Символизм: зарождение идеи

Особая эстетика, направленная на поиск выразительных средств для обозначения внутренней сущности явлений через использование внутреннего опыта художника, получила название символизм. Для него характерно широкое экспериментаторство: изменение отношения к искусству; новые приемы; космополитизм; открытость влияниям.

Символизм – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX вв., прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Во Франции символизм и декаданс не противопоставляются, считаются двумя этапами одного процесса. Но в России в 1890-е гг. эти термины стали противопоставлять: в символизме видели идеалы и духовность, а в декадентстве – безволие, безнравственность и увлечение лишь внешней формой.

Символизм повлиял на творчество А. Мухи, члена Салона ста. Для того, чтобы подчеркнуть свою близость к французскому символизму, он так же называл свои собственные выставки. Плакат такой выставки 1897 г. является примером его символического живописного языка. Юная девушка, символ изобразительного искусства, показана держащей в руке кисть и рисовальную доску. На ней изображены символы, которые один из современных художнику критиков определил так: «… сердце, которому глупость угрожает чертополохом, гениальность – тернами и любовь – цветами». В плакате присутствует и аллюзия на происхождение Мухи – обрамленная маргаритками голова девушки является распространенным мотивом народного искусства Моравии. Многие его циклы представляют собой визуальный образ явлений одного порядка. Например, литографии «Лунное сияние», «Утренняя звезда» объединены идеей времен суток. А цикл «Времена года» включает рисунки «Весна», «Осень», «Зима», «Лето». «Славянский эпос» состоит из огромных полотен, наполненных сложной языческой (и псевдоязыческой) символикой.

Адепты символизма истинной полагали идею Тютчева, что «мысль изреченная есть ложь». Символистам свойственен глубокий историзм, с позиций которого оценивались и события современности, музыкальность поэтической строки, энциклопедизм культурного арсенала. Они выступали за «чистое искусство»: идеализм – удел интеллектуалов, материализм – доля мещан. Некоторым (А. Блоку, Вс. Иванову, З. Гипиус) свойственно увлечение мистико-религиозными идеями; всем им – романтизм – стремление уйти от реальной действительности, уход от грубой жизни – «не творцы жизни, а лишь поэты». К концу первого десятилетия ХХ в. под давлением политической реакции символизм иссяк и выродился в акмеизм.

Братство прерафаэлитов. В 1848-1853 гг. в Лондоне существовала группа английские художников и писателей, опиравшиеся в своем творчестве на искусство раннего Возрождения, которое они назвали эпохой «до Рафаэля». В нее входили поэт и живописец Данте Габриэль Россетти (1828-1882), живописцы Уильям Холмен Хант (1827-1910), Джон Эверетт Миллес (1829-1896) и др. Прерафаэлиты явно наследники романтизма и предшественники символизма.

Художники объединились под общим стремлением противопоставить холодному академизму (корни которого они видели в искусстве Высокого Возрождения) «живую веру», т.н. примитивов итальянского искусства Треченто (1300-х гг.) и Кватроченто (1400-х гг.). Идейные основы этого течения заложил искусствовед и критик Джон Рескин (1819-1900). Взволнованной, цветистой прозой он призывал к возрождению «наивной религиозности» средневекового и раннеренессансного искусства; обосновывал «нравственное превосходство» готики, преимущественно итальянской, венецианской, над прочими стилями. Подражание художественной традиции итальянского искусства XV в. обусловило сочетание скрупулезной передачи натуры со стилизацией и сложной символикой.

Прерафаэлиты создали в изобразительном искусстве новый тип женской красоты – отрешенный, спокойный, таинственный, который позже разовьют художники стиля модерн. Светлые пышные волосы, большие зеленые глаза, бледная кожа, тонкий нос с тонко вырезанными ноздрями. Прототипом стала Лиза Сиддал – продавщица из шляпного магазина, ставшая женой Данте Россетти и музой всех прерафаэлитов. Их мадонны и ангелы имеют ее черты. Ей была посвящена поэма «Благословенная отроковица» Росетти. Со временем необразованная девушка стала тонким ценителем искусства. Подвижническое служение ему привело ее к смерти. Позируя для Джона Миллеса в образе утонувшей Офелии, она простудилась в холодной воде ванны и вскоре умерла.

