Музыкального искусства

Тема 1. Музыка как вид искусства, ее специфические черты.

Музыка (с гр. – искусство муз) – вид искусства, отражающий действительность в звуковых художественных образах и активно воздействующий на психику человека. Музыка способна конкретно и убедительно передавать эмоциональные состояния людей. Она выражает и связанные с чувствами идеи обобщенного плана. Музыка часто привлекает средства других искусств, например слово (литература).

Музыкальное произведение мы воспринимаем совсем не так, как, например, произведения изобразительного искусства. Скульптуру или картину можно долго и подробно рассматривать, музыка же нас не ждет, она постоянно движется вперед, «течет» во времени. Однако это свойство, называемое временнόй природой музыки, дает музыкальному искусству огромные преимущества перед другими видами творчества: в музыке можно изображать процессы развития.

Звуковая природа музыки дает ей возможность установить связь со звуками окружающей действительности. Музыкальные звуки и их сочетания могут напоминать звуковые явления внешнего мира (пение птиц, жужжание шмеля, топот коней, стук колес поезда, шелест листвы и т. д.) – это свойство называют «звукоподражанием». Конечно, изображение в музыке носит условный характер, но дает толчок фантазии слушателя.

Иногда художественный замысел музыкального произведения связан с каким-либо литературным произведением или (реже) с произведением изобразительного искусства. Такую музыку называют программной. Основная идея может воплощаться либо в обобщенной несюжетной композиции, где название лишь указывает общее направление развития музыкальных образов, либо в композиции, более последовательно передающей события (как правило, это произведения с ярко конфликтным сюжетом).

Средствами воплощения музыкальных образов служат музыкальные звуки, определенным образом организованные. Основные

элементы музыки (ее выразительные средства или ее музыкальный язык) – это мелодия, гармония, метр, ритм, лад, динамика, тембр ^[1] и т. д.

Музыка формируется в нотной записи и реализуется в процессе исполнения. Различают музыку одноголосную (монодия) и многоголосную (полифония, гомофония). Применяют и подразделение музыки на роды и виды, т. е. жанры.

Музыкальный жанр – многозначное понятие, связанное с происхождением, условиями исполнения и восприятием музыки. Жанр отражает взаимосвязь между внемузыкальными факторами музыкального творчества (жизненное предназначение, связь со словом, танцем, другими искусствами) и его внутримузыкальными характеристиками (тип музыкальной формы, стиль).

На первых этапах истории музыки жанр выступал как традиционный художественный канон, в рамках которого композиторская индивидуальность не проявлялась. Канонизация норм музицирования всецело диктовалась определенными общественными функциями музыки (например, культовыми, церемониальными). В прикладной музыке сформировались первичные жанры: песня, танец, марш, особенности которых зависели от функций, выполняемых музыкой в различных бытовых, трудовых, обрядовых ситуациях.

С течением времени понятие «жанр» стало применяться более широко и обобщенно, обозначая тот или иной вид художественного творчества по различным признакам. Этим обусловлено существование множества жанровых классификаций: по характеру тематики (комический, трагический и т. п.), по истокам сюжета (исторический, сказочный и т. п.), по составу исполнителей (вокальный, инструментальный и т. д.), по назначению (этюд, танец и

т. п.).

Наиболее употребительной является классификация по составу исполнителей:

Жанровые группы	Названия жанров
инструмен- тальные	симфонические (для симфонического оркестра)	симфония, увертюра, концерт, симфоническая поэма, сюита, фантазия
камерно-инструментальные (для инструментального ансамбля или одного инструмента)	соната, трио, квартет, квинтет, рапсодия, скерцо, ноктюрн, прелюдия, этюд, экспромт, вальс, мазурка, полонез и т. д.
вокальные	хоровые и сольные	песни, хоры a capella (без сопровождения)
вокально- инструментальные	камерно-вокальные (для голоса или нескольких голосов с инструментальным сопровождением)	романс, песня, баллада, дуэт, ария, вокализ, вокальный цикл и т. д.
вокально-симфонические (для хора, солистов, оркестра)	кантата, оратория, месса, реквием, страсти (пассионы)
театральные	опера, балет, оперетта, мюзикл, музыкальная комедия, музыка к драматическому спектаклю

Музыкальная культура каждого народа обладает специфическими чертами, которые проявляются прежде всего в народной музыке. На основе народного творчества в соответствии с закономерностями эволюции общества развивается профессиональная музыка, возникают и сменяют друг друга различные школы, художественные направления, стили, в которых по-разному осуществляется отображение духовной жизни людей.

Тема 2. Зарубежная музыкальная культура до ХVII в.

Музыкальное искусство древности. Музыкальное искусство возникло в глубокой древности. Известно, что еще на заре человеческой истории люди каменного века изготовили свои первые примитивные музыкальные инструменты, сохранившиеся до наших дней: колотушки, различные трубы из морских раковин или костей и рогов животных. Тогда же сложили люди и свои первые

песни, исполняемые одновременно с телодвижениями во время различных обрядовых действий.

Музыкальная культура Античности.

В эпоху Античности наиболее высокую ступень развития общества и его культуры представляло государство Древней Греции, состоящее в то время из множества малых городов-государств (полисов), сохранявших самостоятельность в политических, культурных и правовых вопросах. Большое место в общественной жизни греков занимала музыка. Обучение музыке составляло неотъемлемую часть общего гражданского воспитания юношества. Пение и игра на музыкальных инструментах входили в программу спортивных и художественных (мусических) состязаний. Существовали даже объединения певцов, музыкантов и танцоров, называемые коллегиями. Наиболее значительные достижения в музыке относятся к гомеровскому и классическому периодам развития древнегреческой культуры (с ХII по V вв. до н. э.). Формируются основные роды и жанры искусства. Прежде всего это героический эпос, представленный эпическими песнями Гомера («Одиссея», «Илиада»), затем лирика – хоровая (в одах,гимнах и элегиях Пиндара, Тиртея, Стезихора) и сольная (в песнях Сапфо, Алкея с острова Лесбос). Важным достижением эпохи Античности стало рождение театра. Древнегреческая трагедия (а позже комедия и сатировская драма) – это высокохудожественные произведения, соединившие в себе драму, танец и музыку (трагедии «Персы», «Орестея» Эсхила, «Антигона», «Царь Эдип» Софокла,комедия «Лягушки» Аристофана и др.). Большое внимание в Древней Греции уделялось и развитию музыкального инструментария. На античных вазах сохранились изображения сцен игры на различных инструментах: лире, арфе, кифаре, авлосе. Эти инструменты использовались певцамисказителями (аэдами, рапсодами) для сопровождения своих эпических песен и также для поддержки хора в театральных постановках.

Широкое распространение музыки в быту греков способствовало возникновению острых дискуссий о ее сущности и физической природе между приверженцами разных школ («каноники» и «гармоники»), а также вызывало необходимость разработки вопросов музыкальной эстетики и теории музыки (учение об этосе, сис-

тематика ладов, интервалов), которыми занимались многие крупнейшие античные мыслители: Пифагор, Гераклит, Платон, Аристотель, Аристоксен и другие.

