Тема 2. Музыкальная культура XVII – начала XVIII ВВ

Музыкальная культура эпохи барокко. XVII век называют эпохой государственности, господства абсолютной монархии. Ведущие экономические позиции занимала Англия, Франция и Нидерланды, Италию и Германию отличали упадок и раздробленность на княжества. В Италии, Фландрии, Испании, Франции, Голландии возникают национальные художественные школы. Культуру объединяло стремление ее представителей к целостному и глубокому восприятию действительности, к представлению о мире как о безграничном, изменчивом и противоречивом пространстве. Идеи динамизма и движения распространялись на все виды искусства. Время и ощущение быстротечности жизни стало главной темой творчества. Тема бренности сущего пронизывала поэзию и прозу, наполняла произведения мистикой и страхом. Восприятие иллюзорности мира привело к расцвету и жизнеутверждающих произведений. Человек и окружающий мир стали главным предметом творчества.

Ведущими стилями XVII в. были барокко (частично рококо) и класси-цизм. Барокко развивалось в феодально-абсолютистских государствах, под

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 15

 

влиянием католицизма. Характерные черты: приоритет мистического, ирра-ционального начала, преувеличение выразительности, динамика форм, по-трясение зрителей. Классицизм в XVII веке утвердился во Франции и был связан с культом разумной ясности, главенства общественного начала над личным, темами героизма, доблести, моральной чистоты, античной красоты. В искусстве не допускалась преувеличенная эмоциональность, преобладало стремление к рационализму, разуму и порядку, культ возвышенного и герои-ческого, идея пропорций.

В XVII в. господствующим становится новый тип мироощущения, для ко-торого мир воспринимается в противопоставлении материального и духовного, природного и божественного, эмоционального и рационального. В философии декларируются противоположные учения и принципы: метафизика (Декарт) и материализм (Гоббс, Локк, Бэкон), идеалистический и материалистический подходы, сенсуализм и рационализм, индуктивный и дедуктивный методы познания, антиномии Канта, диалектика Гегеля, монистизм Декарта и Лейбница, пантеизм Б. Спинозы, теория любви Б. Паскаля. Характерна идея Бога как средоточия высшего разума, справедливости, истины и милосердия. Барокко - художественная система, отражающая мировоззрение людей послеренессанс- ной эпохи, которые усматривали порядок жизни в противоречиях и считали, что нет ничего без оппозиций, антиномий, которые создают своеобразную высшую гармонию.

Европейское барокко охватывает период с 1600 до 1750 гг., от рождения оперы до смерти Баха. Барокко понимается и как историческая эпоха, и как художественный стиль. Существует несколько версий происхождения тер-мина барокко: ит. baroссо - жемчужина неправильной формы, baroссо - одна из форм схоластического силлогизма, baroссо - грубый, неуклюжий, фаль-шивый. В XVIII в. термин приобретает значение отрицательной эстетической оценки, барочным обозначалось все неестественное и преувеличенное. С 1850-х гг. начинается рассмотрение барокко как исторического стиля, этапа в развитии искусства позднего возрождения. В 1880-е гг. барокко признали как особое художественное явление. В 1920-е гг. возникает интерес к на-циональным вариантам барокко, обозначается периодизация и исторические границы. Именно в эпоху барокко сложилась парадигма музыки Нового вре-мени: музыка как мысль и речь, как аффект, как философия, этика и эстетика. Произошло становление важнейших жанров: оперы, кантаты, оратории, ин-струментального концерта, сонаты.

Типичными чертами эпохи являются усиление религиозной тематики, повышенная эмоциональность, значение иррациональных аффектов и эле-ментов, контрастность образов, динамизм, тяготение к обобщающим формам (циклические формы сонаты, концерта, оперы), синтетический характер творческой деятельности, сложность и избыточность. Антиномии эпохи со-существовали и в музыке. Характерной эмблемой стиля стали тезисы антич-ной риторики. В музыке были преломлены философские категории простран-ства, времени и движения. Пространство реализовывалось в стереоэффектах крупных композиций. Время выразилось в возникшей системе темповых обо-

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 16

 

значений, был изобретен метроном. Движение сказалось в развитии балета, инструментальных танцевальных сюит, в становлении музыкальных эмоций, символизировалось при помощи специальных музыкально-риторических фи-гур. Новаторством стала энергетика моторной ритмики инструментальных жанров, особенно концерта.

