Адамовича Кипренского (1782—1836), одного из самых значительных портретистов России первой четверти XIX века.

Кипренский окончил Академию художеств в 1803 году по классу исторической живописи под руководством французского живописца Дуайена и русского — Г. И. Угрюмова. Однако в дальнейшем он работал преимущественно как портретист.

Первое пятнадцатилетие XIX века было временем творческого расцвета Кипренского. Здесь он предстаёт перед нами романтиком. Созданные им образы эмоциональны, им свойственно особое внутреннее горение. Героям Кипренского — в различной мере и различным образом - присуще то романтическое «томление упованья», которым Пушкин характеризует душевное состояние своих современников.

Романтизму Кипренского свойственна смягчённость и своеобразная просветленность чувств и образов. Эмоциональность его нигде не переходит в экзальтацию, вдохновенность — в ложную патетику, недосказанность — в сугубую таинственность. Как портретист Кипренский начинает портретом приемного отца — А. Швальбе. Это своеобразная творческая программа молодого портретиста, некий собирательный романтический образ седого старика с суровым, энергичным лицом, волевым движением руки сжимающий посох.

Одна из наиболее значительных работ этого периода — портрет гусарского полковника Давыдова (1809 г.), изображенного в грозовом пейзаже в рост, облокотившимся на каменную плиту. Серьезный, задумчивый взгляд Давыдова, его большой лоб — все говорит о внутренней одухотворенности.

С 1816 по 1823 год Кипренский пробыл в Италии, где страстно увлекся классицистическим итальянским искусством. К лучшим работам этого периода принадлежат портреты Л. М. Голицына (1819 г.) и Е. Е. Авдулиной (1822 г.).

Вернувшийся на Родину Кипренский в официальных кругах был принят недружелюбно, причиной чему, возможно, послужили клеветнические нападки критики на художника. Однако печать приветствовала выставку работ.

В 1827 г. он пишет портрет А.С. Пушкина, а в 1828 г. им были написаны автопортрет и портрет А. Р. Томилова. В этих трех портретах романтически приподнятое утверждение достоинства человеческой личности сменяется более трезвым взглядом на человека, на его место в жизни, что указывает на рождение нового периода русской культуры.

В 1828 году Кипренский уехал в Италию, откуда ему уже не суждено было вернуться.

К числу крупнейших русских портретистов первой половины XIX в. принадлежит иВасилий Иванович Тропинин(1776—1897). Как и Кипренский, он раскрывает в своих портретах ценность человеческой личности во всей конкретности ее внешнего облика и своеобразия духовного мира.

Однако в противоположность Кипренскому, стремившемуся показать человека, всем своим существом ощущающего исторические события эпохи, Тропинин передал более интимный облик своего современника, представив его в частной жизни. Помимо портретов, Тропинин разрабатывал в своем творчестве и бытовую тематику.

Наиболее известные работы Тропинина: портреты А. С. Пушкина, гравера Н. И. Уткина, К. Т. Равича, Е. Маковской, автопортрет, картины «Пряха», «Украинец с палкой», «Кружевница».

Заслуга утверждения в русском искусстве бытового жанра принадлежит Алексею Гавриловичу Венецианову (1780 — 1847). Тема его творчества — жизнь русских крестьян. Его картины немноголюдны. Сюжет обычно чрезвычайно несложен, действие развивается в очень медленном темпе. Это не столько рассказ о событии, сколько демонстрация человека в определенном жизненном окружении.

Систематического художественного образования Венецианов не получил. Некоторое время он учился у портретиста В. Л. Боровиковского, а затем копировал в Эрмитаже картины старых мастеров. Затем он покинул Петербург и поселился в деревне. Написанное здесь в начале 20-х годов «Гумно» — один из его первых опытов бытовой живописи. В 20-х — начале 30-х годов Венецианов создал лучшие свои произведения, к числу которых относятся, в частности, «Утро помещицы», «Спящий пастушок», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками». Пейзаж в картинах Венецианова как самостоятельный вид живописи отсутствует. Однако он в его картинах не просто фон, а среда, в которой существуют и работают люди. Среда органически связанна с этими людьми и играет большую роль в создании человеческого образа. В 20-х годах Венецианов организовал художественную школу, просуществовавшую плоть до 40-х годов.

В 30-е годы в русской живописи появляется множество исторических картин аналитического характера, где художники изображают народы в переломные моменты их истории. Одно за другим создаются колоссальные полотна К.П. Брюллова, Ф.А. Бруни, П.В. Басина, А.А. Иванова.

Карл Павлович Брюллов (1799—1852) — один из самых интересных русских живописцев тех десятилетий.

Брюллов родился в семье академика, резчикапо дереву и живописца-декоратора. В 1809 г. он был принят в Академию художеств, где занимался в классе исторической живописи. В 1882 г. окончил Академию и был отправлен в пенсионерскую поездку за границу, в Италию. В первые же годы жизни в Риме, им написаны картины «Итальянское утро», «Итальянский полдень» и «Вирсавия». Все три работы раскрывают одну оптимистическую тему — жизнеутверждающую красоту здорового человека, всем своим существом ощущающего радость бытия.