Музыкальная культура Средневековья.

Эпоха Средневековья (V–ХIII вв. н. э.) вошла в мировую историю как эпоха тяжелого гнета, войн, крестовых походов и всевластия римско-католической церкви, оказавшей огромное воздействие на все сферы общественного развития. Постепенно (с IV по VII вв.) в странах Западной Европы сложился особый церковный стиль, основу которого составлял григорианский хорал, систематизированный в обширный кодекс при папе Григории I («Григорианский антифонарий»). Церковь строго охраняла свои традиции, однако все же не могла полностью противостоять влияниям народного искусства. Так, постепенно в церковный стиль и его главный культовый жанр мессу проникали новые мелодии народнопесенного склада: гимны, секвенции, тропы. Большим достижением эпохи стало рождение в IХ–Х вв. ранних форм многоголосия, достигшего особого расцвета в творчестве мастеров певческой школы собора Парижской Богоматери Леонина и Перотина.

Важной областью музыкальной культуры Средневековья было народное творчество, богато представлявшее самобытные традиции разных стран. Народное песенно-инструментальное искусство в лице странствующих музыкантов – шпильманов (Германия), жонглеров (Франция), гистрионов (Англия), хогларов (Италия) – с его выраженным антиклерикальным характером снискало враждебность со стороны церкви и горячую любовь широких кругов населения.

Светская музыка в Средние века на западе Европы возникла позже церковной и проявилась наиболее ярко в рыцарском музыкально-поэтическом искусстве ХII – ХIII вв. Песенное творчество трубадуров и труверов во Франции, миннезингеров в Германии, во многом близкое народному искусству, было прогрессивным явлением, оказавшим значительное влияние на развитие городской культуры последующих эпох.

Музыкальная культура Возрождения.

Период с ХIV по ХVI вв., именуемый Возрождением, один из наиболее ярких в истории Западной Европы. Возрождение затронуло все области искусства и философию. Достаточно яркое воплощение это «новое искусство» нашло и в музыке, первоначально в Италии и Франции (Ars nova), затем в Нидерландах, Англии, Германии и других странах Европы. Музыкальное искусство начало играть важную роль в общественной жизни народа, особенно в периоды подъема национально-освободительных движений и религиозных войн, связанных с Реформацией (гугенотские песни во Франции, протестантские хоралы в Германии, песни гёзов в Нидерландах, гуситские гимны в Чехии). Очень быстро в тот период развивалась городская музыкальная жизнь (открытие академий, университетов, консерваторий).

Большим достижением эпохи Возрождения стало выдвижение и развитие светских жанров. Эта музыка, более певучая и гибкая, была связана с народными истоками и открыто противостояла церковному стилю. Прежде всего, это итальянские песенные жанры – лауды, фроттолы, виланеллы и, конечно, мадригалы, отличающиеся особым утонченно-аристократическим стилем, а также французские chansons (шансон), испанские романсы и другие жанры. Кроме того, большой победой над средневеково-церковной традицией было образование и быстрое развитие инструментальной музыки. Лютня, гитара, орган, вёрджинал стали неотъемлемой составной частью музыкальной культуры. Для них создавались специальные жанры (прелюдии, паваны, гальярды), появлялись виртуозы -исполнители.

Прогресс в развитии светской музыки происходил, однако, в прямой связи с расцветом церковной полифонии. Хоровая полифония достигла в ряде европейских стран (особенно в Нидерландах) в период Высокого Ренессанса высочайшего мастерства. Различные культовые жанры – мессы, мотеты, каноны, магнификаты – составили основу творчества крупнейших композиторов эпохи Возрождения: Ф. Ландино, К. Джезуальдо, Дж. Габриэли, Дж. Палестрина (Италия); Г. де Машо, К. Жаннекен (Франция); Г. Дюфаи, Я. Окегем, Я. Обрехт, О. Лассо (Нидерланды); А. Кабесон, К. Моралес (Испания); Л. Зенфль, Г. Гасслер (Германия);

Дж. Булль (Англия). Далеко вперед шагнула и теория музыки, сделавшая много для раскрепощения музыкальной культуры от церковных догм и смело провозгласившая принципы «нового искусства».

Тема 3. Зарубежнаямузыкальная культура ХVII – VIII вв.

В искусстве ХVII в. в странах Западной Европы сложились новые эстетические стили и течения, отразившие вкусы и устремления того времени. Основными из них стали – классицизм и барокко.

Классицизм (от лат. classicus – образцовый) развился наиболее интенсивно в абсолютистской Франции, особенно в области театра (Ж. Расин, П. Корнель), поэзии (Н. Буало), живописи (Н. Пуссен, К. Лоррен), а во второй половине века и в музыке (Ж.Б. Люлли).

Стиль барокко полнее проявил себя в итальянском искусстве, но вместе с тем оказал существенное воздействие на многие страны. Барокко (ит. baroccо – причудливый, вычурный, странный) – художественный стиль, господствовавший в изобразительном искусстве и архитектуре еще с конца ХVI – и до первой половины ХVIII вв. В отличие от ясного и цельного ренессансного представления о человеке как центре гармонического мироздания, в этом стиле отдельная личность, окружавшая ее действительность и их взаимоотношения стали восприниматься во всей их сложности, многоплановости, изменчивости. Поэтому для барокко характерны пафос, напряженная динамика, тяготение к грандиозным масштабам, сложным контрастным композициям, пышной декоративности и синтезу различных видов искусств.

Эти общеэстетические предпосылки стиля барокко были во многих отношениях плодотворно реализованы и в музыке. На первый план выдвинулись музыкально-театральные жанры (прежде всего опера), что определялось характерным для барокко стремлением к драматической экспрессии и синтезу искусств (музыка, пение, театр). Родиной оперы стала Италия (Флоренция). Первое сохранившееся произведение – «Эвридика» (Я. Пери, О. Риннучини, 1600), обозначенное авторами как drama per musica, стало вместе с тем первым образцом оперного жанра, заложившего основы ново-

го музыкального стиля. В течение XVII в. итальянская опера прошла огромный и сложный путь развития, выдвинув имена таких оперных титанов, как К. Монтеверди, А. Страделла, А. Скарлатти. В творчестве последнего окончательно сформировался стиль серьезной оперы (opera-seria). К 1670-м гг. опера возникает в других странах Европы – во Франции (лирические трагедии Ж.Б. Люлли), в Англии (Г. Пёрселл), в Германии (Р. Кайзер), а в эпоху позднего барокко в Италии формируется ее новая жанровая разновидность – комическая опера (оpera-buffa «Служанка-госпожа» Дж. Перголези), тем самым окончательно утвердившая оперу в качестве ведущего жанра эпохи.

