Основные направления художественной культуры ХХ века. Модернизм и постмодернизм в культуре ХХ века

В ХХ веке возникает целый ряд направлений и течений художественной культуры, которые долгое время будут восприниматься как направления, отказавшиеся от всех художественных традиций. Эти новые направления принято обозначать терминами «модернизм», «новое искусство», «художественный авангард». В буквальном значении все эти названия подчёркивают новаторский характер нетрадиционных художественных направлений.

Новое искусство ХХ века – это многообразие течений и направлений. Творчество его отдельных представителей вообще не вписывается в рамки каких-либо художественных течений. Кроме того, многие представители авангарда в разное время создавали произведения, которые теперь причисляются к различным авангардистским течениям.

Не существует единство мнений даже в вопросе выбора обозначения искусства ХХ века. Одни специалисты предпочитают понятие модернизм (в таком случае возникает путаница с понятием модерн – так назывался художественный стиль в архитектуре, дизайне, прикладном искусстве начала ХХ в.). Другие ученые предпочитают понятие «авангард». В большинстве случаев под модернизмом (или авангардом) понимают именно совокупность нетрадиционных течений. Рассмотрим наиболее известные течения модернизма.

Фовизм. Слово «фовизм» произошло от французского слова, означавшее «дикие» (оно прозвучало в одной из критических статей, посвященных художественной выставке в Париже 1905 г). Наиболее известные представители фовизма – это А. Дерен, М. Вламинк, А. Марке, и самый знаменитый из них – Анри Матисс. Фовизм стал явлением, обозначившим принципиальный и осознанный разрыв с традициями предшествующего искусства – от Возрождения до ХIХ века. Реализм и стремление отражать действительность были принципиально отброшены.

В качестве основных отличительных особенностей фовизма называют следующие:

- использование ярких красочных сочетаний, совершенно независимо от цветов реальных предметов;

- резкая деформация пропорций и форм реальных объектов;

- создание с помощью этих художественных приемов картин, которые бы не напоминали реальные объекты, а создавали особый эмоциональный настрой именно своей необычностью, своей яркостью, красочностью.

Фовисты прибегали к деформации и искусственным ярким цветам для того, чтобы заставить зрителя забыть о реальных объектах. Матисс постоянно подчеркивал, что цель искусства – доставлять радость человеку яркими красочными сочетаниями, абсолютно не заботясь при этом, насколько точно картина отражает реальность. Матисс считал, что изобретение и развитие фотографии сделало бессмысленным делом реалистическую живопись и поставило живопись перед необходимостью создавать картины, не имеющие ничего общего с природной реальностью.

Кубизм (П. Пикассо, Ж. Брак, Ф. Леже, Р. Делоне). Название возникло после выставки 1908 г., также в результате недоброжелательной рецензии в прессе. Картины художников представляют собой на первый взгляд различные комбинации геометрических фигур – треугольников, квадратов и т.д. Художники-кубисты исходили из положения Сезанна о том, что в основе натуры лежат простые геометрические объемы – шар, цилиндр, конус.

Однако картины кубистов не состоят исключительно из идеальных геометрических фигур. Их особенностью произведений является стремление передать изображаемые объекты с помощью сочетаний различных плоскостей, изображения самых схематичных, характерных черт объектов. Кубисты считали, что таким образом они могут передавать основные пространственные элементы, из которых складываются реальные вещи. Картины кубистов можно рассматривать и как результат стремления показать суть, схематическую основу природных объектов.

Самый известный представитель кубизма, великий Пабло Пикассо (1881-1973). Его работа «Авиньонские девицы» (1907), в которой варварская деформация сочетается с классической композицией, стала точкой отсчета для кубизма. К кубизму относятся также работы Пикассо «Портрет А. Воллара», «Три женщины», «Игрок в карты» и пр.

Кубисты начали применять такие средства выражения, которые приведут впоследствии к возникновению новых видов искусства. Так, Жорж Брак, стал дополнять свои картины различными вклейками из газет, объявлений. Этот прием получил название коллаж (от франц. «вклеивание»).

Экспрессионизм (от expressio – выражение). Главная цель – выразить свои чувства и свои мысли по поводу окружающей действительности. Отличительная особенность экспрессионизма – в трагическом или тревожном, драматическом восприятии положения человека в современном мире. Экспрессионисты подчеркивали, что современная общественная система враждебна человеку. Общество, государство, экономика, социальные институты живут по своим законам, в которых нет места заботам о человеческой индивидуальности. Экспрессионизм получил наибольшее распространение в Германии, где возникли творческие объединения экспрессионистов – «Мост» (1905 г.) и «Синий Всадник» (1911 г.). В эти группы входили Э. Кирхнер, Ф. Марк другие художники. Идеолог этого течения Э. Кирхнер считал экспрессионизм направлением, специфически свойственным германской нации

Предшественником экспрессионизма считается н орвежский художник Э. Мунк, который в своей картине «Крик», изобразил кричащего в ужасе человека. Распространенным приемом в живописи экспрессионизма было использование деформаций в изображении человеческого тела, что символизировало придавленность человека обществом, социальными противоречиями, которые разрывают человека на части. Сочетания красок в картинах экспрессионистов чаще всего кричащие, тревожащие.