В 1830—1833 гг. Брюлловым была создана большая историческая картина «Последний день Помпеи», занимающая центральное место в его творчестве. Замысел картины романтичен: трагически неотвратима гибель людей под действием слепых, стихийных сил. Изображен самый момент извержения. Зарево вулкана и свет внезапно вспыхнувшей молнии озаряют мечущуюся в ужасе толпу людей, ищущих спасения. Кругом рушатся здания, низвергаютсясо своих пьедесталов статуи.

Как историческая картина «Последний день Помпеи» была для русской живописи, бесспорно, шагом вперед: объектом внимания художника здесь впервые становится не отдельная героическая личность, а исторические судьбы целой цивилизации. Картина восторженно была принята в Италии, Брюллов был признан итальянцами как лучший русский художник. Известный в то время русский поэт Е. Баратынский посвятил ему такие стихи:

Принес он мирные трофеи

С собой в отеческую сень —

И стал «Последний день Помпеи»

Для русской кисти первый день.

В 1836 г. Брюллов возвратился в Россию. На родине его встретили с триумфом. Он был избран академиком, на него дождем посыпались правительственные и частные заказы. По-видимому, именно результатом последнего был расцвет его портретного мастерства. К числу лучших портретов Брюллова относятся портреты В. А. Перовского, Ю. П. Самойловой, А. Н. Струговщикова, Н. В. Кукольника, В. А. Жуковского.

Характерное для русской живописи тех лет соединение аналитической разработки новых методов изображения живой действительности с попытками философски осмыслить суть исторических процессов ярче всего выразилось в творчестве Александра Андреевича Иванова (1806—1858). Вдумчивое, необычайно требовательное отношение к собственному творчеству, самозабвенная преданность искусству, глубокая убежденность в необходимости создания искусства нового, «удовлетворяющего требованиям новой жизни», — вот отличительные черты Иванова.

Александр Иванов родился в Петербурге. Его отец, Андрей Иванов, был профессором Академии художеств. Одиннадцати лет Александр был помещен в Академию, которую окончил по классу исторической живописи. По окончании Академии Иванов в 1830 г. отправился на средства общества поощрения художников в Италию и сразу же погрузился в серьезную, систематическую работу. Там Иванов сближается с некоторыми итальянскими и немецкими художниками, в частности, с представителями так называемой «назарейской школы» — Овербеком и другими. Наиболее интересная работа тех лет — картина «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой» (1831—1834гг.).

В начале 30-х годов, после длительных поисков темыдля большой картины, Иванов наконец остановился на сюжетеизЕвангелия, избрав тот момент евангельской легенды, когда Христос впервые появляется перед еврейским народом. Так была задумана композиция картины «Явление Христа народу» (1837—1857), работа над которой поглотила большую часть творческой жизни художника. Общая композиция полотна сложилась довольно быстро: на первом плане — толпа людей, пришедших слушать проповедь Иоанна и совершить символическое омовение. В центре — Иоанн, направляющий внимание толпы к Христу, чье появление вызывает радость, изумление, восторг, недоверие, враждебность. Художник отмечает в толпе римского патриция с его рабом, состоятельных иудеев, римских всадников, надзирающих за порядком, иудейских священнослужителей.

В «Явлении Христа народу» — впервые в русской исторической живописи — правдивость передачи исторического облика народа понимается не только как археологическая точность изображения костюмов и утвари, но и как воссоздание мироощущения изображаемого народа, его общественных взаимоотношений, его национального темперамента и облика.

Одним из крупнейших художников середины XIX века был Павел Андреевич Федотов (1815—1852). В его творчестве русская реалистическая жанровая живопись вступила в новый период своего развития. От утверждения повседневной жизни как достойного объекта изображения, от выявления ее поэтической сущности она перешла к практическому осмыслению этой жизни. Федотов создал тип жанровой картины, все изобразительные средства которой направлены на раскрытие внутренних противоречий социальной действительности.

Федотов родился в Москве в семье отставного военного. К искусству он обратился не сразу: этому предшествовал долгий период военной службы. Параллельно службе, протекавшей в Петербурге, Федотов несколько лет занимался в «вечерних классах» Академии художеств, много рисовал с натуры. К концу 30-х—началу 40-х годов относится целый ряд рисунков Федотова. Уже в них художник сатирически изображает нравы большого города, показывая то купечество, то мир чиновников, то дворянское семейство, то холостую компанию офицеров. Характернейшие листы этой серии — «Передняя частного пристава накануне праздника» (акварель, 1837), «Старость художника» (1844), «Мышеловка» (1846). Первой значительной работой Федотова была небольшая картина «Свежий кавалер» (1846) —сатирическое изображение полнейшего нравственного и духовного ничтожества чиновничьего мира Петербурга и Москвы. Главное произведение Федотова — картина «Сватовство майора» (1848 г.), изображающая сцену приема жениха-офицера купеческим семейством. Здесь подмечено одно из характернейших явлений того времени —стремление части купечества подняться по общественной лестнице ступенью выше и, с другой стороны, желание многих представителей разоряющегося дворянства поправить свои дела выгодной женитьбой.

