Тема 1. Развитие музыкальной культуры до XVII века

Происхождение музыки. Процесс вызревания музыки внутри практической деятельности людей был длительным и постепенным. Среди истоков музыки можно назвать интонации эмоциональной возбуждённой речи, пение птиц и зовы животных, ритмы работы первобытных людей, звуковые сигналы, магические заклинания. В первобытном обществе существовал синкретический (нерасчленённый) комплекс как действо, включающее элементы пения, движения, пантомимы. Он содержал зародыши музыки, танца, поэзии.

Целью подобных массовых действ, в которых соединялись в одном лице исполнитель и слушатель, было общение, связанное с организацией труда и ритуалов. Первоначальной основой действ был неорганизованный звуковой хаос, в котором постепенно произошёл переход от шумовых эффектов к звуковысотности. Появились напевы из нескольких звуков, разделённых на устои и неустои.В нихглавенствовало ритмического начало с преобладанием импровизационности. Многократное повторение сложившихся музыкальных и ритмических формул, их закрепление, постепенно вело к логической организации звуков.

В эпоху разложения первобытного (родового) строя художественная деятельность отделяется от практической и рождается музыка как самостоятельный вид искусства. Первоначально единая музыкальная культура дифференцируется на музыку разных классов, слоёв, на профессиональную и непрофессиональную. Начинает самостоятельное существование фольклор, ставший фундаментом музыкальной культуры общества в целом.

Музыкальная культура стран Древнего мира. Одной из основных черт музыкальной культуры стран Древнего мира (Египта, Вавилона, Сирии, Индии, Китая, Греции, Рима) является широкая деятельность профессиональных музыкантов (композиторов и исполнителей в одном лице). Важную роль приобретают практическая и духовная функции музыки: участие в труде, быту, воинской жизни, в гражданских и религиозных обрядах, в воспитании юношества. На этой исторической стадии впервые появляется музыка для слушания, выделяются различные песенные и танцевальные жанры. Более совершенными становятся музыкальные инструменты. Важным фактором развития музыкального искусства становится появление первых систем записи звуков (буквами, клинописью, иероглифами).

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 8

 

Мыслители и философы Древнего мира создают первые музыкально-эстетические и теоретические учения о музыке (труды Конфуция, Пифагора, Гераклита, Демокрита, Платона, Аристотеля).

Музыкальная культура античной Греции. Эпоха античности (от латинского –старый, давний) датируется в искусствоведческих источниках хронологическими рамками с XIIв. до н. э. по IV–Vвв. н.э. Культура Древней Греции представляет собой первый исторический этап в развитииевропейской культуры. Высочайшие достижения древнегреческого искусства в эпической поэзии, театре, ваянии и зодчестве, в философии оставались идеалом для западноевропейской культуры на протяжении долгих веков её существования.

Музыка играла огромную роль как в общественной, так и в личной жизни греков. В греческих городах-государствах – Афинах, Спарте, Фивах и других – обучение свободных граждан музыке было обязательным. Обучение включало в себя теорию музыки, эстетику и приѐмы исполнения. Под музыку проходили гимнастические и художественные состязания. Это были большие общественные мероприятия государственного значения, привлекавшие массы народа из различных местностей Греции. Участвовали в состязаниях певцы-солисты, музыканты-инструменталисты, хоровые коллективы, поэты.

Нотные записи тех времѐн либо отсутствуют, либо не поддаются точной расшифровке, поэтому источником сведений о древнегреческом музыкальном искусстве служат литературные произведения, скульптуры, барельефы, вазовые росписи.

Древнегреческий эпос возник в IX–VII вв. до н.э. в героический период греческой истории. Носителями его были странствующие певцы-сказители – аэды и рапсоды, пользующиеся всеобщим уважением и признанием. Содержанием их искусства являлось воспевание подвигов героев. Свои поэтические повествования рапсоды исполняли нараспев, в характере певучей декламации, сопровождая пение игрой на струнном щипковом инструменте – форминксе (черепаший панцирь с натянутыми поперѐк струнами).