Следующей музой прерафаэлитов могла быть неграмотная дочь оксфордского конюха Джейн, ставшая женой Уильяма Морриса (1834-1896), представителя второго поколения прерафаэлитов. Джейн выучила французский и итальянский языки, обучилась игре на пианино, начала писать стихи. Она стала душой группы, но ее муж не обладал столь выдающимся талантом художника, как Россетии и Миллес. Он все же нарисовал один раз Джейн в образе королевы Гвиневры.

Моррис и его друзья-художники работали в созданной им компании «Искусства и ремесла», воплощая идеи прерафаэлитов в дизайне и декорации интерьеров, в производстве мебели, витражей, изразцовой плитки, ковров, обивочных тканей. Их основной идеей становится эстетизм, стилизация форм, эротизм, культ красоты и художественного гения. Живопись прерафаэлитов стала развиваться в сторону усложнения плоскостной орнаментики и мистической окраски. Из позднего прерафаэлизма вырос стиль арт-нуово, позже ставший международным стилем (в России – это модерн). Их влияние особенно проявляется в творчестве Густава Климта.

Тематически и технически к ним близок эстетизм Обри Винсента Бердсли (1872 – 1898), выдающегося английского художника-иллюстратора. Когда двадцатилетнему начинающему художнику поручили проиллюстрировать «Смерть короля Артура» Мэлори, Бердсли не пытался имитировать Средневековье. Он сделал изысканную стилизацию, своего рода маскарад, на котором рафинированные леди и денди предстают в облике рыцарей круглого стола и прекрасных дам. Он разработал собственную технику создания иллюстраций, которые представляют собой рисунки, раскрашенные тушью. Эффект создается сочетанием черных и белых пятен и тончайших линий. Художник тщательно отрабатывал каждую деталь рисунка, а затем китайской тушью покрывал темное пространство и тщательно вычерчивал кружевные линии, передавая вычурные прически и наряды дам, детали обстановки, пейзаж и фон. В 1894 г. Бердсли проиллюстрировал пьесу Оскара Уайльда «Саломея». Персонажи были перенесены в современность, Саломея воплотила в себе образ прекрасной и порочной злодейки. При отсутствии каких-либо натуралистических подробностей иллюстрации пронизывала эротика.

82. Американская литература рубежа веков

Марк Твен (1835—1910) - классик американской литературы, прозаик, публицист. Настоящее имя Сэмюел Клеменс. Литературным дебютом стал рассказ «Знаменитая скачущая лягушка из Калавераса» (1865) и рассказы («Как меня выбирали губернатором», «Часы», «Разговор с интервьюером», «Как я редактировал сельскохозяйственную газету», «Журналистика в Теннесси» и др.). В них он заявил о себе как художник самобытный, глубоко национальный (в отличие от некоторых своих «европеизированных» коллег), блистательно освоивший юмор «фронтира», грубоватый, насыщенный гротеском, буффонадой, выросший из народного просторечья и фольклора. Всемирную славу принесла ему трилогия, имеющая во многом автобиографический характер. Первая ее часть — «Приключения Тома Сойера» (1876), ставшая духовным спутником многих поколений читателей, рисует психологически достоверно, правдиво мир детей с их свободолюбием, тягой к романтике, непосредственностью, который противопоставляется мещанскому, затхлому, пропитанному лицемерием миру взрослых. Расширением социальных горизонтов писателя отмечен роман «Приключения Гекльберри Финна» (1884), давший непревзойденную по масштабности панораму американской действительности.