В работах Федотова 50-х годов усиливается трагический оттенок раскрытия жизненных противоречий, который ощущался еще в некоторых его ранних картинах. Характерные примеры — «Вдовушка» с ее многочисленными вариантами и особенно картина «Анкор, еще анкор!». Сопоставление различных по времени вариантов «Вдовушки» позволяет утверждать, что раз от разу Федотов стремился усилить внутреннюю одухотворенность и внешнюю красоту своей героини. Тяготение к лирическим женским образам ощущается и в маленьких живописных портретах Федотова, которые он писал в течение всей своей жизни. Маленькое, как всегда у Федотова, полотно неоконченной картины «Анкор, еще Анкор!» представляет зрителю будни офицера николаевской армии, отбывающего службу в каком-то глухом углу России. Бессмысленность и бесцельность существования этого человека, убивающая в нем всякое живое чувство — вот тема картины, осуждающей губительное влияние, которое оказывала на человека система николаевской военщины, столь хорошо знакомая Федотову по собственному опыту.

По сравнению со «Свежим кавалером», со «Сватовством майора» эти работы представляют собой новый этап развития Федотова-жанриста. Несколько нарочитая режиссура его картин 40-х годов сменяется здесь более органичным объединением всех компонентов в едином эмоциональном звучании. Художник ищет пути образного выражения темы.

Поставив своей задачей раскрыть социальную действительность в ее противоречиях, в ее многогранности, Федотов пришел к новому типу жанровой картины. Персонажи его сопоставлены один с другим в активном противодействии, что позволяет вскрыть явление в его противоречиях. Сюжеты его динамичны, действие развертывается во времени, в пространстве. Федотов ввел в русскую жанровую живопись целый ряд изобразительных средств и приемов, предопределивших некоторые основные принципы построения жанровой картины в живописи критического реализма, расцвет которого падает на вторую половину XIX столетия.

Первая половина XIX в. явилась важным этапом и в развитиирусской музыки.

В первой четверти нового столетия плодотворно работают композиторыС. А. Дегтярев, создавший патриотическую ораторию «Минин и Пожарский или освобождение Москвы», А. Н. Верстовский, написавший оперу «Аскольдов а могила». Разнообразный мир лирических настроений раскрывается в жанре бытового романса, достигающего расцвета в творчествеА. А. Алябьева, А. Е. Варламова, А. Л. Гурилева.

Но главным достижением русской музыки этого периода является творчество двух великих композиторов: М.. И. Глинки и А. С. Даргомыжского.

Михаил Иванович Глинка(1804—1857) по праву считается основоположником русской классической музыки. Он поднял русскую музыку до уровня высоких достижений мирового музыкального искусства, и сравнить Глинку можно с А. С. Пушкиным—родоначальником новой русской литературы.

Еще учась в Благородном пансионе в Петербурге, М. Глинка серьезно начал заниматься музыкой, однако уровень музыкальной культуры тогдашней России не способствовал его профессиональному росту, и он по окончании пансиона уезжает в Италию. Здесь он встречается с корифеями оперного театра: В. Беллини и Г. Доницетти, восхищается красотой и пластическим совершенством их мелодий, учится у них. Но тоска по отчизне, по воспоминаниям композитора, навела его «постепенно на мысль писать по-русски».

Вернувшись в Россию, Глинка принимается за сочинение оперы «Жизнь за царя» (долгое время она в театрах шла под названием «Иван Сусанин»), премьера которой состоялась 27 ноября 1836 года (этот день и считается днем рождения русской классической оперы). В этом сочинении впервые простой крестьянин вышел на сцену как главный герой трагического произведения, впервые в опере зазвучала русская песня. По-разному была встречена первая русская опера: у аристократических кругов она вызвала непонимание и враждебное отношение, у передовых деятелей искусства — восхищение. В числе восторженных почитателей оперы был А. С. Пушкин, чья поэма «Руслан и Людмила» легла в основу второй оперы Глинки.

Перу Глинки принадлежит много различных музыкальных произведений. Самые известные из них: симфоническая фантазия «Камаринская», увертюры на народные темы «Арагонская охота» и «Ночь в Мадриде», около 80 романсов и песен.

Младшим современником Глинки, его другом и последователем былАлександр Сергеевич Даргомыжский (1813—1869).

В молодые годы Александр Сергеевич выступал в петербургских салонах как музыкант-любитель (образование — музыкальное и общее — он получил дома). Более серьезным музыкальным занятиям способствовала встреча с Глинкой в 1835 г.

В центре творческих интересов Даргомыжского была вокальная музыка. Он — автор 4 опер и около 100 романсов.