Тексты сказаний слагались шестистопным стихом – гекзаметром, без рифмы и разделения на строфы. Длина строк придавала исполнению особую величавую неторопливость. Гекзаметром написаны два великих поэтических памятника древнегреческой культуры – «Илиада» и «Одиссея», приписываемые легендарному рапсоду Гомеру.

Гнев, о богиня, воспой Ахиллеса, Пелеева сына,

Грозный, который ахеянам тысячи бедствий содеял;

Многие души могучие славных героев низринул

В мрачный Аид, и самих распростѐр их в корысть плотоядным

Птицам окрестным и псам.

(Гомер. «Илиада»)

Древнегреческая лирика возникла позднее эпоса в неразрывной связи с поэзией. Вне пения, вне музыки у древних греков не существовало лирической поэзии. (Буквальное значение слова «лирика» - пение под лиру).

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 9

 

Недаром поэзии и музыке покровительствовала одна муза – Евтерпа.

В Древней Греции поэт всегда был певцом. Пение придавало слову пластичность, выразительность, интонационную определѐнность. Свою напевную декламацию поэт сопровождал игрой на музыкальном инструменте. Лирика могла быть, как сольной, так и хоровой. Содержание еѐ было самым разнообразным: любовное, философское, гражданское, военное и т.д. Среди творцов хоровой лирики такие полулегендарные поэты-певцы как Арион, Ивик, Пиндар. Создателями сольной лирики, изысканной и утончѐнной, были поэты Алкей, Анакреон и поэтесса Сапфо.

Конница – одним, а другим пехота,

Стройных кораблей вереница – третьим.

А по мне – на чѐрной земле всех краше

Только любимый…

(Сапфо)

Древнегреческое музыкальное искусство было по преимуществу вокальным – пение с инструментальным сопровождением, дублирующим вокальную мелодию. Хоровое пение было одноголосным, в унисон. Метрическое строение напева определялось стихотворным размером текста. Инструментальная музыка была развита мало, так как еѐ основным назначением являлось сопровождение пения. Наиболее распространѐнными инструментами были струнные щипковые – форминкс, лира, кифара, и духовые – сиринкс (флейта Пана), авлос (инструмент типа гобоя).

Одним из величайших достижений античной культуры явилась древнегреческая трагедия. Она родилась в Афинах в период расцвета рабовладельческой демократии.

Слово «трагедия» по-гречески означает «козлиная песнь». Это название идѐт от празднеств в честь бога виноделия Диониса, когда в жертву богу приносили козла, сопровождая обряд исполнением плясок, сказаний и песен. Отсюда и пошел особый вид театрального представления, которое основывалось на участии хора и выделившихся из него солистов-корифеев. Особого расцвета античная трагедия достигла в V в. до н.э. в творчестве великих драматургов Эсхила, Софокла, Еврипида.

Греческие трагедии целиком основывались на мифологии, сюжеты которой были хорошо известны зрителям. Поэтому интерес сосредотачивался не на фабуле, а на трактовке мифа автором. Сквозь мифологическую оболочку драматург отражал в трагедии современную ему общественную жизнь, высказывая свои политические, философские и этические воззрения. При всѐм многообразии мифологических сюжетов в основе каждого из них лежала одна и та же идея: всемогущество неумолимого рока, в тщетную борьбу с которым вступает человек. Олицетворением рока обычно являлись жестокие и неумолимые боги, обрушивающие на героя неисчислимые страдания и испытания. В этом неравном поединке герой погибал, но морально он нередко оказывался победителем, как, например, герой трагедии Эсхила «Прометей». Этическая роль трагических представлений была огромна. Согласно Аристотелю,

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 10

 

зритель, следя за событиями трагедии, испытывает сострадание к герою, страх за его судьбу. Это сопереживание потрясает зрителя, приводя его к катарсису – очищению души, возвышая его и воспитывая.

Театр Древней Греции был государственным учреждением, и организацию театральных представлений брало на себя само государство, назначая для этой цели специальных лиц. Драмы ставились трижды в год на праздниках в честь Диониса. Разыгрывались представления в огромных открытых амфитеатрах. В самом низу, у основания уходящих вверх каменных скамеек располагалась круглая площадка – орхестра, на которой выступали хор и актѐры. К ней примыкала скена – палатка, где актѐры переодевались и хранили реквизит. Так как зрители сидели со всех сторон, то не было ни плоскостных декораций, ни занавеса. В качестве декораций использовались статуи, ковры, драпировки, ткани.