Сюрреализм (от фр. – «сверхреальный, выходящий за пределы реального). Частосюрреализм рассматривают как развитие такого течения как «дада» или дадаизм, возникшего примерно в 1916 году. Его представители, Т. Тцара, М. Эрнст, М. Дюшан видели основную задачу в отрицании всех ценностей и условностей современной им культуры и цивилизации. Поведение представителей дада было вызывающим, зачастую скандальным. Свои произведения дадаисты собирали и комбинировали из мусора на помойках (например, крыло автомобиля и пр.)

Сюрреализм не ограничился только отрицанием, нигилизмом, скандалами. Принципы сюрреализма были изложены в 1924 году в «Манифесте сюрреализма» (автор – французский поэт Андре Бретон). Бретон считал, что в своем творчестве художник должен стремиться реализовать свободу духа, которую сдерживают предписание разума, эстетические и нравственные принципы. Свободе художника также мешают традиции, стереотипы и художественные условности. Освобождение от все этих условностей и есть путь искусства.

Важную роль для формирования сюрреализма имело учение Фрейда, и в частности, теория сновидений, в которых определяющая роль принадлежит бессознательным, глубинным желаниям человека. В сновидениях ослабляется или исчезает сдерживающая роль традиционной логики. При этом, несмотря на свою необычность, они не являются выражением хаоса, в них есть своя последовательность, своя логика. Именно сочетание необычного и какой-то таинственной логики стали использовать в своем творчестве сюрреалисты.

Произведения сюрреалистов представляли собой необычайные комбинации не только сновидений, но и комбинации любых мыслей, идей, фантазий, появившихся в уме или в чувствах художника. Озарения мысли, плоды воображения подвергались обработке не здравым смыслом или логической обработке, но художественной обработке, мастерства и таланта живописца, поэта, режиссера.

Сюрреалисты, работавшие в живописи, использовали следующий прием: отдельные детали картины выписывались в реалистической манере, выписывались с почти фотографической точностью. Но сочетание этих деталей было совершенно необычным. Такой художественный: прием обеспечивал достаточно сильный психологический эффект воздействия на зрителя, – это сочетание знакомого и неизвестного, традиционного и нового, понятного и непонятного. Это характерно для работ Сальвадора Дали.

Представителями сюрреализма являются знаменитый кинорежиссер Л. Бунюэль, писатель А. Бретон, поэт П. Элюар, художники М. Эрнст, Р. Магритт

Абстракционизм – беспредметное искусство. (К. Малевич, В. Кандинский, П. Мондриан, П. Клее). Абстрактная картина на первый взгляд представляет собой сочетание красочных геометрических фигур, просто цветовых пятен. Но если в фовизме или кубизме эти фигуры и пятна сливались в некое подобие реальных объектов, то в абстракционизме эти сочетания даже приблизительно не напоминали очертания реальных предметов, отсюда и название – беспредметное искусство. Но соотношения фигур и красочных были или глубоко продуманными или же служили выражением художественной интуиции.

Малевич и Кандинский создавали не только художественные произведения, но и хорошо продуманные теоретические концепции, в которых объяснялись принципы и особенности абстрактного искусства.

Абстрактное искусство при своем рождении вызвало наибольшее отторжение у публики, задававшейся вопросами: что это значит, как это понимать, в чем здесь смысл? Поэтому теоретические объяснения Малевича и Кандинского были необходимы, но это были объяснения не отдельных произведений, а толкование принципов художественного творчества в целом.

Самым известным произведением абстракционизма является картина Малевича «Черный квадрат» (1915 г.). На белом холсте был изображен черный квадрат и больше ничего. «Черный квадрат» был не столько самостоятельным произведением искусства, сколько своеобразным лозунгом или теоретическим манифестом (был чем-то вроде буквы нового художественного алфавита) нового искусства.

Свой необычный принцип Малевич обосновывал в первую очередь тем, что геометрическая фигура – это чисто духовное произведение. В природе нет квадратов, треугольников, овалов, конусов и т. д. Все эти феномены – плоды деятельности интеллекта, чисто духовные сущности. Обращаясь к этим произведениям, художники вырываются из плена материальных, природных объектов. Искусство в таком случае становится абсолютно духовным явлением.

Малевич называл свой творческий метод супрематизмом (от лат. слова, означающего «возвышающийся, превышающий»), т. е. искусство, возвышающиеся над материальными вещами. Супрематические картины состояли из разноцветных геометрических фигур. Талант художника заключался в том, чтобы найти гармоничные сочетания этих геометрических фигур, сочетание, которое благодаря интуиции художника могло бы стать символом каких-то феноменов, недоступных для обычного зрительного восприятия.