Эстетика как наука в эпоху барокко еще не сложилась, эстетические элементы были производны от философии и этики. Определяющей тенден-цией барокко было инвенторство (изобретение, открытие): изобретение ново-го типа музыки (Каччини), новых жанров (духовные концерты Виаданы), нового стиля. Культ крайностей барокко сходен с эстетикой модернизма и авангардизма XX в. Широко практиковалась импровизационность, расцвел жанр фантазии. Тенденцией, противостоящей текучести и свободе, была идея порядка, которая выразилась в создании равномерной темперации, в идеях централизации гармонии, в числовых пропорциях музыкальных форм (в не-мецкой традиции), в закреплении одной эмоции за одной формой («теория одноаффектности»).

Порождением духовной атмосферы эпохи стала музыка А.Скарлатти, Д. Скарлатти, Дж. Фрескобальди, К. Монтеверди, И. Пахельбеля, Д. Букстехуде, Ф. Шютца, А. Корелли, А. Вивальди, Г.Ф. Генделя, И. С. Баха.

Стиль барокко в итальянской музыке. Рождение оперы. XVII ст. в истории музыкальной культуры является рубежным - происходит разделение светской и церковной профессиональной музыки, рождается опера. Опера - это синтетический вид искусства, объединяющий театр, поэзию, танец и музыку. В недрах оперы складывались жанры инструментальной музыки - увертюра, оркестровая и балетная сюиты, формировалась симфония; она повлияла на жанры духовной музыки - ораторию и кантату. В исторически переломные эпохи опера становилась актуальной темой общественных путей и эстетической мысли.

Родина оперы - Италия. Рождению оперы предшествовала интенсивная музыкальная жизнь XVI в. с развитыми формами светского музицирования, распространением музыкально-театрального жанра пасторали, интересом в песне, культурой Флоренции. Итальянская опера представлена несколькими оперными школами: флорентийской, римской, венецианской, неаполитанской.

Флорентийская школа возникла при дворе герцога Медичи благодаря деятельности камераты (ит. «салон, кружок») - творческого объединения просвещѐнных аристократов, поэтов, музыкантов, ученых и любителей ис-кусств во главе с флорентийским меценатом Дж. Барди и музыкантом Я. Пери. Участников воодушевляла идея возрождения античной, древнегре-ческой музыки, которую они представляли как поюгцуюся поэзию, где музы-ка усиливает выразительность звучания слов и воссоздает «античный род пения» - музыкальную декламацию. Высшим образцом античного искусства считалась греческая трагедия со слиянием в ней поэзии, музыки и деклама-ции. Винченцо Галилеи, отец астронома, был виртуозом-лютнистом, певцом и композитором, автором трактата о господстве сольного вокального пения.

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 17

 

Основоположниками флорентийской оперы были поэт О. Ринуччини, ученик Т. Тассо и музыканты Я. Пери и Дж. Каччини. Первая опера - «Дафна» (1594) с текстом Ринуччини, музыкой Пери и Кореи (не сохранилась). Первой из сохранившихся опер - «Эвридика», приуроченная к бракосочетанию короля Генриха IV с Марией Медичи в 1600 г. Авторы - поэт О. Ринуччини и композитор Я. Пери. Опера была написана для солистов, пятиголосного мадригального хора и струнного ансамбля, скрытого за сценой. О начале действия, без увертюры, возвещали трубные фанфары, в подражание антич-ной трагедии действию предшествовал пролог с кратким аллегорическим содержанием пьесы. Преобладающим мелодическим стилем был речитатив, поддерживаемый цифрованным басом, пение сопровождалось аккомпане-ментом инструментального ансамбля за сценой, в оперу вводился хор. Пуб-лика состояла из узкого круга затоков и любителей-аристократов.