Большое место в музыкальном искусстве того времени заняли и другие крупные циклические музыкально-драматические жанры – оратории, кантаты, реквиемы, пассионы. Все эти жанры опирались, главным образом, на библейские и евангельские тексты и первоначально предназначались для исполнения непосредственно в храме в дни церковных праздников. Ораториальные жанры эпохи барокко, также как и опера, прошли большой эволюционный путь от стремления к внешнему величию и эффектам, проявившимся в использовании принципа многохорности (в некоторых произведениях использовалось до двенадцати 4-голосных хоров!), до глубокого драматизма, проникнутого реалистическими тенденциями. Среди выдающихся мастеров ораториальных жанров следует назвать итальянских композиторов Дж. Кариссими, А. Страделлу, А. Скарлатти, немецких – Г. Щютца, Г. Телемана и особенно Г.Ф. Генделя и И.С. Баха, в творчестве которых эти жанры достигли подлинного расцвета.

Интенсивные поиски новых форм и средств музыкальной выразительности велись и в области инструментальной музыки. Начался процесс формирования инструментальных исполнительских школ:органной, скрипичной, клавирной. Появились такие открытые, демократические формы музицирования, как церковные концерты, в которых исполнялась не только духовная, но и светская музыка. Великими органистами-мастерами импровизации и композиторами, создававшими сложные фуги, фантазии, токкаты, пассакалии, чаконы, были в Италии – Дж. Фрескобальди, в

Германии – Д. Букстехуде, Г.Ф. Гендель и И.С. Бах. Во второй по-

ловине XVII в. начался расцвет скрипичного исполнительского искусства. В Италии XVII–XVIII вв. выдвинулись династии мастеров: Амати, Страдивари, Гварнери. Блестящими виртуозами были композиторы А. Корелли, А. Вивальди, Дж. Тартини. Большое распространение в различных странах Европы получил и клавесин. Высокого совершенства клавесинное искусство достигло в творчестве французских композиторов Ж.Б. Люлли, Ж.Ф. Рамо, Ф. Куперена, итальянских – Д. Скарлатти, Д. Альберти, английских – В. Бёрда, Дж. Булля, немецких – И. Кунау и И.С. Баха. В значительной степени связанными с эстетикой барокко оказались и новые инструментальные крупномасштабные циклические жанры – сюита, кончерто гроссо, ансамблевая и сольная соната, окончательно утвердившие новые гармонические принципы в музыке.

Развитие культуры во второй половине ХVIII в. связано с распространением в странах Западной Европы просветительских идей и предреволюционным идейным движением во Франции. В своих высших образцах просветительский классицизм ХVIII в. поднялся до открытого провозглашения революционных идеалов. Большое воздействие идеи эпохи Просвещения оказали на музыкальное искусство. Во второй половине ХVIII в. в Австрии складывается творческое направление, получившее название венского классицизма. Становление его приходится на годы бурного развития немецкого и австрийского просветительства. Крупнейшие мыслители эпохи – Гёте, Шиллер, Лессинг, Кант, Гегель – выдвигают новые гуманистические идеалы.

Многие из их эстетических идеалов нашли воплощение в творчестве великих композиторов венской классической школы: К.В. Глюка, Й. Гайдна, В.А. Моцарта и Л. Бетховена. При всем индивидуальном своеобразии в творчестве этих художников обнаруживаются важнейшие общие черты: оптимистический жизнеутверждающий характер, гуманистическая направленность, подлинная народность и демократизм. Сочинения венских классиков отличает широта охвата жизненного содержания. Глубокая серьезность сочетается у них с веселой шуткой, трагическое начало с комическим. Эмоциональное в их музыке соединяется с рациональным, с предельной стройностью, ясностью и совершенством формы.

Композиторы венской классической школы в своем творчестве обобщили весь предшествующий опыт мирового музыкального искусства. На этой основе они выработали поистине универсальный язык, которому свойственны простота, ясность и в то же время большая выразительность за счет обогащения мелодических и гармонических средств. В творчестве венских классиков окончательно сформировались главные классические инструментальные жанры – симфонии, концерты, сонаты, трио, квартеты, квинтеты, т.е. жанры, в основе которых лежит принцип цикличности. Могучее развитие инструментальной музыки тесно связано и с развитием инструментария. Именно в этот период окончательно завершается формирование классического симфонического оркестра. Большим изменениям подверглись и вокально-инструмен- тальные жанры (оратория, месса, реквием), и опера (особенно в творчестве Глюка и Моцарта).

Творчество композиторов второй половины ХVIII в. оказало огромное воздействие на все последующее развитие музыки. Оно составляет одну из вершин всего мирового музыкального искусства.

Тема 4. Зарубежная музыкальная культура ХIХ в. Романтизм.

Романтизм – художественное направление, сформировавшееся в конце XVIII – начале XIX вв. сначала в литературе, затем в музыке и других видах искусства. Понятие «романтизм» произошло от эпитета «романтический». До XVIII в. он указывал на некоторые особенности литературных произведений, написанных на романских языках. В конце XVIII в. «романтическое» понимается более широко: не только как занимательное, но и как самобытно народное, фантастичное, духовно возвышенное.

Унаследовавший от эпохи Просвещения многие прогрессивные черты, романтизм вместе с тем связан с глубоким разочарованием как в самом просветительстве, так и в успехах всей новой цивилизации в целом. Огромный патриотический подъем, вызванный идеями Просвещения и надвигающейся Французской революцией, сменился полосой реакции. Социальная критика буржуазного мира стала одним из главных элементов романтизма.

Музыкальный романтизм, заявивший о себе в начале XIX в., был явлением исторически новым и вместе с тем обнаруживал глубокие преемственные связи с классикой. Уже многие творения музыкантов второй половины XVIII в., более свободно выражавшие стихию чувств, оказались близки эстетике литературного движения «Бури и натиска». Романтизм в музыке – явление достаточно цельное; на протяжении почти всего XIX в. им оказались охвачены многие европейские страны: Германия и Австрия (Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, Р. Шуман, Р. Вагнер, И. Брамс),

Франция (Ш. Гуно, Г. Берлиоз, Ж. Бизе), Италия (Дж. Россини, Дж. Верди), Польша (Ф. Шопен), Венгрия (Ф. Лист). Под сильным влиянием романтизма развивались и молодая музыкальная культура Чехии (Б. Сметана, А. Дворжак), Норвегии (Э. Григ), Финляндии (Я. Сибелиус), Испании (И. Альбенис, Э. Гранадос).

Важнейшей образной сферой творчества композиторовромантиков становится лирика, и в частности тема любви. Новыми качествами этой темы явились небывалая экспрессия и тонкая индивидуализация высказывания в передаче психологических оттенков чувства. Характерной сферой художественного творчества становится для романтиков и фантастика. Она выступает как свобода воображения, вольная игра мысли и чувства художника, а также позволяет столкнуть прекрасное и уродливое, доброе и злое. Огромное внимание уделяли романтики таким категориям, как народно- и национально-самобытное, характерное. Отсюда – интерес к истории и фольклору. Романтики внесли огромный вклад в познание и художественное возрождение народной поэзии, мифов и легенд далеких эпох, стали создателями сборников народного фольклора (Л. Арним и К. Брентано «Волшебный рог мальчика» в Германии). Особую роль играет у романтиков культ природы, трактуемый как первозданность, как самое неискаженное воплощение «души мира». Природа для них – это прибежище от бед цивилизации, она и утешает, и исцеляет мятущегося героя. Многим композиторам, как и поэтам, писателям, стала свойственна склонность к характерной портретной зарисовке, нередко пародийной и гротескной, что отвечало их эстетическим устремлениям.

