2015-04-23
651
Тициан Вечеллио родился в Пьеве ди Кадоре, маленьком селении в горах провинции Беллуно. Он был вторым сыном Грегорио Вечеллио, происходившего из известного рода нотариусов, адвокатов и администраторов.
С первых шагов по стезе живописи Тициан проявил себя как необычайно талантливый художник. Для его работ характерно сочетание величественности, степенности с удивительным натурализмом.
Его творчество отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанровживописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа, как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного, является также ярким представителем венецианской школы живописи.
Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на её развитие в XVII столетии.
Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни. Одним из выдающихся произведений этого периода является картина «Любовь земная и небесная» (1514 – 1515 гг.). Перед нами изображены одетая и обнаженная женщины (называемые Венерой земной и небесной Венерой, или Прозерпиной и Венерой), они сидят по краям резного фонтана. Фоном служит спокойный реалистический пейзаж. Женщина слева, одетая в белое платье в этом случае может символизировать невесту, а обнаженная героиня – быть богиней любви Венерой. Венера обращается к Прозерпине, словно желая посветить её в тайны любви. Это одна из возможных версий. Но каким бы там ни был действительный замысел Тициана, ему удалось создать произведение, поражающее гармонией композиции, лучащейся теплотой цвета и удивительными контрастами.
|
|
|
Во втором периоде творчества (1519 – 1530 гг.) Тициан создавал для церкви Санта-Мария дельи Фрари огромную алтарную картину «Вознесение Марии» (1516 – 1518 гг.) более известную как «Ассунта». Картина была помещена над алтарём после торжественной церемонии. Поначалу полотно чуть не было отвергнуто из-за своей поистине революционной новизны. На самом деле, создавая этот шедевр, Тициан ломает все традиции обычной для этой тематики иконографии, чтобы вновь обратиться к схемам композиции Рафаэля и пластике фигур Микеланджело. Художник пренебрег обычными намеками на смерть и оплакивание, сосредоточив внимание картины на центральной фигуре Марии, поднимающейся в лучах божественного света к престолу Всевышнего. Её поддерживает сияющий полукруг ангелов, а на земле бушует радостное волнение апостолов. Непосредственность происходит из-за совмещения драматической силы и динамического напряжения, которые выражены неповторимым тициановским красным цветом, омытым ярким сиянием.
|
|
|
В третьем периоде творчества (начиная с 1530 г.) художник создает одно из своих лучших произведений «Лежащую Венеру» или «Венеру Урбинскую»(36) 1538 г. Картина была написана для герцога Урбинского, в честь которого она и получила свое название. Эта Венера – богиня плотской любви, раскинувшаяся в алькове и предлагающая зрителю свою великолепную наготу. В руке она держит букет роз – традиционный атрибут богини, как и стоящий на подоконнике мирт. Однако черты лица богини совершенно индивидуальны, взгляд её не рассеян; она открыто и призывно смотрит на зрителя. Вокруг изображен не дикий пейзаж, а внутренние покои богатого венецианского дворца, со всеми атрибутами повседневной жизни: двумя горничными, вынимающими из сундука наряды своей госпожи. С тончайшим мастерством живописец передал нежность и теплоту её обнаженного тела.
Интерес вызывают и портреты Тициана. Написанный в 1546 году «Портрет папы Павла III с Алессандро и Оттавио Франезе», на котором изображен главный покровитель инквизиции, со своими племянниками – произведение шекспировского склада: такого анализа индивидуальных характеров не было ни у кого из художников.
Страшный по своему непреклонному реализму портрет. Хищный и хилый старец в папской мантии напоминает загнанную в угол крысу, которая готова метнуться куда-нибудь в сторону, но пути отрезаны. Двое молодых мужчин держатся подобострастно, однако это подобострастие явно фальшивое: мы чувствуем атмосферу назревающего предательства, коварства и интриг. И позже эти раболепные вассалы действительно предали своего господина: Тициан угадал в этом гениальном портрете то, что должно было случиться.
Примерно в это же время Тициан создаёт картину «Даная», которая является воплощением красоты обнаженного тела, не уступающая Венере Урбинской. Это полотно хранится в коллекции Эрмитажа.
В последний период творчества, начиная с 50-х гг. (это уже эпоха позднего Возрождения), Тициана больше волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий.
Живописные методы позднего Тициана выводят ренессансную живопись за её прежние границы: в них уже заложена, как растение в зерне вся специфика «живописности». Поздний Тициан говорит на языке, близком языку Веласкеса и Рембрандта, он духовный отец всех этих позднейших художников, которые живописными специфическими средствами – соотношениями тонов, пятном, динамическим мазком, фактурой красочной поверхности – предавали мир в его ощутимой материальности. Все ренессансные художники передавали материальность форм, но главным образом через их объемность, пластику, трактуя их, по существу, скульптурно. Венецианцы, и более всех Тициан, сделали новый огромный шаг, поставив на место статуарности динамическую живопись, заменив господство линии господством цветового массива, пятна.