Первая опера — «Эсмеральда» написана по роману В.Гюго «Собор парижской богоматери». Остальные три связаны с А. С. Пушкиным: «Торжество Вакха» (по одноименному стихотворению поэта), «Русалка» и «Каменный гость».

Среди романсов Даргомыжского есть замечательные образцы лирики—то полной печали и горечи, как в лермонтовских романсах «Мне грустно», «И скучно и грустно», то юношески светлой, нежной — «Шестнадцать лет» на стихи А. Дельвига, «Юноша и дева» па стихи А. С. Пушкина.

Новаторское творчество Глинки и Даргомыжского заложило основы русской классической музыки, нашло горячий отклик у следующего поколения русских композиторов.

Вторая половина XIX в. была порой расцветарусской демократической культуры. Научные открытия Д. И. Менделеева, И. М. Сеченова, К. А. Тимирязева, Н. И. Пирогова, поэзия Н. А. Некрасова, романыЛ. Н. Толстого и Ф. М. Достоевского, социальная сатираМ. Е. Салтыкова-Щедрина, музыкаП. И. Чайковского и М. П. Мусоргского, картиныИ. Е. Репина и В. И. Сурикова обогатили мировую культуру. Расцвет науки и искусства был обусловлен общественным подъемом, порожденным своеобразиемисторического развития России после отмены крепостного права.

После отмены крепостного права общество искало пути перестройки всех систем, и в связи с этим появилась необходимость более активного включения массы вчерашних крепостных в сферу профессиональной культуры. Капитализм объективно требовал более высокого культурного уровня развития общества, предполагавшего не только распространение элементарной грамотности, но качественно более глубокой образованности граждан. Отмена крепостной зависимости создавала большие возможности для демократизации образования. В общественно-культурное движение была активно вовлечена провинция, причем наиболее значительные изменения в культурной жизни происходили именно там. Историческая ситуация в стране оказало огромное влияние и на развитие искусства.

Велики достижения в этот период в живописи и музыке.

Русские художники второй половины XIX в. воспитывались на учении и эстетике революционных демократов, пламенных статьях Белинского, Чернышевского, Герцена, гражданственной поэзии Некрасова.

Передовые художники вели непримиримую борьбу с официальным придворным искусством, со всей рутинной системой Академии художеств, с ее омертвевшими канонами, «гипсовыми идеалами», приверженностью к далеким от жизни темам, а также с салонной красивостью произведений художников, модных в «высшем свете».

Реакционная сущность идейных позиций Академии привела к событию, которое вошло в историю русского искусства как «бунт четырнадцати». В 1863 году сильнейшие ученики отказались участвовать в конкурсе на Большую золотую медаль, когда Совет Академии отверг их стремление к свободному выбору темы и всем предложил писать картину на сюжет из скандинавских саг — «Пир в Валгалле». Такой сюжет не мог вдохновить художников, которые мечтали своим трудом служить народу.

По выходе из Академии «протестанты»(Б. Б. Вениг, А. К. Григорьев, Н. Д. Дмитриев-Оренбургский, Ф. С. Журавлев, А. И. Корзухин,И. Н. Крамской, К. В. Лемох, А. Д. Литовченко, К. Е. Маковский, А.И.Морозов, М.И.Песков, Н. С. Шустов, Н. П. Петров, к перечисленным живописцам присоединился скульпторВ. П. Крейтан) организовали Артель художников, стали вместе жить и работать. Душой и организатором дела былИ. Н. Крамской. Артельная форма организации, носящая утопически-народннческий характер, была чрезвычайно популярна в те годы среди интеллигенции. Однако в 1870 году Артель распалась.

С «выходом четырнадцати» авторитет Академии был значительно подорван. Идеалистический принцип превосходства искусства над жизнью пагубно сказался на ее педагогической системе. Большую роль в подготовке художественных кадров во второй половине прошлого века стало играть Московское училище живописи и ваяния. В 40—50-х годах здесь обучались А. К. Саврасов, И. И. Шишкин, В. Г. Перов и другие художники, которые сыграли значительную роль в развитии русского национального искусства.

Наиболее последовательным художником нового демократического направления был Василий Григорьевич Перов (1834—1882). Учась в Московском училище живописи и ваяния, он опирался на традиции искусства Федотова, Тропинина, Венецианова. Он выступил как зрелый мастер на рубеже 50—60-х годов. Перов сознательно заострял внимание на теневых сторонах жизни. Главный пафос его картин - в непримиримой критике пережитков крепостничества, в борьбе за права и достоинство человека. В 1861 году им были созданы картины «Проповедь на селе» и «Сельский крестный ход на Пасху».

Обличительная направленность картины «Сельский крестный ход на Пасху» была столь очевидной, что ее немедленно сняли с постоянной выставки Общества поощрения художников и вплоть до революции 1905 года запрещали репродуцировать.