Новое значение приобрела для романтиков идея синтеза искусств. В глубоком и органичном слиянии музыки с литературой,

театром, живописью для искусства открылись новые возможности. В области инструментальной музыки большую роль приобрел принцип программности, т. е. включения в замысел и процесс восприятия литературных или других ассоциаций, нередко воплощенных в названии (Фантастическая симфония Г. Берлиоза, Фаустсимфония Ф. Листа).

Музыкальный романтизм активно способствовал развитию камерной вокальной и инструментальной музыки, способной более чутко отражать мельчайшие нюансы человеческих чувств. Среди вокальных жанров возрастает роль баллады, монолога, серенады, а также песни, которые во многих случаях объединяются сюжетом в цикл (вокальные циклы «Прекрасная мельничиха» Ф. Шуберта, «Любовь поэта» Р. Шумана). В инструментальной музыке особое внимание композиторы уделяют различной фортепианной миниатюре. Это – ноктюрны, прелюдии, вальсы, мазурки, этюды, интермеццо, экспромты, отдельные пьесы с названиями, также нередко объединяемые в циклы (фортепианные циклы «Годы странствий» Ф. Листа, «Карнавал» Р. Шумана и др.). Новое романтическое толкование получают многие крупные классические жанры: опера, симфония, концерт, соната, насыщаясь яркими контрастами в содержании и приемах развития. Рождаются и новые жанры, например одночастная симфоническая поэма, созданная Ф. Листом.

В стилистике музыкального романтизма большую роль играли поиски новой выразительности, направленные на усиление гармонической и мелодической красочности за счет их сильного усложнения. Такие свойства гармонии наилучшим образом выражали типичные для романтиков состояния «томления» и бесконечно развивающегося чувства. Музыкальный романтизм в огромной степени обогатил и колористические возможности оркестра, подняв драматургию оркестрового развития до высоты, которой музыка предшествующих эпох не знала.

Многие романтические достижения, несмотря на кризисные явления позднего периода, сохранили свою духовную основу и, обогащенные новыми стилистическими чертами, получили развитие в музыке композиторов XX в.

Тема 5. Зарубежная музыкальная культура конца ХIХ – первой половины ХХ вв.

Период рубежа веков (1890–1917 гг.) известен, с одной стороны, своими величайшими техническими открытиями, а с другой – глубочайшими противоречиями, которые привели страны Европы к Первой мировой войне.

На рубеже двух столетий пути развития искусства стали особенно сложными и противоречивыми. Никогда еще не возникало за короткое время столько новых художественных течений, нередко крайне противоречивых по своей сути. И хотя в конце ХIХ в. все еще очень сильны были творческие позиции романтического направления (особенно в молодых школах Чехии, Польши, Венгрии, Финляндии), в крупнейших европейских странах, в противовес – как реакция кризис романтизма – зарождались новые тенденции, пришедшие в музыку в основном из литературы или живописи.

Так, на протяжении 90-х гг. XIX в. в ряде стран успешно развивалась натуралистическая тенденция, утвердившаяся в музыке в жанре оперы. Оперный веризм (ит. vero – истинный, правдивый) возник в итальянском музыкальном искусстве начала 90-х гг. под прямым воздействием литературы (Дж. Верга в Италии, Э. Золя во Франции). Одним из главных требований этого направления было стремление к изображению реальной жизни «как она есть», без вымысла. Композиторы-веристы прежде всего восприняли от литературы интерес к судьбам простых людей (быту бедных крестьян, уличных комедиантов, бедных художников) в противовес увлечению легендарно-мистической тематикой создателей поздних романтических опер. Они выдвинули оригинальный тип сжатой оперы-новеллы, драматургия которой отличалась остротой действия, подчеркнутым мелодраматизмом и яркой мелодичностью языка, что способствовало их необычайному успеху у слушателей («Сельская честь» П. Масканьи, «Паяцы» Р. Леонкавалло, «Богема», «Тоска», «Чио-Чио-сан» Дж. Пуччини).

Прямым антиподом натурализма явился музыкальный импрессионизм, ставший едва ли не самым влиятельным из новых течений конца XIX в. Понятие «импрессионизм» (от фр. impression – впечатление) утвердилось еще в 70-е гг. XIX в. во французской живописи (К. Моне, К. Писарро, Э. Дега, О. Ренуар и

др.) и лишь в конце 1890-х гг. стало по аналогии применяться во французской музыке по отношению к творчеству К. Дебюсси. Безусловно, определенные черты музыки: интерес к пейзажу, любование колористическими деталями, утонченная техника чистых красок – действительно, напоминали живопись импрессионистов.

Но в иных, не менее важных проявлениях композиторыимпрессионисты ближе стояли к поэзии символизма – распространенного течения европейской литературы и театра 1870–1900-х гг. (П. Верлен, С. Малларме, М. Метерлинк, О. Уайльд). От поэзии символистов они восприняли интерес к миру «непознаваемого», «невыразимого», к миру утонченных вымыслов, ко всему таинственному, загадочному и непостижимому. В музыкальном творчестве К. Дебюсси сформировалась определенная система образных и выразительных средств. Сознательно отвергая характерную для романтизма преувеличенную эмоциональность, он подчеркивал в своих произведениях сдержанность, даже холодноватость эмоций и колорита при чарующей красочности и изысканности звучания (например, Три ноктюрна для оркестра – «Облака», «Празднества», «Сирены», фортепианные прелюдии «Шаги на снегу», «Девушка с волосами цвета льна»).

К концу первого десятилетия XX в. сугубо эстетские линии нового искусства по мере сгущения тревожных предчувствий военных потрясений начинают сменяться другими, более напряженными течениями, бросавшими вызов не только прежним нормам художественной логики и красоты, но и традиционной системе композиторского мышления. Наиболее откровенным выражением подобных тенденций стал экспрессионизм (от фр. expression – выражение) – течение, первоначально утвердившееся в изобразительном искусстве Австрии и Германии, а затем в литературе, театре и музыке (А. Шёнберг, А. Берг, А. Веберн). Сущность экспрессионизма в субъективном самовыражении, стремлении показать изнутри душевную жизнь, потрясенную уродствами и дисгармонией окружающей действительности. Отсюда – предельно заостренные эмоции, подчас близкие к истерии, а также изломанные, уродливые образы (оперы «Ожидание» А. Шёнберга, «Воццек» А. Берга). Излишнее увлечение звуковыми сложностями привело к отказу от тональных устоев и традиционных принципов мелодического

мышления и к созданию особой додекафонной техники сочинения. Вместе с тем, творчество экспрессионистов не было лишено прогрессивных элементов социального протеста против современного общества.