Историческое значение первых опер связано с образованием нового од-ноголосного вокального стиля, в основе которого речитатив и драматическая декламация. В основе сопровождения лежал принцип бассо континуо (ит. «длящийся бас») или «цифрованного баса»: одноголосную мелодию поддер-живали устойчивые аккорды, нотами записывался только бас, а аккордовые звуки обозначались цифрами по интервалам над ним. Этот прием способст-вовал развитию гармонии и инструментальной импровизации, т. к исполни-тель-клавесинист сам выбирал фактуру изложения. Такой стиль стал основой нового жанра drama per musica (ит. «драма, положенная на музыку»). Термин «опера» (ит. «труд, сочинение») появился позже.

Инициаторами создания оперного театра в Риме было семейство кардина-лов Барберини. В сюжетах пропагандировались христианские идеи с обяза-тельными морально-назидательными выводами, прославлялись деятели като-лической церкви. К участию в опере привлекались знаменитые певцы и композиторы Ст. Ланди, братья Мадзоки, М. Марадзоли, Л. Виттори. Это был более высокий этап эволюции итальянского оперного искусства. С целью пропаганды христианства оперные представления проводились на площади города с комическими сценками как средством привлечения простого народа. Оркестровая музыка стала играть важную роль: каждому акту предшествовало инструментальное вступление, позже появилась трехчастная увертюра с типичным чередованием контрастных частей. Лучшая опера - «Галатея» Л. Виттори (кастрат папской капеллы, сопранист).

Творчество К. Монтеверди. Клаудио Монтеверди (1567-1643) - итальянский оперный композитор, автор опер «Орфей» (1607, текст А. Стриджо), «Ариадна» (1608, текст Ринуччини; сохранились интермедия и Ария Ариадны), «Возвращение Улисса», «Коронация Поппеи» (1642), интермедий «Балет неблагодарных», «Музыкальные шутки», создатель мадригалов. В основу его опер положена драматическая мелодия (соncitato - ит. «взволнованный стиль»), соединяющая в себе выразительность речевых интонаций, декламации и вокала. Принципы его оперной драматургии были новаторскими: слово определяет мелодию, оперная композиция зависит от драмы и коллизии сюжета, а задача композитора - средствами музыки

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 18

 

показать характеры и ситуации. Монтеверди создал тип оперной арии lamento (ит. «плач»), арию da саро и другие формы сольного пения. Основу оперы составляет драматический речитатив, в кульминационные моменты вводятся музыкальные монологи - арии (ит. «дыхание, воздух»), Монтеверди включил в оперу симфонические эпизоды (увертюры, симфонии - с противопоставлением двух тем) с применением всех групп инструментов, вводил новые технические приемы исполнения.

Венеция в XVII в. была торговым городом с республиканским устрой-ством. Центрами общественной мысли были философские и литературно- художественные академии, первая из которых возникла в XV в. при дворе Л. Медичи. Во власти доминировала богатая буржуазия, что способствовало открытию в 1637 г. первого общедоступного оперного театра Сан-Касьяно. Опера демократизируется, выходит к городскому населению. Конкуренцию поддерживало применение особых технических эффектов, зрелищность, лег-ко запоминающаяся музыка. Либретто опер основывались на любовных ин-тригах, перипетиях сюжетов, свободной трактовке античных мифов с обили-ем массовых сцен. Традиционными были вставки комических эпизодов, не связанных с сюжетом. Из таких сцен возникла опера-буффа (комическая). Деловые условия антрепризы вынуждали импресарио постоянно обновлять репертуар. Постепенно устранялись балет и хор, ограничивался оркестр, сольное пение стало заменяться ариями, усилилось влияние народной музыки (песни-баркароллы). Композиторы венецианской школы: Франческо Кавалли (1602-1676) и Марко Антонио Чести (1623-1669). Кавалли разрабатывал разные формы сольного пения, а Чести создал тип парадной придворной оперы, был автором оперы «Золотое яблоко» на сюжет мифа о Парисе и Елене. С Венецией связан последний период творчества Монтеверди (опера «Коронация Поппеи»),