В качестве пенсионера Академии художеств Перов около двух лет провел за границей. Живя в Париже, он остается верен демократическим идеалам, его волнует жизнь бедноты. Вернувшись в Россию, Перов создает картины «Проводы покойника», «Тройка», «Последний кабак у заставы». Картина «Проводы покойника» (1865 г.) — одно из лучших произведений русского искусства 60-х годов. Ее сюжет заставляет вспомнить начало поэмы Некрасова «Мороз —Красный нос». На санях рядом с прикрытым рогожей гробом сидят ребятишки, ошеломленные страшной потерей — смертью отца. Но особенно выразителен образ крестьянки-вдовы: сколько скорби в ее склоненной голове, руках, едва держащих вожжи, сгорбленной спине. Художник иначе, чем в ранних своих работах, строит композицию. Он отказывается от условной «сценической площадки», как бы вводит зрителя в картину, делает соучастником происходящего, тем самым усиливается впечатление эмоциональности и жизненной достоверности. Конкретный бытовой сюжет у Перова перерастает в глубокое социально обобщенное раскрытие положения крестьян после «освобождения».

В начале 70-х гг. Перов создал ряд портретов преимущественно писателей и художников. Среди них, прежде всего, следует назвать портреты П. М. Третьякова, А. Н. Островского, Ф. М. Достоевского.

Эволюция творчества Перова — от социальной сатиры к социальной драме народной жизни, а затем к созданию положительных образов крестьян и передовых деятелей культуры, от подробного повествования к эмоциональному художественному образу, от сухой детализации и жесткой живописи к объединяющему тону; от сценической площадки к жизненно естественной композиции — характерна для развития русской демократической живописи тех лет.

Расцвет русского реалистического искусства второй половины XIX в. неразрывно связан с деятельностью Товарищества передвижных художественных выставок, Товарищество было создано в 1870 году по инициативе Г. Г. Мясоедова, горячо поддержанной Н. Н. Ге, И. Н. Крамским, а также В. Г. Перовым, Н. М. Прянишниковым, А. К. Саврасовым и другими, после распада Артели художников. Цель Товарищества, как говорилось в его уставе, — «знакомить Россию с русским искусством». Выставки устраивались в Петербурге и Москве, а затем направлялись в другие города. Товарищество просуществовало свыше пятидесяти лет (до 1923 г.), проведя за это время сорок восемь выставок, две из них — в годы Советской власти.

Программой своей деятельности и строгим требованием к профессиональной стороне искусства передвижники в значительной мере обязаны художнику-мыслителюИвану Николаевичу Крамскому (1837—1887), который чутко подмечал все новое, положительное, что было в искусстве его времени.

Главное место в творчестве художника занимал портрет. Лучшими его портретными работами являются: автопортрет, портреты Л. Н. Толстого, Н. А. Некрасова, И. И. Шишкина. Крамской создал целую галерею крестьянских образов — «Крестьянин», «Полесовщик», «Крестьянин с уздечкой» и др.

Глубокое раскрытие внутреннего мира человека, проявившееся в портретах Крамского, характерно и для его картин. Из них наиболее известны хранящиеся в Третьяковской галерее картины «Христос в пустыне», «Осмотр старого дома», «Неизвестная», «Неутешное горе».

Лучшая из этих картин — «Христос в пустыне». По признанию Крамского, образ Христа в его картине есть символ мучительных раздумий, свойственных человеку, когда он решает вопрос: уступить ли злу или пожертвовать собой, своим счастьем ради общего блага. Тема таких раздумий выражена во всем облике Христа — его лице, позе, жесте сцепленных рук; она раскрывается и в пейзаже, в борьбе света и мрака, розовых красок утра с сине-серыми холодными красками ночи.

Те же большие морально-философские вопросы волновали иНиколая Николаевича Ге (1831—1894).

Творчество этого художника, полное мятежных исканий, представляет собой одно из наиболее сложных и вместе с тем значительных явлений в русском искусстве.

Ге воодушевляла идея нравственного совершенствования человечества, характерная для шестидесятников, вера в моральную, воспитательную силу искусства. Но он ошибочно — для тех исторических условий — считал, что высокий нравственный идеал не может быть выражен в картинах на современные темы. Это заставляло его обращаться к евангельским сюжетам, к иносказательной форме выражения своего чувства боли и негодования против социальной несправедливости. В картине «Тайная вечеря» (1863 г.) показано полное трагизма столкновение мировоззрений героя, обрекающего себя на жертву во имя общего блага, и его ученика, навсегда отказывающегося от заветов учителя.

Ге — натура необычайно искренняя, эмоциональная — горячо откликнулся на идею создания Товарищества передвижных художественных выставок. В 1869 году он вернулся на родину после долгого пребывания в Италии, твердо веря, что «художник должен быть гражданином и отражать интересы современности».

В 1871 году им была написана картина «Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе» — лучшая историческая картина досуриковского периода. Главная тема творчества Ге — тема страдающего человека, драматическое столкновение мировоззрений, тема самопожертвования и душевной красоты, которым противостоят эгоизм, ограниченность и грубая сила. Это особо отчетливо воплотилось в его поздних картинах о страданиях Христа «Что есть истина?», «Голгофа».