Эмоциональные и эстетические крайности одних направлений вызвали своеобразное противодвижение, следствием которого стало возникновение тенденций нового классицизма (неоклассицизма). Музыкальное мышление композиторов разных стран вновь обратилось к наивной ясности мелодии, к прозрачности гармонии и фактуры, к простоте форм искусства XVII – XVIII вв. (характерных для творчества Куперена, Баха, Моцарта). Подобные проявления неоклассицизма, занявшие видное место в западноевропейской музыке 20–30-х гг. XX в., в различной степени присущи творчеству М. Регера, Ф. Бузони, М. Равеля, Р. Штрауса, И. Стравинского и других.

После Второй мировой войны на Западе вновь усилились поиски новых средств выражения и форм. Причем нередко они приобретали самодавлеющее значение, ими начали заниматься не только композиторы, но и инженеры-электронщики, работающие со звукозаписывающей и вычислительной техникой. Среди композиторов, в той или иной степени примыкавших к авангардистским направлениям (конкретная музыка, пуантилизм, сонорика, алеаторика, электронная и компьютерная музыка), можно назвать П. Булеза, П. Шеффера (Франция); К. Штокхаузена (Германия), Дж. Кейджа (США).

Вместе с тем многие композиторы Запада, пройдя этап увлечения новыми методами сочинения, все же пришли к естественному сочетанию различных систем выразительных средств и музыкальных традиций своей страны, способных к воплощению содержательного реалистического искусства. Сочинения А. Онеггера, Д. Мийо, Ф. Пуленка, О. Мессиана (Франция); П. Хиндемита, К. Орфа (Германия); Дж. Гершвина (США); Б. Бриттена (Англия); В. Лютославского, К. Пендерецкого (Польша); Дж. Энеску (Румыния); Б. Бартока (Венгрия) вошли в сокровищницу мирового музыкального искусства XX в.

Тема 6. Развитие русской музыки до XVIII в.

Истоки русской музыки восходят к культуре и быту восточнославянских племен, населявших территорию Древней Руси до образования в IX в. первого русского государства (Киевская Русь). Языческие обряды славян включали заклинания, пение, игру на музыкальных инструментах. Следы древних языческих верований сохранились в календарно-обрядовых (связанных с циклом сельскохозяйственных работ) и семейно-обрядовых песнях (плачах, причитаниях, песнях свадебного обряда). Боевые песни славянских дружин послужили основой для героического русского эпоса (его расцвет пришелся на X–XI вв.), сложившегося впоследствии в циклы былин (старин). К большим достижениям национального народного творчества принадлежат лирическая протяжная и историческая песни, распространившиеся в XVI–XVII вв. Главными носителями фольклорной традиции и профессиональными музыкантами на Руси долгое время были скоморохи. Их музыкальные инструменты включали гусли, трубы, сопели, бубны, гудки.

С принятием христианства (988 г.) развивается церковная музыка – единственный вид письменного профессионального музыкального искусства Древней Руси. Церковные песнопения записывались особыми знаками над строчками текста – знамёнами (крюками), поэтому и само древнерусское церковное пение получило название знáменного (крюкового) распева. В Русской православной церкви могла звучать только вокальная музыка, музыкальные инструменты не допускались. Пение было одноголосным, все певцы пели в унисон; многоголосие проникает в профессиональную музыку только в XVI в., хотя в народной оно появилось значительно раньше.

Несмотря на то, что церковное искусство было каноническим, традиционным, все же оно постепенно менялось. В XVI в. создание мелодий стало рассматриваться уже не только как выполнение религиозного долга, но и как выражение творческой личности распевщика (автора напева). В отличие от безымянного искусства раннего Средневековья история сохранила нам некоторые имена знаменитых распевщиков этого времени: братьев Роговых, Федора Крестьянинина. Царь Иван Грозный тоже создал (распел) несколько мелодий на слова церковных текстов (стихир). За-

нятие музыкой становится специальностью, профессией. В Москве возникли два больших профессиональных хора – Государевых певчих дьяков (XV в.) и Патриарших певчих дьяков (XVI в.). Туда отбирались самые способные певцы.

В XVII в. в русской музыке возникают новые жанры, все еще связанные с церковным ритуалом, с религиозными текстами, но отражающие совсем иной взгляд на искусство. Таков партесный (многоголосный) концерт, исполнявшийся как торжественное завершение праздничного богослужения. Само слово «концерт» здесь уже близко к современному пониманию – это музыка, которую слушают ради нее самой, а не как элемент церковного обряда. Некоторые концерты мастеров XVII в. (например, В. Титова) удивляют изобретательностью и мастерством.

Широкое распространение получил кант – трехголосная песня на стихотворный текст, отдаленный предок русского романса. Канты звучали повсеместно: и в боярских палатах, и в домах горожан. Поначалу они создавались на тексты религиознофилософского содержания (так называемые псальмы), но затем в них проникает иная тематика: государственно-политическая (виватные и панегирические канты), любовная, шуточная и др.

Тема 7. Значение XVIII в. в истории русской музыки. Формирование русской классической музыкальной школы (первая половина XIX в.).

Реформы Петра I подготовили почву для утверждения в России новых форм музыкальной жизни, заимствованных в Западной Европе. Наблюдается оживление светского искусства. Возникают инструментальные капеллы при дворе, а также в домах вельмож, помещиков, развивается любительское музицирование (популярность приобретают клавироподобные гусли и клавесин). В 1730-х гг. в Москве и Петербурге появились иностранные оперные антрепризы. Существовало два придворных оркестра и придворный хор. В России работали известные итальянские композиторы: Ф. Арайя (автор первой оперы на русский текст – «Цефал и Прокрис», 1755), Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза и др. Оперные спектакли давались в ряде провинциальных городов, а также в крепостных театрах П. Волконского, Н. Шереметьева,

А. Воронцова. С 1770-х гг. устраивались публичные концерты, возникли публичные театры: в Москве – театр М. Медокса и П. Урусова (1776, ныне – Большой театр); в Петербурге – театр К. Книппера (1779, ныне – Мариинский театр), на сцене которых выступали артисты Е. Сандукова, А. Крутицкий, А. Ожогин и др.

В последней трети XVIII в. под воздействием идей русского просветительства начала формироваться русская композиторская школа. Ведущим жанром становится опера, зачастую приближающаяся к бытовой комедии с музыкальными номерами («Мельник – колдун, обманщик и сват» М. Соколовского, на текст А. Аблесимова, 1779). Более сложные оперные формы встречаются в творчестве В. Пашкевича, Е. Фомина, Д. Бортнянского. C середины XVIII в. появляется новый жанр камерно-вокальной лирики – «российские песни», автором которых в конце XVIII в. выступили Ф. Дубянский, О. Козловский. Развитию инструментальных жанров способствовало творчество Д. Бортнянского и И. Хандошкина – основоположника русской скрипичной школы. Д. Бортнянский и М. Березовский явились создателями русского хорового концерта.