Однако у Тициана живописность ещё нигде не расстаётся с осязательным чувством пластической, объемной формы: у него эти элементы находятся в равновесии. Оттого такая безусловная жизненность его фигур, которым, в самом деле «недостает только дыхания».
Тициан в период позднего расцвета своего искусства возвращается к выделяющимся своей чувственностью мифологическим сюжетам, которые он сам называет «поэмами». Картины предназначались для короля Испании Филиппа II.
По сравнению с юношеским творчеством 30-х годов, изобилующим игривостью и живостью, художник обращается к классическому мифу, рассматривая сквозь призму мрачных размышлений над трагическим смыслом человеческого существования.
Произведения были написаны между 1550-м и 1562 годами. К ним относятся «Диана и Актеон», «Смерть Актеона», «Диана и Каллисто», «Персей и Андромеда», «Похищение Европы» и «Венера и Адонис».
|
|
|
К наиболее ярким произведениям позднего периода можно отнести: «Кающаяся Мария Магдалина»(38) 1560-е, «Пьета» (1576 г.), «Мучения Св. Лаврентия» (1559 г.)и др.
«Кающейся Магдалиной» можно наслаждаться часами. Следы слез на цветущем лице, припухшая верхняя губа и покрасневшая кожа над ней, то, как струятся по плечам и груди густые волны волос металлического отлива, - всё даёт зрителю такую полноту чувственного погружения в предмет, на какую только способна живопись. Если мы, оторвав взгляд от Магдалины, посмотрим, как написан стеклянный сосуд в левом нижнем углу картины, мы будем поражены: так мог написать импрессионист. Несколько отрывистых энергичных ударов кистью по темному лессированному фону передают форму и прозрачность сосуда. Значит, Тициан всё это уже знал, он проник в самые утонченные секреты живописного «впечатления» и мог бы таким же приемом писать человека, - но этого он не хотел. Он был сыном Ренессанса, видевшего в человеке венец творения. Для художников Возрождения показалось бы кощунством передавать зрительное впечатление от человека – они хотели воссоздать самого человека в его телесной и духовной завершенности, в гармонии тела и духа.
Собрание Эрмитажа располагает кроме «Кающейся Марии Магдалины» и «Данаи» ещё несколькими произведениями последнего десятилетия жизни Тициана. Самое позднее из них и самое показательное – Святой Себастьян». Если в «Кающейся Магдалине» чувствуется душевная скорбь художника. В «Святом Себастьяне это настроение еще сильнее. Оно выражено самой живописью, колоритом. Герой стоек мужественен до конца, но его окутывает и затопляет мрак. Какое-то грозовое марево плывет, клубится, вспыхивает красными проблесками и сгущается в темную тучу.
«Святой Себастьян» очень сильное по воздействию произведение, но, пожалуй, самым обескураживающим полотном является «Истязание Марсия», где изображена очень жестокая сцена сдирание кожи с подвешенного сатира.
|
|
|
Где мажорная спокойная прежняя цветовая гамма, как в картине «Любовь земная и небесная»? Здесь этот поклонник сияющих красок становится почти монохромным. Если верить традиционным данным, художнику, когда он работал над «Себастьяном» и «Марсием», было около ста лет: неудивительно, если его зрение тускнело, но удивительно то, что он, подобно глухому Бетховену, именно в это время взял новый рубеж своего искусства. Его живопись при сближенных тонах становится, как никогда, динамичной по мазку, трепетной по фактуре. Темный фон не глухой, а живой, он весь пронизан какими-то токами, кажется, что в нем всё время происходит некое движение. Если вглядеться вблизи – видна огромная сложность и смелость живописной кладки. Кое-где ясно просвечивает подмалевок, в некоторых местах даже видны нити холста, а рядом – сгустки краски, как застывшая лава. Поверхность буквально вылеплена «больше пальцами, чем кистью».
Незадолго до смерти художник потерял веру в способность искусства воссоздать высочайшую гармонию и размеренность. Возможно, на художника ещё повлияли и события в Венеции. Во второй половине XVI столетия на Венецию падают тени католической реакции; хотя она оставалась формально независимым государством, инквизиция и сюда простирает свою длань, а ведь Венеция всегда славилась веротерпимостью и светским, вольным духом искусства. Страну постигает и другое бедствие: её опустошает эпидемия чумы, этот грозный бич средних веков (от чумы умер и Тициан).