Все роли (в том числе и женские) играли актѐры-мужчины. Они должны были не только хорошо декламировать стихи, но и уметь петь. Кроме того, греческие актѐры должны были владеть искусством танца и вообще искусством движения. Это было тем более важно, что актѐры носили маски и мимика из игры была исключена. Маски создавали обобщенные образы – или героические, возвышенные или карикатурно-комедийные. Кроме того, маска позволяла зрителям лучше видеть выражение лиц исполнителей. Играли в специальной обуви на очень высоких подошвах – котурнах, которые увеличивали рост актѐров, а также придавали их движениям некоторую величавость.

Основой трагедии являлся хор, состоявший из 12-15 мужчин. Предводитель хора назывался корифеем. Именно он выводил хор на орхестру под звуки флейты. Из хора выделялись актѐры (обычно трое), которые могли разыгрывать драматический конфликт и без участия хора. Но хор оставался важнейшей составляющей трагедии – он был выразителем общественного мнения, мудрым истолкователем происходившего на сцене. Хор исполнял свою партию напевной декламацией в унисон. Иногда он вступал в мелодизированные диалоги с солистами. В наиболее патетических местах актѐры исполняли напевные монологи – монодии. Сопровождали представление трагедии духовные инструменты флейта и авлос. Как правило, мелодии к трагедиям сочиняли или подбирали сами драматурги.

Древнегреческая трагедия стала первым в истории культуры синтетическим жанром такого уровня. В ней соединились театр, литература, музыка (инструментальная, вокальная - хоровая и сольная), элементы изобразительного искусства, пластика. Влияние древнегреческой трагедии на искусство последующих эпох оказалось огромным. Достаточно сказать, что в ХVII веке она стала прообразом жанра оперы.

Музыкальная культура средневековья (V–XIVвв.). Переход от древнего мира к средним векам в Европе был связан с нашествием варварских племён (гуннов, готов, вандалов), что повлекло за собой разрушение и уничтожение многих культурных ценностей античности. Утверждение феодального строя сопровождалось формированием духовного

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 11

 

всевластия католической церкви. Таким образом, переход от античности к средневековью стал идейным переворотом, обусловившим принципиальное различие этих эпох.

Народная музыка эпохи средневековья стала истоком возникновения светского музыкального искусства. Первыми носителями светской музыкальной культуры были странствующие музыканты (жонглёры, шпильманы, ваганты). Их искусство было многообразным и включало в себя пение, пляски, игру на музыкальных инструментах, показ фокусов, цирковые номера, кукольный театр. Поскольку господствующим видом музыки в средневековье была духовная (церковная), представители народного музыкального искусства подвергались гонениям властей и церкви.

Церковная музыка наиболее полно выражала идею христианства, ставшего одним из важнейших факторов развития культуры средневековья. Политическая и идеологическая сила католической церкви была такова, что полностью подчинила себе культуру, науку, мораль общества. Религиозное сознание господствовало во всех сферах духовной жизни.

Двойственность отношения церковных властей к музыке выражалась в осуждении музыки как мирского искусства, но в признании силы её эмоционального воздействияи допущении в богослужение. Формирование стиля церковной католической музыки в Западной Европе произошло в IV–VIIвв. Упорядочение христианского богослужения завершилось созданием антифонария –сборника строго канонизированных песнопений (антифонов), распределённых в определённом порядке по датам церковного календаря. С музыкой церкви тесно связано понятие григорианскогохорала (по имени папы римского Григория I), объединяющего все виды песнопений католической церкви. Христианское понимание музыки как воплощения в звуке слова обеспечило примат богослужебного текста над его музыкальным воплощением. Григорианский хорал, обращённый к чувству и сознанию верующих, внушал им отрешённость от земной жизни, погружал в священный трепет. Музыкальным стилем хорала была псалмодия (речитация в узком диапазоне молитвенных прозаических текстов на латыни). Ровный однообразный ритм и принципиальное одноголосие (мужской хор в унисон) обеспечивали отрешённое, «внеземное» звучание. Григорианский хорал стал символом эпохи, выразившей в нём своё понимание жизни и мира.