Теоретические идеи В. Кандинского были изложены в его книге «О духовном в искусстве». Абстрактные картины – это не произвольное сочетание красок, форм и линий. В основе каждой композиции лежит внутренний голос художника, способность художника улавливать внутреннюю духовную основу предметов и воплощать ее для чувственного восприятия. Абстрактное искусство, по мнению Кандинского, – это духовное искусство. Его произведения – не случайное нагромождение форм и пятен, не симметричный калейдоскоп, а зримое выражение духовных процессов. Названия некоторых картин Кандинского отражают его понимание сути и предназначения искусства: «Импровизации холодных форм», «Утверждение», «Земное и красное», «Налево» и пр.

Искусство второй половины ХХ века.

После окончания второй мировой войны возникает еще несколько направлений художественного авангарда, однако, они уже не вызывают такого общественного резонанса, как абстракционизм и сюрреализм. В некоторых из этих вновь возникших направлениях можно заметить стремление использовать уже найденные художественные принципы и приемы, используя их в новых комбинациях. В середине XX в. возникает абстрактный экспрессионизм, представители которого считали, что произведение искусства должно быть непосредственным выражением творческих импульсов художника, фиксирующего свои подсознательные импульсы в каком-то материале. Так, американский художник Дж. Поллок создавал свои картины даже без помощи кисти. Он мог разливать по холсту краски разных цветов прямо из банок. В результате картины представляли собой сочетание произвольных красочных пятен.

В оп-арте (буквально – оптическое искусство) художественные объекты создавались с помощью оптических эффектов. Это могли быть, например, сочетания световых потоков, идущих из разных источников света. Боди-арт (буквально – телесное искусство) представляет собой, вероятно, самое оригинальное и самое ироничное течение авангарда. Произведения боди-арта – это живой человек, принимающий определенную позу, или несколько людей, составляющих определенную композицию, т.е. элементами произведений боди-арта были человеческие тела, фигуры.

В конце 50-х годов широкое распространение получает поп-арт. Произведения поп-арта – это комбинации самых различных объектов (предметы быта, например, несколько банок кока-колы и пр). Но эти банки составлялись в особом порядке, они могли быть прикреплены к холсту, к стене, к стенду. Поп-арт мог иронизировать над рекламой, но в то же время – использовать приемы рекламы. Поп-арт мог иронизировать над тягой людей к красивым вещам, но в то же время приветствовал этот интерес. Впрочем, разные представители поп-арта могли ставить перед собой разные цели и задачи.

Наиболее известными представителями поп-арта были Энди Уорхол, Роберт Рашенберг, Джаспер Джонс, Джеймс Розенк и др.

В 70-е годы XX века получает распространение постмодернизм (значит буквально после модернизма). В названии этого течения прослеживается дистанциированность от других направлений авангарда.

В культурологии для характеристики культуры второй половины ХХ века используется понятие «постмодерн». Часто происходит путаница понятий «постмодерн» и «постмодернизм» (как и в случае с модерном и модернизмом). Между этими понятиями нет четкой границы. Иногда они употребляются как синонимы, а иногда под понятием «постмодерн» имеют в виду название эпохи (например, «культура эпохи постмодерна»), а понятие «постмодернизм» используют по отношению к искусству.

В целом, постмодернизм можно рассматривать как основное направление современной философии, искусства и науки второй половины ХХ века. Необходимо отметить, что постмодернизм имел иные философские основания, нежели модернизм.

Постмодернизм выступил с критикой основных идеалов «проекта Модерн» (традиции культуры, идущей от эпохи Просвещения»). Один из теоретиков постмодерна Ж.Ф Лиотар, считает, что для культуры этой эпохи характерна утрата веры в «великие метаповествования» («метанарративы»), под которыми он понимает главные идеи новоевропейской культуры:

- идею прогресса

- эмансипации личности

- представление просвещения о знании как средство установления всеобщего.

Одним из его главных характеристик постмодернизма является «культурная опосредованность», (или «цитатность»), одним из еглавных художественных принципов – цитата. Многие эпизоды произведения постмодернизма строятся таким образом, что они связаны с каким-то другим произведением: связь может быть в схожести ситуации, характеров, в схожести стиля изложения или изображения. Иногда постмодернисты идут даже на прямые цитаты из других произведений. Характерным примером может служить роман итальянского писателя, теоретика постмодернизма Умберто Эко «Имя розы».

Другой фундаментальный принцип постмодернизма – ирония, в котором господствует всеобщее смешение и насмешливость над всем. Ирония и цитатность порождают такой жанр как пастиш (от итал. pasticco – опера, составленная из кусков других опер; попурри). Пастиш отличается от пародии тем, что теперь пародировать нечего, нет того серьезного объекта, который мог бы быть подвергнут осмеянию. «Как писала О. М. Фрейденберг, пародироваться может только то, что «живо и свято». В эпоху постмодерна ничто не живо и уж тем более не свято».

Характерная черта искусства постмодернизма – попытка преодолеть разрыв между массовым и элитарным искусством, между интересным для масс, и искусством, интересным для самих художников и для специалистов, интеллектуалов, художественных критиков. Обычно для этого прибегают к популярному жанру, например, к детективу, комедии, мелодраме, используют сюжет, захватывающий внимание публики, которая с интересом следит за происходящим в книге или на экране.