В начале XIX в. в русской музыке появились романтические тенденции. Отсюда интерес к народно-эпическим сюжетам (опера «Илья-богатырь» К. Кавоса, 1806), сказочной фантастике (опера «Днепровская русалка», 3-я и 4-я части – С. Давыдов, 1805 и 1807 гг.) Крупнейший представитель романтического направления в русской опере – А. Верстовский (лучшая его опера – «Аскольдова могила», 1835). Широкое распространение получил романс (среди авторов – А. Алябьев, А. Варламов, А. Гурилев).

Принципиально новый этап развития русской музыки в XIX в. связан с творчеством М. Глинки – основоположника национальной музыкальной классики. Он поставил русскую музыкальную школу в один ряд с ведущими музыкальными школами Европы и определил дальнейшую направленность русской культуры. К классическим образцам принадлежат его оперы, симфонические, камерно-инструментальные и вокальные произведения. Творчество Глинки стимулировало развитие исполнительского искусства (велик вклад в русскую музыкальную культуру певцов О. Петрова,

А. Петровой, Е. Семеновой, позже Ф. Стравинского и др.), крити-

ческой мысли (работы критиков В. Одоевского, В. Стасова, А. Серова, Г. Лароша и др.).

Младшим современником и последователем Глинки был А. Даргомыжский. В его творчестве нашли преломление тенденции критического реализма 1840–60-х гг.

Тема 8. Русская музыка второй половины XIX в. Могучая кучка.

Общественный подъем 1850–60-х гг. отразился и в музыкальной культуре: более интенсивной становится концертная жизнь, создаются основы профессионального музыкального образования. В 1859 г. по инициативе А. Рубинштейна и других музыкальнообщественных деятелей основано Русское музыкальное общество в Петербурге (в 1860 г. – его отделение в Москве, затем и в других городах), открываются Петербургская (1862) и Московская (1866) консерватории. В Петербурге Г. Ломакиным и М. Балакиревым была создана Бесплатная музыкальная школа (1862).

Демократические идеи этой эпохи нашли воплощение в деятельности композиторов Могучей кучки. Могучая кучка (Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа) – творческое содружество русских композиторов, сложившееся в конце 50 – начале 60-х гг. XIX в. В Могучую кучку входили: М. Балакирев (глава кружка), А. Бородин, Ц. Кюи, М. Мусоргский, Н. РимскийКорсаков. Ее идейным вдохновителем был В. Стасов, давший группе образное наименование в своей статье «Славянский концерт г. Балакирева». Идейно-художественные устремления Могучей кучки сложились под воздействием эстетических принципов русских революционных демократов. «Кучкисты» выступили против академической рутины, боролись за народность, реализм, национальное направление в русской музыке. Развивая художественные традиции М. Глинки, А. Даргомыжского, западноевропейских композиторов-романтиков, члены Могучей кучки создали выдающиеся образцы оперного, симфонического и камерно-вокального жанров. Придавая большое значение русской народной песне и фольклору других народов, они широко использовали их в своем творчестве. К середине 1870-х гг. Могучая кучка как единая, сплоченная группа перестала существовать, но ее эстетические прин-

ципы оказали значительное влияние на дальнейшее развитие русской музыкальной культуры.

По общей демократической устремленности к «кучкистам» близок П. Чайковский, не разделявший, однако, некоторые из их взглядов. Творчество Чайковского посвящено прежде всего раскрытию душевного мира психологически сложной личности.

В музыке XIX в. центральным жанром продолжала оставаться опера. Были созданы такие шедевры, как «Борис Годунов» (1869), «Хованщина» (1883) М. Мусоргского, «Евгений Онегин»

(1878), «Пиковая дама» (1890) П. Чайковского, «Снегурочка»

(1881), «Садко» (1896) Н. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» (1890) А. Бородина и др. Существенный вклад в оперный жанр внес А. Серов (оперы «Юдифь», 1863; «Рогнеда», 1865; «Вражья сила», 1871).

Классический период русского балета связан с творчеством П. Чайковского. Впервые балетная музыка стала не простым сопровождением танца, а выражением драматического сюжета.

Во второй половине XIX в. в творчестве П. Чайковского и А. Бородина родилась классическая русская симфония. Большая роль отводилась программному симфонизму (сюита «Шехеразада» Н. Римского-Корсакова, увертюры «Тамара» М. Балакирева, «Ромео и Джульетта» П. Чайковского и др.). К лучшим образцам в камерно-инструментальном жанре принадлежат ансамбли П. Чайковского и А. Бородина, в камерно-вокальном – романсы «кучкистов» и П. Чайковского. Высокие достижения наблюдаются в области фортепианной музыки (концерты для фортепиано с оркестром П. Чайковского, фортепианная фантазия «Исламей» М. Балакирева; фортепианный цикл «Картинки с выставки» М. Мусоргского).

Стремительно развивалась исполнительская культура (пианисты – братья А. и Н. Рубинштейн, В. Сафонов, А. Есипова и др.)

Тема 9. Русская музыка на рубеже XIX–XX вв.

В 80–90-х гг. XIX в. формируется творчество А. Глазунова, С. Танееева, А. Лядова, А. Аренского, В. Калинникова, М. Ипполитова-Иванова, А. Гречанинова. Преемственно связан с Могучей кучкой Беляевский кружок, возникший в 1880-х гг. Этот период

отмечен некоторой академизацией новаторских принципов «кучкистов», особым вниманием композиторов к проблемам мастерства (например, интерес С. Танеева и А. Глазунова к полифоническому стилю).

На рубеже веков через все русское искусство, и в частности через музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое общественное устройство. Далеко не все осознавали неизбежность революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряженность ощущали все или почти все. Атмосфера того времени отразилась в творчестве А. Скрябина и С. Рахманинова. Идеи, связанные с революционным подъемом начала XX в., нашли воплощение в творчестве других композиторов, в частности в операх «Кащей бессмертный» и «Золотой петушок» Н. РимскогоКорсакова. Прямым же выражением революционных надежд и стремлений была русская революционная песня.

В конце XIX в. происходит переакцентировка роли музыкальных жанров. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план, уступая место симфонической и камерной музыке. В симфоническом жанре сближаются традиции «кучкистов» и П. Чайковского (симфонии А. Глазунова, С. Рахманинова, С. Танеева), возникает новый тип симфонической поэмы («Поэма экстаза» и «Прометей» А. Скрябина). Высокие достижения наблюдаются в области камерно-инструментальной (творчество С. Танеева, А. Глазунова) и фортепианной (сочинения А. Скрябина, С. Рахманинова, Н. Метнера) музыки. В камерно-вокальной лирике наряду с романсами С. Рах- манинова, С. Танеева, Н. Метнера выделяются произведения Н. Черепнина, Р. Глиэра и др. Расцветает хоровая культура («Иоанн Дамаскин» и «По прочтении псалма» С. Танеева, «Литургия Иоанна Златауста», «Всенощное бдение» и «Колокола» С. Рахманинова, а также сочинения А. Гречанинова, А. Кастальского). В балетной музыке традиции П. Чайковского были продолжены А. Глазуновым (балет «Раймонда»). Во втором десятилетии XX в. складывается творчество И. Стравинского (балеты «Петрушка» и «Весна священная», поставленные в Париже во время Русских сезонов, привлекли внимание всей Европы) и С. Прокофьева (Скифская сюита, балет

«Про шута…», фортепианные произведения), где утверждаются новаторские стилевые и жанровые принципы.