Неаполитанская опера со второй половины XVII в. стала ведущей в исто-рии итальянского музыкального театра. В XVI в. в Неаполе было четыре кон-серватории (приюты для бедных детей и сирот), была развита светская музыка. В консерваториях обучение длилось 10-12 лет, преподавали выдающиеся мастера итальянской музыки Скарлатти, Порпора, Дуранте. Главный оперный жанр - опера-сериа (ит. «серьезная») - опера солистов и сольного пения bel саnto (ит. «красивое пение»). Опера основана на мифологических или исторических сюжетах, в центре - запутанная любовная интрига с условным изображением персонажей и ситуаций. Хоров нет, из ансамблей - только дуэты. Ария в опере-сериа - композиционно замкнутая вокальная форма песенного типа, воплощает один образ. Строение было трѐхчастным, с видоизменѐнной репризой - da саро (ит. «с начала»): первая часть была изложением темы, середина - развивающего типа, затем следовало повторение сначала с украшениями, сочиненными певцом или по заказу. Типы арий различны, связаны со сценическими ситуациями и эмоциональными состояниями: патетические, гнева, ревности, отчаяния, страсти, воинственные, героические, жалобные, идиллические, любовные, застольные, танцевальные, шутливые и др. Арии соединялись речитативами

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 19

 

двух типов. Речитатив sессо (ит. «сухой») - исполнялся импровизационно, напевным говором, под клавесин, на нѐм строилось развитие действия. Речитатив ассоmраgniato (ит. «аккомпанированный») - развит мелодически, исполнялся под оркестр, предшествовал арии, стал одной из наиболее драматических форм оперной музыки. В неаполитанской опере впервые появилась увертюра, т.е «симфония», состоявшая из трех контрастных по характеру частей - героической, лирической и бытовой.

Основатель неаполитанской оперной школы - Алессандро Скарлатти (1660-1725) - итальянский композитор эпохи барокко, автор более 100 опер. Он утвердил форму «итальянской увертюры» (опера «От зла - добро», 1686) и арию с1а саро (оперы «Розаура», «Пирр и Деметрий»), Кроме опер, ораторий и серенад, Скарлатти создал более пяти сотен камерных кантат для голоса соло и несколько месс. Отличительные черты опер Скарлатти: преобладание музыкального начала над драмой, предпочтение замкнутым формам сольного пения, отделение речитатива от арии, утверждение типа арии da саро, двух видов речитатива (sессо и ассоmpagniato). бытовых жанров (сицилиана).

Итальянская инструментальная музыка. В эпоху барокко наблюдается расцвет скрипичного искусства. Широкое распространение в этот период получила виола (предшественница современного скрипичного семейства). Она имела несколько разновидностей: виола да гамба, виола д'амур, виола бастарда. Однако вскоре виолу вытеснила скрипка, расцвету которой способствовала деятельность прославленных итальянских скрипичных мастеров - Николо Амати, Антонио Страдивари, Джузеппе Гварнери (мастеров в создании скрипок, альтов, виолончели). Наиболее рас-пространенным скрипичным жанром была трио-соната. Название жанра ус-тановилось в связи с исполнительским составом, который включал три пар-тии: два инструмента средней и высокой тесситуры и бассо континуо. Основу цикла составляли медленное торжественное вступление, аллегро (быстрая часть) типа фуги, медленная лирическая часть и быстрый танцевальный финал. По структуре к трио-сонате близок старинный концерт: сольный и кончерто гроссо.

В эпоху барокко приоритет в развитии скрипичной музыки принадлежит итальянской скрипичной школе. Еѐ основоположником считают Арканджело Корелли (1653-1713) - автора жанра кончерто гроссо (12), который внес большой вклад в развитие трио-сонаты (4 сборника) и старинной скрипичной сонаты.