Значительный вклад внес Ге и в развитие русского портретного искусства. В числе лучших портретных работ художника следует назвать прежде всего портреты А. И. Герцена, Л. Н. Толстого и автопортрет. В этих работах проявился тот высокий гуманизм, те постоянные творческие дерзания и поиски «живой» формы, которые так характерны для искусства Ге.

Вершиной развития реалистического искусства 70—80-х гг. явилось творчество И. Е. Репина и В. И. Сурикова,

Илья Ефимович Репин (1844—1930) — художник мирового масштаба. Ярко выраженный демократизм, чуткая отзывчивость к явлениям и событиям своего времени, широта творческих интересов и сила художественного обобщения позволили ему показать современную жизнь в ее органической цельности и многообразии, сделать важный вклад в развитие мирового искусства.

Замечательный мастер жанра, Репин был одним из самых выдающихся русских портретистов, автором исторических полотен и картин. Он сконцентрировал в своем искусстве основные достижения русской живописи рассматриваемого периода.

Биография Репина — типичная биография художника-разночинца. Он родился на Украине, в Чугуеве, в семье военного поселенца, с детства начал рисовать. Заработав немного денег писанием икон, Репин приехал в Петербург и в 1864 году поступил в Академию художеств. Но подлинным своим учителем художник считал И. Н. Крамского, который предостерегал его от подражательности, академических условностей, направлял его внимание на изучение жизни.

Выдающееся дарование Репина угадывалось уже в картине «Воскрешение дочери Иаира» (1871 год), за которую он получил Большую золотую медаль иправо поездки за границу за счет Академии.

Первым произведением Репина, открывающим новую страницу в истории русского передового искусства, явилась картина «Бурлаки на Волге», новая и по трактовке народной темы, и по художественному языку. Репин проявил большое мастерство в построении композиции картины, в сопоставлении фигур с пейзажем. Могучий силуэт группы бурлаков представлен на фоне светлого и широкого волжского пейзажа.

Народная тема является главной темой в творчестве Репина. Подобно большинству художников-передвижников, он часто трактует ее как тему крестьянскую, раскрывает ее и в ряде портретов-типов «Мужичок из робких», «Проводы новобранца».

80-е годы были порой расцвета творчества Репина. Именно тогда были созданы его лучшие портреты, жанровые и исторические картины. Его картина «Крестный ход в Курской губернии» (1883 г.) была новаторской для жанровой живописи 80-х годов. В ней ярче, чем в других работах, проявились репинский демократизм и сила художественной типизации, жизненная достоверность.

Картина «Не ждали» написана в ином эмоциональном ключе и основана на иных художественных принципах. Композиция строится таким образом, что, сохраняя свободу, жизненную естественность, она приковывает все взгляды и чувства к фигуре ссыльного, данной обобщенным силуэтом, в потоке света — в этом и монументальность образа, и его необычайная одухотворенность. Композиция динамична и психологически насыщена.

Если в картине «Иван Грозный и сын его Иван» звучали обличительные ноты, то в «Запорожцах» Репин раскрыл красоту людей и показал разные оттенки смеха (от хохота до смешков).

Со свойственным ему темпераментом он утверждал новые этические идеалы, создал галерею портретов крупнейших деятелей национальной культуры: М. П. Мусоргского, Н. И. Пирогова, П. А. Стрепетовой, В. В. Стасова, Л. Н. Толстого.

В таких работах, как «Отдых» (1882 г.), «Осенний букет» (1892 г.) Репин выступает не только психологом, но и тонким задушевным лириком. «Осенний букет» характерен поисками портрета в пленэре, получившего блестящее развитие в творчестве ученика Репина — В. А. Серова. В последующие годы Репин не создал ничего равного рассмотренным выше произведениям. Реалистическое мастерство дольше сохранялось в рисуночных портретах художника.

Огромный вклад в развитие не только русской, но и мировой исторической живописи внесВасилий Иванович Суриков(1848—1916).

Суриков родился и провел детство в Красноярске. Он принадлежал к старинному роду казаков, которые пришли в Сибирь с Дона еще в XVI в. Старинные русские обычаи, уклад жизни сохранились в этой среде суровых, подчас жестоких, но всегда сильных и ярких характеров. Впечатления детства в какой-то мере определили направленность творчества художника. В 1869 г. Суриков поехал в Петербург и поступил в Академию художеств, которую закончил с золотой медалью. В 1878 г. Суриков переехал в Москву. Здесь окончательно определилось мировоззрение художника, сложился своеобразный характер и стиль его творчества.

Сурикова привлекали переломныеэпохи, сюжеты, дававшие возможность раскрыть красоту и силу народных движений. В 1881 г. им была создана картина «Утро стрелецкой казни». С величайшим художественным тактом Суриков изобразил не саму казнь, а мгновения, ей предшествующие.Нафоне величественных Храма Василия Блаженного и Кремля разворачивается страшная народная трагедия. Закованные в колоды, в белых рубахах смертников, с горящими свечами в руках — стрельцы. Их необычайное мужество, несокрушимая душевная сила, вера в правоту своего дела особенно ярко воспринимаются по контрасту с отчаянием сломленных горем матерей, жен, детей. В утверждении героизма русских людей главный пафос картины.