Конец XIX – начало XX вв. – это яркий период в истории исполнительского искусства. Русскую вокальную школу прославили Ф. Шаляпин, А. Нежданова, Л. Собинов, И. Ершов; пианистическую – С. Рахманинов, скрипичную – Л. Ауэр, виолончельную – А. Вертбилович и др.

Тема 10. Советский период в истории отечественной музыки.

Октябрьская революция 1917 г. выдвинула новые задачи перед деятелями музыкальной культуры. Двери оперных театров и концертных залов широко раскрылись перед массой новых слушателей, неискушенных в восприятии художественных ценностей прошлого. Приобщение трудящихся к основам музыкальной культуры стало одной из государственных задач. Открывалось множество музыкальных школ, рабочих факультетов при консерваториях, разного рода кружков самодеятельности. Начали зарождаться новые формы музыкальной жизни. Музыка завершала митинги и торжественные заседания, входила как необходимый элемент в выступления агитбригад. Концерт-митинг – одна из самых популярных форм общественной жизни того времени.

В первые годы после Октябрьской революции примечательным для советской музыки было стремление выразить в искусстве дух революционной эпохи. Интенсивно развивался жанр массовой песни, в котором работали как самодеятельные авторы («По долинам и по взгорьям», «Смело мы в бой пойдем»), так и композиторы-профессионалы («Марш Буденного» Дм. Покрасса, «Красная Армия всех сильней» С. Покрасса).

Музыкальное творчество 1920-х гг. отмечено поисками новых средств в области музыкального языка, драматургии, формы, способных выразить актуальное содержание. Стремление отразить в музыке пафос индустриализации привело к усилению элементов конструктивизма и ослаблению связи с классической традицией. Для музыкального театра присуща тенденция приблизить оперу к драматическому спектаклю, к представлению плакатно-митингово- го характера. Среди массы созданных тогда сочинений лишь не-

многие сохранили художественное значение до наших дней. Среди них оперы и балеты С. Прокофьева, симфонии Д. Шостаковича.

В спорах о путях и перспективах развития советской музыки сталкивались разные группировки. Российская ассоциация пролетарских музыкантов (РАПМ), созданная в 1923 г., ратуя за идейную перестройку и демократизацию советской музыки на основе массовой песни, в то же время проявляла нетерпимость ко всем иным направлениям. РАПМ противостояла Ассоциация современной музыки (АСМ). Созданная в 1924 г. и объединявшая композиторов разных поколений, она выступала за высокий профессионализм, пропагандировала произведения советских, а также современных зарубежных композиторов. Постановлением ЦК ВКП(б) 1932 г. «О перестройке литературно-художественных организаций» разрозненные группировки были распущены, и вскоре был создан Союз советских композиторов.

В 1930-е гг. появляются значительные произведения в оперном жанре. Новые принципы оперной драматургии, глубину психологических характеристик, остроту драматического конфликта продемонстрировала опера «Катерина Измайлова» Д. Шостаковича (1932). Получили распространения произведения, основанные на интонациях и формах массовой песни, например опера «Тихий Дон» И. Дзержинского (1935). Авторы балетов обратились к остродраматическим сюжетам, к классической литературе: «Пламя Парижа» и «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева (1932, 1934). К высочайшим образцам мировой балетной музыки принадлежит «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева (1936).

Советский симфонизм продолжает и развивает традиции мирового симфонизма с его значительностью идей, философским осмыслением жизни (симфонии Н. Мясковского, Д. Шостаковича). Достигает расцвета жанр инструментального концерта (фортепианные и скрипичные концерты С. Прокофьева, Д. Шостаковича, А. Хачатуряна, Д. Кабалевского). Появляется интерес к кантатноораториальному жанру (классическим образцом явилась кантата «Александр Невский» С. Прокофьева, созданная в 1939 г. на основе музыки к кинофильму).

В годы Отечественной войны 1941–45 гг. определяющей темой музыкального искусства стала героическая борьба советского

народа с врагом. Символом единения советских людей явилась песня «Священная война» А. Александрова. Звучали патриотические и лирические песни М. Блантера («Катюша»), Б. Мокроусова

(«Заветный камень»), К. Листова («Землянка»), В. СоловьеваСедова («Вечер на рейде», «Соловьи»), Т. Хренникова, М. Фрадкина и др. Высокий пафос отличает симфонии военного времени – 7-ю («Ленинградскую»), написанную в первые месяцы блокады (в августе 1942 г. в осажденном Ленинграде ее исполнил симфонический оркестр Ленинградского радио), и 8-ю Д. Шостаковича, а также произведения Н. Мясковского, А. Хачатуряна, С. Прокофьева и др. Патриотическая направленность творчества вызвала интерес к отечественной истории, литературе (опера «Война и мир», музыка к кинофильму «Иван Грозный» С. Прокофьева; оратория «Сказание о битве за Русскую землю» Ю. Шапорина).

В годы войны продолжалась интенсивная исполнительская деятельность музыкантов, многие из них выступали в составе концертных фронтовых бригад. Не прекращалась исполнительская работа концертных организаций, учебных заведений, театров (не редко в эвакуации).

К достижениям послевоенных лет относятся симфонии

Д. Шостаковича и С. Прокофьева, балет «Спартак» А. Хачатуряна, Поэма памяти Сергея Есенина и Патетическая оратория Г. Свиридова.

В начале 1960-х гг. в советскую музыку пришло новое поколение композиторов: С. Губайдулина, Э. Денисов, С. Слонимский, Б. Чайковский, А. Шнитке, Р. Щедрин, К. Караев, Г. Канчели. В 1960 – 70-х гг. существенно пополнился арсенал выразительных средств советской музыки за счет освоения серийной техники, алеаторики, сонорики. Усиливается интерес к фольклорным жанрам, к новым принципам их обработки (кантата «Курские песни» Г. Свиридова, концерт для оркестра «Озорные частушки» Р. Щедрина). Разнообразна по тематике и жанрам театральная музыка. Наряду с многоактной оперой («Мертвые души» Р. Щедрина) развиваются жанры монооперы и камерной оперы («Дневник Анны Франк» Г. Фрида, «Шинель» и «Коляска» А. Холминова). Возникает жанр рок-оперы («Орфей и Эвридика» А. Журбина, «Юнона и

Авось» А. Рыбникова). Плодотворно работают в области балета

Р. Щедрин («Конек-Горбунок», «Кармен-сюита» и др.), Т. Хренников («Гусарская баллада»), Б. Тищенко («Ярославна»), В. Гаврилин («Анюта»). Обновление жанра симфонии происходит во многом благодаря введению в симфоническую музыку вокала и поэтического слова (Д. Шостакович), а также ее сближению с инструментальным концертом или камерно-инструментальным ансамблем. Развивается жанр концерта для оркестра («Звоны» Р. Щедрина).