Теодор Драйзер (1871—1945) - прозаик, публицист, общественный деятель, один из наиболее популярных в нашей стране американских писателей. Дебютировал романом «Сестра Керри» (1900). В центре его «Трилогии Желания», состоящей из романов «Финансист» (1912), «Титан» (1914) и «Стоик» (1945), — прослеженная от детства до последних дней, развернутая на широком социальном фоне жизненная судьба Фрэнка Каупервуда, энергичного капиталиста, финансиста, «титана без души и сердца», богатейшего и ведущего борьбу в джунглях бизнеса. Проблемы искусства, всегда интересовавшие Драйзера, отразились в романе «Гений». Классикой романа XX в. стала «Американская трагедия» (1945) Драйзера.

Джек Лондон (1876—1916) - один из наиболее популярных в нашей стране американских писателей. Его сборники рассказов «Сын волка», «Бог его отцов», «Дети мороза» и др., рисующие волевых, мужественных людей в условиях «белого безмолвия» сурового Севера, осуждающие трусов и предателей, принесли ему широчайшую известность. Восхищаясь сильными личностями, он вместе с тем не принимает воинствующего, враждебного людям индивидуализма. Его олицетворял Вулф Ларсен, герой его известного романа «Морской волк» (1904). Лондон внес вклад в разработку спортивной темы в литературе (рассказы «Кусок мяса», «Мексиканец»), был прекрасным художником-анималистом, мастером изображения животных (повести «Зов предков», «Белый клык»). Радикализм Лондона сказался в его известном утопическом романе «Железная пята» (1908). Его автобиографический роман - «Мартин Идеи» (1909) - показал психологию писателя, характер его жизненных борений, драматизм его судьбы. Прожив короткую жизнь, всего сорок лет, он менее чем за два десятилетия интенсивной работы оставил обширное наследие. В его лучших книгах суровая правда жизни соединяется с романтической идеализацией и героизацией положительных персонажей, людей, преданных дружбе, чувству долга.

83. Западноевропейский модерн: архитектура, живопись, рисунок, дизайн

Проникновение идей символизма в архитектуру и декор привело к появлению нового стиля, поставившего своей целью преодоление противоречия между эстетическим и утилитарным. Он имел разные названия: арт-нуово (Франция), модерн, т.е. «современное искусство» (Англия, Россия, Испания), тиффани (от названия ювелирной фирмы, США), сецессион (по названию выставочного салона в Вене, Австрия), югендштиль, т.е «молодой стиль» (Германия). Он возник как протест против буржуазного прагматизма, но в связи с чрезвычайной дороговизной его материальных образцов (зданий, декора, ювелирных изделий) был доступен именно состоятельной буржуазной публике.

Предшествующий стиль – эклектика, или национальный романтизм, от которого модерн отличает (1) отказ от использования ордера, (2) принцип эстетического единства здания и всех деталей внутреннего и внешнего декора; (3) особое предпочтение растительным орнаментам и более плавных, изогнутых линий; (4) сочетание художественных и утилитарных функций создаваемых произведений; его девиз: прекрасное – во все сферы деятельности человека.

Основными визуальными жанрами, затронутыми этим стилем стали архитектура, мода, живопись. В поиске единства конструктивного и художественного начал архитектура модерна вводила свободную, функционально обоснованную планировку, применяла каркасные конструкции, разнообразные, в том числе новые, строительные и отделочные материалы (железобетон, стекло, кованый металл, необработанный камень, изразцы, фанера, холст). Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Характерные для архитектуры этого времени дома-иллюзии, дома-растения отрицали симметричность форм, а кованые перила выражали напряженный ритм эпохи.

Идея применения стального каркаса как несущей конструкции впервые появилась у архитекторов Чикагской школы – Луиса Салливена и Франка Ллойда Райта. Их же авторству принадлежит принцип «органичной архитектуры», то есть привязки строения к окружающему пейзажу, а также конструирование внешнего облика здания исходя из его внутреннего содержания, т.е. принцип «изнутри-наружу».

Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и внутреннему интерьеру, который тщательно прорабатывался. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки – все тщательно проектировалось в едином стиле. Первым архитектором этого стиля считается бельгиец Виктор Орта (1861-1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы: металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения.

Но дальше всех от классических представлений об архитектуре ушел Антонио Гауди (1852-1926), работавший в Барселоне. Под влиянием идей Джона Рескина, провозгласившего: «Декоративность – начало архитектуры», он нашел свой совершенно неповторимый стиль. Он двигался от модной тогда неоготики к стилю фантасмагорических линий. Здания, сооруженные им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека. Дома и парковые композиции представляют собой непрерывный водный поток, песчаную дюну или бесконечную лиану. Особенно любил архитектор параболические арки, отождествляемый им со Святой Троицей.

В рождении этого стиля велика роль меценатов, богатых любителей искусства, оплачивавших строительство зданий в десятки раз превышавших стоимость возведения аналогичного строения в каком-либо из традиционных стилей. Таким покровителем и заказчиком для Гауди стал Эусеби Гуэль – текстильный магнат, богатейший человек Каталонии, не чуждый эстетических озарений, мог позволить себе заказать любую мечту, а Гауди получил то, о чем мечтает каждый творец: свободу самовыражения без оглядки на смету. Дворец Гуэля соединил в себе творчески переработанные в единое целое мотивы нескольких средиземноморских стилей – арабского, византийского и венецианского.

Для живописи модерна характерны плоскостность, орнаментальность целого в сочетании с включенными в ткань произведения иллюзорными и даже натуралистическими деталями. Поэтому справедливо утверждение, что в основе эстетики модерна лежат три кита: экзотика, эротизм, ирреальность.

Художественный язык модерна был во многом воплощением идей и образов символизма. С живописью модерна связаны Поль Гоген, участники группы «Наби» во Франции, Эдвард Мунк в Норвегии, М.А. Врубель и В.М. Васнецов, участники группы «Мир искусства» (А.Н. Бенуа, Л.С. Бакст, К.А. Сомов) в России. Скульптура модерна отличалась текучестью форм и причудливостью силуэта, примером чего служит позднее творчество Огюста Родена во Франции и работы А.С. Голубкиной в России.

Чешский художник Альфонс Муха (1860-1939), один из наиболее известных представителей стиля модерн, начинал с театрального декораторства. С 1889 г. он должен был заняться изготовлением рекламных плакатов, афиш, иллюстраций в книгах и журналах, календарей, ресторанных меню, приглашений, визитных карточек. Бедность его не покидала, а слава все не находила, однако за это время он освоил технику литографии, которая впоследствии стала едва ли не главным его пристрастием. И вот в 1893 г. к нему попадает заказ на афишу премьеры представления «Жисмонда» с участием актрисы Сары Бернар. Эта работа сделала его знаменитым уже на следующий день после премьеры. В ней присутствует уже оформившийся собственный стиль Мухи, который практически не изменится за следующие полвека творческой жизни: плоский рисунок без выявляющей объем штриховки, но очень декоративный за счет точной выразительной линии; золотистая колористика; вертикальный, продолговатый формат работ.

Муха стал родоначальником дизайна как жанра искусства. Он разработал множество упаковок, этикеток и рекламных иллюстраций для товаров и продуктов самого разного рода. Обложка американского журнала с объявлениями о сдельной работе не менее изыскана, чем этикетка французского шампанского «Моэт Шандон». Он любил говорить: «Бедность тоже имеет право на красоту». Его демократический настрой подсказал ему решение проблемы плагиата, которая всегда сопровождает популярность. В 1902 г. Муха опубликовал каталог своих орнаментов с предложениями как использовать их на практике. Сфера его интересов была широка: он делал также архитектурные проекты, эскизы ювелирных украшений, рисовал монументальные живописные полотна в серии картин «Славянский эпос».