Творчество А. Вивальди. Антонио Вивальди (1678-1741) - скрипач-виртуоз, композитор, педагог и дирижер, католический священник. Один из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII в., утвердил новую драматизированную, так наз. «ломбардскую» манеру исполнения. Творческое наследие композитора включает 90 опер (сюжеты К. Гольдони), более 500 концертов, свыше 100 сонат для различных инструментов, светских кантат, серенад, симфоний, Stabat Mater и др. В основном известен как мастер ансамблево-оркестрового концерта (concerto grosso), создатель инструментальных скрипичных концертов и жанра

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 20

 

сольного инструментального концерта, оказал влияние на развитие виртуозной скрипичной техники. Всего у него 465 инструментальных концертов: из них 49 кончерто гроссо, 331 сольных концертов с бассо континуо, 38 концертов для 2-х инструментов с бассо континуо, 32 концерта для трех и более инструментов с бассо континуо. Вивальди установил для сончерто гроссо трехчастную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Цикл «Времена года» из четырех концертов является одним из ранних образцов программной музыки. Ему принадлежит единственный в истории музыки концерт для двух мандолин. Творчество Вивальди оказало огромное влияние на итальянских и немецких композиторов (на И. С. Баха).

Крупнейшим представителем итальянской скрипичной школы также был Джузеппе Тартини (1692-1770). Он внѐс значительный вклад в развитие инструментальных жанров сонаты (175 сонат для скрипки с бассо континуо, соло и трио-сонаты) и концерта (125 концертов для скрипки с оркестром). Его стиль отличает развитая техника, богатство штрихов. Некоторые сонаты имеют программные заголовки: «Покинутая Дидона», «Дьявольская трель». Название последней связано с приснившимся Тартини сном, в котором дья-вол поразил его воображение сыгранной сонатой, под впечатлением от чего Тартини создал свою сонату (трель звучит в быстрой части финала сонаты).

Стиль классицизм во французской музыке. «Лирическая трагедия». Развитие французской оперы связано с расцветом французского абсолю-тизма. В 1567 г. в Париже была основана «Академия поэзии и музыки» с де-визом обращения к античности и идеалам гуманизма. Центром становится Версаль. Первые французские оперы находились под влиянием итальянской оперы. Инициаторами создания оперы были поэт Пьер Перрен и музыкант Робер Камбер. Первый музыкальный театр - Гранд Опера. Особенности дра-матургии французских опер связаны с влиянием французского театра и клас-сической трагедии Корнеля и Расина. Это пятиактная композиция с проло-гом, декоративностью форм, условной системой сценического поведения актеров, и особым пониманием роли речитатива - речитатив стал выразите-лем декламационности. Важнейшей составной частью оперы стал балет, ут-вердилось значение так наз. французской увертюры из трех частей (медлен-ная, быстрая, медленная).

Жан Батист Люлли (1632-87) - композитор, скрипач, танцор, дирижер и педагог, создатель французской национальной оперы (19 опер). Был круп-нейшей фигурой музыкальной жизни Франции при Людовике XIV. В своих операх в жанре «лирической трагедии» Люлли стремился усилить музыкой драматические эффекты, придать экспрессию декламации и драматическое значение - хору. Благодаря эффектности постановки, балета, достоинствам либретто и музыки, его оперы были известны в Европе и оказали влияние на развитие этого жанра. При Люлли певцы впервые стали выступать без масок, женщины - танцевать в балете; впервые трубы и гобои были введены в ор-кестр, возник тип французской увертюры. Кроме лирических трагедий, Люл-ли создал балеты, симфонии, трио, арии для скрипки, дивертисменты, увер-тюры и мотеты.

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 21

 

Немецкая опера возникла в условиях господства догматизма, религии и богословия во всех видах искусства, которое зависело от вкусов мелких дворов и протестантской церкви. Предпочтение отдавалось иностранным артистам. Первые оперные театры возникли в Мюнхене и Вене. Первой стала опера «Дафна» (1627) Генриха Шютца (1585-1672) - композитора, ученика Дж. Габриели. Центром немецкой оперной национальной школы стал Гам-бург, который называли северной Венецией, там открылся первый оперный театр (1678), стали выходить газеты, музыкальный журнал, возникло общест-во музыкантов-любителей - Коллегиум Музикум во главе с композиторами Н.З. Куссером и Р. Кайзером (1674-1739). Кайзер - крупнейший немецкий оперный композитор, автор речитативов-ариозо, автор опер «Октавия» и «Нерон». Гамбургский оперный театр прекратил своѐ существование к концу 30-х гг. XVIII в.

Стиль рококо в инструментальной музыке. Клавесинизм. Инструментальная музыка эпохи барокко развивалась в трех направлениях: органная, клавирная и скрипичная музыка.