Музыку церкви разнообразили напевы с более развитыми мелодиями и ритмами –гимны, секвенции (распевные вставки, расцвечивающие молитвенный текст). Проникновение эмоционального начала побуждало церковных певчих к созданию новых секвенций. Секвенция«Диес ире» («День гнева») является памятником средневековой музыки, дошедшим до наших дней. Её мелодия неоднократно использовалась в музыке последующих эпох (вплоть до наших дней) как символ рока, смерти.

На основе григорианского пения сформировалась месса –главное воскресное богослужение католической церкви. Структура мессы пятичастна: 1. Kyrieeleison–Господи, помилуй; 2. Gloria–Слава в вышнихБогу; 3. Credo–Верую во единого Бога; 4. Sanctus–Свят господь Бог Саваоф; 5. Benedictus

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 12

 

–Благословен грядущий во имя Бога; 6. AgnusDei–Агнец Божий, взявший на себя грехи мира.

С течением времени мирское начало неизбежно проникало в церковную музыку. Одной из форм такого проникновения стала литургическая драма –инсценировка евангельского текста, исполняемаясвященниками в костюмах, со сценическими аксессуарами, техническими трюками.

В эпоху средневековья начала складываться теория музыки. Её ладовой основой стала диатоника, заимствованная из древнегреческой музыкальной теории. Для средневековья характерны также лады с древнегреческими обозначениями –дорийский, фригийский, лидийский, миксолидийский и разделение певческогодиапазона на шестизвучные отрезки –гексахорды с греческой буквой «гамма» в начале каждого. Однако особым достижением эпохи средневековья стало обозначение отдельных звуков гаммы с помощью первых слогов первых шести строк латинского гимна в честь святого Иоанна. Так появилось слоговое обозначение семи нот, действующее в музыке до современности. Вслед за названным нововведением последовала реформа нотного письма, проведённая церковным музыкантом Гвидо из Ареццо («нотный стан» на основе схемы струн кифары, ключи, обозначающие высоту звука, терцовое соотношение между линиями, ключевые знаки).

Проникновение многоголосия в культовую музыку вызвало бурное развитие хоровой полифонии, приведшее к потребности точной фиксации длительностей отдельных нот напева. Результатом этой «экспансии» многоголосия стало создание мензуральной (мерной) нотации, предполагавшей деление музыкального текста на такты, а также наличие графического выражения длительностей (чёрные и белые ноты).

Светская профессиональная музыка позднего средневековья (XI–XIV вв.) связана с возникновением рыцарского музыкально-поэтического искусства на юге Франции в Провансе. Его представителями стали трубадуры – странствующие поэты-музыканты. Круг образов их искусства – это любовная и дружеская лирика, воспевание верности воинскому и служебному долгу. Подобная тематика выражала противостояние искусства трубадуров средневековому аскетизму. Следование музыки за стихотворным текстом привело к созданию мелодического стиля, подчинѐнного закономерностям рифмованной, основанной на акцентности и периодичности, поэтической речи. Образование поэтической и музыкальной формы рондо знаменовало начало процесса формирования музыкальных форм-структур.

Представителями музыкально-поэтического искусства на севере Франции были труверы. Светское музыкально-поэтическое искусство в Германии получило название миннезанг (12-15 вв).

Музыкальная культура эпохи Возрождения (XIV–XVIвв.). Возрождение –одна из самых ярких и могучих эпох в истории европейской культуры. Основным содержанием этого периода европейской истории стало

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 13

 

возрождение античных идеалов, которое послужило одновременно и мощным толчком к дальнейшему развитию. Ведущей идеей эпохи стал гуманизм как вера в творческие силы человека, в его разум. В это время создаются новые методы научного познания природы и истории. В искусстве появляются новые творческие школы, девизом которых становится художественная правда и человечность. Взрыв энергии во всех видах искусства приводит к утверждению самостоятельного значения художественной деятельности в общественной жизни.