Для музыки 1980-х гг. характерны углубленное осмысление действительности, обращение к актуальным проблемам современной жизни (войны и мира, защиты человеческой духовности). Это проявилось прежде всего в симфонической музыке, где наблюдается многообразие драматургических и композиционных решений. В 80-х гг. XX в. возобладала романтическая тенденция. В театральной и программно-симфонической музыке композиторы часто обращаются к отечественной истории, классической литературе, особенно к творчеству Ф. Достоевского (симфоническая поэма «Подросток» Б. Чайковского) и М. Булгакова (оперы «Бег» Н. Сидельникова, «Мастер и Маргарита» А. Петрова). Возникают новые формы синтеза музыки с другими видами искусства, возрастает роль музыки в спектакле и кино.

Тема 11. Современная отечественная музыкально-кон- цертная жизнь.

Музыкальные конкурсы и фестивали искусств.

Музыкальные конкурсы имеют давнюю историю. Виртуозы прошлого доказывали свое превосходство в какой-либо исполнительской области, участвуя в творческих состязаниях, которые носили в основном неофициальный характер. Лишь к концу XIX в., в связи с ростом исполнительского искусства, музыкальные конкурсы (национальные и международные) получили права гражданства.

В наши дни они стали неотъемлемой культурной традицией.

Конкурсы обычно проводятся на заранее объявленных условиях. Лучшим участникам жюри присуждает премии и звания лауреатов. Многие музыкальные конкурсы отличаются определенной репертуарной направленностью (например, в программы Шопеновских конкурсов обязательно включаются произведения Шопе-

на), а также для каждого конкурса устанавливается определенный ограничительный возраст (обычно до 35 лет).

В дореволюционной России композиторские и исполнительские конкурсы организовывались Русским музыкальным обществом (РМО), а также частными лицами. I Международный конкурс пианистов и композиторов был организован А. Рубинштейном в 1890 г. После революции, начиная с 1923 г., в стране начинают регулярно проводиться различные республиканские и всесоюзные конкурсы. В 1927 г. советские музыканты впервые приняли участие в Международном конкурсе (I конкурс пианистов им. Шопена в Варшаве, I премия – Л. Оборин).

Сейчас в стране ежегодно проводится огромное количество различных конкурсов, причем не только в Москве и СанктПетербурге, но и в других городах. К участию в них привлекаются музыканты самых различных специальностей. Расширяется и сама география конкурсов. В недавно выпущенном сборнике Ассоциации музыкальных конкурсов России («Музыкальные конкурсы России 2002–2003»), приводится информация о 55 проводимых в стране конкурсах. Вот лишь некоторые из них:

• Международный конкурс им. П.И. Чайковского. Проводится в г. Москве с 1958 г. (раз в четыре года). Первоначально включал две номинации: фортепиано, скрипка, – а позже были добавлены еще две – виолончель и сольное пение.

• Международный конкурс вокалистов им. М.И. Глинки. Первоначально проводился как Всесоюзный конкурс (с 1960 г.). Проходит в различных городах (например, XI – в Ереване в 1984 г., XVI – в Уфе в 1995 г., XVIII – в Астрахани в 2003 г.). Конкурс проводится по двум разделам: оперно-концертному и камерному.

• Международный конкурс «Гитара в России». В октябре 2002 г. в г. Воронеже проходил VI конкурс, посвященный 150летию со дня рождения Ф. Тарреги.

• Международный конкурс исполнителей на народных инструментах «Кубок Севера». Последний проходил в апреле 2003 г. в г. Череповце.

• Международный конкурс молодых композиторов. Последний состоялся в январе 2003 г. в г. Санкт-Петербурге.

• Всероссийский открытый студенческий конкурс вокалистов «Bella Voce». Последний (XI) проходил в апреле 2003 г. в г. Москве.

• Международный детский конкурс пианистов им. Д.Д. Шостаковича. Последний (III) проходил в ноябре 2002 г. в г. Москве.

В стране ежегодно проводится и огромное количество различных фестивалей. Среди них уже ставшие традиционными фестивали старинной музыки, фестивали современной музыки. В Саратове ежегодно проводится Фестиваль оперного искусства им. Л.П. Собинова, а у нас, в Омске, – областной фестиваль русской культуры «Душа России», в котором принимают участие различные самодеятельные коллективы Омской области. Последний (VI) проходил в декабре 2003 г.

Крупнейшие творческие коллективы:

• Государственный академический Большой театр оперы и балета (г. Москва) – главный дирижер А. Ведерников.

• Государственный академический Мариинский театр оперы и балета (г. Санкт-Петербург) – художественный руководитель В. Гергиев.

• Академический симфонический оркестр Санкт-Петербург- ской филармонии – художественный руководитель Ю. Темирканов.

• Большой симфонический оркестр им. П.И. Чайковского –

художественный руководитель и главный дирижер В. Федосеев.

• Академический симфонический оркестр Московской филармонии – художественный руководитель и главный дирижер Ю. Симонов.

• Московский государственный симфонический оркестр – художественный руководитель и главный дирижер П. Коган.

• Государственная академическая симфоническая капелла – художественный руководитель и главный дирижер В. Полянский.

• Российский национальный оркестр – художественный руководитель и главный дирижер М. Плетнев.

• Камерный оркестр «Виртуозы Москвы» – художественный руководитель В. Спиваков.

• Камерный оркестр «Солисты Москвы» – художественный руководитель Ю. Башмет.

• Оркестр русских народных инструментов Всероссийской телевизионной и радиовещательной компании – художественный руководитель и главный дирижер Н. Некрасов.

• Национальный академический оркестр русских народных инструментов им. Н. Осипова – художественный руководитель и главный дирижер Н. Калинин.

• Ансамбль народного танца – художественный руководитель И. Моисеев.

• Ансамбль солистов «Мадригал» – художественный руководитель Л. Давыдова.

• Государственный академический русский народный хор им. М. Пятницкого – художественный руководитель А. Пермякова.

• Государственный Омский русский народный хор – художественный руководитель А. Зобов.

Ведущие исполнители:

• Пианисты – Н. Петров, В. Крайнев, М. Плетнев, Д. Башкиров, Е. Кисин, Б. Березовский, А. Любимов и др.

• Скрипачи – В. Репин, В. Спиваков, В. Третьяков, С. Стадлер и др.

• Альтисты – Ю. Башмет и др.

• Виолончелисты – Н. Гутман, А. Рудин, Н. Шаховская, М. Уткин и др.

• Певцы – Е. Нестеренко, З. Соткилава, В. Атлантов,

Д. Хворостовский, Е. Образцова, Н. Путилин, Л. Казарновская,

С. Лейферкус, Л. Дядькова и др.