Орган - ведущий инструмент эпохи барокко. Главным жанром органной музыки стала фуга. Для органа писали канцоны, ричеркары, токкаты, фанта-зии, прелюдии, каприччио, чаконы, пассакалии, хоральные прелюдии. Круп-нейшими композиторами и исполнителями до И.С. Баха были: Джироламо Фрескобальди (Италия), Ян Питерсон Свелинк (Нидерланды), Иоганн Якоб Фробергер, Самуэль Шайдт, Иоганн Адам, Георг Бѐм, Иоганн Пахельбель и Дитрих Букстехуде (Германия).

Органисты были также исполнителями на клавикорде и клавесине. Раз-новидностями клавесина в Италии было чембало, в Англии - вѐрджинел, во Франции - спинет. Основными жанрами клавирной музыки барокко были сюита, соната и концерт в его разновидностях. Сюита (франц. «ряд», «после-довательность»; итал. партита) - это инструментальный цикл, чаще всего танцевальный. В состав сюиты в качестве обязательных танцев входили: не-мецкая аллеманда, подвижная французская куранта, медленная испанская сарабанда, стремительная английская жига. Нередко к ним присоединялись дополнительные: французский буре, гавот, менуэт, польский полонез. Вклю-чались и нетанцевальные пьесы - ария, рондо. Преамбулой, вступительной пьесой служила прелюдия или французская увертюра. Соната (итал. sоnаrе - «звучать») существовала в двух разновидностях: сольная клавирная и ан-самблевая (скрипичная, виолончельная, флейтовая с фортепианным сопро-вождением). Концерт (лат. «состязание») - это циклическое произведение, в основе которого лежит контраст звучания полного исполнительского состава tutti (либо отдельных инструментальных групп) и sо1о. Разновидностями концерта были: сольный концерт (оркестру противостоит один инструмент), соncerto grosso, или «большой концерт» (всему составу оркестра – tutti, т.е соncerto grosso противостоит группа инструментов - соncerto), духовный (с органом) и светский (с клавесином). Крупнейшие композиторы- клавесинисты: Доменико Скарлатти (Италия) - мастер клавесинных сонат (ок. 300), или экзерсисов (виртуозные произведения типа этюдов), новатор в

РЕПОЗИТОРИЙ БГПУ 22

 

области клавирной техники; Франсуа Куперен, Жан Филипп Рамо и Луи Клод Дакен (Франция); Генри Перселл (Англия).

Английская музыка в XVII веке. Творчество Г. Пѐрселла. Английская опера имела кратковременную историю, которая была связана с деятельностью пуритан и аристократов. Спектакли с песнями и танцами были традицией для английского театра, в котором музыка была частью драматического действия. Оригинальными английскими жанрами были «маски» - дивертисмент из разных номеров, сопровождаемых пением, тан-цами и инструментальной музыкой, драматические сцены сочетались с хоро-вым и сольным пением; «кэтчи» - шутливые полифонические каноны (англ. «догонять, поймать»); «граунды» (англ. «земля, основание») - пьеса, в кото-рой на постоянно повторяющуюся мелодию баса наслаиваются возникающие новые голоса. В церквах звучали национальные хоровые гимны - антемы. Основу светских театральных представлений составляли античные сюжеты развлекательного плана или фантастические истории. В Англии сложилось творчество великого композитора Генри Пѐрселла (1658-95) - автора первой национальной оперы «Дидона и Эней» (1689). Главная область его творчест-ва - музыка для театра (ок.50-ти театральных пьес Наследие композитора включает светскую и духовную музыку, хоровые, органные, камерно- ансамблевые, клавесинные произведения). Его творчество стало обобщением английских музыкальных традиций. Появление «Дидоны» стало рождением английской национальной музыкальной драмы, в которой. принципы евро-пейского оперного искусства сочетаются с традициями национального анг-лийского театра, с характерными чертами английской и шотландской народ-ной песни, танца, бытовой инструментальной музыки. После ранней смерти композитора (в 37 лет) закончился и расцвет английской музыки вплоть до ее возрождения уже в XX ст. в творчестве Б. Бриттена.