В 1883 г. Суриков пишет другую не менее известную картину «Меньшиков в Березове». Холодный и темный колорит, суровое мерцание красок, композиция, ограничивающая пространство, раскрывают судьбы временщика, «полудержавного властелина», брошенного с семьей в далекую ссылку. Есть нечто героическое, величественное и трагическое в облике Меньшикова. Все еще могучий, он томится бездействием. В его лице с плотно сомкнутыми губами, не замечающем окружающего взгляде читается больше, чем личное горе, которое сломило его семью, отметило печатью близкой смерти его старшую дочь.

В этой картине художник как бы накапливает силы и опыт перед созданием, пожалуй, самой известной работы «Боярыня Морозова». Суриков несколько лет трудился над ней. Он специально ездил в Италию, чтобы на примере творчества Веронезе и Тинторетто постичь законы композиции и колорита монументальной живописи.

Событие, изображенное в картине, происходило в XVII в. Показан момент, когда Морозову, противницу церковных реформ патриарха Никона, везут, закованную в цепи, по московским улицам. Она прощается с народом: большинство ей сочувствуют, некоторые глумятся, другие равнодушны и праздно любопытны. Сами того, быть может, не сознавая, консервативные главари «раскола» явились выразителями того духа сопротивления, что жил в подавленном и забитом народе. Именно в народном протесте и в неистовой вере Морозовой в правоту своих убеждений Суриков увидел высокую нравственную красоту.

В 90-е годы художник создает такие произведения, как «Взятие снежного городка», «Покорение Сибири Ермаком», «Переход Суворова через Альпы», прославляющие удаль и мужество русского народа, его единство, оптимизм.

Наряду с развитием бытовой, жанровой и исторической живописи во второй половине XIX в. высокое развитие получилапейзажная живопись. В этом жанре работали такие большие художники, какАлексей Кондратьевич Саврасов (1830— 1897) («Грачи прилетели», «Проселок»),Федор Александрович Васильев (1850—1873) («Вид на Волге. Баржи», «Перед дождем», «Оттепель», «Мокрый луг»),Иван Иванович Шишкин (1832—1898) («Рожь», «Утро в сосновом бору», «Сосны, освещенные солнцем», «Лесные дали»),Архип Иванович Куинджи (1842—1910) («Березовая роща», «Ночь над Днепром», «Днепр утром»),Василий Дмитриевич Поленов(1844—1927) («Московский дворик», «Заросший пруд», «Ранний снег»),Исаак Ильич Левитан (1861—1900) («Березовая роща», «Золотая осень», «У омута», «Над вечным покоем», «Март», «Сумерки. Стога»), и другие.

В 60—90-е годы русская скульптура не могла сравняться по уровню своих художественных достижений с русским ваянием начала века. Но заметно расширилась тематика скульптурных произведений. Появились новые направления, которые можно охарактеризовать как псевдоклассицизм и салонный академизм, которые, однако, были характерны своей отвлеченностью от подлинной жизни образов.

Наиболее значительным русским скульптором второй половины XIX века былМарк Матвеевич Антокольский(1843—1902). Стремление к исторической достоверности, глубина психологического раскрытия образа представляли несомненное достижение скульптора. В 1872 г. им была создана статуя «Петр I», создание которой было приурочено к 200-летию со дня рождения Петра.

Впоследствии им были созданы такие работы, как «Христос перед народом», «Смерть Сократа», «Спиноза» и др.

Во второй половине XIX века был создан памятник Пушкину скульпторомАлександром Михайловичем Опекушиным(1838 –1923). Памятник был открыт в Москве в 1880 г. Замысел скульптора и внутреннее содержание образа отвечают высеченным на постаменте словам знаменитого стихотворения «Памятник», в основе которого лежит мысль об исполнении писателем своего общественного долга, служении народу. Опекушин сумел добиться большой пластической выразительности статуи.

Однако большего в жизни скульптор добиться не смог, как и ничего большего и значительного не было достигнуто в скульптуре конца XIX века.

К середине XIX столетия ясно обнаружился и упадок архитектуры. Распространяется эклектизм, беспринципное использование самых различных стилей, характерная для складывающегося капитализма стихийная бесплановость строительства.

И все же при общем упадке русской архитектуры во второй половине века нельзя упускать из виду и некоторых ее частных достижений. Так, именно в это время зодчие начинают создавать ряд сооружений нового типа. Их появление обусловлено общим развитием техники. Таковы железнодорожные вокзалы с огромными перекрытиями дебаркадеров, обширные торговые помещения (пассажи), здания банков, многоквартирные жилые дома и т. п. В эти годы работают такие замечательные зодчие, как Михаил Дормидонтович Быковский, Виктор Александрович Шретер,построивший театры в Киеве и Иркутске.