Музыка в Италии. Первый подлинный расцвет светского музыкального творчества начинается в Италии в XIVв. Здесь возникают новые песенные жанры, истоки которых лежат в народном творчестве (вилланелла, баркарола, баллада, фроттола). Многие из этих жанров, распространившись за пределы Италии, приобретают общеевропейское значение. Среди них – главный жанр светской вокальной музыки высокого Возрождения (XVIв.) мадригал. Мадригал –это многоголосная (4-5 голосов) куплетнаяпесня лирического содержания, со сложным полифоническим сплетением голосов, без сопровождения. Основой мадригала является лирическая поэзия, что обусловливает тесное слияние в нём слова и музыкального звучания. В мадригале происходит постепенное выделениемузыкой отдельных слов и выражений текста, закрепление за сходными поэтическими образами их типичного музыкального выражения. Так формируется своеобразный музыкально-поэтический словарь, где каждый образ текста получает собственный мелодический рисунок. Например, хроматические диссонансы в вертикали голосов приходятся на слова, выражающие страдание; восходящее мелодическое движение сопровождает образы, связанные с высотой (небеса, горы); нисходящие интонации воплощают картины земли, пропасти, ада.

Содержание мадригала охватывает широкий круг образов: от любовной лирики до политической сатиры. Среди крупнейших авторов мадригалов–известнейшие композиторы своего времени Л. Маренцио, Дж.Палестрина, К. Монтеверди, Джезуальдо ди Веноза. Музыкальной основой жанра является церковная полифония строгого стиля, характерными чертами которой являются редкость жанровых связей, отсутствие интонационных и ритмических контрастов, гармонического напряжения, избегание диссонирующих созвучий. Отдельного рассмотрения заслуживают мадригалы Дж. Палестрины –крупнейшего представителя хоровой полифонии итальянского Возрождения.

Французский Ренессанс обогатил европейскую музыку своеобразными жанрами и формами. Самым распространённым жанром профессиональной французской музыки стала шансон –многоголосная песня со светским текстом и народно-бытовой мелодикой. Реалистическое содержание шансон включало в себя исторические события, бытовые картины, музыкальные пейзажи, человеческие характеры. Наибольшую известность во Франции эпохи Возрождения получил замечательный композитор Клеман Жаннекен –мастер многоголосного письма, создававший

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 14

 

хоровыми средствами многочастные звуковые картины («Крики птиц», «Уличные крики Парижа», «Битва»).

Музыка в Германии. Обострение политических противоречий в Германии привело к религиозной революции –Реформации. Реформация послужила началом нового религиозного движения –протестантизма во главе с Мартином Лютером. М.Лютер провозгласил не только новые религиозные идеи, но и нравственную и воспитательную миссию музыки. Под его непосредственным влиянием произошло радикальное изменение прежней католической церковной службы: изгнание латыни, григорианских мелодий сложной полифонии. Возник новый жанр – протестантский хорал, основными чертами которого стало пение молитв на немецком языке всей общиной на достаточно простые напевы, близкие народным. Музыкальный стиль хорала отличался демократичностью: четырёхголосным гармоническим изложением с мелодией в верхнем голосе. Протестантский хорал сыграл роль музыкальногофундамента для дальнейшего развития немецкой музыки (органной школы, творчества Генделя и Баха).

Своеобразным явлением светского искусства немецкого Возрождения стало творчество мейстерзингеров – мастеров пения. Искусство мейстерзингеров возникло на основе объединения мастеров городских ремесленных цехов для занятий музыкой. Оно носило консервативный характер и подчинялось строгому своду правил сочинения музыки, препятствующему еѐ прогрессу. Своеобразным реформатором этого искусства стал поэт-композитор Ганс Сакс (сапожник по профессии), вышедший за рамки мейстерзанга и создавший огромное количество песен и драматических сценок. Память о мейстерзингерах и о Гансе Саксе была увековечена в опере Р. Вагнера «Нюрнбергские мейстерзингеры» (1868).