В конце XIX столетия началось возрождение древнерусских традиций. К числу наиболее удачных сооружений, исполненных в так называемом древнерусском стиле, следует отнести здание Исторического музея в Москве, построенного по проекту архитектора и художника Владимира Осиповича Шервуда.

Вторая половина XIX века, как и для живописи, стала эпохой подлинного расцвета длярусской классической музыки.

Подъем развития музыки явственно обозначился в 60-е годы. Музыкальная жизнь России заметно демократизировалась. Музыка из придворных салонов и домашних кружков выходит на концертный простор. Более широкой и массовой становится аудитория. В этих условиях, как никогда раньше, нужны были певцы, инструменталисты, педагоги. Ведь в России до 60-х годов не существовало ни одного специального музыкального учебного заведения. Много сил и энергии делу музыкального образования в России отдал Антон Григорьевич Рубинштейн (1829—1894) — великий пианист, композитор, дирижер. По его инициативе в 1859 г. в Петербурге открылось Русское музыкальное общество и музыкальные классы при нем, а в 1862 г.— первая русская консерватория. Тогда же была организована композитором Милием Алексеевичем Балакиревым бесплатная музыкальная школа, ставившая своей целью распространение музыкального образования среди широких кругов населения — студентов, ремесленников, служащих и др. Ее концерты стали центром пропаганды русской и западноевропейской музыки. В 1866 г. открылась консерватория в Москве. Ее основателем и директором стал брат А. Г. Рубинштейна —Николай Григорьевич Рубинштейн.

В 60-е годы за решительное обновление русской музыки выступают композиторы «Могучей кучки» (содружество русских композиторов XIX в. вокруг М. А. Балакирева). В нее в разные годы входили Цезарь Антонович Кюи— военный инженер по профессии, композитор и музыкальный критик, Модест Петрович Мусоргский — офицер Преображенского полка, композитор,Николай Андреевич Римский-Корсаков— выпускник Морского Офицерского корпуса, композитор,Александр Порфирьевич Бородин — адъюнкт-профессор Медико-хирургической академии, композитор и другие. «Кучкисты» утверждали в своем творчестве мысль о необходимости служения народу и правде жизни, много внимания уделяли исторической опере, считая, что через события прошлого можно лучше понять и передать настоящее. М. П. Мусоргский в операх «Борис Годунов» и «Хованщина» показал непримиримость противоречий между властьпредержащими и народом, Н. А. Римский-Корсаков в «Псковитянке» воспел псковскую вольницу, а А.П. Бородин в «Князе Игоре» — борьбу против иноземных завоевателей.

Вершиной расцвета русской музыки второй половины XIX в. становится творчество Петра Ильича Чайковского (1840-1893). Чайковский родился и вырос в Уральском городе Воткинске, где работал его отец, горный инженер. Он был первым русским композитором, получившим образование первой русской консерватории: закончил Петербургскую консерваторию по классу ее основателя А..Г. Рубинштейна и сразу с 1866 г. стал преподавать в только что открывшейся Московской консерватории, где проработал 11 лет.

Чайковский оставил музыкальные произведения во всех жанрах. Он стал одним из создателей русской Классической симфонии (написал 6 симфоний), его оперы — «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Мазепа», «Иоланта», «Черевички», «Снегурочка» — открыли новые пути в музыкальном театре. В историю музыки он вошел и как реформатор жанра балета, открыв эру симфонического балета («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»). Чайковский создал классические образцы камерных ансамблей (три квартета, трио), фортепьянной музыки, концерта (три фортепьянных у концерта, скрипичный концерт, вариации на тему «рококо» для виолончели с оркестром), замечательные романсы, хоровые произведения, симфонические увертюры, фантазии (увертюры-фантазии «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Буря», «Франческа да Римини»).

Чайковский П. И. стал первым русским композитором, получившим не только европейское, но и мировое признание.

Столь бурное развитие музыкального искусства в России не могло пройти бесследно. К началу 90-х годов XIX века выдвигается целая плеяда молодых, интересных композиторов, певцов, дирижеров, расцвет творчества которых уже приходит на конец XIX - начало XX вв.

Таким образом, в XIX веке бурно развиваются все виды русской художественной культуры, определяются основные направления ее развития на долгие годы, все это принесло России славу передовой державы в развитии живописи, музыки, архитектуры и скульптуры.





Дата добавления: 2015-05-27; просмотров: 2017; Опубликованный материал нарушает авторские права? | Защита персональных данных | ЗАКАЗАТЬ РАБОТУ


Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском:

Лучшие изречения: Сдача сессии и защита диплома - страшная бессонница, которая потом кажется страшным сном. 8598 - | 7070 - или читать все...

Читайте также:

 

3.81.28.94 © studopedia.ru Не является автором материалов, которые размещены. Но предоставляет возможность бесплатного использования. Есть нарушение авторского права? Напишите нам | Обратная связь.


Генерация страницы за: 0.025 сек.